Author: Gale Ann Villagomesa

Dans Peanuts, Charles M. Schulz a fait disparaître Charlotte Braun le 1er février 1955, après dix strips à peine. Apparue le 30 novembre 1954 puis vue pour la dernière fois le 1er février 1955, cette petite fille aujourd’hui presque oubliée reste liée à ce que beaucoup de lecteurs et d’historiens tiennent pour la seule « mort » implicite du canon de la série.

Quand Schulz la crée à la fin de 1954, l’idée est assez simple: faire de Charlotte Braun un pendant féminin de Charlie Brown.

Charlie Brown est anxieux, timide, perpétuellement malchanceux. Charlotte Braun, elle, est bruyante, envahissante, impossible à faire plier. Schulz appuyait même ce trait dans le dessin: ses répliques surgissaient souvent en grandes lettres épaisses, comme si la page elle-même insistait sur le fait que sa présence devait grincer.

Les lecteurs n’ont visiblement pas accroché. D’autres fortes têtes de Peanuts ont fini par trouver leur place et par séduire. Charlotte Braun, elle, agaçait surtout.

Les archives de la Bibliothèque du Congrès montrent que ces réactions ont pesé directement dans son éviction. Le cas le plus connu reste celui d’Elizabeth Swaim, une lectrice qui a écrit à Charles M. Schulz pour lui demander de retirer le personnage. Et tout laisse penser qu’elle était loin d’être la seule à ne pas supporter Charlotte Braun.

Dans sa réponse du 5 janvier 1955, conservée à la Bibliothèque du Congrès et restée célèbre pour son humour très noir, Charles M. Schulz lui explique qu’elle et ses amies auraient « la mort d’une enfant innocente sur la conscience » si Charlotte Braun disparaissait. Il joint même un dessin de Charlotte Braun avec une hache plantée dans la tête, plaisanterie franchement macabre sur le fait qu’elle allait, presque au sens littéral, se faire « supprimer » du strip.

Dans la bande dessinée elle-même, cette mort n’a jamais été montrée. Pourtant, pour beaucoup de fans et d’historiens de Peanuts, cette lettre vaut confirmation implicite: on serait bien là devant le seul véritable décès d’un personnage dans l’univers de Charles M. Schulz.

L’histoire n’est devenue largement connue du public que bien plus tard. En 2000, l’année de la mort de Charles M. Schulz, Elizabeth Swaim a fait don de la lettre à la Bibliothèque du Congrès, aux États-Unis. De quoi remettre en pleine lumière l’influence très directe que le public pouvait déjà avoir sur l’évolution de Peanuts.

Plus curieux encore, Charlotte Braun n’a pas complètement disparu de l’ADN de la série. Plusieurs observateurs estiment que son autorité, son tempérament dominateur et sa force de caractère ont ensuite été recyclés dans Lucy van Pelt, qui deviendra l’un des personnages les plus iconiques, et les plus efficaces, de Peanuts.

Charlotte Braun a donc échoué là où Lucy van Pelt a triomphé. L’énergie était la même, mais Lucy s’intégrait bien mieux à l’équilibre du strip. Et même retirée très tôt, Charlotte Braun n’a pas été effacée tout à fait: elle a refait surface dans certains produits dérivés et dans plusieurs médias liés à Peanuts, notamment le jeu mobile Snoopy’s Town Tale.

Une survivante oubliée, au fond. Et le rappel qu’aux débuts de Peanuts, une simple lettre de fan pouvait encore changer le destin d’un personnage.

Apple TV+ a trouvé sa place dans le streaming, et ce n’était pas gagné d’avance. Face aux catalogues XXL de Netflix ou Disney+, la plateforme d’Apple joue une autre partition: moins de séries, mais plus de productions capables de marquer les esprits et de créer un vrai rendez-vous. Et ça marche. Le catalogue d’Apple TV+ compte maintenant plusieurs titres devenus incontournables pour tout amateur de streaming. Voici donc les 10 séries Apple TV+ à voir en priorité.

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Thrillers à concept fort, comédies chaleureuses, science-fiction ambitieuse, drames salués par la critique: Apple TV+ aligne assez de programmes solides pour justifier, à lui seul, un abonnement. Si vous vous demandez par où commencer, cette sélection des 10 séries Apple TV+ à voir en priorité vous donnera une très bonne base.

Les 10 séries Apple TV+ à voir absolument

1. Severance Difficile de faire plus représentatif d’Apple TV+ que Severance. C’est sans doute la série qui incarne le mieux la plateforme aujourd’hui. Son idée de départ, séparer la mémoire professionnelle et la mémoire personnelle des employés, donne naissance à un thriller de science-fiction aussi glaçant que terriblement addictif.

2. Ted Lasso Ted Lasso reste le grand phénomène feel-good de la plateforme. Mais la série ne se résume pas à son humour et à son optimisme: elle parle aussi de santé mentale, de leadership et de reconstruction personnelle, avec une justesse qu’on voit rarement dans ce registre.

3. The Morning Show Avec Jennifer Aniston, Reese Witherspoon et Steve Carell, The Morning Show nous emmène dans les coulisses toxiques de la télévision matinale américaine. Depuis les débuts du service, c’est aussi l’une des vitrines prestige les plus visibles d’Apple TV+.

4. Silo Adaptée du roman de Hugh Howey, Silo s’est imposée sans trop de débat parmi les meilleures séries de science-fiction récentes. Cette dystopie enfermée dans un immense silo souterrain tient autant par son suspense que par ses mystères et par la solidité de son univers.

5. Slow Horses Dans Slow Horses, Gary Oldman joue un patron de service d’espionnage aussi brillant que détestable. La série a moins de glamour que James Bond, certes, mais elle est bien plus mordante, plus drôle et souvent plus tendue.

6. For All Mankind Le point de départ tient en une question toute simple: et si la course à l’espace ne s’était jamais arrêtée? À partir de là, For All Mankind déploie une uchronie ambitieuse, avec une ampleur rare et une vraie vision sur le long terme.

7. Foundation Apple TV+ a sorti l’artillerie lourde pour adapter Isaac Asimov, et cela saute aux yeux. Dense, spectaculaire, parfois exigeante, Foundation reste un passage obligé pour les amateurs de grande science-fiction.

8. Pachinko Pachinko est moins médiatisée, mais c’est aussi l’une des plus belles productions de la plateforme. Cette fresque familiale multigénérationnelle impressionne par sa mise en scène, par l’émotion qu’elle dégage et par sa portée historique.

9. Shrinking Avec Jason Segel et Harrison Ford à l’écran, et Brett Goldstein comme Bill Lawrence dans les coulisses, Shrinking séduit très vite. Son ton est humain, drôle, touchant. Et ce n’est pas si courant, tant les comédies dramatiques capables de trouver cet équilibre restent rares.

10. Black Bird Black Bird, enfin, est une mini-série sombre et intense inspirée d’une histoire vraie. Elle brille autant par son casting que par la tension psychologique qui s’installe dès les premiers épisodes.

Pourquoi Apple TV+ se distingue dans la guerre du streaming

Ce qui fait vraiment la différence chez Apple TV+, c’est son identité éditoriale.

Là où d’autres plateformes empilent les sorties et misent d’abord sur la quantité, Apple préfère choisir davantage ses projets. On y retrouve souvent de grands noms, oui, mais surtout une production très soignée.

Et, paradoxalement, ce catalogue plus resserré rend l’ensemble plus lisible.

Tout ne se vaut évidemment pas. Mais les séries citées plus haut suffisent à comprendre pourquoi Apple TV+ est devenu une référence pour les spectateurs qui cherchent des programmes haut de gamme. Pour un fan de séries, ce sont clairement les titres à cocher en premier, avec, pour certains, de vraies chances de devenir de futures œuvres cultes.

Le film Bad Times at the El Royale, signé Drew Goddard, connaît aujourd’hui une vraie réhabilitation auprès du public. À sa sortie en 2018, il était passé presque inaperçu. Depuis, il revient souvent dans les conversations comme l’un de ces thrillers néo-noirs que les salles ont laissé filer un peu trop vite.

S’il revient aussi souvent dans les recommandations, c’est pour ce mélange assez rare de mystère, de dialogues acérés et d’explosions de violence qui arrivent sans prévenir. Avec le recul, c’est justement ce ton très affirmé qui en fait une sacrée trouvaille pour ceux qui aiment les thrillers stylisés.

L’intrigue se situe en 1969, dans un hôtel perdu, planté à la frontière entre la Californie et le Nevada. Plusieurs inconnus s’y retrouvent, chacun traînant ses secrets, ses mensonges, et parfois des intentions franchement mauvaises. Au fil de la nuit, les masques tombent, et tout glisse vers une suite de révélations puis vers la violence.

Drew Goddard l’a écrit et réalisé comme un projet très personnel, en misant d’abord sur ses personnages et sur un décor presque unique. Ce cadre fermé resserre la tension et donne à l’ensemble une vraie dimension théâtrale, très efficace à l’écran.

Si Bad Times at the El Royale refait régulièrement surface dans les discussions ciné, c’est aussi parce qu’il renvoie assez clairement à certaines qualités qu’on associe à Quentin Tarantino. On y retrouve une narration éclatée, des dialogues qui font grimper la tension, et toute une galerie de personnages ambigus qui rappelle Pulp Fiction. Le huis clos sanglant, de son côté, évoque plutôt Les Huit Salopards.

Pour autant, le film ne se réduit pas à un exercice d’imitation. Il a sa propre couleur, plus mélancolique, avec un vrai travail autour de la rédemption, de la culpabilité, et de cette zone trouble où le bien et le mal cessent d’être si faciles à distinguer.

Autre force du film, son casting. Jeff Bridges, Cynthia Erivo, Dakota Johnson, Jon Hamm et Chris Hemsworth se partagent l’écran dans un ensemble où chacun imprime quelque chose de très différent.

Avec les années, ce sont surtout les prestations de Cynthia Erivo et de Jeff Bridges qui reviennent dans les éloges. Cynthia Erivo, magnétique, apporte au film une intensité émotionnelle qui compense ses accès de brutalité. Jeff Bridges, lui, joue en finesse avec l’ambiguïté de son personnage.

Ce qui reste assez étonnant, c’est que malgré ses qualités et ses ambitions, Bad Times at the El Royale n’a pas trouvé son public au moment de sa sortie. D’après Box Office Mojo, le film a rapporté environ 31,8 millions de dollars dans le monde pour un budget estimé à 32 millions, dont seulement près de 14 millions à l’international.

Plusieurs raisons peuvent expliquer cet échec: un marketing compliqué pour un film original qui ne reposait sur aucune franchise, une durée qui flirte avec les 2 h 30, et une structure non linéaire moins facile d’accès pour le grand public. En clair, c’était un projet ambitieux, mais pas simple à vendre.

Depuis, son parcours a pris une autre tournure. Entre le streaming et le marché vidéo, Bad Times at the El Royale a fini par se bâtir un public fidèle. Beaucoup saluent aujourd’hui son originalité, l’élégance de sa mise en scène, la précision de son intrigue et sa façon de proposer un grand spectacle pour adultes, chose de plus en plus rare dans le cinéma hollywoodien actuel.

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Jupiter, premier film d’Alexandre Smia, sera dévoilé en avant-première mondiale, hors compétition, à la Mostra de Venise, comme l’indique la sélection officielle du festival. Le point de départ a de quoi tendre immédiatement l’atmosphère: un président français tout juste élu se retrouve face à une crise qui peut, très vite, tourner à la guerre nucléaire avec la Russie.

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Sur le papier, on pourrait croire à un thriller catastrophe assez classique. Smia, lui, vise autre chose: une plongée plus nerveuse, plus réaliste, plus mentale aussi, autour de la solitude du pouvoir et de ces décisions prises dans l’urgence qui peuvent faire basculer le cours des choses. Le timing, au passage, sert plutôt bien le film. Jupiter a commencé à s’écrire alors que Joe Biden était encore à la Maison-Blanche. Un an et demi plus tard, il arrive dans un climat international encore plus instable.

Le titre n’a d’ailleurs rien de symbolique ou de vague. Jupiter renvoie très concrètement au Poste de commandement Jupiter, le bunker nucléaire souterrain installé sous le palais de l’Élysée, à Paris. C’est là que se joue l’essentiel de l’intrigue.

Ce qui frappe, c’est que ce thriller politique semble compter moins sur de grandes scènes de destruction que sur la froideur des chaînes de commandement et sur l’enfermement psychique qu’elles produisent. L’enjeu ne se limite donc pas au militaire. Il touche aussi aux institutions, à la technologie, et à quelque chose de très humain.

Et aujourd’hui, cette résonance paraît plus forte encore. Entre la guerre en Ukraine, le retour plus régulier de la rhétorique nucléaire dans le débat public, et la crainte d’un événement imprévu capable de déclencher une escalade brutale, l’idée d’un « cygne noir » diplomatique ou militaire ressemble beaucoup moins à un simple ressort de fiction pour le public de 2026.

S’ajoute à cela un contexte stratégique particulièrement tendu: avec l’expiration du traité New START en février 2026, les États-Unis et la Russie se sont retrouvés sans leur dernier grand cadre bilatéral de limitation des arsenaux nucléaires. Dans le même temps, les estimations publiées en début d’année par la Federation of American Scientists recensaient plus de 12 500 ogives nucléaires réparties entre neuf puissances dotées.

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D’après l’équipe du film, Jupiter s’est appuyé sur un gros travail de recherche, mené autour des protocoles de décision nucléaire, de la chaîne de commandement et de la pression propre aux cellules de crise. Pour un film qui cherche à convaincre autrement que par le seul spectaculaire, ce point-là compte énormément.

Cette recherche d’authenticité pourrait bien faire de Jupiter l’un des films européens dont on parlera le plus à la rentrée des festivals. Reste une question: le public y verra-t-il d’abord un grand thriller politique, ou le reflet glaçant d’un monde devenu plus fragile encore qu’au moment où le film a été écrit ?

Netflix mettra en ligne East of Eden le 1er octobre 2026. D’après la plateforme, ce sera une mini-série en sept épisodes tirée du roman de John Steinbeck, avec Florence Pugh dans le rôle de Cathy Ames.

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Le projet a déjà tout pour devenir l’un des titres les plus commentés de Netflix en 2026. Il arrivera en plus avant deux autres films très attendus avec Florence Pugh, Dune: Part Three et Avengers: Doomsday.

Mais ce qui alimente vraiment les discussions, ce n’est pas seulement le casting ni le prestige du roman adapté.

C’est la manière dont Netflix compte s’y prendre.

Les versions plus anciennes se concentraient sur quelques personnages et resserraient fortement le récit. Ici, d’après Netflix, l’idée est tout autre: raconter le roman dans toute son ampleur multigénérationnelle, fidèle à ce grand texte américain du XXe siècle, tout en donnant beaucoup plus de place à Cathy Ames.

Au scénario et à la production exécutive, Netflix cite Zoe Kazan. Et ce choix n’a rien d’anecdotique.

Zoe Kazan a expliqué qu’elle voulait adapter East of Eden sans en réduire l’échelle, avec une attention particulière pour Cathy Ames. Elle a aussi un lien très direct avec l’histoire de cette œuvre à l’écran: elle est la petite-fille d’Elia Kazan, qui avait réalisé le film de 1955.

Florence Pugh se retrouvera donc au cœur du personnage le plus troublant du roman. Steinbeck lui-même décrivait Cathy Ames comme un « monstre psychique », une formule qui a traversé le temps.

C’est d’ailleurs précisément là que la série Netflix semble vouloir déplacer le regard, en faisant passer davantage l’histoire par le point de vue de Cathy Ames. Pour une partie du public, c’est la promesse d’une lecture plus actuelle, plus dense aussi, du personnage, surtout avec une actrice comme Florence Pugh, qui a déjà montré à plusieurs reprises qu’elle savait porter des rôles émotionnellement ambigus.

Cette option, pourtant, ne rassure pas tout le monde.

Chez beaucoup de lecteurs, la crainte revient souvent: si Cathy Ames devient un personnage trop expliqué, trop rendu compréhensible, une tension centrale du roman risque de s’affaiblir, celle qui touche au bien, au mal et à la nature morale des individus. Dit autrement, si elle finit surtout présentée comme une anti-héroïne modelée par ses traumatismes, certains ont peur que East of Eden perde une part de sa force symbolique. D’autres, au contraire, y voient une vraie façon de relire Steinbeck, sans se limiter à un hommage patrimonial un peu sage.

Le reste du casting ne fait qu’ajouter à l’intérêt autour du projet: toujours selon Netflix, Christopher Abbott jouera Adam Trask, Mike Faist sera Charles Trask, et Ciarán Hinds interprétera Samuel Hamilton.

Alors que la sortie est encore à plus d’un an, East of Eden provoque déjà des réactions assez partagées, entre l’enthousiasme, la curiosité liée à Florence Pugh et la méfiance d’une partie des puristes. Une chose paraît déjà claire: la série a de fortes chances de devenir l’une des adaptations littéraires dont on parlera le plus en 2026.

À l’heure où nous écrivons ces lignes, la franchise de requins géants The Meg a déjà engrangé plus de 927 millions de dollars au box-office mondial avec seulement deux films, chiffres de Box Office Mojo à l’appui. plus de 927 millions. La série regarde maintenant vers le milliard, alors qu’elle n’a jamais vraiment eu les faveurs de la critique.

Et pourtant, ce drôle de spectacle hybride, souvent vendu comme un « Jurassic Park croisé avec Les Dents de la mer », continue d’embarquer le grand public.

Le premier film, sorti en 2018, reste encore aujourd’hui le plus gros carton de la saga avec 530,2 millions de dollars de recettes mondiales, toujours selon Box Office Mojo. Dans ce total, 145,4 millions venaient des États-Unis et du Canada, contre 384,8 millions à l’international. Rien que le marché chinois avait rapporté 153 millions, toujours d’après Box Office Mojo. On voyait donc très tôt d’où venait une grande partie de la force commerciale de la franchise : du public situé hors d’Amérique du Nord.

Meg 2: The Trench, sorti en 2023, a lui aussi réalisé un score solide, avec 397,7 millions de dollars récoltés dans le monde, selon Box Office Mojo.

Dans le détail, Meg 2: The Trench a pris 82,6 millions en Amérique du Nord et 315,2 millions à l’international. Son lancement mondial avait tourné autour de 142 millions sur son tout premier week-end, toujours selon Box Office Mojo. autour de 142 millions. Cinq ans après le premier film, le concept n’avait donc clairement pas perdu tout son pouvoir d’attraction.

The Meg montre très bien à quel point les marchés internationaux, et la Chine en particulier, pèsent désormais dans le destin des blockbusters modernes. Les deux films ont d’ailleurs été conçus comme des coproductions américano-chinoises. Le premier s’appuyait notamment sur Li Bingbing, tandis que Meg 2: The Trench misait sur Wu Jing, star immense en Chine.

Ce statut a aussi donné à Meg 2: The Trench des avantages très concrets sur place, aussi bien pour la distribution que pour le marketing, avec un traitement proche de celui réservé à une production locale. En clair, même si Jason Statham reste la figure mondiale de la franchise, sa réussite repose en grande partie sur une stratégie pensée bien au-delà du seul box-office américain.

Pour l’instant, The Meg 3 n’a toujours pas été officialisé. En mars 2026, le réalisateur Ben Wheatley disait encore ne pas vraiment savoir où en était le projet.

La situation est assez rare pour une série qui a déjà rapporté autant. Surtout quand on regarde l’accueil critique, qui reste modeste : 47 % sur Rotten Tomatoes pour le premier film, 28 % pour le second, selon Rotten Tomatoes. Les deux longs-métrages sont souvent présentés comme des popcorn movies efficaces, mais très calibrés. Mieux vaut donc rester prudent. Si ça bouge, on vous tiendra au courant.

Reste une évidence, et elle se lit dans les chiffres du box-office : on a affaire à une marque qui sait encore faire venir les foules avec une promesse simple, spectaculaire, facile à vendre partout. Sauf revirement, on imagine mal un studio laisser trop longtemps de côté une franchise aussi proche du milliard.

Paramount Games annonce une sortie de Star Trek: Shadow Frontier en 2027 sur PlayStation 5, Xbox Series X/S et PC, via Steam. L’éditeur précise aussi un point important dès le départ: il ne s’agit ni d’une nouvelle série ni d’un film, mais bien d’un jeu vidéo, pensé comme une expérience de survie horrifique teintée de thriller psychologique.

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Le virage de ton est net. Star Trek reste d’ordinaire lié à une science-fiction tournée vers l’optimisme, l’exploration et la diplomatie. Ici, le cadre Starfleet sert au contraire de toile de fond à une aventure d’action à la troisième personne, avec exploration, énigmes et affrontements, le tout dans une ambiance bien plus noire.

Au développement, on retrouve Bloober Team. Pour qui suit un peu le jeu d’horreur, le nom parle de lui-même, surtout après son travail sur le remake de Silent Hill 2. Ça donne déjà une idée assez claire de ce que cherche le projet: tension psychologique, solitude, menace diffuse et constante, à des années-lumière des passerelles impeccables et lumineuses de l’Enterprise.

L’intrigue mettra Ro Laren au centre du récit, un personnage que les fans connaissent bien, avec Michelle Forbes de retour dans le rôle.

D’après les premiers éléments communiqués, l’histoire débute après le crash de Ro Laren sur une planète désolée, transformée en cimetière de vaisseaux spatiaux. Entre les carcasses, la survie et les mystères à démêler, Star Trek: Shadow Frontier semble assumer pleinement l’idée d’un quasi huis clos spatial. Le jeu garderait malgré tout quelques repères très classiques de la saga, comme les tricorders et les phaseurs, mais employés cette fois dans un cadre beaucoup plus anxiogène.

L’annonce arrive aussi à un moment assez particulier pour la franchise. Au moment où nous écrivons, et si l’on s’en tient aux informations publiques disponibles, Star Trek: Strange New Worlds et Star Trek: Starfleet Academy devraient toutes deux se terminer en 2027. Pour le reste, côté télévision comme côté cinéma, la suite paraît encore floue, ou du moins n’a pas été détaillée publiquement.

Forcément, Star Trek: Shadow Frontier donne l’impression de jouer sur deux tableaux à la fois: une vraie expérimentation créative, mais aussi une manière d’étendre Star Trek au-delà de ses formats habituels. Pour Paramount, le jeu pourrait servir de test grandeur nature et montrer si la marque peut attirer un autre public, plus proche de celui du survival horror.

Mieux vaut quand même rester prudent. Nous vous tiendrons informés.

Les premières réactions, sans surprise, sont partagées. Une partie du public voit dans ce projet une extension audacieuse de l’univers Star Trek, capable d’aller fouiller ses zones les plus inquiétantes sans recycler une fois de plus les mêmes recettes.

D’autres craignent au contraire que la franchise s’éloigne trop de ce qui la définit depuis le départ: l’espoir, la découverte, la coopération. Reste que, sur le papier, Star Trek: Shadow Frontier a déjà tout du projet le plus singulier, ou en tout cas l’un des plus singuliers, jamais lancés sous cette bannière.

Si le pari tient, 2027 pourrait marquer le début de quelque chose de nouveau pour Star Trek.

Depuis des mois, Final Fantasy 7 Rebirth, le deuxième épisode du remake en trois parties signé Square Enix, partage les fans. En cause, sa manière de réécrire en profondeur l’histoire de Final Fantasy 7, le RPG culte de 1997. Square Enix n’est pas parti sur une adaptation sage, scène après scène, du jeu d’origine. Le studio a choisi quelque chose de bien plus radical, avec des réalités parallèles, des destins remaniés et des zones floues laissées ouvertes exprès.

Depuis, les réactions partent dans tous les sens. Pour une partie des joueurs, c’est une relecture audacieuse qui remet de la tension dans une histoire dont on connaissait déjà les grands moments. Pour d’autres, ça touche au cœur émotionnel de Final Fantasy 7, au point de le trahir, surtout parce que certains événements qui semblaient autrefois définitifs ne le sont plus vraiment.

La vraie cassure est là: Final Fantasy 7 Rebirth ne colle plus à la lettre au scénario original. Ce remake en trois volets s’autorise maintenant des bifurcations majeures qui touchent à l’ossature du récit, pas juste à quelques détails de passage.

Le cas qui revient le plus souvent, c’est Zack Fair. Dans le Final Fantasy 7 d’origine, sa mort pèse lourd dans la construction de l’identité de Cloud Strife et dans la façon dont le joueur comprend son passé. Final Fantasy 7 Rebirth bouscule complètement ce socle en montrant des mondes où Zack Fair survit, et où il devient même un personnage jouable.

Tout ça repose sur une structure faite de plusieurs lignes temporelles, ou de plusieurs “mondes”. À partir de là, les événements peuvent bifurquer, les personnages peuvent échapper au destin qu’on leur connaissait, et le scénario peut jouer frontalement avec les attentes des fans de longue date.

Pour beaucoup de joueurs attachés au jeu original, le problème ne se limite d’ailleurs pas à la place grandissante de Zack Fair. Ce qui gêne, c’est ce que cette place change dans le sens même de l’histoire: si des morts autrefois centrales peuvent être contournées, une partie du poids tragique de Final Fantasy 7 s’allège.

La même inquiétude entoure Aerith, dont le sort baigne désormais dans une ambiguïté très calculée. Final Fantasy 7 Rebirth entretient volontairement le doute. Ça alimente d’innombrables théories, bien sûr, mais aussi la frustration de joueurs qui pensent que l’émotion du récit original tenait justement à son caractère irrévocable.

Pour Square Enix, c’est presque une excellente nouvelle, si le but était de rallumer le débat. Le réalisateur Naoki Hamaguchi a expliqué, d’après Square Enix, que la fin de Final Fantasy 7 Rebirth avait été pensée pour nourrir les spéculations jusqu’au troisième jeu. La confusion et les discussions en ligne ne relèvent donc pas d’un accident. Elles font partie, de façon assumée, de la stratégie narrative du projet.

Cette direction a aussi ses partisans. Certains joueurs, mais aussi des critiques, saluent une relecture moins prévisible. À leurs yeux, un simple copier-coller du scénario de 1997 aurait eu bien moins de force face à un public qui connaît déjà les grands rebondissements.

La conséquence la plus lourde, c’est que le troisième volet semble maintenant avoir les mains libres pour s’éloigner encore davantage de la conclusion originale. Avec plusieurs timelines en circulation, presque aucun destin majeur ne paraît totalement verrouillé.

Et puis il y a un autre débat, plus commercial celui-là. Curieusement, il accompagne ce pari narratif. Final Fantasy 7 Rebirth a bien démarré, même si plusieurs rapports ont évoqué une baisse nette dès sa deuxième semaine au Japon, ainsi que des ventes physiques de départ inférieures à celles de Final Fantasy 7 Remake sur ce marché. Les chiffres resteront discutés. Une chose, en revanche, ne fait pas débat: peu de RPG récents ont autant fait parler de leur scénario. Et au fond, c’est sans doute exactement ce que cherchait Square Enix.

Brandon Sanderson a publié Wind and Truth, le cinquième tome de The Stormlight Archive, le 6 décembre 2024, comme il l’a lui-même annoncé. Les informations qui évoquent encore une suite officielle en 2027 ne tiennent donc plus : ce nouveau roman est déjà sorti, et il représente un vrai point de bascule pour la série la plus ambitieuse de Sanderson.

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Avec cette sortie, l’auteur referme le premier arc de cinq livres de sa grande fresque prévue en dix volumes, un plan qu’il expose depuis longtemps pour The Stormlight Archive. Les lecteurs ont donc déjà entre les mains le gros chapitre censé faire avancer la saga. L’attente, désormais, se déplace vers le sixième tome.

Wind and Truth reprend juste après Rhythm of War et se construit autour de dix jours qui mène à un « concours des champions », d’après la présentation du roman par Brandon Sanderson. Ce choix donne au livre une tension assez inhabituelle vu sa taille. Car oui, il est gigantesque : avec environ 491 000 mots, c’est à ce jour le plus long volume de la série, toujours selon Sanderson.

Ce cinquième opus sert surtout de conclusion à la première moitié du projet Stormlight Archive. Sanderson a toujours décrit la saga comme un ensemble de dix romans répartis en deux arcs de cinq, avec une vraie coupure entre les deux, comme il l’a rappelé à plusieurs reprises.

Du coup, Wind and Truth ressemble bien davantage à une fin de cycle qu’à un simple épisode de plus.

C’est le point que les fans regardent de près : Brandon Sanderson met maintenant The Stormlight Archive en pause pour avancer sur d’autres projets du Cosmere, en particulier la prochaine trilogie Mistborn, d’après ses propres déclarations. Le second arc de The Stormlight Archive, lui, n’est pas attendu avant 2031 environ.

Pour une franchise suivie d’aussi près, c’est loin. Mais ça colle assez bien à la façon dont Sanderson travaille : il passe régulièrement d’un univers à l’autre pour ne pas s’épuiser créativement, tout en gardant un rythme de publication qui reste, malgré tout, très élevé.

Le roman a aussi démarré très fort, en prenant la première place de la liste des meilleures ventes du New York Times, selon le New York Times. Fin 2025, Brandon Sanderson avait dépassé les 50 millions de livres vendus dans le monde, et The Stormlight Archive avait, de son côté, franchi les 10 millions d’exemplaires, d’après les chiffres communiqués par l’auteur.

L’accueil a été largement positif, si l’on en croit les retours des lecteurs et des critiques. Ce qui revient le plus souvent, c’est l’ampleur de l’univers, la densité du world-building et la charge émotionnelle portée par plusieurs arcs de personnages. Les réserves, elles, tournent souvent autour des mêmes choses : un rythme parfois irrégulier, une longueur qui peut décourager, beaucoup d’introspection et, par moments, une prose jugée trop moderne dans sa tonalité.

L’avenir de Roshar ne se joue d’ailleurs pas seulement en librairie. Début 2026, Apple TV+ a annoncé un accord majeur autour du Cosmere, avec au programme une série Stormlight Archive et un film Mistborn, selon Apple TV+.

Brandon Sanderson doit y participer comme producteur exécutif et scénariste, avec un niveau de contrôle créatif assez rare pour ce genre d’adaptation, toujours d’après Apple TV+. Et pendant ce temps, l’univers continue aussi de s’étendre du côté des produits dérivés : le module d’aventure de jeu de rôle Tidebreakers, basé sur The Stormlight Archive, est annoncé pour octobre 2027, d’après Brandon Sanderson.

Bref, non, la suite « officielle » n’attend pas 2027 : elle est déjà sortie. La vraie question, maintenant, c’est de savoir comment Brandon Sanderson et ses partenaires vont faire vivre Roshar pendant cette longue attente avant le sixième tome.

À l’approche d’Avengers: Doomsday, Spider-Man: Brand New Day ne jouera pas le rôle de tremplin pour le retour de Tony Stark dans le Marvel Cinematic Universe. Beaucoup pensaient pourtant qu’il s’agissait de la dernière vraie occasion de faire réapparaître Robert Downey Jr. avant Avengers: Doomsday. Le film prend une autre voie, plus franche, et il coupe encore davantage le lien entre Peter Parker et son ancien mentor.

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Ce virage prolonge directement Spider-Man: No Way Home, quand le monde entier oublie jusqu’à l’existence de Peter Parker.

Seul, sans ses repères et privé de l’accès aux ressources de Stark Industries, le héros doit repartir de zéro. Sur le plan émotionnel aussi. Pas seulement sur le plan technologique.

Spider-Man: Brand New Day confirme la fin de l’ère Tony Stark

D’après les déclarations du réalisateur Destin Daniel Cretton, l’intention était claire: sortir de la relation de mentorat entre Tony Stark et Peter Parker, qui portait une large part de la précédente trilogie.

Cette fois, l’histoire veut ramener Peter vers des difficultés plus personnelles, vers sa propre maturité, et vers cette capacité à avancer sans filet.

À l’écran, ça se traduit par un Spider-Man nettement plus indépendant.

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Fini les laboratoires, les armures et les gadgets financés par Tony Stark. Peter Parker s’appuie sur son intelligence et fabrique lui-même ses outils. L’approche rapproche le personnage de ses racines dans les comics, où son ingéniosité compte autant que ses pouvoirs.

Des clins d’œil à Iron Man, mais pas de véritable retour

L’absence de Tony Stark ne veut pas dire pour autant que le film efface complètement son héritage.

Selon Marvel Studios, Spider-Man: Brand New Day glisserait plusieurs références discrètes à Iron Man. Il y aurait notamment un plan sur les yeux de Peter Parker dans son costume, avec une imagerie qui rappellerait celle de Tony Stark, ainsi qu’un bref souvenir autour d’un sac et d’un mot laissé par son mentor.

Pour une partie du public, ces allusions restent trop légères.

Sur les réseaux sociaux et dans les premières réactions, certains jugent qu’un caméo de Robert Downey Jr., ou même un flashback plus appuyé, aurait pu apporter une vraie charge émotionnelle et raccorder plus naturellement le passé de Peter Parker au futur du MCU.

Pourquoi le débat prend de l’ampleur avant Avengers: Doomsday

Le plus curieux, c’est que Robert Downey Jr. est bien de retour chez Marvel, mais pas sous les traits de Tony Stark.

Dans Avengers: Doomsday, attendu le 18 décembre 2026 selon Marvel Studios, l’acteur incarnera Victor Von Doom. Marvel Studios, comme Anthony et Joe Russo, a déjà précisé qu’il ne s’agit ni de Tony Stark, ni d’une variante du personnage.

C’est exactement ce qui alimente des réactions aussi partagées.

Les défenseurs de Spider-Man: Brand New Day saluent une décision cohérente: laisser enfin Peter Parker grandir sans l’ombre d’Iron Man au-dessus de lui.

Les autres y voient plutôt une occasion manquée, celle de refermer plus proprement la relation entre les deux héros avant le retour de Robert Downey Jr. dans un rôle radicalement différent.

Une chose ressort malgré tout de Spider-Man: Brand New Day: chez Marvel, l’avenir de Spider-Man doit désormais passer par Peter Parker lui-même, pas par un dernier détour nostalgique du côté de Tony Stark.