Author: Chennon Kyle "CK" Santaren

Chez DC Comics, la magie n’occupe pas un simple recoin de l’univers. Elle pèse sur l’ordre du cosmos, fait basculer des mondes entiers et nourrit certaines des histoires les plus noires, mais aussi les plus impressionnantes, publiées par l’éditeur. Et avec le retour en grâce des figures mystiques de DC Comics, la même discussion refait surface chez les fans : qui sont, au fond, les plus grands mages de toute l’histoire de la maison ? Voici les dix noms qui ressortent le plus clairement dans la mythologie construite par DC Comics.

Les 10 mages les plus puissants chez DC

1. Doctor Fate : dès qu’on parle de magie pure chez DC Comics, son nom arrive presque immédiatement. Avec le casque de Nabu et son lien direct avec les Seigneurs de l’Ordre, Doctor Fate cumule savoir mystique, puissance brute et véritable poids cosmique.

2. The Spectre : ce n’est pas un magicien au sens classique du terme. Son pouvoir surnaturel est pourtant tellement démesuré qu’il dépasse souvent la plupart des sorciers. En tant qu’esprit de la vengeance divine, il manipule la réalité à une échelle franchement terrifiante.

3. The Phantom Stranger : difficile à cerner, toujours un peu à part, volontairement entouré de flou, The Phantom Stranger agit comme une présence presque métaphysique. Son accès à des forces très anciennes le place parmi les entités les plus redoutables du versant magique de DC Comics.

4. Zatanna : s’il faut citer la magicienne la plus populaire de DC Comics, c’est souvent elle qui s’impose. Zatanna mélange le spectacle de scène et une puissance bien réelle, capable de tout ravager. Sa magie verbale lui permet de modifier la matière, l’esprit, et parfois jusqu’aux règles mêmes du réel.

5. Raven : fille de Trigon, Raven puise dans une magie démoniaque et émotionnelle d’une ampleur rare. Quand elle perd le contrôle, son potentiel peut dépasser celui de nombreux héros et vilains réunis.

6. Trigon : on est moins face à un sorcier qu’à un cauchemar cosmique. Trigon tord les dimensions, corrompt des mondes entiers et tient tête aux plus grandes puissances surnaturelles de DC Comics.

7. John Constantine : il impressionne moins par la force brute, c’est vrai. En revanche, pour ce qui est de survivre à des adversaires largement plus puissants que lui, peu de personnages font mieux. Ses connaissances occultes, ses pactes et son talent très particulier pour retourner la magie contre ceux qui l’utilisent en font un cas à part.

8. Circe : ennemie historique de Wonder Woman dans les comics DC Comics, Circe reste l’une des sorcières les plus anciennes, et surtout l’une des plus dangereuses, de cet univers. Métamorphoses, illusions, malédictions, son arsenal est immense. Et cruel.

9. Enchantress : au sommet de sa puissance, Enchantress peut remodeler ce qui l’entoure, lâcher des forces chaotiques et se transformer en menace mondiale. Son instabilité ne fait qu’aggraver le danger.

10. Shazam / le pouvoir des dieux : cas un peu particulier. Billy Batson, l’avatar de Shazam, n’est pas un magicien traditionnel. Sa force vient pourtant d’une source magique majeure, entre foudre divine, endurance surhumaine et héritage mythologique.

Pourquoi cette hiérarchie fascine autant les fans de DC

Cette sélection en dit long sur une singularité de DC Comics. Ici, la magie ne se résume pas à des sorts ou à des baguettes. Elle touche au divin, au démoniaque, au cosmique, mais aussi au psychologique. C’est ce mélange qui rend les affrontements mystiques souvent plus imprévisibles que de simples combats entre super-héros.

Et puis la puissance, chez eux, ne se mesure pas seulement à la quantité d’énergie qu’un personnage peut déchaîner. Doctor Fate domine par sa maîtrise. Zatanna par sa polyvalence. John Constantine par son intelligence tactique. Raven, elle, impressionne par un potentiel presque impossible à contenir. Chez DC Comics, la magie relève autant du savoir que de la force.

Un pan de l’univers DC qui pourrait gagner encore en importance

Si DC Comics continue à pousser son versant surnaturel, aussi bien à l’écran que dans les comics, ces personnages ont largement de quoi revenir au premier plan. Zatanna, John Constantine, Raven ou Doctor Fate portent tous un vrai potentiel narratif, surtout pour des récits plus sombres, plus adultes et plus ambitieux sur le plan visuel.

Au fond, la magie reste l’un des terrains les plus riches de DC Comics. Et ces dix personnages en sont sans doute les figures les plus impressionnantes.

D’après Peacock, The Happening, le thriller de science-fiction signé M. Night Shyamalan et sorti en 2008, longtemps rangé parmi les plus gros faux pas de sa carrière, est disponible en streaming sur la plateforme depuis septembre 2026, aux côtés d’autres films du réalisateur.

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Une mise en ligne qui remet forcément en circulation ce thriller de science-fiction que beaucoup tiennent encore pour l’un des ratages les plus spectaculaires de son auteur.

À sa sortie en 2008, le film s’était fait étriller. Très vite, il était devenu l’emblème du passage à vide de M. Night Shyamalan.

Avec les années, une partie du public a fini par lui accorder une drôle de seconde existence, entre curiosité pop, plaisir coupable et réputation de film « tellement mauvais qu’il en devient fascinant ».

Le récit suit Elliot Moore, professeur de sciences interprété par Mark Wahlberg, qui essaie de rester en vie avec sa femme Alma, jouée par Zooey Deschanel, ainsi qu’une petite fille confiée à leur garde.

Tous tentent d’échapper à un phénomène mystérieux qui se répand à travers les États-Unis et pousse soudainement ses victimes à se suicider.

Pensé comme un thriller paranoïaque aux allures de fin du monde, The Happening mise sur une peur invisible, diffuse, presque insaisissable. Son idée de départ a souvent été rapprochée de l’univers de Stephen King, en particulier de The Mist, et certains y voient aujourd’hui une sorte de brouillon imparfait de récits de survie plus récents comme Sans un bruit.

Si le film revient dans la conversation, c’est aussi parce qu’il reste l’un des objets les plus controversés de toute la carrière de M. Night Shyamalan.

Sur Rotten Tomatoes, The Happening plafonne à 17 % d’avis positifs, selon l’agrégateur Rotten Tomatoes.

À l’époque, plusieurs critiques l’avaient jugé « incohérent » et « peu convaincant », en visant surtout son scénario, ses dialogues et des prestations considérées comme maladroites. Et le moment tombait mal pour Mark Wahlberg : après son unique nomination aux Oscars, comme meilleur second rôle pour Les Infiltrés de Martin Scorsese, l’acteur avait enchaîné en 2008 avec deux films très mal accueillis, Max Payne (16 % sur Rotten Tomatoes, selon Rotten Tomatoes), puis The Happening.

Ce qui est plus surprenant, c’est que cette volée de bois vert n’a pas empêché le film de marcher en salles.

The Happening a engrangé plus de 160 millions de dollars dans le monde pour un budget estimé à 60 millions, signe qu’un concept accrocheur et le nom de M. Night Shyamalan suffisaient encore, à l’époque, à faire venir le public.

Dans la filmographie de M. Night Shyamalan, The Happening revient souvent comme un point de chute, parfois même comme le début du reflux durable de sa réputation critique après les triomphes des années 1990 et 2000.

Même chez les admirateurs de M. Night Shyamalan, le film continue de couper le public en deux.

Son arrivée sur Peacock pourrait malgré tout relancer sa réévaluation. Ce n’est sans doute pas le grand thriller métaphysique que M. Night Shyamalan pensait livrer, mais ça reste un objet de cinéma singulier, excessif, profondément bizarre, qui provoque encore des réactions près de vingt ans plus tard. À l’ère du streaming, c’est souvent comme ça qu’un échec finit par devenir culte.

Au moment où ces lignes sont publiées, Les Huit Salopards, le western de Quentin Tarantino sorti en 2015, peut être regardé gratuitement en streaming sur Tubi et Fawesome TV, d’après les fiches mises en ligne par les deux plateformes. Le film passe donc par ces services financés par la publicité, avec une disponibilité qui peut, comme souvent, changer d’une région à l’autre.

Mieux vaut quand même vérifier avant de lancer la séance. À l’heure de la publication, le long-métrage apparaît bien parmi les titres proposés sans frais sur Tubi et Fawesome TV.

Pour ceux qui ne l’ont jamais vu, ou pour ceux qui ont envie d’y revenir, l’occasion est plutôt belle: c’est l’un des films les plus à part dans toute la filmographie du réalisateur.

Sorti en 2015, ce western de près de trois heures reste un drôle d’objet dans le paysage du cinéma grand public: un huis clos gelé, bavard, très violent, constamment sous tension, qui transforme une simple halte dans une auberge du Wyoming en bombe à retardement.

Où voir gratuitement Les Huit Salopards

Les Huit Salopards est donc disponible sans payer sur Tubi et Fawesome TV.

Comme toujours avec ce genre de plateforme, le catalogue bouge selon les pays. Mais à l’heure actuelle, le film figure bien sur Tubi et Fawesome TV.

Pour un morceau de cinéma aussi massif que celui-là, le signaler n’est pas anodin.

Et puis il y a ce paradoxe assez rare: Quentin Tarantino fait partie des quelques cinéastes capables de réunir les cinéphiles les plus assidus et un public beaucoup plus large, y compris avec une proposition aussi sèche, austère même, qu’un western enneigé presque entièrement construit en huis clos.

Un western sous tension, entre Agatha Christie et John Carpenter

L’histoire de Les Huit Salopards se déroule dans le Wyoming, peu après la guerre de Sécession. Huit inconnus se retrouvent coincés dans un refuge pendant une tempête de neige, et la méfiance s’installe presque tout de suite: chacun paraît dissimuler quelque chose, pendant que l’air devient de moins en moins respirable.

C’est ce mécanisme qui a valu au film d’être souvent décrit comme un croisement entre le western spaghetti, le thriller paranoïaque et le mystère à la Agatha Christie.

Les rapprochements avec The Thing de John Carpenter, Le Bon, la Brute et le Truand ou encore And Then There Were None reviennent souvent. Pas seulement à cause du décor ou du suspense, mais aussi pour cette sensation tenace que personne, dans cette pièce, n’inspire vraiment confiance.

La distribution pousse encore plus loin ce jeu de dupes: Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh, Walton Goggins, Demián Bichir, Tim Roth, Michael Madsen et Bruce Dern forment un ensemble particulièrement solide.

Plusieurs montages pour une même descente aux enfers

Le film a aussi existé sous plusieurs formes.

Quentin Tarantino a d’abord sorti un montage “Roadshow” en 70 mm de 187 minutes, avec ouverture musicale et entracte. Une version cinéma plus courte de 168 minutes a suivi. Puis Netflix a mis en ligne un montage étendu de 210 minutes, découpé en quatre épisodes à la manière d’une mini-série.

Au fond, peu importe la version choisie: l’expérience reste la même. C’est toujours un récit qui se charge de poison minute après minute, nourri par les tensions raciales, la brutalité et une corruption morale qui finit par tout contaminer.

Un succès solide malgré les débats

À sa sortie, Les Huit Salopards a reçu un accueil globalement positif.

Les critiques ont surtout salué le scénario, la photographie et la musique d’Ennio Morricone, récompensée par l’Oscar de la meilleure bande originale. De son côté, Jennifer Jason Leigh a décroché une nomination à l’Oscar du meilleur second rôle féminin.

Le film s’est aussi bien comporté au box-office, avec plus de 155 millions de dollars de recettes mondiales pour un budget estimé à 44 millions.

Les reproches ont surtout visé sa durée et sa violence graphique. Ce sont aussi, très clairement, deux éléments au cœur de son identité.

Cette remise en avant du film arrive alors que Quentin Tarantino traverse une nouvelle période de transition. Son projet de dixième long-métrage, The Movie Critic, a été abandonné. Il travaille désormais sur The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, un spin-off de Once Upon a Time in Hollywood que doit réaliser David Fincher.

En attendant, Les Huit Salopards reste l’une des meilleures portes d’entrée vers le Tarantino le plus cruel. Et aussi l’un des plus ambitieux.

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Foundation, la grande saga de science-fiction d’Isaac Asimov, va avoir droit à son jeu de société officiel, avec un angle clairement stratégique. L’annonce est tombée aujourd’hui sur BoardGameGeek. Le projet est développé par Creardo et devrait passer par la plateforme de financement participatif Gamefound, un signe de plus que Foundation continue d’étendre son territoire bien au-delà des romans.

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Cette fois, on ne parle ni d’une nouvelle série ni d’un jeu vidéo. Foundation passe par le jeu de plateau. Creardo est aux commandes, Gamefound servira de point de départ, et la saga ajoute ainsi une nouvelle adaptation à tout ce qui existe déjà hors des livres.

Le choix de la stratégie a d’ailleurs quelque chose d’assez naturel pour une œuvre construite sur les jeux de pouvoir, les empires qui s’effritent et les projections à très long terme imaginées par Isaac Asimov. Pour l’instant, les détails concrets sur les mécaniques restent maigres, mais l’idée avancée est claire : proposer une manière plus directe, plus prenante d’entrer dans cet univers dense.

Pour le moment, la communication s’est surtout focalisée sur l’annonce publiée sur BoardGameGeek et sur la future campagne de financement participatif, bien plus que sur une vraie présentation du gameplay.

Détail assez surprenant, le premier visuel partagé dans un message officiel sur BoardGameGeek met en avant une direction artistique qui pioche du côté des années 1970. Franchement, ça colle plutôt bien à l’ADN rétrofuturiste de Foundation.

Au moment où nous écrivons ces lignes, on ne connaît ni la date de lancement, ni le format exact de la campagne, ni même la place précise que le jeu cherchera à prendre sur le marché du jeu de société. Le choix de Gamefound, lui, n’a rien d’anecdotique : la plateforme est devenue un passage presque obligé pour les jeux sous licence qui misent sur une forte notoriété, en particulier ceux qui visent les collectionneurs et les amateurs déjà très investis.

Pour Foundation, ce passage par Gamefound peut aussi servir de test grandeur nature pour mesurer vite l’intérêt du public avant, peut-être, une sortie plus large. D’après l’annonce relayée sur BoardGameGeek, Creardo travaille encore sur le projet en phase de test. Il faudra donc patienter avant de savoir si l’on aura affaire à un titre pensé pour le grand public ou à quelque chose de plus pointu, taillé pour des joueurs experts. Nous vous tiendrons informés.

Si cette adaptation voit le jour maintenant, ce n’est sans doute pas un hasard. Foundation bénéficie depuis quelques années d’un vrai regain de popularité grâce à la série Foundation d’Apple TV+, lancée en 2021 et déjà renouvelée pour une quatrième saison.

La série, créée par David S. Goyer et Josh Friedman, avec Jared Harris et Lee Pace au casting, a souvent été saluée pour l’ampleur de ses visuels et la tenue de son écriture. Elle a aussi relancé pas mal de discussions chez les lecteurs d’Isaac Asimov, notamment à cause de ses écarts avec les romans. L’exemple le plus commenté reste l’introduction de la « dynastie génétique » des empereurs clonés.

Et ce jeu de société n’arrive pas de nulle part. Il s’inscrit dans une suite d’adaptations déjà bien engagée après Foundation: Galactic Frontier, un MMO stratégique mêlé à du jeu de rôle free-to-play, sorti en octobre 2025 sur iOS, Android et PC, puis arrivé sur Steam en janvier 2026.

Foundation n’est plus seulement une œuvre littéraire culte ou une série de prestige. C’est aussi une licence qui essaie, très concrètement, plusieurs formats interactifs. La vraie question est maintenant de savoir si cette version sur plateau réussira à transformer la richesse intellectuelle d’Isaac Asimov en une expérience de jeu à la hauteur de l’héritage.

Destoroyah, le monstre culte de Godzilla vs. Destoroyah (1995), refait officiellement surface aujourd’hui dans l’actualité de la franchise Godzilla, trente et un ans après sa dernière apparition marquante. Son retour passe d’abord par le jeu mobile Godzilla Battle Line, d’après les communications du jeu, avec un design largement retravaillé. Dans la foulée, Tamashii Nations a aussi annoncé de nouvelles figurines et plusieurs coffrets de collection autour du kaiju.

Pour les fans de longue date, la nouvelle compte. Destoroyah n’avait plus bénéficié d’une telle exposition depuis le film de 1995, dernier long-métrage de l’ère Heisei. Il reste d’ailleurs régulièrement cité parmi les adversaires les plus meurtriers de Godzilla, en grande partie parce que Godzilla vs. Destoroyah reste lié à l’un des dénouements les plus forts de toute la saga : la mort de Godzilla.

L’autre gros changement, c’est son apparence. Les premières images diffusées pour ce retour dans Godzilla Battle Line montrent une créature bien plus agressive, avec une silhouette et une direction visuelle qui modernisent nettement son look classique. Tout ça semble directement lié aux dernières mises à jour de Godzilla Battle Line, qui ont introduit une forme inédite de Destoroyah, présentée par le jeu comme une nouvelle évolution du monstre.

D’après les éléments partagés par Godzilla Battle Line au sujet de cette version, la créature évoluerait après avoir absorbé les restes de Mecha King Ghidorah. Cet ajout au lore accentue encore le côté expérimental, presque grotesque, du personnage. Et pour une franchise qui recycle souvent ses designs les plus connus avec beaucoup de précautions, le changement est assez net pour sauter aux yeux tout de suite.

Destoroyah n’est pas un kaiju parmi d’autres. Son origine renvoie directement à l’Oxygen Destroyer, l’arme qui avait servi à tuer le Godzilla original dans Godzilla (1954). Dans Godzilla vs. Destoroyah (1995), des crustacés préhistoriques mutés par cette arme finissent par évoluer en Destoroyah. C’est aussi ce qui lui donne ce statut à part : il incarne, à lui seul, une conséquence vivante du traumatisme fondateur de la franchise. On comprend mieux, du coup, pourquoi le monstre conserve une telle aura auprès du public.

Pour l’instant, Toho n’a annoncé officiellement aucun nouveau film Godzilla mettant Destoroyah au programme.

En attendant, ce retour passe surtout par le jeu et les produits dérivés. Tamashii Nations a notamment lancé le coffret 2026 Godzilla Junior & Destoroyah Evolution Set qui réunit plusieurs formes de Destoroyah, crustacéenne, aggregate et volante, aux côtés de Godzilla Junior, selon la présentation du fabricant.

Il faut donc garder un peu de réserve. Oui, Destoroyah est bien de retour dans l’univers Godzilla, avec une nouvelle identité visuelle très affirmée. Mais pour le revoir en haut de l’affiche au cinéma, il faudra encore une annonce officielle de Toho. Nous vous tiendrons informés.

La production britannique de la future série Tomb Raider pour Amazon Prime Video a reçu, en avril 2026, une mise en demeure du Health and Safety Executive (HSE), le régulateur britannique, après des manquements aux règles de santé et de sécurité au travail relevés plus tôt dans l’année. D’après des documents officiels du HSE, l’intervention portait sur le suivi et l’encadrement de l’exposition de certains membres de l’équipe à des substances utilisées sur le tournage de la série Prime Video. Cela ne voulait pas dire, en soi, que la production devait s’arrêter complètement.

Dans le détail, ces mêmes documents indiquent que Project Temple Productions Ltd, la société derrière le projet, n’était pas en conformité avec le Health and Safety at Work Act 1974, ainsi qu’avec les Control of Substances Hazardous to Health Regulations 2002.

Le point le plus sensible concernait, selon le HSE, des peintures contenant des isocyanates, des composés chimiques connus pour être liés à un risque d’asthme professionnel lorsqu’ils sont mal encadrés. Le régulateur a jugé que la surveillance de cette exposition n’était pas suffisante.

Et une mise en demeure ne veut pas automatiquement dire qu’un projet s’arrête net. En revanche, elle oblige l’entreprise visée à corriger rapidement ses pratiques, ce qui n’a rien d’anodin dans l’audiovisuel, puisque la question touche directement à la protection des techniciens et, plus largement, de tous les salariés présents sur le plateau.

Toujours selon les documents du HSE, Project Temple Productions Ltd aurait depuis appliqué les mesures exigées par le régulateur. Le tournage a donc pu continuer après son lancement en janvier 2026 à Shinfield Studios, au Royaume-Uni, puis se poursuivre dans d’autres lieux, notamment en Espagne.

Il faut toutefois séparer cet épisode réglementaire d’un autre incident sur la série. Sophie Turner aurait, d’après d’autres informations, subi une blessure légère sur le plateau, un incident qui avait temporairement interrompu le tournage. Les deux affaires n’ont pas de lien entre elles, même si, forcément, elles braquent l’attention sur les conditions de production du projet.

Très attendue, cette nouvelle adaptation de Tomb Raider est écrite et créée par Phoebe Waller-Bridge. Aux côtés de Sophie Turner, on retrouve aussi Sigourney Weaver et Jason Isaacs au casting.

L’affaire dépasse d’ailleurs le seul cadre de cette série. Elle s’inscrit dans un climat plus large de vigilance renforcée autour de la sécurité dans le cinéma et la télévision britanniques, alors que plusieurs enquêtes menées dans le secteur ont montré ces dernières années qu’une part non négligeable des professionnels de plateau disent ne pas toujours se sentir en sécurité au travail.

Pour Amazon, le problème est maintenant double : éviter que cette affaire n’abîme l’image d’une franchise majeure, tout en montrant que les exigences de sécurité ont bien été revues à la hausse pour la suite de la production.

« Artificial », le biopic sur OpenAI et son patron Sam Altman, aura sa première mondiale le 5 octobre 2026 à l’Alice Tully Hall, dans le cadre du New York Film Festival, d’après le New York Film Festival.

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Pour les festivaliers, ce sera la toute première occasion de découvrir l’un des films tech les plus attendus de 2026.

Sa sélection dans la 64e édition du New York Film Festival dit aussi quelque chose du rang accordé au projet.

Le film fait déjà beaucoup parler depuis des mois, autant à cause de son sujet, encore très sensible, que d’une production en coulisses qui a elle aussi suscité pas mal de commentaires.

« Artificial » au New York Film Festival : ce qu’il faut savoir

Mis en scène par Luca Guadagnino, « Artificial » revient sur les cinq jours de novembre 2023 pendant lesquels Sam Altman a été évincé d’OpenAI, avant de reprendre très vite la tête de l’entreprise, d’après la présentation du New York Film Festival.

L’épisode a été bref. Mais il est déjà vu comme l’un des rebondissements les plus spectaculaires de la Silicon Valley récente, et sert ici de base à un récit dramatique traversé par la comédie.

Toujours selon le New York Film Festival, Andrew Garfield incarne Sam Altman.

Monica Barbaro joue Mira Murati, Yura Borisov interprète Ilya Sutskever, et Ike Barinholtz campe Elon Musk.

Au scénario, Simon Rich signe un biopic présenté comme une comédie dramatique, sur une ligne qui mêle luttes de pouvoir, chocs d’ego et satire du milieu technologique.

Dennis Lim, directeur artistique du New York Film Festival, a décrit le film comme une œuvre en prise directe avec son époque. Selon lui, il raconte l’ascension de l’intelligence artificielle avec « une horreur lucide, un humour noir et un sentiment d’urgence existentielle ».

Un projet passé d’Amazon MGM à Neon

L’histoire de « Artificial » hors caméra est presque aussi commentée que celle racontée à l’écran.

Au départ, Amazon MGM Studios portait le projet, avant de s’en retirer en juin 2026. Le film a ensuite été repris par Neon, distributeur indépendant habitué aux œuvres d’auteur capables de faire du bruit du côté de la critique, selon Neon.

Le retrait d’Amazon a retenu l’attention, puisqu’il est intervenu peu après la signature par le groupe d’un partenariat estimé à 50 milliards avec OpenAI.

Forcément, cela a nourri les spéculations sur la façon dont « Artificial » dépeint Sam Altman, mais aussi d’autres figures de la tech comme Elon Musk.

Un biopic tech taillé pour faire parler

Avec un budget qui tournerait autour de 40 millions, « Artificial » s’inscrit dans une vague de plus en plus visible de films et de séries consacrés aux patrons de la tech, ainsi qu’à leur influence sur la culture, l’économie et la politique.

Le choix de Luca Guadagnino intrigue d’ailleurs encore plus, tant son cinéma est d’ordinaire associé à une forme d’élégance sensorielle plutôt qu’aux drames de salle de conseil.

Il reste maintenant à voir comment le public du New York Film Festival recevra ce portrait d’une crise interne devenue affaire mondiale.

Casting prestigieux, sujet brûlant, changement de distributeur en plein parcours, « Artificial » a déjà le profil du film dont on continuera à parler bien après la fin du festival.

Quelques jours après son arrivée sur Netflix, le 28 août 2026, The Whisper Man n’affiche que 45 % de score du public sur Rotten Tomatoes. Du côté de la presse, ce n’est pas mieux: 41 % sur Rotten Tomatoes. Et pourtant, malgré cet accueil poussif, le thriller criminel s’est vite hissé en tête du Top 10 de Netflix aux États-Unis, selon Netflix.

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Il y avait pourtant de quoi attirer du monde: un casting haut de gamme, un roman déjà très connu et ce créneau de thriller sombre de fin d’été qui fonctionne souvent assez bien.

Sauf que les premiers avis du public sur Rotten Tomatoes renvoient une impression assez claire: l’accueil est, au mieux, tiède. On est loin du bouche-à-oreille enthousiaste que Netflix espère en général pour ses grosses mises en ligne.

The Whisper Man adapte le roman à succès d’Alex North. L’histoire suit un écrivain de faits divers, récemment veuf, qui vient s’installer avec son fils dans une ville encore hantée par le souvenir d’un tueur en série connu sous le nom de “The Whisper Man”. Robert De Niro joue ici un détective à la retraite que l’affaire finit par rattraper.

À ses côtés, on retrouve Adam Scott, Michelle Monaghan et Michael Keaton. Bref, un casting qui avait largement de quoi piquer la curiosité.

C’est d’ailleurs ce qui revient souvent dans les commentaires du public sur Rotten Tomatoes: pour beaucoup, les acteurs font le travail, mais ça ne suffit pas à sauver un scénario jugé faible, prévisible ou trop sage. Plusieurs critiques parlent d’un thriller soigné dans son ambiance, oui, mais jamais vraiment surprenant, trop occupé à recycler des codes du genre déjà bien connus au lieu de se fabriquer une vraie personnalité.

Ce qui frappe, c’est que cet accueil raté n’empêche pas du tout le film de trouver son public, au moins dans l’immédiat. Le nom de Robert De Niro, la promesse d’un thriller criminel et la puissance de promotion de Netflix ont manifestement suffi à faire cliquer les abonnés.

La vraie question, maintenant, c’est la suite: simple curiosité de lancement ou succès qui tient dans le temps ? Pour l’instant, The Whisper Man ressemble surtout à un exemple assez classique du streaming actuel: une sortie très exposée, un visionnage massif au départ, puis une réception nettement plus froide que ce que son casting pouvait laisser espérer.

En 2026, Netflix appuie franchement sur la science-fiction au cinéma. D’un côté, War Machine a cartonné à l’échelle mondiale. De l’autre, la plateforme prépare l’adaptation live-action de Gundam, avec Sydney Sweeney en tête d’affiche.

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En l’espace de quelques mois, Netflix a validé une orientation qui commence à prendre forme avec netteté, à travers deux projets très différents mais qui se répondent bien sur le plan stratégique : un blockbuster original porté par Alan Ritchson, et une grande franchise japonaise remise en circulation en prises de vues réelles.

La ligne commence à se dessiner.

Après des années à passer d’un film d’action à un thriller, puis à une comédie romantique, Netflix semble vouloir installer quelque chose de plus identifiable côté sci-fi : une marque capable de circuler partout, de parler à un public international, et de tenir tête aux grandes franchises des studios historiques.

Netflix muscle son catalogue science-fiction avec des stars bien choisies

Le cas le plus parlant reste War Machine. Sorti le 6 mars 2026, ce film de science-fiction militaire mis en scène par Patrick Hughes représentait, d’après Netflix, un investissement estimé à 80 millions de dollars.

Le pari a visiblement tenu. Toujours selon Netflix, le film a occupé la place de numéro 1 mondial sur la plateforme pendant deux semaines.

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Et surtout, War Machine a montré qu’il pouvait voyager.

D’après Netflix, le film est entré dans le top 10 dans 93 pays, et a décroché la première place dans 87 d’entre eux. L’accueil a été un peu plus mesuré sur certains marchés asiatiques, ce qui mérite quand même d’être relevé.

Le résultat a été assez net pour enclencher très vite la suite.

Netflix a déjà lancé le développement d’un deuxième film, signe que la plateforme voit en Alan Ritchson un nouveau visage crédible pour l’action sci-fi maison. Les retours du public ont, dans l’ensemble, été bons, en particulier sur son côté spectaculaire, frontal, assumé, dans une veine de science-fiction d’action assez old school.

War Machine, premier vrai test concluant pour la stratégie blockbuster sci-fi de Netflix

Le dossier War Machine compte parce qu’il montre assez bien ce que Netflix cherche aujourd’hui : des concepts faciles à vendre, une star qu’on identifie tout de suite, un budget important sans tomber dans la démesure, et un potentiel mondial quasi immédiat.

Autrement dit, des films qui vivent aussi bien dans l’algorithme que dans les conversations pop culture.

Et cette logique ouvre déjà la voie à un projet autrement plus exposé : Gundam.

Sydney Sweeney au centre du pari Gundam pour 2027

Netflix distribuera l’adaptation live-action de Gundam, coproduite avec Legendary Pictures, Bandai Namco Filmworks et Nightshade, d’après les informations communiquées par la plateforme.

Selon Netflix, le film sera porté par Sydney Sweeney, avec aussi Noah Centineo au casting, sous la direction de Jim Mickle.

Le choix narratif est assez parlant lui aussi. Plutôt que de coller fidèlement à une série animée précise, le projet racontera, toujours selon Netflix, une histoire originale située dans l’univers de la franchise, autour de pilotes de mechas rivaux.

Cette décision peut ouvrir la porte à un public plus large que celui des fans de longue date, tout en évitant de se placer sous la comparaison permanente avec un anime devenu culte.

Les ambitions se lisent aussi dans l’ampleur du tournage.

La production s’est achevée en juillet 2026 dans le Queensland, en Australie, avec plus de 350 membres de la distribution et de l’équipe recrutés sur place, d’après Screen Queensland. Toujours selon les estimations relayées par l’organisme, le film aurait injecté environ 110 millions dans l’économie locale. La sortie, elle, reste calée pour 2027, selon Netflix.

Entre confiance et prudence, Netflix mise gros sur Gundam

Si War Machine a déjà montré qu’un blockbuster sci-fi original pouvait trouver son public sur Netflix, Gundam arrive dans un contexte plus sensible.

L’enthousiasme est là, porté par la popularité de Sydney Sweeney et par la force de la marque. Mais la réserve existe aussi : les adaptations hollywoodiennes d’anime déclenchent régulièrement de la méfiance chez les fans.

C’est là que l’association de ces deux projets devient révélatrice.

Avec Alan Ritchson, Netflix tient déjà une franchise maison qui a commencé à faire ses preuves. Avec Sydney Sweeney, la plateforme tente quelque chose de plus ambitieux, de plus risqué aussi, avec un potentiel nettement supérieur si le pari fonctionne. Dans les deux cas, le cap est le même : faire de la science-fiction un pilier de son cinéma événementiel.

Archetype Entertainment a fixé la date: Exodus arrivera le 7 avril 2027 sur PS5, Xbox Series X/S et PC. Ce nouveau RPG de science-fiction fait déjà parler de lui chez les amateurs du genre, au point que beaucoup y voient un possible héritier spirituel de Mass Effect.

Il faut dire que le jeu aligne plusieurs éléments que les joueurs de RPG spatiaux attendent depuis longtemps: une aventure en solo, un action-RPG à la troisième personne, des choix narratifs qui comptent vraiment, des personnages mis au premier plan, et une mise en scène qui annonce clairement de grandes ambitions. D’après Archetype Entertainment, Exodus prend place dans un futur très lointain, au cœur du cluster d’Oméga du Centaure. Le joueur y incarne “The Traveler”, envoyé dans l’espace pour voler aux Celestials, une puissante espèce alien, des technologies extraterrestres avancées.

Difficile, en voyant ça, de ne pas penser aux grands RPG spatiaux centrés sur le récit: exploration, compagnons, choix moraux, narration à embranchements. C’est ce cocktail-là qui nourrit la comparaison avec Mass Effect, surtout si Exodus tient sa promesse de créer un lien fort entre le joueur, son équipage et l’univers dans lequel tout ça se joue.

Mais le vrai point de bascule est peut-être ailleurs. Dans sa mécanique de dilatation du temps.

Selon Archetype Entertainment, les voyages effectués à des vitesses proches de celle de la lumière ont une conséquence simple et brutale: une seule journée passée en mission peut correspondre à des décennies pour ceux qui sont restés sur place. Forcément, on pense à Interstellar. La différence, c’est que dans un jeu, cette idée peut peser directement sur les décisions du joueur. Partir en mission, ce n’est donc pas seulement se jeter dans un danger immédiat. C’est aussi accepter de revenir dans un monde qui n’est plus le même, de retrouver des proches vieillis, disparus, ou changés par le temps. Si cette mécanique fonctionne aussi bien qu’annoncé, Exodus pourrait signer l’une des propositions narratives les plus marquantes du RPG SF récent.

L’autre raison pour laquelle le projet attire autant de regards, c’est tout simplement l’équipe derrière. Chez Archetype Entertainment, on retrouve plusieurs vétérans de BioWare, dont James Ohlen et le scénariste Drew Karpyshyn, deux noms immédiatement associés à Mass Effect et Dragon Age. Et le studio ne semble pas jouer petit bras. Toujours selon Archetype Entertainment, Exodus tourne sous Unreal Engine 5 et met en scène Matthew McConaughey dans le rôle de C.C. Orlev. Le message, lui, est assez limpide: le studio vise un RPG blockbuster capable d’aller chercher les grosses références du genre.

Les premiers aperçus ont d’ailleurs provoqué une réaction assez typique des projets très ambitieux: beaucoup d’enthousiasme, mais pas mal de prudence aussi. L’ampleur du projet intrigue, son angle narratif aussi, et ce fameux temps différentiel fait clairement partie des idées qui restent en tête. Reste que tout le monde n’est pas encore totalement convaincu. Dans la communauté, certaines réactions pointent déjà des réserves sur les modèles de personnages, la direction artistique, ou encore sur la façon dont la dilatation temporelle sera traduite concrètement dans le jeu.

Archetype Entertainment et ses partenaires semblent en tout cas vouloir faire d’Exodus autre chose qu’une simple sortie parmi d’autres. D’après le studio, Wizards of the Coast soutient l’univers avec un développement transmédia qui comprend des romans signés Peter F. Hamilton, ainsi qu’un jeu de rôle sur table.

Dernier exemple en date: une bande-annonce diffusée à la Gamescom 2026 par Archetype Entertainment a dévoilé Salt, un nouveau compagnon à la fois improbable et franchement mémorable, présenté comme une pieuvre intelligente dans une combinaison mécanique.

À l’approche de 2027, Exodus a encore beaucoup à montrer. Mais avec son concept central, son ADN BioWare et cette envie évidente de construire une vraie saga, le jeu a déjà réussi quelque chose de précieux: donner aux fans de science-fiction une nouvelle licence à surveiller de très près.