Author: Emmanuel Pina

Brad Bird a coupé court aux spéculations sur une éventuelle suite de Ray Gunn, son film d’animation produit par Skydance Animation pour Netflix, attendu partout dans le monde sur la plateforme le 18 décembre 2026, d’après Netflix. Interrogé sur cette possibilité, le réalisateur a expliqué qu’il ne conçoit jamais un film en se disant d’avance que le public en réclamera plus. Son attention, dit-il, va d’abord et entièrement au film qu’il est en train de faire.

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Pour autant, il n’exclut rien. Brad Bird précise même qu’il aime bâtir ses univers et ses personnages avec assez d’épaisseur pour que lui, ou peut-être un autre cinéaste plus tard, puisse raconter d’autres histoires dans le monde de Ray Gunn. La réponse, pour l’instant, tient donc en peu de mots : pas maintenant.

C’est une ligne de conduite qu’il suit depuis longtemps. Le réalisateur de Le Géant de fer, Les Indestructibles et Ratatouille n’a presque jamais couru après les suites, à une exception près, Les Indestructibles 2.

Brad Bird, d’ailleurs, a souvent refroidi par le passé les espoirs de voir certains de ses films cultes se prolonger. Ce qui est assez frappant ici, c’est que Ray Gunn n’est même pas encore sorti et que, malgré ça, ses propos laissent entendre qu’il ne verrouille pas complètement la porte, surtout si le public accroche à l’univers rétro-futuriste du film.

Il faut dire que Ray Gunn est un projet qu’il porte depuis très longtemps, plus de 30 ans selon Netflix. Brad Bird le présente comme quelque chose de plus proche de « Le Faucon maltais rencontre Buck Rogers » que d’une simple imitation de Blade Runner.

Le film se déroule à Metropia, une ville rétro-futuriste pensée comme si on l’avait imaginée en 1939, et suit le détective privé Raymond Gunn dans une affaire où se croisent un meurtre, des extraterrestres et une immense star multimédia appelée Venus Nova, toujours selon Netflix. Cette base très noire fait penser à Chinatown, The Big Sleep ou The Spirit. Ce sont des références qui suffisent largement à nourrir un film autonome, mais qui peuvent aussi servir de fondation solide si cet univers devait un jour se prolonger en série ou en spin-off.

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Côté voix, Sam Rockwell interprète Raymond Gunn et Scarlett Johansson prête la sienne à Venus Nova, d’après Netflix. Le casting vocal comprend aussi Tom Waits, Matt Berry, Bobby Cannavale, Michelle Rodriguez et Alan Tudyk. Produit par Skydance Animation pour Netflix, le film s’impose déjà comme l’une des grosses sorties animation de la fin d’année pour la plateforme.

Ray Gunn sortira d’abord au cinéma de façon limitée le 4 décembre 2026, puis sera mis en ligne partout dans le monde sur Netflix le 18 décembre 2026, selon Netflix. Le film a déjà été montré au 70e BFI London Film Festival, où il a reçu un accueil critique très encourageant, toujours d’après Netflix.

Les premiers retours sont d’ailleurs solides : Ray Gunn affiche 92 % sur Rotten Tomatoes, selon Rotten Tomatoes, avec des compliments qui reviennent souvent sur son ambition visuelle et sur son style d’animation. Brad Bird ne veut peut-être pas penser en termes de franchise avant l’heure. Reste que Ray Gunn semble déjà avoir deux atouts qui comptent vraiment s’il veut durer : un univers dense, et un départ critique plus que prometteur.

D’après les informations transmises par Netflix, Keanu Reeves prend la place d’Alan Ritchson en tête d’affiche de Maelstrom, le prochain thriller d’action produit pour la plateforme.

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Ce n’est pas un petit ajustement pour un film déjà aussi observé. À l’heure où nous écrivons ces lignes, aucune explication officielle n’a été donnée sur ce changement de casting. Ni Netflix, ni les représentants de Keanu Reeves, ni l’équipe d’Alan Ritchson n’ont, pour l’instant, détaillé les raisons de ce remplacement. Mieux vaut donc rester mesuré. Nous vous tiendrons au courant.

Le fait, lui, ne change pas : Alan Ritchson a quitté Maelstrom et, selon Netflix, Keanu Reeves reprend désormais le rôle principal. Pour le film, Keanu Reeves reprend désormais le rôle principal. L’arrivée de Reeves change tout de suite l’envergure perçue du projet.

Keanu Reeves reste l’un des visages les plus identifiables du cinéma d’action actuel, en grande partie grâce à la saga John Wick. Le voir associé à Maelstrom fait aussitôt monter le projet d’un cran, dans une catégorie plus premium, avec un attrait nettement plus large auprès du grand public.

D’après le synopsis partagé par Netflix, Maelstrom suit un U.S. Marshal chargé de protéger la fiancée d’un célèbre trafiquant d’armes, placée sous protection des témoins. L’histoire se joue sur une seule nuit, pendant qu’un ouragan coupe les communications et que les ennemis se rapprochent.

Sur le papier, le concept réunit beaucoup d’éléments propres au thriller de survie moderne : un huis clos élargi, un compte à rebours, un isolement complet, et une pression physique qui ne retombe jamais. C’est aussi le genre de rôle qu’on peut facilement ajuster pour coller davantage à la présence de Keanu Reeves à l’écran, même si rien n’indique pour l’instant, de façon officielle, une réécriture en profondeur du personnage.

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Toujours selon Netflix, Maelstrom sera réalisé par Jaume Collet-Serra, un nom que les amateurs de suspense nerveux connaissent bien. Il a déjà travaillé avec Netflix sur Carry-On, et son sens de l’efficacité en fait un choix assez naturel pour ce type de projet.

Plus étonnant, Maelstrom traîne derrière lui une histoire bien plus ancienne qu’on pourrait l’imaginer. Netflix indique que le scénario original est un spec script de Greg Fitzpatrick, vendu dès 1993. La version actuelle a ensuite été remise à jour par Mark Bianculli, tandis que la production est menée par Jeff Robinov dans le cadre de son accord avec Netflix.

Sur les réseaux sociaux comme dans les premiers commentaires en ligne, une bonne partie des réactions tourne déjà autour de l’écart de registre entre Alan Ritchson et Keanu Reeves. Ritchson évoque une présence plus brute, plus frontale, largement renforcée par Reacher. Reeves, lui, renvoie à une action plus stylisée, plus précise, presque devenue iconique.

Au fond, Maelstrom ne change pas seulement de vedette. Le film pourrait aussi glisser vers une autre tonalité. Netflix n’a pas encore annoncé de date de sortie, mais une chose est claire : avec Keanu Reeves à bord, le projet vient de gagner un tout autre niveau de visibilité.

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Evil Dead Rise, le film de Lee Cronin sorti en 2023 et dernier chapitre officiel de la franchise Evil Dead, revient sur HBO Max cet automne. Et malgré les références à un supposé « Evil Dead Burn » qu’on voit passer ici ou là en ligne, aucun film officiel de la saga ne porte ce nom à l’heure actuelle : le plus récent, et celui qui est bien disponible, c’est Evil Dead Rise.

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Le timing est plutôt parfait. Chaque automne, le public revient aux grandes montées d’angoisse, entre les classiques comme Le Silence des agneaux, Shining, Seven ou Zodiac, et les nouveautés calibrées pour la période d’Halloween. L’horreur fait partie de ces rares genres capables de transformer la peur en moment collectif, à la fois ludique, violent et presque cathartique.

Sorti en 2023, Evil Dead Rise a redonné de l’élan à une franchise née, à l’origine, comme un projet indépendant porté par Sam Raimi. Plus de quarante ans après les débuts sanglants de la saga, Evil Dead continue de fédérer un noyau de fans très fidèle, tout en allant chercher un public plus jeune.

Fait assez révélateur, le film de Lee Cronin devait d’abord sortir directement sur HBO Max. Puis les projections test ont changé la donne. Warner Bros. a revu sa stratégie : Evil Dead Rise a finalement eu droit à une sortie en salles, avec une première à SXSW le 15 mars 2023, avant d’arriver dans les cinémas américains le 21 avril 2023. Le pari a payé.

Produit avec un budget estimé entre 15 et 19 millions de dollars, Evil Dead Rise a dépassé les 147 millions de dollars de recettes dans le monde, d’après les chiffres du box-office. En Amérique du Nord, le film a ouvert à 24,5 millions de dollars dès son premier week-end, toujours selon les données du box-office nord-américain, avant de devenir l’épisode le plus rentable de toute la franchise. Son bénéfice net, lui, est évalué à environ 46 millions de dollars, selon Deadline.

Et l’accueil a suivi derrière. Le film affiche 85 % sur Rotten Tomatoes, sur la base de 241 critiques, et le public du premier week-end était en grande majorité jeune : 66 % des spectateurs présents à la sortie avaient entre 18 et 35 ans, d’après les données d’audience. Pour une franchise de cet âge-là, ce n’est pas un détail.

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Si Evil Dead Rise a autant marqué, ce n’est pas seulement pour son gore ou ses possessions démoniaques. Le film met aussi au premier plan des rapports familiaux toxiques, une logique de survie en huis clos, et un vrai sous-texte autour du traumatisme transgénérationnel.

La maternité, la peur d’être parent, la façon dont une douleur jamais réglée contamine toute une famille : tout ça occupe une place centrale dans le film. C’est ce mélange d’horreur viscérale et de drame intime qui lui a permis de dépasser le simple cadre du film de genre.

Une très bonne nouvelle, donc. L’univers Evil Dead ne semble pas près de lever le pied. Sam Raimi, Bruce Campbell et Rob Tapert ont déjà expliqué en interview qu’ils voulaient sortir un nouveau film tous les deux ou trois ans.

Deux nouveaux projets sont en ce moment en développement, l’un avec Sébastien Vaniček, l’autre avec Francis Galluppi. Et ce n’est pas tout : une série animée Evil Dead est elle aussi en préparation, avec Bruce Campbell de retour pour prêter sa voix à Ash Williams. En clair, Evil Dead n’a pas simplement ressuscité : la franchise a peut-être rarement semblé aussi vivante.

Dès sa première saison, It: Welcome to Derry, la préquelle HBO installée dans l’univers de Ça de Stephen King, change franchement la place de Pennywise en étendant sa mythologie bien au-delà de ce qu’on connaissait. La série ne se contente pas de rejouer l’histoire popularisée au cinéma par les adaptations récentes de Ça. Elle remonte plus loin, fouille les recoins les plus sombres de Derry et transforme le clown aperçu dans les films en une menace beaucoup plus vaste, plus ancienne, presque disséminée partout.

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Pour le personnage imaginé par Stephen King, ce virage n’a rien de mineur. Plus étroitement lié à la ville elle-même, Pennywise cesse d’apparaître comme un prédateur de passage pour devenir une force qui ronge Derry depuis des générations. Là où les films s’attardaient surtout sur l’affrontement entre le clown et le Club des Ratés, It: Welcome to Derry va puiser dans les interludes du roman pour raconter l’emprise cyclique de la créature à travers plusieurs époques. Pennywise ne renvoie donc plus seulement à une bande d’enfants ni à un événement précis. Il devient une présence qui revient frapper la ville, encore et encore.

La série appuie aussi davantage sur sa nature cosmique. L’entité semble exister hors d’un temps vraiment linéaire, avec une perception du passé, du présent et du futur qui déborde complètement l’expérience humaine.

Dans sa dernière partie, la série pousse encore plus loin ses accents lovecraftiens et présente Pennywise comme quelque chose de plus ancien, de plus impossible à abattre, et au fond de plus terrifiant que dans ses précédentes incarnations à l’écran. Derry aussi change de statut. Ce n’est plus un simple décor. Son influence paraît s’infiltrer dans toute la ville, dans ses institutions, dans ses silences, jusque dans sa violence ordinaire. La série s’en sert comme d’une métaphore de la cupidité, de la cruauté et des préjugés, en montrant que le mal ne vient pas seulement d’une créature surnaturelle, mais aussi d’une communauté parfaitement capable de détourner les yeux.

Cette lecture rend l’univers de Ça encore plus dérangeant. Le danger est partout, dans le tissu social même de Derry.

La première saison fait d’ailleurs grimper les enjeux très vite en éliminant plusieurs personnages importants dès les premiers épisodes, histoire de rappeler que personne n’est vraiment à l’abri. Même si une nouvelle génération de jeunes protagonistes finit par prendre le dessus sur Pennywise, la série laisse clairement entendre que son ombre continue de planer sur la ville. Et il y a là quelque chose d’assez troublant : en s’attardant davantage sur Bob Gray, le visage humain du clown, la préquelle donne un ancrage historique plus concret à l’entité métamorphe, ce qui la rend, paradoxalement, encore plus dérangeante.

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HBO a déjà confirmé que la saison 2 remontera jusqu’en 1935, en pleine Grande Dépression, autour du massacre du gang Bradley, l’un des épisodes les plus brutaux de la chronologie de Derry chez Stephen King. La série n’a donc pas l’intention de refermer la porte sur son passé. Elle compte au contraire l’ouvrir encore plus grand.

It: Welcome to Derry tisse aussi quelques liens avec le reste de l’univers de Stephen King, notamment à travers une version plus jeune de Dick Hallorann, que les fans de Shining connaissent bien, ce qui renforce l’idée qu’HBO cherche ici à construire une mythologie plus large. L’accueil critique reste, pour l’instant, mitigé mais plutôt favorable dans les premières réactions, avec des louanges pour l’ambition du projet, son atmosphère surréelle très kingienne et sa volonté d’épaissir la légende de Ça. Ce n’est peut-être pas encore l’adaptation définitive de Stephen King. Mais après It: Welcome to Derry, Pennywise ne se regarde déjà plus de la même manière.

Attendu pour 2025, Superman, porté par David Corenswet dans le rôle-titre, est déjà vendu par DC Studios comme la pièce centrale du nouveau DC Universe. Ce qui est frappant, c’est que le DCU commence à peine à se mettre en place et que la critique qui revient le plus souvent parle déjà d’un ensemble de films et de séries juxtaposés, sans cette impression nette d’univers partagé que le public identifie tout de suite.

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Avec David Corenswet en tête d’affiche, Superman n’a pas simplement vocation à relancer l’homme d’acier. Pour DC Studios, le film doit aussi faire le lien entre le cinéma, la télévision et l’animation.

L’enjeu est de taille pour Warner Bros. et DC Studios, qui sont encore en train d’installer leur nouvelle machine. James Gunn l’a répété plusieurs fois : chaque projet doit pouvoir tenir debout seul, tout en prenant place dans un ensemble plus vaste, celui du premier chapitre, Gods and Monsters.

Sur le papier, ça donne envie. Dans les faits, le public attend toujours de voir si cette interconnexion ressemblera à autre chose qu’à une belle déclaration d’intention.

À ce stade, les informations autour de Man of Tomorrow restent encore fragmentaires. DC Studios n’a toujours pas donné de confirmation officielle complète concernant cette suite de Superman, envisagée pour 2027.

Si tout cela se confirme, Man of Tomorrow pourrait bien devenir le premier vrai crossover du DCU, et pas seulement une nouvelle aventure en solo pour Clark Kent. Mieux vaut quand même garder une part de réserve.

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Au centre du récit, Superman ferait équipe avec Lex Luthor, joué par Nicolas Hoult, pour affronter Brainiac. Rien que cette idée change l’échelle du projet. Voir le héros s’allier de force à son ennemi le plus emblématique donne tout de suite plus d’ampleur au film, et Brainiac correspond parfaitement au genre de menace capable d’appeler une mobilisation plus large de l’univers DC.

Autour d’eux, on pourrait retrouver Lois Lane, Jimmy Olsen, Guy Gardner, Hawkgirl, Mr. Terrific, Supergirl, John Stewart et Blue Beetle. Le nom d’Adria Arjona circule aussi, même si son rôle n’a toujours pas été confirmé. On reviendra là-dessus dès qu’il y aura du nouveau.

Ce qui intrigue le plus, c’est que cette continuité ne commencerait pas vraiment avec Superman, mais avec Creature Commandos en 2024, d’après DC Studios. La série animée a déjà servi de passerelle très concrète vers le nouveau DCU, notamment grâce à Rick Flag Sr., incarné par Frank Grillo.

Rick Flag Sr. passe ensuite en prises de vues réelles dans Superman et doit aussi apparaître dans la saison 2 de Peacemaker, toujours selon DC Studios. Et si le but est vraiment de cesser de traiter l’animation et le live-action comme deux blocs séparés, c’est plutôt bon signe. L’idée, cette fois, serait bien d’assembler les pièces d’un seul et même ensemble.

Autre point à suivre de près : John Stewart. Aaron Pierre doit d’abord faire ses débuts dans Lanterns avant d’apparaître ensuite, si l’on se fie aux informations rapportées, dans Man of Tomorrow.

Si ce plan se confirme, Lanterns deviendra un passage important dans la mise en place des grandes intrigues du DCU. En clair, James Gunn semble avancer par paliers : d’abord des projets capables d’exister par eux-mêmes, puis des connexions de plus en plus visibles.

Si Superman pose bien les bases, et si Man of Tomorrow les transforme ensuite en véritable événement partagé, le DCU pourrait enfin obtenir ce qui lui manque encore le plus aujourd’hui : un sentiment d’unité immédiatement perceptible pour le grand public.

Sur Netflix en ce moment, la série en 5 épisodes qu’on cite souvent parmi les adaptations live-action d’anime les plus convaincantes côté combats, c’est Yu Yu Hakusho, pas Blue Eye Samurai. La précision compte. Yu Yu Hakusho adapte bien en prises de vues réelles le manga de Yoshihiro Togashi, alors que Blue Eye Samurai est une série d’animation pour adultes dont la première saison compte 8 épisodes. Les deux brillent dans l’action, mais on ne parle pas du même format.

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Si Yu Yu Hakusho s’est fait remarquer, ce n’est pas parce qu’elle colle parfaitement au matériau d’origine. Ce qui frappe surtout, c’est l’énergie des affrontements. L’adaptation compresse énormément de matière en seulement cinq épisodes, donc elle doit foncer, parfois expédier des développements importants du manga et de l’anime. Malgré ça, beaucoup estiment qu’elle garde l’esprit de l’œuvre, grâce à son versant surnaturel et, plus encore, à la façon dont elle met ses combats en scène.

L’exemple qui revient le plus souvent, c’est l’affrontement entre Yusuke et le démon Gouki. La scène marche parce qu’elle fait cohabiter un ennemi surnaturel avec une chorégraphie très physique, très ancrée au sol. Coups de poing, réflexes, déplacements brusques, décor mis à contribution: tout ça donne une vraie sensation de bagarre de rue.

Même lorsque les effets visuels tirent un peu vers le kitsch ou semblent moins crédibles, le poids des impacts et la clarté de l’action rattrapent largement le reste. C’est même, d’une certaine manière, là que la série gagne des points. Les créatures, les pouvoirs et le CGI rappellent parfois les limites d’une adaptation très stylisée, mais la chorégraphie échappe souvent au piège de la démonstration vide.

Chaque combat ne sert donc pas juste à exhiber des effets. Yu Yu Hakusho conserve un vrai sens du contact, de l’urgence, de la brutalité, et c’est ça qui aide l’illusion à tenir.

Pour beaucoup de spectateurs, c’est ce qui sauve la série et ce qui donne à Yu Yu Hakusho une vraie personnalité dans le catalogue Netflix.

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Blue Eye Samurai, de son côté, mérite aussi sa réputation, mais pour autre chose. La série suit Mizu, une escrimeuse métisse en quête de vengeance dans le Japon de l’époque Edo, au XVIIe siècle. Créée par Michael Green et Amber Noizumi, Blue Eye Samurai puise, d’après ses créateurs, dans leur propre histoire familiale: leur fille, et cette idée de grandir en se sentant différente dans une société historiquement homogène. Saluée par la critique, la série affiche 97 % sur Rotten Tomatoes et 88 sur Metacritic. Son animation hybride 2D/3D emprunte autant aux estampes japonaises qu’au théâtre de marionnettes bunraku, tandis que ses scènes de combat sont louées autant pour leur beauté visuelle que pour ce qu’elles racontent.

Même en restant une série animée, Blue Eye Samurai revendique une sensibilité très live-action. Ça se sent dans la supervision de Jane Wu, passée par des productions Marvel et Game of Thrones, avec en plus une formation en arts martiaux. Les scènes ont été pensées comme de vrais morceaux de bravoure chorégraphiés.

D’après l’annonce de Netflix, Blue Eye Samurai a déjà obtenu des saisons 2 et 3, et la deuxième est attendue pour janvier 2027. Donc si vous cherchez la série Netflix en 5 épisodes dont tout le monde vante les combats en live-action, c’est Yu Yu Hakusho. Et si vous voulez l’une des meilleures séries d’action du catalogue, Blue Eye Samurai en fait clairement partie elle aussi, sauf que ce n’est pas un live-action.

Entre le 23 et le 25 octobre, « Resident Evil », le reboot produit par Constantin Film et Sony Pictures, est resté en tête du box-office chinois pour un troisième week-end d’affilée. Le film a engrangé 37,6 millions de RMB, soit environ 5,6 millions de dollars, d’après les chiffres du box-office chinois.

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« Resident Evil » tient donc toujours la première place en Chine.

Ce résultat prolonge l’élan pris pendant la Golden Week. Sorti le 5 octobre, le film avait démarré à environ 12,1 millions lors de son premier week-end chinois, selon les chiffres du box-office chinois, avant d’ajouter 9,3 millions sur le deuxième, puis 5,6 millions sur le troisième.

Box-office Chine : « Resident Evil » s’impose dans un marché au ralenti

Ce qui frappe ici, c’est sa tenue dans le temps, alors même que la fréquentation recule sur l’ensemble du marché.

Au 24 octobre, le cumul de « Resident Evil » en Chine avait déjà dépassé les 60 millions, selon les chiffres du box-office chinois. Cela en fait seulement le quatrième film hollywoodien à franchir ce seuil sur le marché chinois en 2026.

Le long métrage s’était aussi fait remarquer dès le départ, avec 12,2 millions encaissés dès son premier jour d’exploitation, toujours selon les chiffres du box-office chinois. Ce score a été présenté comme le meilleur démarrage sur une seule journée jamais enregistré en Chine pour un film d’horreur hollywoodien.

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À l’échelle mondiale, le pari est déjà largement remporté. Le reboot approchait les 400 millions de recettes pour un budget de production estimé à environ 75 millions, une trajectoire commerciale très solide pour une relance de franchise.

Une rare victoire hollywoodienne dans un box-office dominé par les productions locales

Le succès de « Resident Evil » tranche nettement avec l’état général du marché chinois.

En 2026, selon les chiffres du box-office chinois, les films nationaux occupent huit des dix plus gros succès du box-office local. De quoi confirmer, une fois de plus, la domination des productions locales dans les salles du pays.

Dans ce décor, voir un film hollywoodien percer, puis rester plusieurs semaines au sommet, n’a rien de banal.

Cela montre aussi à quel point « Resident Evil » a réussi à s’imposer comme une proposition à part, dans un calendrier où les grosses locomotives capables d’attirer massivement le public ne sont pas si nombreuses.

Le marché chinois reste en retrait en 2026

Cette bonne série arrive pourtant dans un moment de net ralentissement pour le marché chinois.

Le box-office de la fête nationale a chuté de 36 % sur un an, selon les chiffres du box-office chinois, pour tomber à son niveau le plus bas depuis douze ans. Depuis le début de 2026, les recettes totales atteignent environ 4,67 milliards, toujours selon les chiffres du box-office chinois, soit un retard de 29,2 % par rapport à la même période de 2025.

Pour plusieurs observateurs de l’industrie, le problème vient d’abord d’un manque de films assez forts pour créer l’événement.

En clair, le ralentissement ne s’expliquerait pas d’abord par les déplacements des vacanciers ou par la concurrence des formats courts, mais par une offre jugée trop faible pour faire revenir les spectateurs en masse. Pour « Resident Evil », c’est évidemment une très bonne nouvelle. Dans ce paysage morose, le film apparaît comme une exception bienvenue, un succès importé, rentable, et capable de durer, au moment précis où le box-office chinois cherche encore son second souffle.

L’épisode 50 de Bleach: Thousand-Year Blood War, l’anime qui adapte le dernier arc du manga Bleach, est diffusé ce 26 octobre aux États-Unis. Il marque aussi la fin officielle de l’anime télévisé Bleach : d’après les informations communiquées par la franchise, la série, lancée en 2004, referme ainsi un parcours de 22 ans à l’écran.

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Ce n’est pas un simple cap symbolique. Pour une franchise longtemps vue comme la plus discutée, voire la plus contestée, des « Big Three », le moment compte d’autant plus qu’elle a retrouvé ces dernières années une vraie place de poids lourd.

Créé par Tite Kubo, Bleach fait partie du trio historique du shonen aux côtés de Naruto et One Piece. Le manga a été publié de 2001 à 2016 et totalisait plus de 130 millions d’exemplaires en circulation dans le monde en 2022, d’après les chiffres officiels de la franchise.

Au départ, l’histoire suit Ichigo Kurosaki, un lycéen qui hérite des pouvoirs d’un Shinigami après sa rencontre avec Rukia Kuchiki.

Puis Bleach change vite d’échelle. Le récit s’ouvre sur quelque chose de plus dense, avec des luttes de pouvoir, des conflits entre dimensions, et tout un travail autour de la mort, de l’identité et du devoir. C’est aussi là qu’on reconnaît la patte de Tite Kubo : ces thèmes passent par la mise en scène, les dialogues, les symboles. Il ne les assène jamais.

Et c’est presque là que le paradoxe commence.

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Car cette richesse a aussi alimenté, pendant longtemps, une partie des critiques.

Malgré sa popularité, l’anime original a souvent traîné l’image du maillon faible parmi les Big Three. En cause, une animation très inégale avant l’ère TYBW, un univers parfois jugé confus, et une réception plus divisée que celle de Naruto ou de One Piece. Après l’excellent arc de la Soul Society, la structure de la série a aussi fini par peser lourd : beaucoup de fillers, en particulier l’arc des Bounts, et une galerie de personnages si vaste qu’il devenait difficile de lui rendre justice sans sacrifier certains personnages au passage ou casser la tension du récit.

C’est là que Bleach: Thousand-Year Blood War a changé la donne.

Après dix ans d’absence, l’anime est revenu en octobre 2022 avec une refonte spectaculaire, organisée en quatre parties : The Blood Warfare (2022), The Separation (2023), The Conflict (2024) et The Calamity (2026), toujours d’après les informations officielles de la franchise Bleach. Studio Pierrot a été salué pour une animation remise à niveau, des combats bien plus lisibles, et une mise en scène nettement plus ambitieuse. Mais le plus important est peut-être ailleurs. Cette adaptation du dernier arc a aussi enrichi le manga lui-même, puisque Tite Kubo a travaillé directement avec l’équipe de production pour ajouter des scènes inédites et reprendre plusieurs passages d’une fin qu’une partie des lecteurs avait jugée trop précipitée.

Le final met donc un point final à l’anime. Pas à l’élan autour de la licence.

Bleach a retrouvé une forte visibilité sur les réseaux sociaux, et la franchise continue de s’étendre avec de nouveaux projets, parmi lesquels le jeu Bleach: Rebirth of Souls, selon les informations officielles de la franchise. Une très bonne nouvelle pour une œuvre longtemps sous-estimée dans le paysage de l’action japonaise, et qui paraît aujourd’hui plus vivante que jamais.

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