Author: Randy Meeks

« Si tu ne montes pas dans le train, tu restes à la traîne parce que c’est déjà le présent », c’est quelque chose qu’on nous répète depuis des années à propos de l’IA, en nous rabâchant la même rengaine qu’à l’époque des NFT. Seulement, ici, on en voit les effets dans le monde réel : des affiches affreuses, des pubs horribles, des effets spéciaux au rabais (jetez donc un œil à L’Odyssée qu’a sortie The Asylum) et des livres réalisés selon la loi du moindre effort. Le bon côté ? On est à deux jours de voir la main humaine reprendre de la valeur. Ou du moins, c’est ce qu’on espère tous sauf Gal Gadot.

Gal Gadot, dans l’axe du mal

Qu’on apprécie Gal Gadot ou non, le fait est que ce qui se passe avec son dernier film a de quoi faire hausser non pas un, mais plusieurs sourcils à l’unisson. L’actrice jouera dans Bitcoin, le nouveau film de Doug Liman (La Mémoire dans la peau, Edge of Tomorrow), qui sera une satire dans laquelle elle sera accompagnée d’interprètes du calibre de Casey Affleck, Isla Fisher ou Pete Davidson. Jusque-là, tout va bien : le problème, c’est que le film aura de l’IA à gogo.

La moitié d’Hollywood s’est ruée sur l’intelligence artificielle, et ils essaient encore de comprendre quelle est la bonne formule pour que le public s’en fiche. Dans ce cas, l’IA créera les décors de tournage et l’éclairage, parce que le film a été tourné dans un espace totalement vide. Cela dit, il a coûté 70 millions de dollars. Selon son producteur, cela aurait coûté 130 millions de plus s’ils avaient fait appel à une direction artistique et à un vrai travail d’éclairage. Si tu as hoché la tête en lisant ça, relis-le : aucun film ne dépense 130 millions pour sa direction artistique et son éclairage. Aucun. C’est vendre du vent au plus offrant.

En l’occurrence, c’est Gadot, qui a affirmé que c’était le contrat le plus long qu’elle ait jamais signé, et qu’il a fallu six mois à ses avocats pour examiner chaque point à cause de l’IA. « Je ne voulais pas que l’IA interfère de quelque façon que ce soit avec mon jeu. Il fallait protéger ça. Quant au jeu, c’est entièrement moi ». On peut piétiner le travail des éclairagistes, des artistes et des chefs décorateurs tant qu’on ne touche pas au mien. Aïe.

« J’ai peur de l’IA, mais je vais pour autant l’ignorer ? Non. J’ai peur mais je joue avec elle, j’apprends et j’essaie de me former. Le train est déjà parti. Tu vas travailler avec elle ou être complètement hors jeu. J’essaie de le faire du mieux que je peux et de protéger ce que je peux ». Oui, oui, c’est le présent, qu’il faut s’adapter, tout ça. Ça fait quatre ans qu’on nous le répète tous les jours… Et au final, ce sera le public qui décidera. Avec un peu de chance, sans prendre le travail de personne.

Quelle est ton film préféré de Jason Statham : celui où il s’infiltre dans un immeuble pour se venger en distribuant des coups à tous les terroristes qu’il croise en chemin ou celui où il se glisse dans un bateau pour se venger en tirant sur tous les sbires qu’il croise en chemin ? Statham, comme Chuck Norris ou Jean-Claude Van Damme à leur époque, est un genre à lui tout seul : tu sais exactement ce que tu vas trouver dans un film qui affiche sa tête en très grand sur l’affiche avec un air pas commode. Le genre de tête que tu n’as jamais envie de croiser tapi au coin de ta rue, au cas où il te collerait une claque derrière la nuque sortie de nulle part. Et pourtant, il a quelque chose, puisqu’on n’arrive pas à arrêter de le regarder distribuer des mandales à tour de bras.

Jason Statham dans le rôle de Jason Statham

On a vu Statham distribuer des mandales dans A Working Man, El Motín, The Beekeper, Despierta la furia, la saga Fast & Furious et, bien sûr, les deux volets de Meg, parmi beaucoup d’autres films. Il est, au fond, synonyme de divertissement pur et dur, même si ce ne sont pas de très bons films d’un point de vue cinématographique… sauf au début de sa carrière. Car notre protagoniste, vers 1998, ne croyait pas qu’il deviendrait acteur : il avait été sportif professionnel, mannequin et même vendeur dans la boutique de son père avant de croiser Guy Ritchie, qui était alors au sommet.

Bien qu’on reconnaisse déjà les tics de Ritchie dans ses dernières œuvres (La fuente de la juventud, Aladdin, En la zona gris, etcétera), à l’époque, ça a été une vraie bombe. Sa manière rapide et directe de raconter ses films l’a mené à réaliser des films comme Sherlock Holmes, The Gentlemen ou Operación UNCLE, mais rien de tout ça ne serait arrivé sans ses deux premières merveilles : Lock & Stock et Snatch. Si vous voulez mon avis, il n’a rien fait de mieux, pas plus que Statham : elles ont un côté crapuleux, drôles, filent à toute allure, sont hilarantes et paraissent même modernes encore aujourd’hui. Un régal, quoi.

Si tu ne les connais pas, vraiment, tu rates quelque chose. Lock & Stock a coûté à peine 800 000 livres, et dans la distribution seuls Statham et Vinnie Jones ont fait carrière par la suite. Si tu la lances, pendant près de deux heures tu vas te régaler avec un groupe de petits criminels qui font une énorme connerie et finissent par devoir de l’argent à un chef de la mafia. À partir de là, tout s’obscurcit de plus en plus, jusqu’à un degré de déchéance brutal. Ça a eu tellement de succès qu’ils ont même fini par en faire une série (même si, comme tout bon spin-off, elle n’en valait pas autant le coup), et maintenant c’est devenu une relique d’un autre temps que tu devrais redécouvrir.

Dans Snatch, Ritchie a placé la barre plus haut et a mis en avant un Brad Pitt qui s’est appliqué à ce qu’on ne comprenne pas un mot de ce qu’il dit. Il y a aussi Benicio del Toro, Vinnie Jones, Stephen Graham et, bien sûr, Statham lui-même. C’est brutal, très drôle, sombre, rapide et, à l’époque, ça a été un petit gros carton : ça a coûté 10 millions et en a rapporté plus de 80, faisant de tout le monde des stars. Et oui, ça a aussi eu droit à une série télé. Et effectivement, sans le casting original, elle n’a duré que deux saisons. Après ça, Statham est parti travailler à Hollywood, et ça dure encore aujourd’hui. Mais si tu es sérieusement en train d’envisager de regarder encore un de ses films de fusillades avec lui en tête d’affiche, accepte ce conseil : remonte en arrière, à l’époque où il passait pour un gangster. Tu verras rarement quelque chose de plus drôle. Parole. Ou comme dirait Brad Pitt dans Snatch, « Paaahroleuh ».

Tout a commencé avec une vidéo dans laquelle une fille se plaignait en Stories de n’avoir eu qu’un mois de vacances au lieu de trois, « comme tout le monde ». Et alors, la Toile a explosé. Les sponsos, les vacances dans de petits hôtels à n’importe quel prix, les vidéos où ils se plaignent de la politique alors qu’ils n’ont tout simplement pas levé le petit doigt pour ce qu’ils disent défendre… L’équivalent numérique de prendre d’assaut le château des nobles avec des piques et des torches et de réclamer la tête des influenceurs. C’est allé si loin que même les influenceurs eux-mêmes ont commencé à botter en touche, en se qualifiant de « créateurs de contenu » et en réclamant la chute des « méchants ». Autrement dit, de ceux qui ne sont pas eux. Un spectacle lamentable (de leur part) qui, au final, s’est soldé… par quelque chose ?

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L’heure des méchants

Au final, les entrées compensent les sorties. Tu les suis peut-être juste pour te moquer d’eux, ou parce que tu crois vraiment que cette crème anti-rides est celle qu’ils utilisent le soir, ou parce qu’ils sont comme s’ils faisaient partie de ta famille. La « chute » des influenceurs, quand on regarde les chiffres, a été un petit accroc en cours de route qui sert d’avertissement pour l’avenir : tout n’est pas permis. Faites attention. Évidemment, María Pombo ou Lola Lolita s’en ficheront pas mal, mais il y a tout de même quelques comptes, très peu, à qui ça a vraiment fait mal. Pas au point de ne plus avoir de publicité, cela dit.

RoRo, après la Velada, a perdu 827 000 abonnés, soit 5,5 %, ce qui devrait mettre un peu les marques en alerte : pourquoi collaborer avec quelqu’un en plein déclin ? C’est ce que devraient aussi se demander tous ceux qui voudraient collaborer avec Aruberuto Makoto, le premier influenceur à se planter après la fameuse « chute », ce qui démontre la thèse de ce post : les gens ne laisseront plus rien passer. Depuis qu’il a essayé de dépasser les bornes avec une inconnue au Japon et ses excuses lamentables, il a perdu 4 % de son audience, soit 11 530 abonnés. Ça peut ne pas sembler énorme, mais pour que ça arrive en une seule semaine, c’est monstrueux.

La plupart, soyons honnêtes, ne l’ont même pas remarqué : oui, l’engagement baisse peut-être pendant quelques jours et mille ou deux mille abonnés s’en vont (dans le cas de Peldanyos, par exemple, seulement 2 192). Hélas, je crois que c’est à ça que se limite la fameuse « chute ». Si un « créateur » comme JWulen, qu’une vidéo a révélé comme un plagiaire patenté et qui a provoqué un remue-ménage sur tout Internet, n’a perdu que 71 000 abonnés (sur 5 millions), c’est que tout est perdu. Oui, beaucoup d’influenceurs achètent des abonnés (et c’est la raison pour laquelle ils cachent les likes), mais on a l’impression que, une fois de plus, tout cela est resté cantonné à notre petite bulle.

Selon la personne à qui tu parles dans les différents bureaux marketing, on te dira des choses très différentes sur le marketing d’influence : il y a ceux qui ont lâché une fortune pour une story qui n’a eu pas une seule conversion et ceux qui ont décuplé leur mise grâce à elle. Quelqu’un va-t-il acheter un parfum parce que Natalia Palacios, #publi à l’appui, décrète qu’il sent la fraise ?

Les influenceurs, qui autrefois faisaient partie du quotidien de millions de personnes qui avaient avec eux une relation presque amicale (à sens unique, bien sûr), sont devenus notre presse people 2.0, et c’est la seule chose qui intéresse : avec qui ils sont en couple, qui ils défendent, qui ils détestent, avec qui ils ont des enfants. S’ils mentent ou s’ils disent la vérité, s’ils disent des conneries ou non. Ils sont du pain et des jeux, nos bouffons, qui se remplissent les poches à la pelle en jonglant. Il ne peut pas y avoir de chute (au-delà de celle qui est purement anecdotique) quand il existe une relation parasociale. C’est aussi triste que ça en a l’air.

Au début, c’était l’anime, puis les jeux vidéo et maintenant, sans l’ombre d’un doute, le monde est devenu obsédé par un autre produit dérivé de Pokémon : le jeu de cartes à collectionner !

Plusieurs d’entre elles se vendent pour des centaines de milliers de dollars, il y a des gens qui dépensent énormément d’argent pour ouvrir des boosters vintage et, en fait, le marché qui l’entoure rappelle totalement celui des NFTs : énormément d’argent pour un dessin.

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Mais bon, face à cet intérêt, comment le reste de la franchise pourrait-il rester à la traîne ?

Attrape-les toutes (si tu as de l’argent illimité) !

Depuis qu’Ash Ketchum a gagné la Ligue Pokémon, les films de la saga sont en pause.

L’anime continue, mais ses protagonistes sont loin d’être aussi populaires qu’Ash.

C’est pour ça que les fans ne devraient pas s’attendre à voir Liko et Roy dans le film qui sortira après six ans d’absence sur grand écran au Japon : Pokémon Wild Card.

Comme tu peux l’imaginer, le film parlera d’un joueur de cartes accompagné de son Mimikyu (mon pokémon préféré, au passage).

La seule chose qu’on sait d’elle, c’est qu’elle sortira en 2027, et on a un petit teaser pour se mettre l’eau à la bouche.

Étant un spin-off, il peut se permettre de suivre sa propre voie et, qui sait, peut-être de nous offrir, dans ce qui s’annonce évidemment comme, une histoire adulte suffisamment intéressante.

On sait que le studio aux commandes est CloverWorks, qui a fait des films de Spy x Family ou de Fate/Grand Order, en plus d’avoir entre les mains la nouvelle série d’Evangelion.

Hé, on ne sait jamais : on est peut-être face à la renaissance de l’anime Pokémon !

C’est le dernier d’une bonne poignée d’annonces pour Pokémon, dont une parodie de Don Quichotte réalisée par Aardman Studios pour Disney+, les nouveaux jeux qui arriveront l’année prochaine sur Switch 2 ou la nouvelle saison de La Réceptionniste Pokémon.

Une chose est claire : à mesure que son public grandit, la saga a décidé de ne pas rester à la traîne.

Aurons-nous un jour des jeux vidéo et des séries vraiment pour adultes ?

On ne peut que rêver.

Dans les comics de Spider-man, Peter Parker a toujours alterné entre différentes relations amoureuses. Tantôt Gwen, tantôt Felicia, tantôt MJ, tantôt Silk. Évidemment, les choses ne se sont pas toujours bien passées de ce côté-là (y compris des mariages oubliés, des filles disparues et des petites amies mortes), mais cette danse est essentielle pour comprendre l’histoire du super-héros. C’est pour ça que ce qu’ils ont essayé de faire dans The Amazing Spider-man 2 était si passionnant et si important… avec un résultat final tristissime.

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Mary Jane n’habite plus ici

Shailene Woodley, aujourd’hui connue pour la saga Divergente, Motor City, Pretty Little Liars ou La Vie secrète d’une ado ordinaire, a failli connaître sa percée en interprétant Mary Jane Watson. Oui, la Mary Jane Watson à laquelle vous pensez, l’éternelle petite amie de Peter Parker, dans la deuxième partie de The Amazing Spider-man. Elle a tourné ses scènes, elle a attendu le montage final et… Bon, si tu as vu le film, tu sais que ça n’a jamais vu le jour.

« C’était mon rêve parce que Spider-man est mon super-héros préféré. Mary Jane était mon personnage préféré quand j’étais jeune, et, quand j’ai eu le rôle, ça m’a paru très enthousiasmant. On a tourné trois scènes ensemble, Andrew Garfield et moi. Et puis, un an plus tard, ils m’ont dit “Bon, tu n’es plus dans le film. On a introduit un tas de nouveaux personnages et on va attendre de voir… ce qui se passe entre Gwen Stacy et Peter” ». Autrement dit : on va tuer Gwen et ensuite on verra bien ce qu’on fait de toi.

Effectivement, le scénario était interminable et un peu débile, mais ce n’est pas une raison pour laisser de côté un personnage aussi important que celui-ci… surtout quand ils n’ont jamais fait The Amazing Spider-man 3 et qu’on a regretté de ne pas voir Woodley en MJ. Peut-être un jour ? Le multivers est, après tout, très, très vaste…

Tu te souviens de Jours de tonnerre ? Personne ne t’en voudrait si la réponse était « En vérité, pas vraiment ». Cela fait 34 ans que Tom Cruise a pris le volant d’une voiture de course aux côtés de Nicole Kidman, Cary Elwes, Robert Duvall et Randy Quaid. Au fond, c’est une sorte de remake déguisé de Top Gun qui a bien marché au box-office (sans casser la baraque), mais vu le succès de Top Gun: Maverick… Pourquoi ne pas réessayer ?

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On fait chauffer les moteurs

Même si la rumeur disait que ce nouveau volet de Jours de tonnerre serait un crossover avec F1 et que Brad Pitt y apparaîtrait, pour l’instant la seule chose qu’on sache avec certitude, c’est qu’on aura Anne Hathaway. C’est sa grande année au box-office, et il n’est pas étonnant qu’on lui offre des projets aussi incroyablement énormes que celui-ci, qui a même déjà une date de sortie : le 2 juin 2028.

Cependant, tout le monde n’est pas content de cette suite : Randy Quaid, que, même à 75 ans, ils ne semblent pas près d’appeler pour faire un caméo, est très contrarié. La raison ? Qu’Anne Hathaway est « woke ». En 2026, et on en est encore à ces conneries. Je vous préviens : ses tweets sont pleins d’énormités comme “Il nous faut le retour de Nicole Kidman. Ne sois pas une mauviette, Tom. Tu as besoin de l’actrice d’origine. Ce n’est pas personnel, c’est du cinéma. Anne est sexy, parce que si tu ne l’avais pas remarqué, elle est enceinte”. Et tu sais, les femmes enceintes ne peuvent pas être sexy. Il y en a qui vieillissent vraiment mal.

Jours de tonnerre. Été 2028. pic.twitter.com/rD3QLXfUyi

— Tom Cruise (@TomCruise) 29 août 2026

Bien sûr, il n’est pas question de grossesse ni de s’inquiéter pour la suite, mais de tout ramener à lui, en bon acteur complètement acquis à l’univers MAGA qu’il est : “Anne Hathaway est de gauche, woke et un choix terrible pour le public MAGA de Jours de tonnerre. C’est bizarre, on dirait qu’ils veulent la mettre en avant et se planter”. Vous vous souvenez du flop que devait être L’Odyssée parce que c’était « woke » et toutes ces sottises ? Eh bien pareil, mais sur quatre roues.

Il y a déjà un moment que même les fans inconditionnels des Simpson, nous sommes fatigués. Nous avons vu les mêmes épisodes mille fois et nous continuons d’y trouver de nouveaux gags, mais la série s’est perdue, dans ses épisodes récents, dans une mer de médiocrité dont ne se sauvent que quelques épisodes comme Pixelisés et craintifs ou Un Flanders sérieux (si tu ne les as pas vus, tu sais ce qu’il te reste à faire). La série a découvert qu’elle est meilleure quand elle fait référence à elle-même ou quand elle fouille dans le passé pour surprendre les seuls spectateurs qui restent : ceux qui la suivent depuis toujours. Et dans cette lignée, le dernier spécial exclusif pour Disney+ a lancé une petite histoire qui va ravir tous les fidèles qui suivons leurs aventures depuis des décennies.

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Comme nous n’étions pas

Au beau milieu de la saison 2 des Simpson, dans un 1991 tout juste commencé, Homer et Marge ont raconté l’histoire de leur rencontre au lycée en 1974. L’épisode s’appelait Comme nous étions, ce fut un vrai succès et il a posé les bases de l’histoire d’amour des parents de la famille, que beaucoup de gens ne comprenaient pas. Trente-cinq ans ont passé depuis sa diffusion, et Les Simpson non seulement sont toujours là, mais sont revenus à leur style d’animation classique pour raconter un univers alternatif dans lequel Marge n’existait pas, Homer ne s’est jamais marié et est devenu millionnaire malgré lui.

L’épisode en question s’appelle Yellow Mirror, et prend Black Mirror comme prétexte pour raconter deux histoires “étranges” sur la famille, à la manière des spéciaux d’Halloween. La seconde est une rébellion des tablettes contre la ville commandée par une Maggie Simpson qui n’a visiblement pas compris que les enfants doivent être éloignés des écrans et qui, franchement, souffre d’énormément de défauts de la série actuelle. Mais la première, ah la première, est un pur régal. On y découvre un univers alternatif dans lequel Homer, fatigué d’entendre encore une fois l’histoire de leur rencontre, se met à regarder de très près une lampe jusqu’à découvrir, en plein flashback, qu’il s’est cogné contre le mur (blague qui, effectivement, est dans l’épisode original)… et qu’à son réveil, il avait imaginé toute sa vie.

Toutes les intrigues des Simpson, y compris celle où Bart a un éléphant, s’étaient produites dans son imagination, et, tel un Matt Groening dément, il crée une série avec cette famille avec laquelle il a vécu, dans son esprit, pendant des années : les Sadson. C’est, à la fois, une célébration de l’héritage des Simpson, une histoire triste, une réflexion sur la célébrité et un épisode rempli de gags comme on n’en voyait plus depuis longtemps. À la fin, Homer devient une sorte de créateur absolu, fou, aliéné, prêt à tout pour revenir à sa vie normale, celle qu’il n’a fait que rêver. Ou peut-être pas ?

Ce n’est pas la première fois que la série joue avec sa propre mythologie (il y a le fameux “épisode final”, ou cette fois où Anonymous a “piraté” le signal), mais il est vrai que, dans la mer de médiocrités à laquelle elle nous a habitués saison après saison, il est agréable de voir que Les Simpson peuvent faire autre chose que des épisodes répétitifs avec des blagues médiocres. En leur temps, c’étaient les rois, et cet épisode montre que cela pourrait encore être le cas. Ils ont juste besoin d’un tout petit peu d’effort et de se souvenir que le cœur de la série n’a jamais été les blagues de violence physique, mais une famille qui, malgré tout, s’aime. Pas besoin de se cogner la tête et de réécrire le passé pour le savoir, mais pourvu que ça leur serve à y repenser.

En 1984, voyant le succès des films de Superman, ils ont décidé que c’était le bon moment pour miser sur Supergirl, sa cousine de Krypton. Le film, porté par Helen Slater, a coûté 35 millions et a été un échec retentissant, ne rapportant que 14,3. Il n’a même pas devenu culte, et son héritage est tombé dans l’oubli. Jusqu’à aujourd’hui, 42 ans plus tard.

Super-échec en vue !

Nous savons tous ce qui est arrivé à Supergirl en 2026 : un autre super-échec épique. Avec un coût de 180 millions de dollars, elle n’a rapporté que 126,3, alors même que c’était le deuxième film d’un Univers DC qui promettait beaucoup. Pour James Gunn, il n’y a que deux occasions de faire mouche : l’une, l’an prochain avec Man of Tomorrow… et l’autre dans quelques mois avec Clayface.

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Le problème, c’est que le box-office de Clayface pourrait ne pas être à la hauteur des attentes, malgré son budget de seulement 20 millions de dollars. Selon les données actuelles, à deux mois de sa sortie, seuls 32 % du public ont entendu parler de lui, contre une moyenne de 38 %. Le point positif, cela dit, c’est que 21 % de ceux qui le connaissent sont sûrs d’y aller, contre 11 % en moyenne. Peu de public, beaucoup d’intérêt de niche : suffisant pour triompher ?

À une époque où le cinéma d’horreur à bas coût cartonne au box-office, s’ils ne mettent pas en avant son lien avec tout un univers cinématographique, il pourrait triompher. Et cela permettra à DC d’en tirer des leçons pour l’avenir, surtout si la fusion avec Paramount finit par avoir lieu. Pour l’instant, le box-office s’annonce très juste, pour être généreux, mais la campagne de promotion vient à peine de commencer. Tout est encore très incertain, mais… SI nous sommes face à un échec comme celui de Supergirl, il faudra nous préparer à dire adieu à un univers que nous n’avons même pas eu le temps de connaître.

Avec la sortie imminente de Coyote vs ACME, il faut se rappeler que les Looney Tunes ont déjà connu une époque où le cinéma semblait leur offrir un bel avenir sur grand écran : en 1996, Space Jam a été un phénomène générationnel, et semblait lancer durablement la franchise au cinéma… qui, en 2003, n’a rien donné avec Les Looney Tunes passent à l’action, un film bien meilleur à tous les niveaux mais qui n’a jamais vraiment réussi à s’imposer au box-office. Aïe

C’est to, c’est to, c’est tout, les amis !

Son réalisateur a été Joe Dante, surtout connu pour Gremlins, et il n’avait qu’une seule raison de le faire : faire oublier Space Jam. D’un côté, chez Warner, on voulait une autre suite (comme Spy Jam ou Skate Jam, qui n’ont jamais vu le jour), mais Dante voulait faire quelque chose de différent : « Les personnages de Space Jam ne correspondent pas à la vision que j’ai d’eux. Je voulais faire l’anti-Space Jam », a-t-il rappelé aujourd’hui.

Même si le réalisateur ne pensait pas que le scénario était très bon, sa démarche de mise en scène est incontestable : « Si je ne l’avais pas fait, quelqu’un d’autre aurait suivi les consignes de Warner Bros, et ç’aurait été un autre film comme Space Jam. Mon objectif était de faire quelque chose qui aurait plu à Chuck Russell (légendaire réalisateur des Looney Tunes) ». Le film ne s’en est pas mal tiré malgré le fait qu’il y avait jusqu’à 29 ! scénaristes en train de réécrire les blagues. Tout ça pour que la première version soit la meilleure.

Au final, on peut voir l’affection de Dante pour les personnages, mais évidemment, ce n’était pas la version qu’il aurait aimé sortir. Le budget a explosé, tout le monde chez Warner surveillait de près, en essayant de protéger une propriété intellectuelle qu’ils ne comprenaient pas… Et le résultat a été, inévitablement et après avoir dépensé une fortune pour le faire, décevant. Il n’aurait pas pu en être autrement : il y a des choses qui sont vouées à l’échec.

Quand James Gunn a commencé à monter son univers DC, il y a eu des rumeurs selon lesquelles Gal Gadot continuerait à interpréter Wonder Woman. Bien sûr, après que sa carrière s’est arrêtée net à la suite de l’échec de Blanche-Neige et de ses polémiques autour du génocide en Palestine, elle en a besoin. Cependant, il est désormais officiel que Warner l’a mise de côté, et il ne lui est pas resté d’autre choix que de se montrer reconnaissante, au cas où quelque chose retomberait pour elle plus tard. Avec les super-héros, il y a toujours quelques miettes à ramasser, après tout.

Le lasso du pouvoir frappe à nouveau !

Bien qu’aucun autre film DC n’ait encore été annoncé après Man of Tomorrow, on s’attend à ce que The Brave and the Bold (autrement dit, le nouveau Batman) et Wonder Woman soient pour bientôt. Et Gadot a voulu conseiller celle qui reprendra le flambeau de la guerrière de Themyscira : « C’est un personnage incroyable que beaucoup d’entre nous aimons, alors je souhaite à celle qui va l’incarner de vivre cette incroyable aventure avec cet incroyable personnage ».

Bien sûr, Gadot en a aussi profité pour s’incliner devant les pontes de DC : « Je suis reconnaissante qu’ils m’aient donné l’occasion de endosser ce rôle et de rendre hommage à ce personnage et tout ce qu’il représente ». Pour une raison ou une autre, elle n’assure plus que Gunn et Peter Safran veulent faire un troisième film avec elle, parce que Diana Prince ne ment pas.

Aurons-nous un jour un film de Wonder Woman ? Ressusciteront-ils la série Paradise Lost ? Reverrons-nous Diana Prince, quel que soit le visage qu’elle aura ? Ce sont des questions sans réponse et qui, je le crains, ne dépendent même pas à cent pour cent de Gunn : il faudra voir si l’Univers DC a un avenir. Après, on se concentrera sur sa concrétisation.