Author: Juan Carlos Saloz

Au cours des deux dernières décennies, nous sommes passés de la nécessité de nous contenter des programmes télévisés, où nous n’avions aucun choix, à la possibilité de choisir parmi des milliers et des milliers d’options d’un catalogue infini de plateformes de streaming. C’est pourquoi le choix de ce que l’on va regarder devient de plus en plus complexe. Nous passons presque plus de temps à décider qu’à regarder quelque chose qui nous plaît.

C’est pourquoi nous vous proposons trois séries courtes à regarder pendant un week-end. Si vous n’avez pas envie de vous plonger dans des fictions avec plusieurs saisons, voici des suggestions de courte durée qui vous plairont à coup sûr. De plus, toutes sont disponibles sur les principales plateformes de streaming, alors vous n’avez pas d’excuse !

Tchernobyl : une histoire très dure racontée de manière magistrale

Peu de mini-séries ont eu un impact aussi fort que Chernobyl. Cette production de HBO a été lancée en 2019 et a laissé une empreinte indélébile pour toujours. Chernobyl recrée avec un détail glaçant la catastrophe nucléaire survenue en 1986 dans la centrale soviétique, et comment le secret, la négligence et l’orgueil politique d’un pays entier ont transformé une défaillance technique en une tragédie sans précédent.

Au-delà de la reconstruction de l’événement, Tchernobyl fonctionne comme un thriller angoissant et comme une critique féroce des systèmes qui privilégient le pouvoir à la vérité. Le scénario de Craig Mazin (qui travaille maintenant sur The Last of Us) et la direction de Johan Renck vous laissent sans voix à tout moment. De plus, il compte des performances magistrales (Jared Harris et Stellan Skarsgård) qui s’imprègnent dans votre mémoire.

Si vous ne pouvez regarder qu’une seule série ce week-end, mieux vaut que ce soit celle-ci. Elle vous captive dès la première minute ; c’est le genre de série qu’on ne peut pas s’empêcher de regarder épisode après épisode. Et quand ça se termine, ça vous laisse à réfléchir pendant des jours. Cela dit, préparez votre cerveau et votre cœur avant de vous y plonger.

Disponible sur Max.

Unorthodox : un coming of age de fuite et de surpassement

Si vous cherchez quelque chose de plus inspirant mais tout aussi déchirant, Unorthodox pourrait être votre option préférée. Cette série raconte l’histoire d’Esty, une jeune femme élevée dans une communauté hassidique ultra-orthodoxe à New York qui décide de s’échapper à Berlin pour chercher une nouvelle vie. Rapidement, l’intrigue se transforme en une histoire de dépassement de soi, de découverte et de confrontation avec une vérité qu’elle croyait inébranlable.

La série présente une facture surprenante. Elle est tournée à la fois en anglais, en allemand et en yiddish, langue parlée par plusieurs communautés juives. De plus, elle sert de réflexion sur une religion ancrée dans le passé et enveloppée d’une haine profonde envers tout ce qui est étranger.

Une grande vertu d’Unorthodox est, sans aucun doute, son protagoniste. Shira Haas possède un mélange de fragilité et de force qui se mêlent dans un personnage aussi vulnérable que déterminé. De plus, la série contraste deux mondes : l’univers religieux fermé dont Esty est issue et la liberté (également chaotique) qu’elle découvre de l’autre côté.

Disponible sur Netflix.

The Night Manager : un thriller d’espionnage à l’ancienne

Si vous voulez quelque chose de plus frais mais avec la même qualité sublime, The Night Manager peut être votre série parfaite pour le week-end. Basée sur le roman de John le Carré, cette mini-série britannique suit Jonathan Pine (Tom Hiddleston), un ancien soldat qui s’infiltre dans le réseau d’un trafiquant d’armes (Hugh Laurie) depuis son travail en tant que responsable de nuit d’un hôtel.

Rien que pour les acteurs, la série en vaut la peine. Deux des meilleurs artistes britanniques des dernières décennies, côte à côte dans un thriller étouffant qui vous laisse sans voix pendant six épisodes. Leur chimie est magnétique, et le scénario maintient un rythme qui fait que vous ne pouvez pas arrêter de regarder à aucun moment.

Bientôt, ce qui semble être un thriller classique se transforme en une partie d’échecs d’espionnage élégante et dangereuse, filmée entre des paysages spectaculaires et des scènes de tension bien dosées. C’est du cinéma britannique à l’état pur, mais au format série et avec des rebondissements inattendus.

Disponible sur Prime Video.

L’âge d’or des séries est déjà révolu. Bien qu’il reste encore de grandes fictions que nous pouvons regarder en streaming, l’époque de Breaking Bad, Game of Thrones ou House of Cards a cédé la place à une période plus sombre où, malgré une offre plus abondante que jamais, les meilleures séries se diluent parmi de nombreuses autres qui manquent de consistance.

Mais, de temps en temps, une série sort qui parvient à être à la hauteur des circonstances. Ou qui dépasse même ce que quiconque pourrait attendre. Cette année, cela s’est produit avec Adolescence et l’année dernière avec Mon renne en peluche. Mais en 2023, cela s’est produit avec un pari quelque peu méconnu mais que tout le monde a cité comme un diamant à prendre en compte : Poker Face.

Rian Johnson, déchaîné

Avec la sortie de la deuxième saison de Poker Face, nous en profitons pour rappeler pourquoi vous devriez regarder cette perle dès que possible. Bien qu’elle soit passée un peu inaperçue à l’époque, elle a captivé tous ceux qui l’ont vue. Et oui, une grande partie du mérite revient à Natasha Lyonne, son actrice principale, que nous connaissons également pour Russian Doll ou Orange is the New Black. Mais le succès de Poker Face va au-delà.

En gros, Poker Face pourrait sembler être une série « à l’ancienne ». C’est un hommage nostalgique aux procédurales des années 70, qui reprend la structure classique du « mystère de la semaine ». À la manière de Colombo, la série raconte l’histoire d’une protagoniste qui arrive dans une nouvelle ville, se retrouve face à un crime et le résout grâce à son intuition inégalée.

Mais ce qui la distingue vraiment des autres, c’est son approche narrative : chaque épisode est raconté du point de vue du meurtrier avant que Charlie Cale (Natasha Lyonne) n’entre en scène. Cette inversion de la formule lui permet de jouer avec la tension, la comédie et, surtout, avec le personnage principal.

Rian Johnson, que nous connaissons bien grâce à la saga À couteaux tirés et à être le réalisateur de l’Épisode VIII de Star Wars (détesté par beaucoup, aimé par plus), est le principal responsable de ce succès. Showrunner et scénariste et réalisateur de plusieurs épisodes, il démontre dans Poker Face sa plus grande vertu : c’est un scénariste incroyable.

L’écriture de Johnson est agile, ludique et chargée de sous-texte. Loin de parier sur une grande intrigue générale, chaque épisode fonctionne comme un petit bijou à part entière ; presque comme un film supplémentaire de Couteaux dans le dos. Et, bien qu’il ne néglige pas une évolution émotionnelle cohérente de son protagoniste, chaque chapitre fonctionne de manière indépendante, ce qui en fait une série parfaite à regarder de temps en temps sans avoir besoin de longues heures de marathon.

La magie de Natasha Lyonne

Mais, bien sûr, rien de tout cela ne fonctionnerait sans Natasha Lyonne. Son Charlie Cale est un personnage atypique : une fugitive au cœur de justicière, imprégnée d’ironie, d’émotion et de cigarettes. Elle fume comme un pompier, c’est vrai. L’actrice mondialement connue pour Russian Doll construit ici une sorte de mélange entre le personnage de la série Netflix et un détective à la Sherlock Holmes. Elle est aussi merveilleuse qu’addictive.

De plus, c’est une anti-héroïne qui, bien qu’elle ait des super-pouvoirs (ou, enfin, quelque chose comme ça), ne se distingue pas seulement par cela. Ce qui se passe à l’intérieur d’elle est bien plus important que ce qu’est réellement le crime en soi. Et la façon dont elle relie ses traumatismes internes à chacun des cas est merveilleuse.

Pour ne rien arranger, Johnson se permet de changer de ton, de genre et d’esthétique à presque chaque épisode. Du noir humoristique au drame en passant par le cinéma d’horreur, ici tout est permis. On a vraiment l’impression d’être dans un parc d’attractions où Johnson et Lyonne peuvent donner le meilleur d’eux-mêmes à chaque occasion. C’est, presque, une anthologie de merveilles à la Black Mirror.

Avec l’arrivée de la deuxième saison, l’équipe de la série originale a le défi non négligeable d’égaler ce qu’elle a déjà accompli. Et, bien que ce soit compliqué, il est certain qu’ils ont tous les ingrédients pour continuer à faire de Poker Face l’une des séries de la décennie.

Les fans d’anime vivent à l’épreuve des balles. Nous sommes habitués aux changements de studios entre les saisons qui détruisent complètement notre série préférée. Également aux annulations soudaines plus lourdes que celles de Netflix. Et, bien sûr, au fatidique remplissage de fictions comme Naruto, qui ruine complètement notre expérience en tant que spectateur.

Mais il y a quelque chose de bien plus sombre qui nous a poursuivis depuis notre plus tendre enfance : les rumeurs et les légendes urbaines. Depuis que nous allions dans la cour de l’école, nous répétions encore et encore des histoires qu’on nous racontait sur des fins tragiques et des rebondissements fous de séries comme Doraemon ou Dragon Ball. Et voici les 5 plus tragiques que nous avons retenues :

1. Oliver et Benji : le rêve d’un enfant sans jambes

Une des légendes urbaines les plus connues soutient qu’Oliver Atom, le protagoniste de Captain Tsubasa (Oliver et Benji ou Champions), a été renversé par un camion dans le premier chapitre, perdant les deux jambes. Selon cette théorie, toute la série serait un rêve qu’Oliver a eu alors qu’il était dans le coma à l’hôpital. Cette histoire s’est popularisée sur internet à travers le premier chapitre lui-même, où l’on voit un camion croiser son chemin. Mais c’est totalement une rumeur ; et en fait, il y a des suites à l’histoire d’Oliver grandissant et vivant très heureux en jouant au FC Barcelone.

2. Doraemon : la fantaisie d’un enfant atteint d’une maladie terminale

Une théorie similaire touche de plein fouet Doraemon, l’une des séries japonaises les plus populaires de tous les temps. Selon ce qui se disait, Doraemon n’est simplement qu’une fantaisie de Nobita, un garçon dans le coma qui imagine le chat cosmique et toutes ses aventures pour échapper à sa réalité. Certaines versions affirment même que Nobita souffre d’une maladie terminale et que tout ce qu’il a vécu avec Doraemon est le fruit de son imagination.

Ce qui est curieux, c’est que cette théorie a eu un tel impact qu’un faux « final alternatif » a même été créé par des fans, dans lequel Nobita se réveille du coma et remercie la compagnie de Doraemon. Ce comic apocryphe est devenu viral sur internet et pendant des années, on a cru qu’il était authentique. Mais en réalité, la série n’a même pas de fin officielle en raison du décès de l’un de ses créateurs.

3. Shin Chan : une histoire tragique basée sur des faits réels

Une autre théorie particulièrement troublante qui circulait dans les écoles et les instituts affirmait que Shin-chan est un anime basé sur l’histoire vraie d’une mère qui, après la mort de son fils dans un accident, a commencé à dessiner des bandes dessinées pour surmonter sa douleur. Selon cette légende, Shin Chan est mort en essayant de sauver sa sœur Himawari d’un accident de la route, et sa mère a immortalisé ses souvenirs sous forme de manga. Mais rien n’est plus éloigné de la réalité. Le créateur de la série, Yoshito Usui, n’a jamais mentionné cela, et il serait en fait étrange d’imaginer qu’une mère rende hommage à son fils décédé en le faisant montrer ses parties.

4. Pokémon : Pikachu est le tueur d’Ash

Comme vous pouvez le voir, ce n’est pas que les gamins aient beaucoup d’imagination. On voit des tropes répétés partout, et l’un d’eux est que Ash Ketchum, le protagoniste de Pokémon, est dans le coma depuis l’épisode 1, lorsqu’il est frappé par un éclair de Pikachu. En gros, Pikachu est le tueur (ou presque tueur) d’Ash. C’est sûr, à plus d’un, ça ne nous dérangerait pas.

Cette théorie essaie d’expliquer pourquoi Ash ne vieillit pas et comment il est possible qu’il vive des aventures aussi folles. Mais ce n’est pas du tout réel. En fait, Ash a finalement avancé et est devenu champion de la Ligue Pokémon. Cela dit, avec le même âge qu’avant.

5. Heidi est morte de chagrin après s’être séparée de son grand-père

Heidi est l’un des animes les plus louables de l’histoire. C’était l’une des premières œuvres sur lesquelles ont travaillé Isao Takahata et Hayao Miyazaki, cofondateurs du Studio Ghibli, et cela a marqué un tournant dans de nombreux pays. Mais aux débuts d’internet, une théorie est apparue, affirmant que l’histoire cache une narration plus sombre. Une légende urbaine prétend que Heidi est en réalité morte de chagrin après avoir été séparée de son grand-père et envoyée en ville, et que tout ce que nous voyons dans la série est une fantaisie qu’elle crée dans ses derniers moments.

Depuis que Bryan Singer a décidé de réaliser un biopic sur Queen qui, oh surprise, a valu à Rami Malek l’Oscar pour son rôle de Freddie Mercury, nous sommes entrés dans une ère d’Hollywood presque plus sombre que celle des super-héros : celle des biopics musicaux. Bien qu’il y ait eu des exceptions intéressantes, comme Elvis, de plus en plus de films sur des chanteurs sortent sans nécessairement avoir une grande histoire — désolé Bob Dylan, mais A Complete Unknown ne raconte RIEN —.

Cependant, au milieu de toute cette vague de films médiocres, il y en a un qui se distingue par avoir une qualité bien supérieure au reste : Better Man. Réalisé par Michael Gracey (The Greatest Showman) et sorti le 26 décembre 2024, le film capte non seulement avec sensibilité l’ascension, la chute et la rédemption de Robbie Williams, mais il ose également jouer avec les règles du genre de manière innovante et fascinante. Et, bon, de plus, le protagoniste est un singe, ce qui est déjà une raison de voir le film.

Mais toutes ces idées folles, ce formalisme visuel incroyable et cette histoire passionnante n’ont servi à rien. Que ce soit parce que les gens sont saturés de tant de biopics musicaux ou parce que l’idée de voir un singe chanter ne leur plaît pas trop, le film a été un véritable désastre sur le plan commercial. Il n’a rapporté que 22 millions de dollars sur un investissement de 110. Et il n’a même pas attiré l’attention aux récompenses.

Pourquoi Better Man est meilleur que Bohemian Rhapsody (et toute cette histoire)

Si cet article peut servir à quelque chose, que ce soit pour, au minimum, susciter un peu de curiosité pour un film qui méritait beaucoup plus que ce qu’il a obtenu. Better Man aurait dû être un véritable succès au box-office, et je suis sûr que si plus de gens l’avaient vu, le bouche-à-oreille aurait fait son effet et nous ne parlerions pas maintenant d’échec.

À la différence d’autres biopics édulcorés (est-ce que c’est déjà clair que je ne supporte pas Bohemian Rhapsody ?), Better Man ne cherche pas à sanctifier l’artiste. Il ne tombe pas non plus dans le mélodrame sucré ou la chronologie simpliste qui transforme la vie réelle en une succession de moments iconiques conçus pour les fans. Le film opte pour une approche plus introspective et surréaliste, où le singe Robbie Williams passe en revue sa vie comme s’il s’agissait d’une pièce de théâtre.

L’adresse de Gracey est impressionnante. Son style visuel caractéristique et exubérant parvient à équilibrer la spectaculaire des concerts avec des moments de solitude, d’addiction et de vulnérabilité. Et c’est que, grâce à la rupture de la barrière de l’incrédulité dès le premier instant, le film se permet des moments de fantaisie et d’abstraction, plongeant dans l’âme du personnage, dans son insécurité chronique et dans sa lutte avec la santé mentale. Robbie apparaît comme une idole aux pieds d’argile, quelqu’un piégé dans sa propre célébrité, constamment confronté à la figure absente de son père, à l’héritage de Take That et à la pression de se réinventer sans cesse.

Mais ici, nous ne regardons pas A Star Is Born. Nous ne nous vautrons pas dans sa merde, mais nous nous confrontons simplement à un personnage complexe et addictif. Better Man évite complètement le moralisme. Il n’y a pas de grands discours sur le prix de la célébrité ni de rédemptions forcées. Le film préfère montrer plutôt qu’expliquer, avec une narration incroyable et des numéros musicaux bien meilleurs que ceux de la plupart des biopics de ce genre. Allez, au lieu de faire une simple playlist filmée, Better Man réussit à faire de la musique une partie intégrante du discours émotionnel de l’histoire.

La faute incombe aux États-Unis

Mais pourquoi, si c’est un si bon film, a-t-il échoué si spectaculairement ? Eh bien, au-delà du fait que nous devrions commencer à abandonner le discours selon lequel un grand chiffre d’affaires est synonyme d’un grand film (ehem Minecraft ehem), l’excuse la plus évidente de cet échec est la faible pénétration de Robbie Williams sur le marché américain.

Alors que Freddie Mercury, Elton John ou Elvis sont des icônes planétaires, Robbie reste, essentiellement, une superstar britannique. Son charisme, son humour acerbe, sa combinaison d’arrogance et d’insécurité —si typique de la pop anglaise des années 90— ne résonnent pas avec la narration américaine du succès et de l’auto-amélioration. Aux États-Unis, Robbie Williams n’est guère plus que « ce type qui chantait Angels ».

Cela a amené les distributeurs à hésiter à lancer le film en grande dehors du Royaume-Uni. En fait, Better Man a été lancé de manière très limitée dans certains pays et n’est toujours pas arrivé sur les grandes plateformes de streaming, ce qui complique énormément sa visibilité. Le biopic est devenu, pour ainsi dire, un produit culte presque instantané, apprécié par les fans mais inconnu du grand public.

Mais, paradoxalement, cette invisibilité confère également à Better Man une aura spéciale. Il n’a pas à rendre des comptes au marché mondial ni à se soumettre aux conventions les plus commerciales du genre. Malgré l’échec évident au box-office, c’est un film qui a pu être ce qu’il a voulu. À un moment où tous les biopics semblent conçus pour gagner des prix et faire vibrer les fans avec des futilités, Better Man se présente comme une œuvre libre, ludique et, en définitive, un FILM en majuscules.

Le 5 mai de l’an 2000, une guerre romaine a secoué les cinémas du monde entier. À une époque où Le Seigneur des Anneaux n’était pas encore un jalon à atteindre et où les grands blockbusters étaient mis de côté au profit de films d’autres genres comme le thriller, Ridley Scott a de nouveau prouvé qu’Alien et Blade Runner n’étaient pas le fruit du hasard.

Avec Gladiator, Scott a sorti de son chapeau une histoire classique avec un emballage moderne, une production grandiose qui semblait sortie du Hollywood doré mais qui parlait avec force au public du nouveau millénaire. Ce n’était pas seulement un énorme succès au box-office qui a accueilli le nouveau siècle par la grande porte. C’était aussi un coup de poing sur la table qui nous a rappelé que le cinéma épique, s’il était fait avec cœur et détermination, pouvait encore nous émouvoir.

Gladiator a marqué une époque avec laquelle Gladiator II a mis fin

Avec un succès aux Oscars presque inégalé jusqu’alors, et un design de production qui a marqué de grands succès ultérieurs comme 300, Troie ou Alexandre le Grand, Gladiator est devenu un classique instantané. Russel Crowe est devenu une figure presque mythologique. Et ce n’était pas seulement Maximus Decimus Meridius, commandant des armées du nord, général des légions Phénix et fidèle serviteur du véritable empereur Marc Aurèle. Il était aussi le nouveau héros d’une génération qui venait des années 90 à la recherche de quelque chose de plus que des effets spéciaux et des phrases marketing.

Alors que le cinéma numérique arrivait en force et laissait entendre que tout ce que nous allions voir à partir de ce moment-là ressemblait beaucoup plus à Matrix qu’à Centaures du désert, Scott a dit « par là, je ne passe pas ». Et, eh bien, il nous a régalés avec un film qui, encore aujourd’hui, reste incontournable chaque fois qu’il est rediffusé à la télé.

Il s’est écoulé vingt-cinq ans depuis. Un quart de siècle durant lequel le cinéma a changé autant que nous. Maintenant, les mythes grecs ne sont plus aussi à la mode que les super-héros (et, en fait, ils sont aussi en train de passer un peu au second plan). Mais, malheureusement, nous ne pouvons pas célébrer avec fierté le 25ème anniversaire de Gladiator. Pourquoi ? Parce qu’il existe une chose appelée “Gladiator 2”.

Sorti le 15 novembre 2024, Gladiator 2 cherchait à être une suite tardive à la hauteur des circonstances. Il voulait reprendre l’histoire originale et la suivre à travers Lucius Verus, fils de Maximus, qui était resté en suspens dans le film original comme un héros potentiel à explorer. Il semblait avoir tout pour cartonner : d’un budget énorme aux étoiles les plus intéressantes du moment, de Paul Mescal à Pedro Pascal en passant par Joseph Quinn et, bien sûr, Denzel Washington.

Cependant, Ridley Scott montre depuis des années qu’il n’est plus le même. Normal, à 87 ans, il n’a même plus de sens qu’il puisse continuer à réaliser des films épiques comme celui-ci. Mais il faut savoir quand se retirer ou, tout simplement, laisser les choses telles qu’elles sont. Et après l’échec de Napoléon, peut-être que ce n’était pas le bon moment pour prendre le film le plus important de sa carrière et réaliser une suite que personne n’a demandée.

En fin, ce n’est pas que Gladiator 2 soit un désastre absolu. Il a du style, des acteurs qui ne sont pas trop mauvais (bien que, sincèrement, Paul Mescal ne colle pas du tout à ce rôle) et des scènes de qualité. En gros, il y a même une bataille navale sortie de nulle part dans le Colisée. En général, il aurait dû pouvoir être au moins à la hauteur.

Mais le cinéma ce n’est pas des requins et des rhinocéros (à moins qu’on parle d’un documentaire). C’est de l’émotion, et c’est justement ce qui arrive à Gladiator 2. Ici, l’émotion est feinte, avec un scénario sans trop de sens, poussé à l’extrême pour arriver aux scènes épiques. Les répliques cherchent désespérément à être épiques, mais elles ne font que sonner comme des copies. Et cela, le spectateur d’aujourd’hui le remarque.

Ce qui est le plus curieux, c’est que Gladiator 2 ne tombe pas à cause d’un excès d’ambition, mais par peur. Par peur de rompre avec l’héritage de l’original. Par peur de construire quelque chose de nouveau sans les échafaudages du souvenir. Au lieu de nous présenter un nouveau conflit qui nous secoue, il s’obsède à répéter la formule : protagoniste trahi, lutte de pouvoir, cirque romain, rédemption. Mais sans un Maximus, sans ce regard blessé de Crowe qui te brisait l’âme, tout reste en surface. Et même la présence d’acteurs puissants comme Denzel Washington ne parvient pas à allumer l’étincelle.

Depuis quelques années, nous nous sommes habitués à ce que tous les grands films doivent avoir un remake, une suite tardive ou un spin-off. Et regardez, non. Parfois, il ne faut pas se concentrer uniquement sur le passé et essayer des choses nouvelles. Parce que Ridley Scott a le potentiel pour le faire, et parfois il réussit aussi bien qu’avec Le Dernier Duel.

Mais il est déjà trop tard. Maintenant, nous célébrons les 25 ans de Gladiator en berne. Parce que le réalisateur de l’original l’a trahi. Bien sûr, Maximus Meridius restera toujours dans notre mémoire… mais maintenant son souvenir est un peu plus flou. Gladiator était si parfait qu’il n’a jamais eu besoin d’une suite. C’était une fin fermée, parfaite, même poétique. Rouvrir cette tombe n’a servi qu’à rappeler pourquoi nous l’avons laissée intacte pendant 25 ans. Parce qu’au fond, nous savions que personne ne pourrait occuper la place de Maximus. Ni sur le trône de Rome, ni dans notre mémoire. Ridley, merci d’avoir essayé. Mais il y a des batailles qui étaient déjà gagnées avant d’être livrées.

Bien que ce soit une plateforme qui est devenue la réponse grand public aux goûts du public général, avec des séries répétitives et sans trop d’efforts en général, parfois Netflix réserve de belles surprises. Des fictions comme Adolescence ou Mon renne en peluche se glissent parmi l’énorme amalgame de produits culturels de la plateforme, conquérant le public avec des propositions différentes.

En 2019, la série expérimentale qui a réussi cela était Love, Death & Robots, une anthologie d’animation de science-fiction pour adultes produite par Tim Miller et David Fincher. Chaque épisode, complètement indépendant, devient un laboratoire d’essai pour raconter des histoires différentes avec toutes sortes de techniques. Pendant trois saisons, ils nous ont éblouis avec des joyaux impressionnants. Et le 15 mai prochain arrive la saison 4, qui promet de continuer à relever le défi. Mais quels sont les meilleurs épisodes de Love, Death & Robots jusqu’à présent ?

Zima Blue (Saison 1, Épisode 14)

Pour beaucoup, ce chapitre synthétise l’âme de Love, Death & Robots. C’était l’un des derniers de la première saison, mais il est sans aucun doute resté le fidèle reflet de ce que représente cette série anthologique. Avec son style visuel inconfondable — couleurs plates, silhouettes allongées et une esthétique qui rappelle Aeon Flux ou Tron —, le réalisateur Robert Valley dirige cette histoire d’un artiste intergalactique qui, après des décennies de perfection esthétique, décide d’abandonner la grandeur pour retrouver ses origines : une machine de nettoyage de piscines.

Ce qui rend Zima Blue spécial, ce n’est pas seulement son message philosophique qui nous pousse à réfléchir sur nous-mêmes et notre avenir, mais aussi la manière dont il le transmet. L’épisode présente une poésie visuelle qui se passe du spectacle facile pour embrasser le mélancolique. C’est un récit sur le sens de l’art, la conscience artificielle et la quête d’authenticité dans un monde rempli de stimuli comme celui dans lequel nous nous trouvons.

Le Témoin (Saison 1, Épisode 3)

Provenant de l’esprit d’Alberto Mielgo, réalisateur espagnol oscarisé, un des chapitres les plus intéressants de la première saison est, sans aucun doute, The Witness (ou La Témoin). Situé dans le troisième chapitre de la première saison, il a servi comme le premier grand coup visuel de la série.

Le chapitre raconte une poursuite vertigineuse entre une femme qui est témoin d’un meurtre et le supposé assassin qui la suit. Tout se déroule dans une incroyable ville futuriste et chaotique qui semble être un croisement entre Blade Runner et un podium de mode. Techniquement, le court-métrage était révolutionnaire : un mélange d’animation 3D et de rotoscopie qui parvient à un photoréalisme stylisé, comme si la toile était vivante. De plus, sa boucle narrative le rend unique dans son récit.

Pop Squad (Saison 2, Épisode 3)

Bien que la deuxième saison ait été un peu plus courte que la première, elle nous a également laissé avec quelques joyaux totalement remarquables. Ma préférée est Pop Squad, un récit sombre qui nous transporte dans un monde où l’immortalité est possible… tant que nous sommes prêts à éliminer tous les enfants.

Cette prémisse éthique si subversive est portée par un agent implacable qui sait clairement quelle est sa mission… mais qui commence à remettre en question son rôle après une rencontre avec une mère et sa fille cachées. Jennifer Yuh Nelson, la réalisatrice (attention) de Kung Fu Panda 2 et 3, est la réalisatrice de cet épisode. C’est l’un des rares épisodes qui mise sur l’introspection émotionnelle plutôt que sur l’impact visuel, mais sa conclusion fait qu’il se classe parmi les meilleurs de l’anthologie.

Jíbaro (Saison 3, Épisode 9)

Alberto Mielgo se retrouve à nouveau en tête avec Jíbaro, mais c’est que son travail est impressionnant. Dans cet épisode, le réalisateur espagnol nous transporte dans une jungle coloniale, où nous suivons la rencontre entre un chevalier sourd et une sirène hypnotique. Cependant, ce qui semble être un conte de fées se transforme rapidement en une danse sanglante de désir, de violence et de cupidité.

L’animation, encore une fois, est complètement merveilleuse. Elle combine la capture de mouvement avec des techniques numériques avancées, tout en ajoutant un design sonore absolument immersif, qui simule ce que perçoit (ou plutôt ne perçoit pas) le protagoniste. Il n’y a pas de dialogues, seulement des corps se déplaçant au rythme de la tragédie. Jíbaro a remporté l’Emmy du Meilleur Court Métrage Animé en 2022. Et ce n’est pas pour rien.

Mauvais Voyage (Saison 3, Épisode 1)

Un autre court-métrage impressionnant de la saison 3 est Bad Travelling, le très attendu premier film de David Fincher en tant que réalisateur de la série. L’attente en valait la peine, et il est rapidement devenu l’un des meilleurs de toute l’anthologie. Cet épisode est une histoire d’horreur maritime, où un bateau est envahi par une créature dévoreuse de chair qui oblige l’équipage à choisir entre trahison et survie.

Avec un scénario écrit par Andrew Kevin Walker (Seven), l’épisode est un essai sur le pouvoir, la moralité et la manipulation. Une petite perle où Fincher déploie sa maîtrise du rythme et du cadrage, cette fois au format animé.

La Corée du Sud est devenue l’une des régions les plus prolifiques en matière d’audiovisuel. Depuis que des réalisateurs comme Park Chan-wook et Bong Joon-ho ont montré au monde qu’une manière différente (et meilleure) de faire du cinéma était possible grâce à des films comme Oldboy, Parasite ou La Vierge, le pays oriental s’est placé en tête du cinéma mondial.

Et, depuis les dernières années, cela s’est également transféré aux séries. Grâce à Netflix, les séries coréennes ont commencé à cartonner dans le monde entier. Du phénomène mondial de Squid Game aux K-Dramas comme La Gloire ou Nous sommes morts, les séries en provenance de Corée ont capté l’attention des audiences internationales grâce à leur qualité sublime.

Une série qui vous met au défi en tant que spectateur

Maintenant, une nouvelle série coréenne se distingue depuis des semaines dans le Top 10 des séries non anglophones les plus regardées sur la plateforme. Son titre est Karma et elle se démarque déjà comme l’une des meilleures séries de 2025. Lancée il y a un mois, le 4 avril dernier, cette mini-série de six épisodes a captivé des millions de spectateurs à travers le monde.

Dirigé par Lee Il-hyung (connu pour A violent Prosecutor), Karma se dresse comme un thriller psychologique qui suit la vie entrelacée de six personnes après un accident fatal qui les unit toutes. Bientôt, ce qui semblait être un incident isolé se transforme en une chaîne inébranlable de crime, de culpabilité et de rédemption. Les rebondissements sont constants, c’est l’une de ces séries que vous ne pouvez pas arrêter de regarder jusqu’à ce que tout soit résolu et que vous puissiez retrouver un sommeil paisible.

Le casting de Karma est l’un de ses éléments les plus remarquables. Le protagoniste principal (bien qu’il s’agisse d’une fiction avec six points de vue différents) n’est autre que Park Hae-soo, que nous avons bien connu comme le rival à battre dans Le jeu du calamar. Après avoir joué dans la série oubliable La casa de papel : Corée (tout ne pouvait pas bien se passer pour Netflix), Hae-soo revient avec un personnage totalement différent de ce à quoi il nous a habitués.

Mais il n’est pas seul dans la série. À ses côtés, il y a d’autres figures très intéressantes qui raviront les fans de K-Dramas, comme Shin Min-a (Hometown Cha-Cha-Cha) et Lee Hee-joon (A Killer Paradox). Il n’y a pas de personnage plat dans la série. Chacun fait face à ses propres démons ; d’un médecin tourmenté par des cauchemars à un homme endetté à cause d’investissements ratés dans les cryptomonnaies. Bien qu’en apparence, aucun n’ait de lien avec l’autre, toutes les histoires s’entrelacent dans une narration magistrale qui devrait être étudiée dans les cours de scénario de séries.

Cela dit : Karma n’est pas une série pour tout le monde. Ne vous attendez pas à une fiction complaisante que vous pouvez regarder en scrollant sur TikTok sur votre mobile. La fiction coréenne possède une narration complexe qui vous oblige à prêter attention à chaque détail. Étant donné qu’il s’agit d’une série pleine de rebondissements et de personnages qui ne sont pas ce qu’ils semblent, il est important de plonger dans son histoire sans distractions.

Mais, bien que cette complexité soit ce que la presse spécialisée a le plus critiqué à propos de Karma, de mon point de vue, c’est ce qui la rend la plus attrayante. Ok, nous sommes habitués à des séries qui nous mâchent le travail… surtout quand il s’agit de Netflix. Mais et si nous prenions une pause des distractions et que nous nous confrontions à quelque chose de plus profond et complexe ? Si vous en avez assez que les créateurs de séries prennent le public pour des idiots, Karma pourrait être la réponse que vous attendiez.

Marvel Studios est dans une situation quelque peu délicate depuis des années. Bien qu’il continue à réaliser des succès au box-office tous les deux ou trois mois, comme cela a été le cas l’année dernière avec Deadpool & Wolverine, on compte récemment plus d’échecs. Le dernier en date a fait du bruit : Captain America 4 : Brave New World n’a rapporté que 414,2 millions de dollars, et bien qu’il ait eu un budget de 180 millions, tout semble indiquer qu’au sein du studio, ils n’ont pas récupéré leur investissement après la publicité et le marketing.

Cependant, le MCU continue de s’étendre de plus en plus, et Kevin Feige espère que les prochains films rétabliront l’équilibre. Cette année, ils sortiront les 4 Fantastiques et l’année prochaine, Avengers : Doomsday, donc tout semble indiquer que leur malheureux sort va changer. Néanmoins, nous verrons d’abord une sortie plus polémique qui arrivera le 2 mai prochain : Thunderbolts*.

Lorsque ce film a été annoncé, personne ne semblait vraiment motivé à aller le voir. Il est vrai que ce pseudo-Suicide Squad n’avait pas beaucoup d’adeptes à cause de son casting. Mais au fur et à mesure que de nouvelles bandes-annonces et affiches ont été dévoilées, le public s’est laissé séduire. Et soyons honnêtes, le petit astérisque est un cliffhanger inégalable. Mais qui sont ces héros ? Si vous voulez être un peu au courant de la formation originale, nous vous recommandons 5 comics à ne pas manquer avant de voir le film.

Thunderbolts (1997) #1–12 – L’origine de la tromperie

La série originale des Thunderbolts, créée par Kurt Busiek et Mark Bagley, partait d’une prémisse brillante : avec les Vengeurs et les 4 Fantastiques disparus après les événements d’Onslaught, une nouvelle équipe de héros émerge pour combler le vide. Mais à la fin du premier numéro, les lecteurs découvrent que ces nouveaux héros sont en réalité les Maîtres du Mal déguisés, dirigés par le Baron Zemo. Les choses devenaient intéressantes.

Bien que Zemo ne soit pas confirmé dans le film (ce qui est intéressant…), le concept de méchants contraints d’agir comme des héros résonne clairement. Beaucoup de personnages du film —comme Ghost, Taskmaster ou U.S. Agent— ont des passés troubles et pourraient être entraînés dans des missions secrètes qui remettent en question leur moralité. De plus, la présence de Valentina en tant que recruteuse rappelle le Zemo manipulateur des comics, ce qui suggère qu’il y a plus d’une agenda en jeu.

Thunderbolts (2006) #110–121 – L’ère de Norman Osborn

Avec un scénario de Warren Ellis (l’un des meilleurs scénaristes de bande dessinée de l’histoire) et des illustrations de Mike Deodato Jr., cette étape se déroule après la Civil War originale, où le gouvernement des États-Unis crée une escouade de vilains contrôlés pour traquer les super-héros non enregistrés. L’équipe, avec des figures aussi instables que Bullseye, Venom et Moonstone, est dirigée cette fois par Norman Osborn (le futur Iron Patriot), dont la mégalomanie et la manipulation psychologique donnent le ton à cette saga.

Bien que sa formation ne ressemble en rien, cette version est probablement la plus proche de ce que nous verrons dans le MCU. Le concept de « missions officielles » avec des pions gouvernementaux, dirigé par une figure ambiguë comme Valentina, imite la structure de ce comic. De plus, le ton plus sérieux, violent et paranoïaque s’accorde avec la trame narrative que Marvel explore récemment.

Thunderbolts (2012) #1–32 – Antihéros en action

Dans cette incarnation des Thunderbolts, le Général Thunderbolt Ross (Red Hulk), que nous venons de voir dans Captain America 4, recrute une équipe d’assassins et d’antihéros : Punisher, Deadpool, Elektra et Venom entre autres. Avec une vision moins héroïque que d’habitude, le groupe réalise des missions létales que les Avengers ne pourraient pas aborder. Daniel Way et Steve Dillon donnent à cette étape un ton plus adulte, avec de la violence explicite et des dilemmes éthiques à la limite. Néanmoins, ce n’est pas au niveau de la version de 2006.

Ce comic semble essentiel pour comprendre la philosophie de l’équipe dans sa version la plus pragmatique et brutale. Le leadership de Ross pourrait se refléter dans le rôle de Bucky Barnes dans le film, qui semble assumer une position de général avec des réserves.

Thunderbolts (2023) #1 – Le retour de Bucky Barnes

Sans aucun doute, c’est la bande dessinée qui a servi d’inspiration au film que nous verrons bientôt. Tant Bucky que Yelena sont des personnages centraux dans les deux versions, et leur approche sombre et tactique semble une suite logique de ce que nous avons vu tant dans The Falcon and the Winter Soldier que dans Black Widow.

Écrite par Collin Kelly et Jackson Lanzing, dans cette version des Thunderbolts, nous voyons comment Bucky Barnes dirige une nouvelle équipe chargée de détruire des réseaux de pouvoir corrompu dans l’univers Marvel. C’est une bande dessinée plus cérébrale et stratégique que les autres, bien que cela ne la rende pas moins intense.

Avengers/Thunderbolts (2004) #1–6 – Choc des idéaux

Cette mini-série écrite par Kurt Busiek et Fabian Nicieza oppose les Thunderbolts aux Vengeurs eux-mêmes… quelque chose que nous pourrions éventuellement voir au cinéma (si le Docteur Fatalis nous le permet). Le conflit est similaire à celui entre Captain America et Iron Man dans Civil War. Pendant que les Vengeurs doutent des intentions du groupe, les Thunderbolts luttent pour prouver que tous les vilains ne sont pas condamnés à la perdition.

Clairement, Marvel Studios va à sa manière avec les personnages (et nous laissera avec quelques morts retentissantes). Néanmoins, tous ces comics peuvent servir à en apprendre davantage sur le Suicide Squad de Marvel. Un super-groupe avec très peu de super et beaucoup de héros.

«Il semble qu’aujourd’hui, tout ce que vous voyez, c’est de la violence dans les films et du sexe à la télé…». Si vous n’avez pas pu vous empêcher de fredonner cette mélodie, il est clair qu’à l’époque, vous étiez l’un des grands fans de Les Griffin (Family Guy) à travers le monde. Mais il suffit de jeter un œil aux paroles du générique pour se rendre compte que… c’est une série TRÈS des décennies passées. Sérieusement, est-ce que quelqu’un se soucie encore aujourd’hui du sexe à la télé ou de la violence dans les films ?

Eh bien, si vous ne le saviez pas, le 2 avril dernier, Disney Plus a lancé la saison 23 de Family Guy. Oui, je sais ce que vous pensez : elle suit le chemin des Simpson, décidée à ne jamais mourir. Mais pendant que ces derniers ont essayé de s’adapter aux temps modernes, que s’est-il passé avec Family Guy ? Pour ne pas aller plus loin, elle continue avec le même générique… et les épisodes n’ont pas vraiment beaucoup évolué dans leur narration. Donc, la question, inévitable après tant d’années et tant de changements dans le paysage audiovisuel, est claire : Family Guy est-elle toujours pertinente ?

Quand être politiquement incorrect était amusant

Pour comprendre la pertinence de « Les Griffin » dans notre époque, il faut revenir à son succès initial. Lancée en 1999 par Fox, la série a été à l’époque un souffle d’air frais (bien que pour beaucoup, plutôt toxique) dans l’univers des sitcoms animées.

Seth MacFarlane, son créateur, reprenait la tradition de la satire familiale popularisée par Les Simpson, mais l’imprégnait d’un cynisme sans complexes, d’humour noir, de parodies agressives et d’une structure qui rompait avec la narration conventionnelle. Dans Les Griffin, les personnages n’hésitaient pas à sauter d’une scène à l’autre en fonction de gags souvent absurdes (oui, nous pensons à la mythique scène du poulet géant) ou de références pop qui traversaient des décennies de culture américaine.

Comme il n’y avait rien de semblable, ni personne n’osait aller aussi loin… à l’exception de South Park, Les Griffin ont connu un premier succès fulgurant. Cependant, elle a été annulée après sa troisième saison, vous pouvez imaginer les raisons. Mais son succès était tel que Fox l’a ressuscitée en 2005, grâce à la performance impressionnante de ses DVD et de ses rediffusions sur Adult Swim.

Les Griffin est devenu un incontournable à prendre en compte. Des séries comme American Dad et The Cleveland Show (toutes deux également créées par MacFarlane), Rick and Morty, Big Mouth ou Solar Opposites n’existeraient pas sans elle. Son ton irrévérencieux, basé sur l’humour cynique, et son mépris pour la correction lui ont permis de fidéliser un public dévoué. Cependant, ce même ton a aussi été son talon d’Achille : tandis que Les Simpson a su maintenir une certaine chaleur et empathie, Les Griffin a toujours embrassé la misanthropie, ce qui la rend moins attachante et plus jetable.

Après avoir regardé quelques épisodes de cette saison 23, la sensation que laisse la série est celle d’être piégée dans sa propre formule. Les gags sont toujours là, les clins d’œil culturels continuent à bon rythme, mais il y a un manque évident de renouvellement thématique ou d’approche. La narration n’a pas changé… et encore moins les personnages. Tout est conçu pour que les fidèles de toujours se sentent à l’aise… mais c’est totalement hors de propos en 2025.

Le problème n’est pas que Les Griffin ne sait pas faire rire, mais qu’il ne se sent plus comme une série pertinente. Dans un monde où il existe des joyaux comme BoJack Horseman, qui parlent d’égal à égal de la célébrité ou de la santé mentale, l’humour répétitif des Griffin semble totalement anachronique. Non pas parce qu’il a perdu son essence, mais parce que le monde a changé et que la série n’a pas voulu changer avec lui.

Les plateformes de streaming continuent de se battre avec leurs meilleures armes pour avoir le meilleur contenu de science-fiction actuel. Alors qu’Apple TV+ mise sur le sci-fi cérébral et posé avec des propositions comme Severance ou Fondation, et que Max fait des paris plus sûrs avec de grandes IP comme The Last of Us, Netflix mène sa propre guerre avec des adaptations risquées mais très intéressantes. L’année dernière, nous avons vu cela très clairement avec Le problème des trois corps, et cette année, nous avons reçu le (complètement oubliable) État Électrique.

El Eternauta est le plus grand pari de Netflix sur la science-fiction cette année

Mais le 30 avril, Netflix lance une série qui, cette fois-ci, peut vraiment intéresser tout son public : El Eternauta. Après l’impact de l’adaptation de Cent ans de solitude, la plateforme se tourne à nouveau vers l’Amérique Latine avec ambition, cette fois avec une œuvre qui, bien qu’elle soit moins connue à l’international, est un pilier fondamental de la culture argentine et de la bande dessinée de science-fiction à l’échelle mondiale. Avec Ricardo Darín dans le rôle principal et dirigée par Bruno Stagnaro, la série promet une production spectaculaire, mais aussi une narration dense, politique et existentielle.

Cependant, avant de voir ce que Netflix a fait avec ce comic —qui peut être aussi bon que désastreux—, arrêtons-nous et jetons un œil à son comic original. Parce que, quoi qu’il arrive avec la plateforme, cette œuvre est une merveille qui mérite d’être lue. Et surtout si vous connaissez l’histoire de son auteur.

Publié à l’origine entre 1957 et 1959 dans le magazine Hora Cero Semanal, la bande dessinée El Eternauta raconte l’histoire de Juan Salvo, un homme ordinaire qui narre, depuis un futur lointain, une expérience traumatique survenue à Buenos Aires : une neige mortelle commence à tomber sur la ville, tuant instantanément quiconque la touche.

Le protagoniste, avec sa femme, sa fille et un petit groupe de voisins, se retranche chez lui et improvise des costumes de protection pour survivre. Mais ce qui commence comme une histoire de catastrophe évolue rapidement en une épopée de résistance contre une invasion extraterrestre à multiples facettes, avec des ennemis de plus en plus déconcertants. Le message est clair : l’héroïsme n’est jamais individuel, mais collectif. C’est-à-dire qu’en s’organisant en tant que communauté, vous pouvez résister à l’inhumain. Quelqu’un a-t-il dit communisme ?

L’histoire tragique derrière El Eternauta

Bien sûr, ce concept de résistance n’était pas anodin. Son scénariste, Héctor Germán Oesterheld, était passionné de science-fiction, mais aussi un intellectuel profondément engagé envers les valeurs humanistes. Né à Buenos Aires en 1919, Oesterheld s’est formé en tant que géologue, mais dès son jeune âge, il s’est tourné vers l’écriture, d’abord comme écrivain d’aventures puis comme scénariste de bande dessinée. Son style se caractérisait par une sensibilité très peu commune dans le genre : ses personnages étaient vulnérables, éthiques, plus préoccupés par les autres que par eux-mêmes. Au lieu d’être des héros musclés à l’américaine, Oesterheld proposait des figures profondément humaines, souvent vaincues par le système… mais jamais soumises à lui.

El Eternauta a été un phénomène brutal en Argentine, surtout dans les années qui ont suivi sa publication. Néanmoins, la vie de l’auteur prendrait un tournant sombre dans les années 70. Alors que le pays sombrait dans une instabilité politique croissante puis dans une dictature féroce, Oesterheld radicalisa son engagement. Il se rapprocha de l’organisation guerrière Montoneros, pour laquelle il commença à écrire des tracts, des discours et des documents politiques. Parallèlement, il écrivit une seconde partie de El Eternauta, plus brutale, plus explicitement politique, dans laquelle Juan Salvo ne fuyait plus l’invasion : il menait une révolution contre un régime oppresseur.

C’était sa façon de laisser une trace de sa pensée au milieu de la terreur. Mais ce courage a eu des conséquences fatales. En 1977, Oesterheld a été enlevé par la dictature militaire. Il avait 57 ans. Il a été vu pour la dernière fois dans un centre clandestin de détention, selon des témoignages, continuant à écrire, continuant à résister. Son corps n’a jamais été retrouvé. Avant lui, ses quatre filles — Estela, Diana, Marina et Beatriz — avaient déjà disparu, toutes militantes, toutes assassinées par le régime avec trois de leurs gendres. Seule sa femme, Elsa, a survécu pour en parler.

Le fait qu’une bande dessinée de science-fiction ait été écrite par un homme qui a disparu à cause de sa pensée est, en soi, frappant. Mais El Eternauta ne survit pas seulement en tant qu’objet culturel chargé d’histoire. Il le fait, surtout, parce que c’est une œuvre incroyablement bien écrite, structurée et pensée. Parce que son récit d’une invasion venue d’en haut — cette neige blanche, silencieuse et létale — peut être lu comme une allégorie de tout type d’oppression : coloniale, dictatoriale et même climatique. Et parce que les personnages ne sont pas des super-héros, mais des gens ordinaires qui luttent pour rester en vie.

Nous ne savons pas encore ce que sera la série —avec Netflix, on ne sait jamais—, mais si sa popularité permet de mieux faire connaître la bande dessinée et l’histoire d’Oesterheld, cela en vaudra déjà la peine.