Author: Emmanuel Pina

Avant les élections américaines de mi-mandat de 2018, Michael Douglas s’était avancé sur une large poussée démocrate, au point d’annoncer un sérieux revers pour Donald Trump. Les résultats ont raconté une histoire plus nuancée. Les démocrates ont bien repris la Chambre des représentants, mais le Sénat est resté aux mains des républicains. La « déroute » annoncée par l’acteur n’a donc pas vraiment eu lieu.

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Michael Douglas, démocrate de longue date et généreux donateur du parti, ne cachait pas ses attentes. À l’époque, dans un climat politique extrêmement polarisé, beaucoup présentaient ce scrutin comme un test grandeur nature de la présidence Trump. Avec quelques années de recul, on voit surtout un résultat plus mitigé que ne le laissait entendre la prédiction de la star hollywoodienne.

Michael Douglas voyait une vague démocrate emporter le camp Trump

Pour Michael Douglas, Donald Trump, alors président républicain, se contentait de « ressasser ses promesses et ses refrains ». L’acteur jugeait que l’appui au président commençait à se fissurer, y compris dans certaines parties du Midwest, pourtant peu enclines à voter démocrate depuis longtemps.

Son pronostic allait même plus loin, puisqu’il envisageait un basculement du Sénat, alors que cette chambre passait justement pour le terrain le plus compliqué à reprendre aux républicains. Dans son esprit, l’élan démocrate ne relevait plus d’un simple sursaut militant. Il y voyait un mouvement national, alimenté par la lassitude d’une partie des électeurs face au style de Donald Trump et à sa manière de faire de la politique.

Pourquoi le contrôle du Congrès comptait autant

À Washington, l’enjeu dépassait de loin la seule portée symbolique du vote. Si les démocrates récupéraient au moins une des deux chambres, ils retrouvaient aussi des outils institutionnels de premier plan : la présidence de commissions, le pouvoir d’enquête et la possibilité de délivrer des assignations à comparaître pour obtenir documents et témoignages.

Concrètement, une victoire démocrate pouvait relancer des dossiers touchant à d’éventuels conflits d’intérêts, à des accusations de favoritisme ou encore à des membres de l’entourage présidentiel. Michael Douglas estimait pourtant que les démocrates n’auraient pas intérêt à foncer tout de suite dans l’affrontement. Selon lui, le parti devait d’abord s’attaquer aux préoccupations les plus concrètes du quotidien, en particulier le coût de la vie, et les questions d’accessibilité, avant d’ouvrir un front direct sur les affaires liées à Donald Trump et à ses proches.

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Un scrutin 2018 bien moins tranché que prévu

Sur le fond, les élections de mi-mandat de 2018 ont bien montré un recul républicain dans plusieurs bastions. Les résultats ont permis aux démocrates de reprendre la Chambre des représentants en arrachant 41 sièges aux républicains, ce qui leur a suffi pour redevenir majoritaires.

Mais la « boucherie » qu’espérait Michael Douglas ne s’est pas produite à l’échelle de tout le Congrès. Au Sénat, les républicains ont même consolidé leur position, portant leur majorité à 53 sièges. Le signal envoyé par les électeurs était donc double : un avertissement adressé à Donald Trump dans plusieurs circonscriptions suburbaines et modérées, et, ailleurs, la confirmation d’un socle républicain toujours solide.

Une phrase restée célèbre, mais sans grand effet politique

Comme souvent quand une célébrité prend position, la sortie de Michael Douglas a surtout frappé par sa formule. Son effet réel sur le vote, lui, reste impossible à mesurer sérieusement.

Mieux vaut d’ailleurs garder une part de prudence. La source originale exacte et la date précise de cette citation de Michael Douglas ne se laissent pas vérifier facilement dans les archives accessibles. Reste que cette déclaration résume assez bien l’état d’esprit d’une partie d’Hollywood en 2018 : la conviction qu’une vague bleue pouvait stopper net Donald Trump. Sur la Chambre des représentants, les urnes lui ont donné raison. Sur l’ampleur du raz-de-marée annoncé, beaucoup moins.

En 2026, un nom revient plus que les autres dès qu’on évoque l’idée d’un reboot de Breaking Bad: Matthew Macfadyen. C’est lui que beaucoup imaginent reprendre Walter White, ce prof de chimie devenu baron de la drogue, dans une relecture hypothétique de la série d’AMC créée par Vince Gilligan. Et, curieusement, pour un personnage aussi gravé dans l’imaginaire collectif, la vraie question n’est pas d’abord celle de la ressemblance physique. Ce qui compte, c’est la capacité à faire sentir une lente décomposition morale. L’idée a quelque chose de presque sacrilège. Pourtant, elle intrigue toujours, parce que Walter White reste l’axe central d’une série encore vue comme l’un des grands basculements de la télévision moderne.

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D’abord diffusée sur AMC, puis propulsée dans une autre dimension par le streaming, Breaking Bad fait partie de ces séries qui ont vraiment déplacé les lignes. Son récit ultra-feuilletonnant, sa mise en scène presque cinématographique, son antihéros taillé pour l’âge d’or de la télévision, tout cela a changé ce que le public attendait d’une série. On la cite aussi très souvent comme l’un des grands emblèmes de l’ère du binge-watching.

Le point de départ, lui, n’a rien perdu de sa force: Walter White, professeur de chimie dans un lycée, apprend qu’il souffre d’un cancer du poumon incurable. Pour laisser sa famille à l’abri du besoin, il se met à fabriquer de la méthamphétamine avec Jesse Pinkman, un ancien élève. Ce qui ressemble presque à un banal fait divers glisse, petit à petit, vers la naissance d’Heisenberg, trafiquant impitoyable. C’est pour ça que Breaking Bad repose à ce point sur Walter White. La série ne tient que si l’on croit, sans réserve, à cette transformation sans retour.

Bryan Cranston reste évidemment l’étalon. Sa performance ne tenait pas seulement à ce qu’il exprimait, mais aussi à tout ce qu’il gardait sous contrôle: un regard qui se ferme, une voix dont la texture se modifie, une manière de se tenir qui prend de plus en plus d’assurance au fil des épisodes.

Walter White ne devenait pas Heisenberg en un instant, et Bryan Cranston faisait exister chacune de ces étapes avec une retenue qui rendait sa chute encore plus effrayante. Reprendre ce rôle, ce n’est donc pas refaire des tics ou des mimiques devenus cultes. Il faut retrouver ce point d’équilibre entre fragilité, orgueil blessé, ressentiment et menace contenue.

C’est là que Matthew Macfadyen devient une option crédible. Dans Succession, il a montré à quel point il savait jouer l’insécurité, l’ambition et l’humiliation rentrée, tout en laissant poindre un danger plus sourd que franchement explosif. Et avec Death by Lightning, il a aussi prouvé qu’il pouvait passer de la retenue à l’intensité, puis à une brutalité latente. Pour Walter White, cette amplitude est indispensable: il faut pouvoir partir du côté de la faiblesse, puis dériver peu à peu vers le froid et la domination, sans jamais appuyer le moment où tout bascule.

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La popularité de Breaking Bad reste, elle aussi, frappante. D’après une enquête YouGov réalisée au troisième trimestre 2026, la série est même désignée comme la série télévisée la plus populaire du XXIe siècle, avec 61 % d’opinions favorables et 89 % de notoriété auprès des adultes américains.

Le streaming a joué un rôle décisif dans cette longévité. On parle souvent de « l’effet Netflix » pour décrire ce second souffle en ligne, et l’expression n’est pas volée: il a largement élargi le public de Breaking Bad, jusqu’à porter son épisode final à 10 millions de téléspectateurs et à fixer durablement son statut d’œuvre phare du visionnage en rafale.

Reste qu’il faut avancer avec prudence. Vince Gilligan a déjà expliqué qu’il regardait toute idée de reboot avec beaucoup de réserve, de peur d’abîmer l’héritage de l’original. Oui, une nouvelle génération pourrait redécouvrir Breaking Bad sous un autre angle. Mais remplacer des performances aussi iconiques, c’est toujours s’aventurer sur l’un des terrains les plus minés de toute la pop culture.

En 2026, Tintin 2, la suite de Les Aventures de Tintin sorti en 2011, a bel et bien repris vie. Cette fois, c’est Peter Jackson qui doit passer à la réalisation. Déjà producteur du premier film, il prendra la suite de Steven Spielberg, comme les deux cinéastes l’avaient envisagé depuis longtemps, avec cette idée d’échanger leurs rôles si un deuxième volet voyait le jour.

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Peter Jackson a confirmé en 2026 qu’il écrivait le scénario avec Fran Walsh, sa partenaire de travail de longue date. Puis, d’après des informations publiées en octobre 2026, le script est maintenant terminé.

Autrement dit, ce vieux projet dont Hollywood reparlait par vagues n’en est plus au stade des bruits de couloir. Il a enfin passé le cap que beaucoup de fans attendaient depuis des années : le développement est actif, et le scénario existe. Pour celles et ceux qui espéraient revoir sur grand écran le jeune reporter imaginé par Hergé, la nouvelle a de quoi réjouir.

Mieux vaut quand même ne pas aller trop vite. Aucun calendrier de tournage n’a encore été annoncé, et aucune date de sortie n’a été rendue publique à ce stade.

Ce retour attire aussi l’attention pour une autre raison : Tintin 2 devrait être le prochain film de fiction de Peter Jackson. Le réalisateur néo-zélandais n’a plus signé de long métrage narratif depuis 2014. Depuis, il s’est surtout tourné vers des documentaires ambitieux, comme They Shall Not Grow Old et The Beatles: Get Back.

Le choix de Peter Jackson a donc quelque chose d’assez naturel. Son goût du spectacle, de l’aventure et des mondes très denses colle bien à l’univers de Tintin. Et ses trilogies du Seigneur des anneaux puis du Hobbit ont déjà montré qu’il savait prendre des œuvres adorées du public pour en faire de grandes fresques de cinéma capables de toucher un très large public.

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Pour Tintin, ce bagage compte beaucoup, parce que tout repose sur un équilibre assez fragile : rester fidèle à l’esprit des albums sans renoncer à l’ampleur d’un grand film d’aventure moderne. Le premier long métrage jouait déjà cette carte, avec une mise en scène spectaculaire et le recours à la performance capture. Jackson connaît en plus très bien la mécanique du projet, puisqu’il avait produit le film mis en scène par Steven Spielberg.

Sorti en 2011, Les Aventures de Tintin : Le Secret de la Licorne adaptait en animation performance capture les célèbres bandes dessinées d’Hergé. Réalisé par Steven Spielberg et produit par Peter Jackson, le film avait été plutôt bien accueilli dans l’ensemble et, surtout, avait trouvé son public au box-office.

Ce qui rend l’attente encore plus étrange, c’est que le premier film n’avait rien d’un échec. Avec près de 374 millions de dollars de recettes dans le monde pour un budget d’environ 135 millions, il avait même réalisé une performance solide. Et malgré cela, la suite est restée coincée pendant des années, au point que beaucoup avaient fini par la croire abandonnée.

Pour le moment, on ne sait toujours pas quelle histoire sera retenue. À une époque, il avait été question d’une adaptation de Les Sept Boules de cristal et de Le Temple du Soleil, mais rien d’officiel n’a été annoncé sur ce terrain-là.

Même incertitude du côté des interprètes. Jamie Bell, qui jouait Tintin, et Andy Serkis, la voix du capitaine Haddock, ont déjà dit qu’ils seraient partants pour revenir. Pour l’instant, aucune confirmation formelle n’a suivi. Mais après quinze ans d’attente, Tintin 2 donne enfin l’impression d’aller quelque part, et d’avoir trouvé sa direction.

« Gyeongseong Creature », la série sud-coréenne disponible en ce moment sur Netflix, parvient à faire tenir ensemble la science-fiction et l’horreur sans que l’une écrase l’autre. C’est assez rare pour être souligné. Là où beaucoup de productions choisissent leur camp, soit le récit de laboratoire pur, soit la survie horrifique, « Gyeongseong Creature » garde les deux et les fait vraiment fonctionner.

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Et le fantastique, ici, n’a rien d’un simple habillage. L’histoire se déroule à Gyeongseong, l’ancien nom de Séoul, en 1945, et la peur qui s’installe vient autant des monstres que des institutions, ainsi que des hommes qui ont rendu leur existence possible.

Le noyau science-fiction de la série repose sur le Najin, un parasite fictif capable de transformer le corps humain, en déclenchant des mutations monstrueuses, une agressivité extrême et une résistance presque surhumaine. Mais cet élément ne sert pas seulement à fabriquer des scènes spectaculaires. Il alimente une horreur bien plus large, liée à l’usage de la science comme instrument de domination et de destruction.

La série doit aussi beaucoup à son ancrage historique. « Gyeongseong Creature » renvoie sans détour aux atrocités associées à l’unité 731, cette unité militaire secrète japonaise de la Seconde Guerre mondiale connue pour ses expérimentations chimiques et biologiques menées sur des civils. Avec un cadre pareil, l’ensemble gagne une densité qu’on voit rarement dans une série de genre.

Le monstre ne sort ni de nulle part ni d’un accident abstrait. Il naît d’un système colonial, de l’expérimentation institutionnalisée, et de l’effondrement moral de ceux qui prétendent agir au nom de la nation, de la guerre ou du progrès.

Ce qui trouble le plus, au fond, ce n’est même pas toujours la body horror ou l’allure des créatures, pourtant marquantes. C’est la cruauté des humains. La série insiste sur cette banalité du mal, avec des médecins, des militaires et des responsables qui finissent par traiter des vies humaines comme de la simple matière première.

Du coup, la noirceur de l’ensemble frappe fort. « Gyeongseong Creature » est violente, pessimiste, souvent éprouvante, et elle ne vise clairement pas les spectateurs qui cherchent un divertissement léger. En revanche, pour un public amateur de thrillers de science-fiction sombres, elle offre beaucoup plus qu’une simple histoire de monstre né en laboratoire.

Netflix confirme au passage qu’il existe un vrai appétit pour les thrillers SF non anglophones. Avant « Gyeongseong Creature », la série allemande « Dark » l’avait déjà montré. Netflix avançait que 93 % des spectateurs de ses deux premières saisons venaient de l’extérieur de l’Allemagne, signe qu’il existe bel et bien une audience mondiale pour ce type de production. La comparaison, cela dit, s’arrête assez vite.

Là où « Dark » s’est imposée avec sa construction labyrinthique autour du voyage dans le temps et ses thèmes philosophiques, « Gyeongseong Creature » prend une autre direction. Plus frontale. Plus viscérale aussi. Sa science-fiction s’ancre dans l’histoire, dans la violence coloniale, dans l’expérimentation humaine. Une série dérangeante, oui, mais d’une efficacité redoutable.

Aucune communication officielle vraiment nette d’AMC ne confirme, à ce jour, l’existence de The Walking Dead: Aftermath comme cadre de retrouvailles officielles entre Rick Grimes et Daryl Dixon. Pourtant, un article récent présente ce jeu mobile free-to-play comme si ce retour commun des deux personnages était déjà acté. En l’état, c’est aller un peu vite.

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À l’heure où nous écrivons ces lignes, ce qu’on peut vérifier publiquement reste partiel. On ne trouve pas, de façon simple et identifiable, de confirmation d’AMC autour d’un projet validé sous ce titre exact.

Ce flou change forcément la manière dont on peut parler de The Walking Dead: Aftermath comme de retrouvailles canoniques, ou même officielles, pour le duo Rick Grimes-Daryl Dixon. Donc prudence, pour l’instant. Si de nouveaux éléments solides apparaissent, nous mettrons cet article à jour.

The Walking Dead: Aftermath, vraie sortie officielle ou zone grise ?

D’après la présentation reprise en ligne, The Walking Dead: Aftermath serait un jeu mobile gratuit développé par Swift Games et édité par Ares Interactive, en partenariat avec AMC. Le jeu placerait les joueurs près d’Atlanta, au tout début de l’épidémie, avec la possibilité de recruter plusieurs figures majeures de la série : Daryl Dixon, Michonne, Maggie, Glenn, Carol et Negan.

La même description explique que The Walking Dead: Aftermath mélangerait des combats orientés action-roguelite, des mécaniques de survie et de la construction de camp. Elle cite aussi plusieurs lieux emblématiques, dont la ferme de Hershel, Woodbury, Terminus et Alexandria.

L’article récent évoque également une note de 4,6/5 sur Google Play, plus d’un million de téléchargements, ainsi qu’une mise à jour datée du 23 octobre, avec l’ajout d’un mode JcJ appelé « Rivals ». Ce qui surprend, c’est le contraste entre ce degré de précision et nos propres recherches : malgré tous ces détails, aucune annonce officielle claire d’AMC n’apparaît pour un projet portant le nom de The Walking Dead: Aftermath.

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Pourquoi le duo Rick-Daryl reste si important pour les fans

Si la franchise a tenu sur 11 saisons et s’est imposée partout dans le monde, ce n’est pas seulement grâce aux zombies. Ce dont beaucoup de spectateurs se souviennent d’abord, ce sont les personnages, leurs liens, leurs ruptures, leurs retrouvailles parfois manquées. Bien souvent, cela a laissé une trace plus forte que les affrontements avec les rôdeurs.

Dans cet univers, Rick Grimes et Daryl Dixon restent l’un des duos les plus aimés du public chez AMC. Leur relation, faite de confiance, de tension, de respect et de loyauté, a longtemps porté une bonne partie de la charge émotionnelle de la série. Voilà pourquoi la simple idée de les revoir ensemble continue de susciter autant d’attente.

Où en est officiellement la franchise aujourd’hui ?

Du côté du canon, l’histoire de Rick Grimes s’est refermée dans The Walking Dead: The Ones Who Live. De son côté, Daryl Dixon continue son parcours dans The Walking Dead: Daryl Dixon. Sa quatrième et dernière saison est annoncée, selon les informations de diffusion disponibles à ce jour, pour février 2027.

À ce stade, de véritables retrouvailles en prise de vues réelles entre Rick Grimes et Daryl Dixon n’ont donc toujours pas été confirmées.

Elles restent envisageables sur le long terme. Scott M. Gimple et Greg Nicotero ont déjà laissé entendre, dans différentes prises de parole publiques, qu’une convergence entre les séries dérivées faisait partie des pistes possibles. Andrew Lincoln et Norman Reedus, eux aussi, ont entretenu cette idée au fil de leurs interventions publiques, en laissant planer l’hypothèse d’un futur croisement, voire d’un événement plus large. Pour l’instant, la nostalgie est bien réelle. L’attente des fans aussi. Mais des retrouvailles officielles entre Rick Grimes et Daryl Dixon, elles, restent encore à confirmer.

Brad Bird a coupé court aux spéculations sur une éventuelle suite de Ray Gunn, son film d’animation produit par Skydance Animation pour Netflix, attendu partout dans le monde sur la plateforme le 18 décembre 2026, d’après Netflix. Interrogé sur cette possibilité, le réalisateur a expliqué qu’il ne conçoit jamais un film en se disant d’avance que le public en réclamera plus. Son attention, dit-il, va d’abord et entièrement au film qu’il est en train de faire.

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Pour autant, il n’exclut rien. Brad Bird précise même qu’il aime bâtir ses univers et ses personnages avec assez d’épaisseur pour que lui, ou peut-être un autre cinéaste plus tard, puisse raconter d’autres histoires dans le monde de Ray Gunn. La réponse, pour l’instant, tient donc en peu de mots : pas maintenant.

C’est une ligne de conduite qu’il suit depuis longtemps. Le réalisateur de Le Géant de fer, Les Indestructibles et Ratatouille n’a presque jamais couru après les suites, à une exception près, Les Indestructibles 2.

Brad Bird, d’ailleurs, a souvent refroidi par le passé les espoirs de voir certains de ses films cultes se prolonger. Ce qui est assez frappant ici, c’est que Ray Gunn n’est même pas encore sorti et que, malgré ça, ses propos laissent entendre qu’il ne verrouille pas complètement la porte, surtout si le public accroche à l’univers rétro-futuriste du film.

Il faut dire que Ray Gunn est un projet qu’il porte depuis très longtemps, plus de 30 ans selon Netflix. Brad Bird le présente comme quelque chose de plus proche de « Le Faucon maltais rencontre Buck Rogers » que d’une simple imitation de Blade Runner.

Le film se déroule à Metropia, une ville rétro-futuriste pensée comme si on l’avait imaginée en 1939, et suit le détective privé Raymond Gunn dans une affaire où se croisent un meurtre, des extraterrestres et une immense star multimédia appelée Venus Nova, toujours selon Netflix. Cette base très noire fait penser à Chinatown, The Big Sleep ou The Spirit. Ce sont des références qui suffisent largement à nourrir un film autonome, mais qui peuvent aussi servir de fondation solide si cet univers devait un jour se prolonger en série ou en spin-off.

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Côté voix, Sam Rockwell interprète Raymond Gunn et Scarlett Johansson prête la sienne à Venus Nova, d’après Netflix. Le casting vocal comprend aussi Tom Waits, Matt Berry, Bobby Cannavale, Michelle Rodriguez et Alan Tudyk. Produit par Skydance Animation pour Netflix, le film s’impose déjà comme l’une des grosses sorties animation de la fin d’année pour la plateforme.

Ray Gunn sortira d’abord au cinéma de façon limitée le 4 décembre 2026, puis sera mis en ligne partout dans le monde sur Netflix le 18 décembre 2026, selon Netflix. Le film a déjà été montré au 70e BFI London Film Festival, où il a reçu un accueil critique très encourageant, toujours d’après Netflix.

Les premiers retours sont d’ailleurs solides : Ray Gunn affiche 92 % sur Rotten Tomatoes, selon Rotten Tomatoes, avec des compliments qui reviennent souvent sur son ambition visuelle et sur son style d’animation. Brad Bird ne veut peut-être pas penser en termes de franchise avant l’heure. Reste que Ray Gunn semble déjà avoir deux atouts qui comptent vraiment s’il veut durer : un univers dense, et un départ critique plus que prometteur.