Author: Daniel Jude "DJ" Anilao

Pour les fans de The Expanse, Exodus, le RPG de science-fiction signé Archetype Entertainment, fait déjà partie des jeux qu’on surveille de très près. Il s’est installé, assez vite, parmi les titres les plus attendus du genre.

Ce qui a été montré jusqu’ici dessine un jeu à la narration très cinématographique, avec des choix fortement liés aux personnages et un univers de grande ampleur. À en croire les éléments présentés par Archetype Entertainment, Exodus cherche une science-fiction spectaculaire, mais tenue par des enjeux humains. Sans reprendre, au passage, ni l’esthétique ni l’univers de la série d’Amazon.

C’est là que le jeu peut vraiment trouver sa place, parce que les équivalents grand public à The Expanse ne courent pas les rues. Le projet semble jouer dans une zone assez proche, avec de l’ampleur, du sérieux, une vraie densité politique, et des décisions de joueur qui ont un poids émotionnel réel. Peu de jeux mainstream essaient aujourd’hui de faire tenir ensemble l’échelle d’un blockbuster et la complexité d’un récit spéculatif.

Parmi les points les plus intéressants, il y a sa façon d’aborder la dilatation temporelle. Comme Project Hail Mary, le roman d’Andy Weir, Exodus paraît s’appuyer, d’après Archetype Entertainment, sur des idées scientifiques assez concrètes pour alimenter directement sa dramaturgie : des relations transformées par le temps, des conséquences narratives, et la manière dont les personnages vivent eux-mêmes ce décalage temporel.

On n’est pas face à de la hard sci-fi pure et dure. L’approche paraît plus ouverte, plus accessible, avec une science qui sert autant les émotions que le spectacle. Pour un public sensible à la tension intellectuelle de Project Hail Mary autant qu’à la gravité politique de The Expanse, le mélange a de quoi attirer.

Reste qu’il faut garder un peu de réserve. Exodus ne semble pas entretenir avec le réalisme le même rapport exigeant que The Expanse.

Et puis il y a un autre détail, assez révélateur. L’univers du jeu s’autorise aussi, d’après les présentations d’Archetype Entertainment, des éléments bien plus excentriques, avec une touche franchement pulp, comme cette idée d’un compagnon poulpe capable de piloter un mécha. Le projet paraît donc moins obsédé par une cohérence scientifique absolue que par un certain dosage entre crédibilité, démesure et plaisir de jeu, sans basculer pour autant dans le simulateur austère de colonisation spatiale.

Le timing, lui, joue plutôt en sa faveur. La demande pour la science-fiction reste élevée, et le genre représenterait désormais autour de 10 à 15 % du chiffre d’affaires de la fiction.

À ce jour, aucun projet n’a été officiellement présenté comme un croisement direct entre The Expanse et Project Hail Mary. Mais 2026, elle, s’annonce chargée. Le film Project Hail Mary sortira le 20 mars 2026, avec Ryan Gosling dans le rôle de Ryland Grace, sous la direction de Phil Lord et Christopher Miller. Sa première bande-annonce aurait déjà cumulé 400 millions de vues en une semaine.

Quelques mois plus tard, Dune: Part Three arrivera le 18 décembre 2026. Le film adaptera Dune Messiah, se déroulera près de vingt ans après Dune: Part Two et suivra un Paul Atreides confronté aux conséquences de son règne, dans un registre annoncé comme plus sombre, pour une durée évoquée d’environ 2 h 20. De quoi réjouir les amateurs de sci-fi.

D’ici là, Exodus a une vraie carte à jouer : devenir ce grand rendez-vous vidéoludique de science-fiction pour celles et ceux qui cherchent un héritier, même imparfait, à l’esprit de The Expanse.

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Au moment où ces lignes sont écrites, la saison 2 de la série Netflix The Gentlemen vient de signer le meilleur score critique de toute la franchise sur Rotten Tomatoes. Dans le même temps, elle s’est hissée à la première place du classement mondial des programmes les plus regardés sur Netflix, d’après le Top 10 global de la plateforme.

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C’est évidemment une excellente nouvelle pour Netflix, mais aussi pour Guy Ritchie. La série The Gentlemen était déjà partie fort, avec une entrée à la 3e place du Top 10, avant de grimper rapidement jusqu’à la tête du classement.

Pour l’instant, la saison 2 oscille entre 81 % et 82 % d’avis positifs sur Rotten Tomatoes. Elle fait donc mieux que la saison 1 de The Gentlemen, arrêtée à 75 % sur le site, et dépasse aussi le film original The Gentlemen, sorti en 2019, lui aussi crédité de 75 % sur l’agrégateur.

Fait assez amusant, les toutes premières critiques étaient encore plus enthousiastes. La saison avait démarré à 100 % sur Rotten Tomatoes, puis le score a légèrement reculé au fil de la publication de nouveaux avis. C’est le genre de correction qu’on voit souvent sur Rotten Tomatoes. Le résultat reste malgré tout assez haut pour offrir à la série son meilleur accueil critique à ce jour. Nous vous tiendrons au courant.

Ce que les critiques soulignent le plus, c’est une orientation plus sombre et plus dramatique que dans la première saison. Pour plusieurs observateurs, ce virage donne plus d’ampleur et une vraie personnalité supplémentaire à la série, au point de lui permettre de dépasser non seulement la saison 1, mais aussi le long-métrage d’origine. D’autres sont plus partagés et estiment que l’intrigue est parfois trop chargée, ou que le rythme a perdu un peu de sa nervosité.

Du côté du public, The Gentlemen continue aussi sur une très bonne lancée. Son passage de la 3e à la 1re place du classement mondial des programmes les plus vus, selon le Top 10 de Netflix, montre que la série garde une vraie traction auprès des spectateurs, même après l’élan initial de son lancement.

Ce résultat n’a rien de banal. La saison 1 de The Gentlemen avait déjà cumulé 12,2 millions de vues lors de sa première semaine, toujours selon Netflix, et la plateforme a depuis renouvelé la série pour une saison 3. Difficile de faire plus clair sur la confiance accordée au potentiel durable de la franchise.

Cette fois, l’intrigue ne reste plus enfermée dans le domaine anglais qui servait de terrain de jeu à la première saison. La saison 2 ouvre largement son univers criminel et l’étend jusqu’à l’Italie, avec de nouveaux personnages, des alliances plus fragiles et des enjeux revus à la hausse.

Cette montée en régime semble d’ailleurs jouer dans le bon accueil de la série. Là où la première salve plaisait surtout pour son énergie et son style, la deuxième mise davantage sur la densité et sur l’élargissement du monde criminel imaginé par Guy Ritchie. Même si le score du public sur Rotten Tomatoes reste un peu sous celui de la saison 1, avec 78 % contre 84 %, l’ensemble tient bien la route. Pour Guy Ritchie, le streaming confirme surtout qu’il s’agit d’un terrain qui lui réussit particulièrement bien, y compris à un moment où ses sorties cinéma les plus récentes ont obtenu des résultats plus contrastés.

Selon Rick Riordan, Disney+ travaille en ce moment sur The Kane Chronicles avec 20th Television. Le projet adapterait la trilogie formée par The Red Pyramid, The Throne of Fire et The Serpent’s Shadow, et s’inscrirait dans le sillage de Percy Jackson and the Olympians sur la plateforme, avec cette fois une série de fantasy tournée vers la mythologie égyptienne.

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On comprend assez bien pourquoi Disney+ s’y intéresse après le bon démarrage de Percy Jackson. La firme semble avoir envie d’aller plus loin avec l’univers de Riordan et de relancer la machine avec une autre série où se croisent ados, dieux antiques et pouvoirs surnaturels, mais du côté égyptien cette fois.

L’histoire suivra Carter et Sadie Kane, un frère et une sœur qui découvrent qu’ils descendent des pharaons de l’Égypte antique. À partir de là, ils basculent dans un monde caché rempli de divinités, de magie et de monstres, et doivent apprendre à contrôler leurs pouvoirs pour sauver leur père tout en empêchant une guerre entre les dieux.

La mécanique parlera tout de suite aux abonnés Disney+. De jeunes héros découvrent un univers mythologique secret, comme dans Percy Jackson. Sauf que The Kane Chronicles tire un peu plus vers quelque chose de sombre, de mystique aussi, avec des mortels capables de servir d’hôtes à des divinités. Forcément, les fans de Marvel penseront à Moon Knight.

Autre élément qui compte, et Rick Riordan l’a lui-même précisé, l’auteur est directement impliqué dans l’adaptation. Il sera producteur exécutif avec Rebecca Riordan, tandis qu’Angela Robinson co-crée la série à ses côtés et occupera elle aussi un poste de productrice exécutive.

Pour les fans qui ont encore en tête les adaptations cinéma de Percy Jackson, cette présence a quelque chose de rassurant. Beaucoup y voient le signe que la série a plus de chances de rester fidèle à l’esprit des romans.

L’intérêt du projet dépasse d’ailleurs la simple idée d’une nouvelle série. Dans les livres, The Kane Chronicles partage le même univers que Percy Jackson, et plusieurs crossovers ont déjà fait se rencontrer ces personnages. Ça laisse donc entrevoir la possibilité d’un vrai univers partagé sur Disney+.

Et le contexte joue en sa faveur. Percy Jackson and the Olympians s’est installée parmi les plus gros succès originaux de la plateforme hors franchises Marvel et Star Wars, pendant que les romans de Rick Riordan, eux, ont dépassé les 190 millions d’exemplaires vendus dans le monde.

Le chemin jusqu’à Disney+ a pourtant été assez long. Toujours selon Rick Riordan, avant cette nouvelle étape, The Kane Chronicles était en développement chez Netflix sous la forme d’une trilogie de films. Le projet a fini par s’enliser, puis les droits sont revenus à Rick Riordan au début de l’année 2024.

Au moment où nous écrivons ces lignes, Disney+ n’a annoncé ni casting ni date de sortie. Rick Riordan a d’ailleurs rappelé publiquement qu’un projet “en développement” ne veut pas dire qu’il décrochera forcément une commande de série. Mieux vaut ne pas aller trop vite.

Même comme ça, The Kane Chronicles reste l’un des projets les plus intéressants pour prolonger la dynamique lancée par Percy Jackson sur Disney+. On suivra la suite de près.

Le 9 septembre, House of the Dragon ne reviendra pas sur HBO ni sur Max. La date renvoie en fait à tout autre chose : un nouvel événement de type « quête » dans le jeu mobile Game of Thrones: Legends, comme l’a annoncé Game of Thrones: Legends. De quoi semer le doute au premier regard. En voyant cette date, certains ont pu imaginer un épisode bonus, un gros teaser, voire un retour anticipé de la série. Mais ce « retour » concerne seulement une version interactive de l’univers de Westeros.

La confusion n’est pas arrivée par hasard. L’habillage éditorial de l’annonce, ainsi que certaines tournures employées, ont entretenu l’ambiguïté. Pourtant, dès qu’on remet l’information dans son cadre, les choses deviennent assez claires : on parle bien d’un contenu jouable, pas d’une diffusion télévisée.

Et ce n’est pas la première fois. Le 10 août 2026, Game of Thrones: Conquest avait déjà proposé une mini-intrigue thématique liée à House of the Dragon. L’événement attendu le 9 septembre s’inscrit donc dans une logique plus large : faire vivre la franchise entre deux saisons grâce à des contenus dérivés jouables.

Télécharger Game of Thrones: Legends sur Android et iPhone.

Sur le front de la série, en revanche, la saison 3 n’a rien d’imminent. Elle est même déjà derrière nous. D’après HBO et Max, elle a débuté le 21 juin 2026, a compté huit épisodes, puis s’est terminée le 9 août 2026.

Cette troisième saison a mis en scène plusieurs moments majeurs de Fire & Blood, notamment la bataille du Gosier et la prise de Port-Réal par Rhaenyra. Pour beaucoup de spectateurs, elle a surtout marqué un tournant : la série est entrée dans sa phase la plus explosive, tout en préparant la fin du conflit targaryen.

HBO a d’ailleurs déjà officialisé le renouvellement de House of the Dragon pour une quatrième saison, qui sera aussi la dernière. Mais il va falloir attendre un peu. Toujours selon HBO, la préproduction devrait commencer en octobre 2026, avec un tournage prévu au début de 2027.

Sauf changement dans le calendrier, cette saison finale n’arriverait donc pas avant 2028. Rien de très étonnant au fond. HBO rappelait déjà que la saison 3 était entrée en production en mars 2025, avant de boucler son tournage en octobre 2025. Un planning particulièrement lourd, qui aide à comprendre les longues pauses entre les saisons, régulièrement pointées du doigt par les fans.

Côté audiences, House of the Dragon reste un moteur très solide pour HBO et Max, même si tout n’évolue pas à la hausse. Selon HBO et Max, le lancement de la saison 2 avait rassemblé 7,8 millions de spectateurs sur l’ensemble des plateformes. C’est 22 % de moins que les presque 10 millions du tout premier épisode diffusé en 2022.

Il faut quand même manier ces chiffres avec un peu de prudence. Selon Max, cela restait malgré tout sa plus grosse audience en une seule journée à ce moment-là. En clair, si vous voyez passer la date du 9 septembre, mieux vaut savoir à quoi vous attendre : House of the Dragon revient bien, mais sur smartphone, pas sur votre télé.

Prime Video a officialisé le retour de Maxton Hall – Le monde qui nous sépare pour trois saisons, qui sera aussi la dernière. Diffusion prévue le 9 décembre 2026. La plateforme précise que cette conclusion comptera six épisodes, sera mise en ligne dans plus de 240 pays et territoires, et qu’elle viendra clore l’adaptation de la trilogie à succès de Mona Kasten, sans tirer l’histoire au-delà de ce que racontent les romans.

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Maxton Hall saison 3 : date de sortie et fin confirmée sur Prime Video

Avec cette annonce, Prime Video fixe clairement la trajectoire de Maxton Hall – Le monde qui nous sépare : trois saisons, pour trois livres.

La saison 3 adaptera Save Us, le dernier tome de la trilogie Save Me, dont toute la série est tirée.

Pour les fans, la nouvelle risque de laisser un sentiment mitigé. D’un côté, Prime Video met enfin une date et confirme que l’histoire de Ruby Bell et James Beaufort ira bien jusqu’au bout.

De l’autre, ça acte aussi la fin de l’un des plus gros succès internationaux récents de la plateforme.

Et du côté de l’équipe créative, le choix est assumé.

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Damian Hardung, qui joue James Beaufort, a expliqué qu’aller au-delà d’une troisième saison reviendrait à « détruire l’histoire elle-même ». La formule est forte, mais l’idée est simple : rester fidèle à l’arc imaginé par Mona Kasten.

Ce que racontera la dernière saison

D’après le synopsis dévoilé, la saison 3 repartira juste après le cliffhanger de la saison 2. Ruby Bell se retrouve temporairement exclue de Maxton Hall, et son projet d’intégrer Oxford se retrouve cette fois sérieusement menacé.

Ruby Bell et James Beaufort vont donc essayer de prouver son innocence, avec tout ce que ce combat implique.

Leur relation devrait encaisser de nouveaux chocs, pendant que d’autres secrets viendront encore alourdir la situation. Bref, la dernière partie s’annonce particulièrement tendue pour le couple central.

Un succès majeur pour Prime Video

Si Prime Video soigne autant l’annonce de cette conclusion, ce n’est pas par hasard. Maxton Hall – Le monde qui nous sépare s’est installée comme un vrai phénomène mondial.

La plateforme affirme que la saison 1 a signé le meilleur démarrage mondial sur une première semaine pour une série originale internationale de son catalogue.

Elle dit aussi que la série a atteint la première place dans plus de 120 pays et territoires, un chiffre qui montre bien à quel point ce teen drama romantique a dépassé son public de départ.

Côté accueil, le public a suivi lui aussi, avec notamment un score d’audience de 95 % sur Rotten Tomatoes pour la première saison.

Autre information qui devrait rassurer les abonnés : Prime Video indique que le tournage de cette saison finale est déjà bouclé.

Sauf changement de calendrier, les fans savent donc quand retrouver Ruby Bell et James Beaufort : le 9 décembre 2026, pour ce qui ressemble bien au tout dernier grand rendez-vous de Maxton Hall – Le monde qui nous sépare.

Pour le retravailler, il me faut le texte complet de l’article. Collez-le ici, et je le réécrirai dans le style de Pierre Vitré, sans laisser de côté le moindre élément.

Mickey 17, le film de Bong Joon Ho, vient d’arriver sur HBO Max. Et aujourd’hui, il s’est aussi glissé dans le top 10 de Netflix sur certains marchés internationaux, d’après HBO Max et les classements visibles sur Netflix.

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Pour un long-métrage qui était sorti sous le poids des attentes énormes liées au retour de Bong Joon Ho après Parasite, ce regain d’exposition change quand même pas mal de choses.

Quand il a quitté les salles, Mickey 17 traînait surtout une réputation de déception au box-office, alors même que l’accueil critique avait parfois été franchement emballé. Certains critiques sont allés jusqu’à parler de “stealth masterpiece”, autrement dit un grand film passé presque inaperçu.

Et côté chiffres, le verdict avait été sec. Avec un budget estimé autour de 118 millions de dollars et environ 133,3 millions de dollars de recettes mondiales, selon des estimations reprises un peu partout dans la presse spécialisée, Mickey 17 restait très loin des 236 à 295 millions de dollars généralement avancés comme seuil de rentabilité pour une production de cette taille. Ce retour par le streaming remet donc sous les projecteurs un film que sa propre campagne marketing n’avait, au fond, jamais vraiment su présenter.

Cette campagne avait d’ailleurs été jugée assez floue. En cause, surtout, sa difficulté à faire sentir le ton très particulier du film, coincé quelque part entre satire noire, comédie absurde et science-fiction existentielle. À cela se sont ajoutés plusieurs changements de date de sortie, ce qui aide rarement à créer un vrai rendez-vous avec le public.

Adapté de Mickey7, le roman d’Edward Ashton paru en 2022, Mickey 17 suit Mickey, un travailleur “remplaçable” embarqué dans une mission de colonisation spatiale. Son rôle est simple, et assez terrifiant: accomplir les tâches les plus dangereuses, mourir s’il le faut, puis être recréé par clonage avec ses souvenirs intacts.

À partir de là, Bong Joon Ho déploie une satire particulièrement acide sur l’identité, la déshumanisation du travail, l’exploitation par l’entreprise, le colonialisme et, plus largement, les dérives du capitalisme tardif. C’est aussi ce qui relie très directement Mickey 17 au reste de sa filmographie.

Robert Pattinson y joue à la fois Mickey 17 et Mickey 18, dans un double rôle que beaucoup ont salué. Sa performance, entre humour noir, gaucherie tragique et angoisse existentielle, revient souvent parmi les points les plus cités du film, et pour beaucoup parmi les meilleures de sa carrière récente.

Le film pousse aussi plus loin les obsessions de Bong Joon Ho autour de la lutte des classes et des inégalités, déjà centrales dans Snowpiercer et Parasite. La différence, ici, tient surtout à la manière: Mickey 17 est plus ample, plus appuyé, parfois plus désordonné aussi, mais sa satire est encore plus frontale.

Cette redécouverte tombe enfin à un bon moment pour Robert Pattinson. Ses prochains projets, Primetime, Dune: Part Three, The Odyssey et The Batman: Part II, entretiennent déjà une vraie curiosité autour de lui. De quoi amener de nouveaux spectateurs vers un film qui pourrait, avec le temps, finir par décrocher un vrai statut de culte dans le streaming.

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Resident Evil ne va pas disparaître des radars de sitôt. Capcom ramènera sa franchise au cinéma le 18 septembre 2026, puis en librairie le 29 septembre 2026 avec le premier volume du manga Resident Evil: Death Island, d’après les annonces de Capcom et de Titan Comics. Après l’arrivée de Resident Evil Requiem en février 2026, et avec un remake de Resident Evil: Veronica déjà calé pour 2027 chez Capcom, l’éditeur et ses partenaires continuent de faire vivre la série sur tous les terrains: jeu vidéo, cinéma, animation, édition.

Le premier rendez-vous marquant sera donc la sortie en salles de Resident Evil, un reboot live-action mis en scène par Zach Cregger, si l’on s’en tient aux informations partagées autour du projet. Le film ne reprend pas directement le scénario d’un jeu. Il raconte une histoire inédite dans l’univers de la saga, en parallèle de Resident Evil 2, avec un cadre contemporain. Cette fois, on suivra un coursier médical, joué par Austin Abrams, au moment où l’épidémie frappe Raccoon City.

Forcément, ce parti pris ne fait pas l’unanimité. Une partie des fans y voit une vraie tentative de relancer la machine autrement. D’autres, au contraire, regrettent déjà l’absence apparemment assumée de figures emblématiques et de repères très associés aux jeux. Zach Cregger a malgré tout expliqué que son objectif était surtout de retrouver la sensation que procure un Resident Evil manette en main, avec un personnage plus ordinaire, justement pour appuyer la peur et l’immersion.

Et pourtant, malgré ces doutes, les premiers échos venus d’images montrées en avant-première et de projections test ont plutôt de quoi rassurer. Le film serait tendu, nerveux, et carrément effrayant. D’après les premières estimations nord-américaines, son lancement pourrait se situer entre 40 et 50 millions de dollars. Pour la franchise au cinéma, ce serait tout simplement un record.

L’autre sortie importante arrivera quelques jours plus tard, en fin de mois. Titan Comics publiera le 29 septembre 2026 le premier volume de Resident Evil: Death Island, selon l’éditeur. Il s’agit de l’adaptation en manga du film d’animation en images de synthèse sorti en 2023. D’après le synopsis diffusé par Titan Comics, l’intrigue rassemble Chris Redfield, Leon S. Kennedy et Jill Valentine autour d’une enquête liée à une attaque bioterroriste sur Alcatraz. Pour ceux qui restent attachés à une continuité plus classique de l’univers, cette parution pourrait bien faire office de contrepoint intéressant au reboot cinéma.

Pour l’instant, il reste tout de même plusieurs zones floues. La majorité des analyses disponibles portent encore sur le marché américain, et l’on a très peu d’éléments sur l’accueil possible dans d’autres territoires importants, en particulier au Japon.

Du côté du manga Resident Evil: Death Island, il n’existe pas encore assez de retours solides pour se risquer à prévoir sa réception. Mieux vaut rester prudent. Mais difficile de ne pas voir ce qui se dessine: entre le film, le manga et les jeux déjà annoncés par Capcom, Resident Evil abordera l’automne 2026 avec une visibilité rarement atteinte. Pour les fans de longue date comme pour les simples curieux, septembre pourrait bien devenir le mois où la série sera partout. Nous continuerons à vous tenir au courant.

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En Chine, « Once Upon a Time in the Middle East » a conservé la première place du box-office du 28 au 30 août. Cela fait trois week-ends de suite que le film reste numéro un, d’après les chiffres du box-office chinois. Sur ces trois jours, il a rapporté 174,4 millions de RMB, soit environ 25,6 millions de dollars, et il cumule déjà plus de 1,7 milliard de RMB depuis sa sortie le 11 août, l’équivalent de 253 millions de dollars. Les projections du marché le voient désormais finir sa course autour de 2,5 milliards de RMB en Chine continentale.

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Le film ne signe pas seulement une belle performance en solo. Il porte aussi une part importante du rebond estival des salles chinoises. Toujours selon les chiffres du box-office chinois, la saison d’été a dépassé les 12,4 milliards de RMB, soit environ 1,84 milliard de dollars, en grande partie grâce à son succès. C’est le meilleur été enregistré dans le pays depuis trois ans. Pour un marché qui avait déjà franchi le seuil des 27 milliards de RMB de recettes annuelles dès le 22 août, soit environ 4 milliards de dollars, la nouvelle pèse lourd. Autre signal parlant, là encore selon les chiffres du box-office chinois : les recettes quotidiennes sont restées au-dessus de 100 millions de RMB pendant plus de 40 jours de suite, signe d’une fréquentation revenue à un niveau solide.

L’autre enseignement de l’été, c’est la domination très nette des productions locales. D’après les chiffres du box-office chinois, quatre des cinq plus gros succès de la saison en Chine sont des films nationaux, parmi lesquels « Once Upon a Time in the Middle East ». Cela confirme un attrait de plus en plus marqué du public pour des histoires, des genres et des références culturelles chinoises.

Le film de Wen Muye s’inscrit pleinement dans ce mouvement. Présenté comme un drame de guerre culinaire, avec une tonalité de comédie dramatique, il mêle spectacle populaire et identité locale bien affirmée. Son réalisateur, déjà connu pour « Dying to Survive », bénéficie en plus d’une vraie cote auprès des spectateurs urbains et des jeunes adultes, un segment décisif pour la fréquentation des multiplexes.

Le succès en Chine ne devrait d’ailleurs pas s’arrêter à la Chine. « Once Upon a Time in the Middle East » doit sortir à l’international en Asie, en Amérique du Nord, en Europe et au Moyen-Orient, signe que ses producteurs visent maintenant un public plus large. Son parcours dit aussi quelque chose de l’évolution du modèle économique chinois vers le « film+ » : un très gros succès ne vit plus seulement de la vente de billets, il peut aussi générer des revenus annexes via la restauration, le tourisme, les produits dérivés ou encore des expériences liées aux lieux et à l’univers du film.

À ce stade, difficile de passer à côté : avec « Once Upon a Time in the Middle East », le box-office chinois tient son phénomène de fin d’été, et peut-être l’un de ses marqueurs de relance les plus visibles en 2024.

D’après DC Studios, Clayface sortira au cinéma le 23 octobre 2026 et marquera la première vraie descente du DC Universe live-action dans Gotham City. Ce ne sont donc ni Batman ni The Brave and the Bold qui feront entrer le public dans la ville au sein de ce nouvel univers partagé, mais Clayface, l’un des vilains liés à l’univers du Chevalier Noir.

DC Studios a donc décidé d’introduire sa version de Gotham par Matt Hagen, plus connu sous le nom de Clayface.

Le point de vue change tout, et tout de suite. Au lieu d’un récit centré sur un justicier, le public découvrira la ville à travers un personnage tragique, abîmé par la défiguration, la métamorphose de son corps et la perte progressive de son identité. Sur le papier, c’est probablement le projet le plus audacieux de la nouvelle stratégie de James Gunn. Et sans doute aussi le plus risqué.

Le ton du film va clairement dans ce sens.

Toujours d’après DC Studios, Clayface est présenté comme un film de body horror classé R, très loin des codes habituels du blockbuster de super-héros. Matt Hagen y est décrit comme un acteur victime d’un accident qui rend son visage malléable, presque fait d’argile, et le transforme en figure tragique, coincée entre monstruosité physique et effondrement psychologique. À ce stade, DC Studios semble viser un vrai film de genre, pas simplement un film construit autour d’un méchant.

Pour un studio qui relance à peine son univers partagé, le signal est fort. James Gunn a déjà expliqué qu’il voyait le nouveau DCU comme un espace capable d’accueillir plusieurs registres et plusieurs genres.

Clayface servira donc de test en conditions réelles : le public est-il prêt à suivre un univers comics qui, parfois, ne ressemblera pas du tout à un film de super-héros ?

L’équipe créative, elle aussi, attire déjà l’attention. D’après DC Studios, le film est produit par 6th & Idaho, la société de Matt Reeves, déjà associée à une vision plus sombre de Batman au cinéma.

DC Studios précise aussi que la réalisation a été confiée à James Watkins, tandis que le scénario est signé Mike Flanagan et Hossein Amini. À elle seule, cette combinaison renforce l’impression d’un projet pensé comme un véritable film de genre, pas comme un spin-off monté parce qu’il fallait remplir le calendrier.

L’annonce a d’ailleurs surpris une partie de l’industrie autant que des fans. Clayface reste bien moins identifié par le grand public que Joker, Harley Quinn ou même le Pingouin, ce qui rend le pari risqué autant sur le plan commercial que sur celui de l’identité de marque.

Et c’est peut-être exactement ce qu’il fallait à DC pour se démarquer. Si le film fonctionne, le studio pourra montrer qu’un univers partagé peut tenir debout sans s’appuyer uniquement sur la formule classique du film de super-héros ; s’il se plante, il deviendra au contraire l’exemple parfait des limites d’une stratégie trop expérimentale. Quoi qu’il arrive, le 23 octobre 2026 pourrait bien marquer un vrai tournant, pour Gotham comme pour l’avenir du DCU dans son ensemble.

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