Author: Juan Carlos Saloz

Si vous êtes dans ce monde, vous savez parfaitement que Disney Plus vient de sortir la deuxième saison d’Andor. Et, bien qu’il n’y ait pas encore de données sur le succès de cette très attendue première, il est clair d’après les conversations sur les réseaux que les fans de Star Wars peuvent à nouveau se réjouir. Enfin, après beaucoup d’attente, le meilleur artefact culturel que Disney a créé pour la saga de Lucasfilm est de retour.

Une nouvelle espérance pour Star Wars

Bien que, ces dernières années, il semble que Star Wars ait complètement perdu le nord, lorsque Andor a été lancé en 2022, nous avons dû nous contenter d’un bon moment. La première saison a été une anomalie saluée par la critique et le public : une série qui rompait avec les codes les plus désuets et ennuyeux de la saga, osant aborder des thèmes beaucoup plus profonds et intéressants. Avec une approche sobre, politique, existentialiste et complexe, Andor n’a pas seulement élargi l’univers de cette galaxie lointaine, très lointaine, mais a également prouvé qu’il y avait encore beaucoup de place pour raconter de grandes histoires pertinentes à l’intérieur.

Bien que dans Andor nous ne voyons pas (en général) la meilleure iconographie de Star Wars, c’est-à-dire des sabres laser, des jedis et le pouvoir de la Force, la série a réussi à plonger dans les interstices de l’univers de George Lucas comme jamais auparavant. Tony Gilroy, son showrunner, a mis l’accent sur les marges. Il a parlé des travailleurs opprimés de l’Empire, des espions sans gloire de la Rébellion et de les vies ravagées par un système totalitaire qui se montre non pas à travers le spectacle visuel, mais à travers les rouages quotidiens de la répression. La réception ne laissait place à aucun doute. Avec un score de 96 % sur Rotten Tomatoes et de nombreux prix, il était clair que c’était le meilleur qui ait été fait dans l’univers de Star Wars depuis des années. Et pour cela, il a simplement dû suivre le chemin tracé par Rogue One.

Le retour d’Andor, donc, n’est pas seulement celui de son protagoniste interprété par Diego Luna, c’est aussi la confirmation que Star Wars peut être pertinent au-delà du fanservice. Le seul inconvénient est que ce sera sa dernière saison, car il faut se rappeler que tous les événements de la série se terminent dans Rogue One. Mais maintenant, c’est le moment de profiter de cette ambition narrative qui, sincèrement, n’était attendue de Disney.

Bien que The Mandalorian ait prouvé qu’il était possible de réaliser des merveilles visuelles au format série, Andor va là où ni la série de Pedro Pascal ni d’autres comme Obi-Wan Kenobi, Ahsoka ou The Acolyte ne sont allées. En effet, Andor ne ressemble pas à une série tournée devant un écran vert. Grâce à sa direction photographique et artistique, ses rues poussiéreuses et ses bâtiments chargés d’histoire peuvent être ressentis. De plus, cette approche du réalisme tactile ne repose pas seulement sur les décors. Elle s’étend également au traitement des personnages : Cassian n’est pas un héros traditionnel, mais un homme brisé, poussé à la lutte non par un code moral élevé, mais par la colère, la douleur et la perte. La rébellion, dans Andor, ne naît pas du destin, mais du désespoir.

Néanmoins, ce bijou narratif atterrit dans le pire contexte de la saga de son histoire. La saturation de séries et de films mal traités, avec peu de profondeur et des personnages surchargés, a provoqué qu’il y a très peu de fictions qui se sauvent de Star Wars. Peut-être que l’exception la plus proche soit Skeleton Crew, mais le reste de la fiction télévisuelle de La guerre des étoiles semble voué à l’échec.

Dans ce désert créatif, Andor se distingue comme un oasis. Mais aussi comme une exception dangereuse : une série qui semble exister malgré le système, et non grâce à lui. La grande question est de savoir si Star Wars aura le courage de suivre ce chemin. Pour l’instant, cela ne semble pas être le cas. Mais peut-être est-il temps qu’une nouvelle espérance arrive.

Soyons sincères : 2025 est en train d’être une année désastreuse pour le cinéma. Pour l’instant, le seul véritable succès au box-office que nous avons eu est Minecraft… et malgré ses chiffres, il est clair que ce n’est pas un film que je recommanderais à quiconque sur cette Terre. D’autres tentatives de blockbuster se sont également soldées par des échecs, comme Captain America : Brave New World et Mickey 17. Et, si l’on parle de Blanche-Neige, c’est vraiment à pleurer.

Mais, au milieu de cette voracité de films médiocres, un film a émergé qui non seulement explose le box-office américain, mais qui en plus a des critiques impeccables : Sinners, de Ryan Coogler. Il suffit de citer quelques chiffres pour que vous réalisiez l’ampleur de la situation : sur Rotten Tomatoes, il a un taux d’acceptation critique de 98 % et un 96 % du public. Sur Letterboxd, il a une note de 4.2. Et sur IMDb, il est à 8.1 sur 10. Bref, tout le monde fait clairement savoir que c’est un grand film. Mais pourquoi exactement ?

Michael B. Jordan en double… et nous en voulons encore plus !

Sinners est un western de vampires (oui, c’est bien ça) situé dans le Mississippi en 1932. Dans le film, Michael B. Jordan joue un double rôle : il incarne deux frères jumeaux qui retournent dans leur ville natale pour ouvrir un juke joint, mais en chemin, ils rencontrent une menace surnaturelle tirée du folklore le plus sombre du sud des États-Unis. Je comprends que le concept puisse sembler fou, car c’est probablement le cas. Mais Sinners ne fonctionne pas seulement : il t’émeut, te secoue, te divertit et te fait comprendre que le bon cinéma original est encore possible (ou du moins, je l’espère).

Ce que Coogler a réussi avec Sinners n’est pas anodin. Le nom du cinéaste était déjà synonyme de succès grâce à Fruitvale Station et Creed… mais surtout Black Panther. Maintenant, avec Sinners, il s’affirme comme un cinéaste avec une vision propre, capable d’utiliser les codes du blockbuster pour raconter des histoires incroyables. Bien qu’il soit à la pointe du cinéma commercial, il semble être un auteur des années 90 : un réalisateur de ceux qui n’ont besoin que de liberté pour secouer la critique et le box-office.

Sinners a tout. C’est, en même temps, une fantaisie gothique, un drame racial, une lettre d’amour au sud afro-américain et une tragédie familiale aux accents shakespearien. Les personnages ne luttent pas seulement contre des monstres littéraux, mais aussi contre les démons du passé, la violence structurelle, l’héritage du racisme, la répression sexuelle et la culpabilité religieuse. Bref, Coogler a rassemblé tout ce qui le définissait déjà en tant que réalisateur pour dire « me voilà ». Et partout où il est allé, le public l’a suivi.

Michael B. Jordan est son allié le plus fidèle. Bien que nous ayons récemment vu une interprétation double quelque peu étrange avec Robert Pattison dans Mickey 17, Jordan arrive maintenant pour clarifier que faire deux rôles n’est pas seulement une grande opportunité, mais que cela peut être fait à merveille. Il y a des nuances si claires entre Smoke et Stack que l’on oublie que l’on voit la même personne. Là où l’un est intensité et sacrifice, l’autre est retenue et froideur : on dirait que vous regardez Al Pacino et Robert DeNiro interagir dans la peau de Jordan.

Visuellement, il ne reste pas en arrière. Autumn Durald Arkapaw, le directeur de la photographie, était quelque peu dévalué après avoir travaillé sur The Marvels, mais dans Sinners, il a prouvé que, s’il est laissé faire ce qu’il veut, il s’élève facilement. C’est lui qui donne au film son ton le plus terrifiant, et qui réussit à faire fonctionner ce western de vampires.

Mais, bien sûr, le grand facteur ajouté au film est la musique. Si je vous dis que c’est Ludwig Göransson qui s’en charge, il est probable que la musique de The Mandalorian, Oppenheimer ou Tenet résonne déjà dans votre tête. Mais je n’hésite pas à dire qu’avec Sinners, le compositeur suédois a réalisé le meilleur travail de sa carrière.

Ce n’est pas un hasard si les gens comparent Sinners à Get Out ou même à There Will Be Blood. Non pas parce qu’ils se ressemblent dans leur ton, mais parce que chacun d’eux a su capturer quelque chose de l’air du temps, de l’énergie culturelle de son époque. Sinners n’est pas intéressé à plaire à tout le monde. C’est viscéral, parfois inconfortable, même étrange. Mais cette étrangeté est sa grande force. Dans une année où aucun film ne semblait avoir d’âme, ce film laisse clairement entendre que, comme toujours, le cinéma (commercial) a encore une chance de se sauver.

Nous vivons dans un environnement surinformatisé, avec l’essence du capitalisme dans la paume de notre main et l’Intelligence Artificielle écrivant la plupart des articles que vous lisez —non, ce n’est pas le cas—. C’est pourquoi Charlie Brooker a eu tant de mal à se connecter avec le public dans les dernières saisons de Black Mirror : quoi qu’il fasse, la société numérique répondait par quelque chose de pire.

Mais la septième saison de Black Mirror a surpris tout le monde car, surprise, elle est excellente. Et pour cela, le public n’a pas eu besoin d’attendre le dernier épisode. Dès sa première minute, Common People, l’épisode qui inaugure la saison, se positionne comme le meilleur épisode que la série ait offert depuis des années. Et ce n’est pas ce que je dis : il suffit de plonger un peu dans les réseaux et forums spécialisés pour trouver une vague d’enthousiasme rarement vue depuis des classiques comme San Junípero ou White Bear.

Enfin, Black Mirror revient à parler directement à son public

La réaction du public a été immédiate et passionnée. Sur Reddit, une communauté particulièrement exigeante avec les dernières saisons de la série, de nombreux utilisateurs ont convenu que Common People est un retour à la meilleure version de Black Mirror. « Holy shit », écrivait un utilisateur, « Common People pourrait être l’un des meilleurs épisodes de toute la série. » Sur les réseaux sociaux, les analyses et les réactions enthousiastes des fans affluent, mais qu’est-ce qui a fait que cet épisode a tant connecté avec les gens ?

La première chose, et la plus évidente, est que le chapitre se concentre sur ce que son propre titre promet : les gens ordinaires. L’histoire tourne autour de Mike (Chris O’Dowd) et Amanda (Rashida Jones), un couple de la classe ouvrière qui fait face à une tragédie inattendue lorsque Amanda se voit diagnostiquer une tumeur au cerveau. Désespéré à l’idée de la perdre, Mike se tourne vers Rivermind — ou plutôt Rivermind se tourne vers Mike —, une entreprise technologique qui propose une solution insolite mais inquiétamment plausible : conserver la conscience d’Amanda dans une sorte de nuage cérébral qui se renouvelle par le biais d’un abonnement mensuel.

À la différence des autres épisodes de Black Mirror, qui jouent avec des technologies farfelues ou des mondes dystopiques éloignés de notre réalité immédiate, Common People travaille avec un concept qui est dangereusement proche. La technologie qu’il propose pourrait ne pas être si éloignée : une IA qui simule des fonctions cognitives, soutenue par des paiements mensuels et intégrée dans un système de niveaux selon ce que vous pouvez payer. Pas d’hologrammes, pas de réalités alternatives extrêmes. Juste un mari, un abonnement, et la promesse de maintenir « vivante » la conscience de sa femme… tant que le solde bancaire le permet.

Cependant, ce qui est le plus troublant dans ce chapitre, ce n’est pas la technologie en elle-même, mais le système qui l’entoure. Common People fonctionne comme une critique merveilleuse du modèle de consommation de masse, du capitalisme par abonnement, et de la manière dont la vie — et la mort — peuvent être monétisées avec une étonnante facilité dans notre quotidien.

En fait, cela repose sur la même chose que font Netflix, Prime Video ou Spotify. Au début, le plan de Rivermind semble abordable. Mais, comme tout service moderne, les mises à niveau commencent à apparaître. Pour un peu plus, Amanda peut avoir accès à de meilleurs souvenirs. Pour un tarif supérieur, sa capacité de communication s’améliore. Et sinon, bien sûr, elle te met des annonces inopportunes. Littéralement, Amanda commence à interrompre ses conversations avec des spots publicitaires. C’est drôle… mais tellement réel que ça fait peur.

Il n’est pas difficile de lire dans ce chapitre une autocritique de Netflix envers elle-même, ou du moins une parodie amère du modèle qui domine le divertissement numérique aujourd’hui. Et c’est pourquoi cela plaît tant. Parce que Black Mirror, enfin, s’est à nouveau regardé dans le miroir noir.

Charlie Brooker est de retour en grande. Et il l’a fait pour une raison simple : parce qu’il a de nouveau compris notre monde pour parler de nous. Pas de ceux qui inventent les technologies, mais de ceux qui en souffrent. De ceux qui aiment, prennent soin et perdent par manque de pouvoir d’achat ou parce qu’ils ont un emploi remplaçable par une IA. Je pense à plus d’un qui ferait bien de jeter un œil à cet épisode.

Je sais ce que vous pensez après avoir lu le titre : « ce type n’a pas joué à The Last of Us 2 ». Mais en réalité, si. J’écris cela en tant que fan inconditionnel de la saga… et de la première saison de la série. Cela dit, après avoir vu les deux premiers épisodes de la saison 2, je vais vous expliquer pourquoi je pense que c’est impossible qu’elle soit meilleure que la première. Et même qu’elle soit à la hauteur.

Perdons-nous la connexion émotionnelle avec les protagonistes ?

Si vous êtes au courant de la deuxième saison de The Last of Us, vous remarquez probablement déjà que cela commence à se sentir différent. Au-delà des zombies et des paysages post-apocalyptiques, il y a une sensation qui traverse de nombreux fans de la série : où est passée cette émotion écrasante qui nous a emportés dans la première saison ?

C’est une sensation difficile à définir, mais elle est là : une légère distance émotionnelle, une narration qui avance d’un pas ferme mais sans cette urgence dévastatrice que l’on ressentait dans l’histoire de Joel et Ellie lors de leur voyage initial. Je ne parle pas d’une chute vertigineuse —The Last of Us reste une merveille—, mais plutôt d’une déconnexion que l’on ressent lorsque l’on s’immerge dans une histoire plus complexe et avec tant de points de vue différents.

Tous les fans de la franchise savent déjà ce qui s’en vient. Et c’est très loin d’être une simple répétition de la formule. The Last of Us Partie II, pour beaucoup, une œuvre maîtresse encore plus ambitieuse que la première. Techniquement impeccable, émotionnellement complexe et avec une structure narrative qui ose briser les conventions. Mais c’est aussi un jeu profondément polarisant, et cela est dû à sa façon de raconter l’histoire.

Le premier jeu, et donc la première saison de la série, avait une narration très simple. Bien que les personnages soient complexes, il s’agissait finalement de l’histoire d’un père contraint et d’une fille contrainte qui passent de la haine à l’amour par pure survie. Et puis arrive la fin : un chapitre déchirant qui nous laisse bouche bée et nous fait réfléchir à ce que nous aurions fait à leur place.

Le meilleur de The Last of Us est, sans aucun doute, la conversation qu’il génère par la suite. Et c’est pourquoi la série a si bien fonctionné. Mais qu’en est-il de la deuxième saison ? Eh bien, elle vise à répondre à toutes les questions morales soulevées dans la première partie.

Trop de responsabilités pour Ellie

La deuxième partie, tant du jeu que, apparemment, de la série, est plus diffuse. Plus fragmentée. Plus inconfortable. Nous ne suivons plus seulement Joel et Ellie, mais nous sautons entre différents personnages, époques et perspectives. Et ce qui fonctionne dans le jeu vidéo grâce à l’immersion du joueur, à la télévision risque de perdre de sa force.

Dans une manette, l’histoire se vit. À l’écran, on n’observe que. Et la connexion émotionnelle avec certains personnages (surtout avec Abby) se construit, dans le jeu vidéo, à force d’heures de jeu, de décisions, d’efforts. Traduire cette empathie en une série est une mission titanesque. Pour l’instant, ces premiers épisodes ont déjà perdu de leur élan par rapport aux précédents. Et il se peut que cela s’aggrave.

Maintenant, attention aux spoilers : Joel meurt. Et pas de manière héroïque ni avec une grande construction dramatique. Il meurt tôt. Il meurt mal. Il meurt de façon soudaine et brutale, car le jeu ne veut pas que tu idéalisent qui que ce soit. Il veut, précisément, que tu détestes ceux qui le tuent… pour ensuite te forcer à les comprendre.

Mais… comment ne pas idéaliser Pedro Pascal ? En termes narratifs, ce choix est magistral. C’est très similaire à ce qui se passait avec Sean Bean dans Game of Thrones. Mais, émotionnellement, c’est un suicide commercial. Parce que, dans la série, Joel n’est pas seulement le protagoniste : il est l’âme de l’histoire. Et c’est vrai, il a le visage et la voix de Pedro Pascal, l’une des figures les plus aimées et charismatiques d’Hollywood. Nous l’aimons tous autant à l’extérieur qu’à l’intérieur de l’écran. Le tuer si tôt et demander au spectateur de se détacher émotionnellement de lui pour empathiser avec son assassin est un risque gigantesque. Un risque que le jeu vidéo a pu se permettre, mais que la télévision, avec ses dynamiques d’audience et de fidélisation, ne peut peut-être pas soutenir.

Peut-être pour cela, Craig Mazin et Neil Druckmann ont décidé de fragmenter le deuxième jeu en plusieurs saisons de la série. Mais ce n’est pas aussi bonne idée qu’il y paraît. S’ils le laissent pour la fin de la saison, beaucoup abandonneront. Et s’ils le laissent au milieu, ce sera un faux départ similaire à celui de la saison 4 de Succession.

Tout est une question de distance. Alors que dans le jeu vidéo, vous jouiez comme Joel et Ellie, dans la série, vous êtes un spectateur. Et la douleur de perdre un personnage aussi magnétique ne se compense pas aussi facilement. S’il y a quelqu’un qui peut le faire, c’est sans aucun doute la merveilleuse Ellie de Bella Ramsey. Mais ouais… si elle avait déjà des haters, maintenant, les quelques-uns qui lui restaient vont se déchaîner. Que Dieu la prenne en pitié.

Nosferatu était l’un des films d’horreur les plus attendus de l’année, et il a sans aucun doute été à la hauteur des attentes. Sorti le 25 décembre dernier, le film a conquis la critique de manière presque unanime. Mais qu’en est-il du box-office ? A-t-il été un succès total ou un échec comme l’a été L’homme du Nord ?

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Il semble que ce soit le premier et de loin. Le film a été lancé avec 40,3 millions de dollars de recettes au niveau national, devenant ainsi le deuxième meilleur lancement pour un film classé R de l’année —le premier étant Deadpool & Wolverine, imbattable— et le film le plus rentable de Robert Eggers jusqu’à présent.

Une histoire de vampires comme vous ne l’avez jamais vue

Nosferatu est une réinterprétation gothique du classique d’horreur de Murnau. L’histoire se concentre sur Ellen Hutter (Lily-Rose Depp), une jeune femme qui devient l’obsession d’un ancien vampire, le Comte Orlok (Bill Skarsgård). Son mari, Thomas Hutter (Nicholas Hoult), un agent immobilier, se rend au château isolé d’Orlok en Transylvanie pour conclure une transaction, sans se douter du danger qui le guette. Tandis que Orlok se déplace vers le village de Wisborg, il déclenche une peste et un chaos que seule Ellen, affrontant ses propres démons, peut arrêter.

Le film conquiert les cœurs de ceux qui adorent le cinéma d’horreur le plus classique, et c’est sans aucun doute la énième confirmation qu’Eggers est un réalisateur à surveiller de très près. Nous verrons ce qui se passe avec le film, s’il continue à faire de grands chiffres ou s’il s’arrête en chemin, mais pour l’instant, nous pouvons déjà confirmer que c’est un véritable succès.

Max TÉLÉCHARGER

Cette année a été très intéressante en termes de sorties, et si nous regardons en arrière et voyons les 10 films les plus attendus de 2024, nous faisons face à de nombreuses surprises, depuis la non-sortie de Frankenstein et Mickey 17 —qui ont été reportés et se retrouvent à nouveau sur cette liste— jusqu’à l’échec total de Joker : Folie à Deux, qui semblait être le plus attendu de l’année.

Il est donc clair que le cinéma est un art en constante évolution et qu’il dépend de nombreux facteurs qui ne se limitent pas à l’intérêt authentique du public. Néanmoins, nous vous présentons ci-dessous les 10 films que nous attendons le plus en 2025 :

10 – Elio

Disney a de nombreuses sorties intéressantes cette année, allant de celles qui semblent ne pas du tout avoir la faveur du public (hum, Blanche-Neige, hum) à d’autres qui vont sans aucun doute cartonner au box-office (Les Quatre Fantastiques : Premiers Pas). Cependant, après avoir vu que Vice-Versa 2 a été le film le plus rentable de 2024, nous ne devons pas négliger Elio, le prochain grand film de Pixar prévu pour le 13 juin 2025.

09 – 28 ans après

Je dois dire que, ces derniers mois, j’ai été surpris par la faveur du public envers cette franchise. Bien qu’il soit clair que Cillian Murphy est un atout après avoir remporté l’Oscar, la saga des zombies semblait plus qu’oubliée dans l’oubli… jusqu’à l’annonce de 28 ans plus tard. Prévu pour le 20 juin, il pourrait créer la surprise en tant que l’un des blockbusters de l’année.

08 – Frankenstein, de Guillermo del Toro

Il est déjà sorti parmi les plus attendus de 2024 et il n’est pas encore clair s’il sortira en 2025, mais le film est déjà tourné et promet d’être un nouveau saut de qualité de la part de l’énorme Guillermo del Toro. Les attentes ne pourraient pas être plus grandes après le Nosferatu de Robert Eggers, et Del Toro est toujours synonyme de pedigree cinématographique.

07 – Mission : Impossible – La Rétribution Finale

La huitième et (en principe) dernière livraison de Tom Cruise en tant qu’Ethan Hunt ne pouvait que susciter de grandes attentes parmi les fans qui ont suivi l’agent au fil des ans. Sans aucun doute, Cruise veut terminer avec un film qui dépasse toutes les attentes en matière d’action, et cela est toujours synonyme d’un succès au box-office en bonne et due forme.

06 – Les Quatre Fantastiques : Premiers Pas

Après quelques années quelque peu maudites pour Marvel Studios, ils semblent enfin s’être remis sur les rails, et il ne leur reste plus qu’à clore la saga du Multivers pour pouvoir travailler sereinement à regagner la faveur du public. Le premier des pas — c’est le cas de le dire — pour y parvenir sera ce nouveau remake des 4 Fantastiques. Prévu pour le 25 juillet, il s’annonce comme un succès au box-office.

05 – Mickey 17

Ça y est, après avoir été reporté du 29 mars 2024 au 18 avril 2025, Mickey 17 s’impose comme l’un des films les plus attendus de l’année. Réalisé par Bong Joon-ho (Parasite) et mettant en vedette Robert Pattinson, il s’annonce comme un film de science-fiction amusant et spectaculaire.

04 – Le Brutaliste

C’est l’une des candidates les plus récurrentes pour les Oscars et elle sortira le 24 janvier 2025. Avec Adrien Brody en tête d’affiche et réalisée par Brady Corbert (Vox Lux, Mysterious Skin), il s’agit d’un drame historique et épique qui a tous les ingrédients pour émouvoir à la fois la critique et le public. Nous verrons ce qui se passera.

03 – Réveille-toi, homme mort : Un mystère à la Knives Out

La troisième partie de À couteaux tirés est prévue pour sortir à un moment donné en 2025, et selon les dires, elle augmentera les enjeux par rapport aux deux précédentes. Sans aucun doute, Rian Johnson est devenu synonyme de qualité incontestable, et la prochaine aventure du détective Benoit Blanc semble être à la hauteur des attentes.

02 – Avatar : Feu et Cendres

Si cela ne se retarde pas à nouveau —une dynamique très courante dans la franchise Avatar—, le 19 décembre 2025, nous pourrons voir la troisième partie d’Avatar au cinéma. Cette fois-ci, l’eau cède la place au feu et le calme à l’action la plus catastrophique. Avec James Cameron aux commandes, c’est un pari sûr. Le public répondra-t-il comme la dernière fois ?

01 – Superman

Il y a quelques jours, des doutes auraient pu surgir concernant ce film, mais maintenant tout semble clair : Superman est destiné à être le film de 2025. La grande ouverture cinématographique de l’univers de DC Comics de James Gunn arrive avec beaucoup de lumière, de nombreux dieux et de nombreux monstres. Et sa bande-annonce démontre que le public veut tout de ce nouveau Superman.