Author: Emmanuel Pina

D’après le compte japonais officiel Naruto/Boruto sur X, de nouvelles informations sur l’anime Naruto seront dévoilées le 10 octobre 2026 pendant le panel “NARUTO: What’s Next?” à la New York Comic Con (NYCC). Un livestream mondial suivra au Japon le 11 octobre. Pour la franchise, c’est le premier signal vraiment tangible du côté de l’animation depuis un bon moment.

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Le message publié par le compte annonce une “World Premiere of Completely New Anime Information”. Forcément, il n’en fallait pas plus pour remettre les fans en alerte. Pour l’instant, on ne sait pourtant toujours rien de concret sur la nature du projet, son scénario, son équipe ou même sa date de sortie.

Mieux vaut donc garder un peu de réserve. Une chose, en revanche, ne fait plus de doute: Naruto va bien reprendre la parole, officiellement, au sujet de son anime. On suivra ça de près.

Ce que cette annonce confirme, au fond, tient en quelques éléments très clairs: une révélation liée à l’anime arrivera en octobre, elle aura lieu dans le cadre d’un panel officiel à la New York Comic Con, et elle parlera aussi au public international grâce à cette diffusion mondiale, toujours selon le compte japonais officiel Naruto/Boruto sur X. Ce genre de mouvement est assez rare pour que la communauté y voie autre chose qu’un simple teasing. Le panel devrait réunir Junko Takeuchi, la voix de Naruto, Noriaki Sugiyama, la voix de Sasuke, ainsi que Yoshihiko Tominaga, producteur exécutif chez Studio Pierrot. L’événement doit aussi donner des nouvelles du NARUTO Card Game prévu pour 2027, mais personne ne va faire semblant: toute l’attention se porte sur la partie anime.

L’hypothèse la plus solide reste celle des quatre épisodes spéciaux annoncés pour le 20e anniversaire de l’anime Naruto. Ils devaient sortir à l’origine en septembre 2023, avant d’être repoussés pour “améliorer la qualité” du projet, selon la communication officielle diffusée à l’époque.

Depuis ce report, les prises de parole officielles se sont faites très rares. Ça explique en grande partie le niveau d’attente actuel. L’annonce d’octobre pourrait enfin servir à donner une nouvelle fenêtre de diffusion, voire montrer une première bande-annonce. Si l’on se fie au contexte de ces épisodes, ils devraient remettre en avant la Team 7 d’origine, Naruto, Sasuke, Sakura et Kakashi, avant le saut temporel de Shippuden. Pour le reste, l’intrigue exacte n’a toujours pas été dévoilée.

Une autre idée revient souvent chez les fans: une adaptation animée de Boruto: Two Blue Vortex. Sur le papier, la théorie se tient. Boruto Part 1 s’est arrêté en 2023 sur un cliffhanger, et le manga a désormais plusieurs années d’avance en contenu.

Sauf qu’à cette heure, rien d’officiel ne pointe dans cette direction. Le plus curieux, c’est même que le visuel utilisé dans la communication officielle semble plutôt renvoyer à un projet centré sur Naruto qu’à la nouvelle phase de Boruto. Ça n’empêche pas les spéculations de partir dans tous les sens, entre un nouveau film et même un remake complet de l’anime original, dans la lignée des grandes remises à niveau qu’on voit revenir un peu partout dans l’industrie. Pour l’instant, aucune de ces pistes n’a été validée.

Si l’attente est montée aussi haut, c’est parce que cette annonce arrive après de longs mois de flou: le retard des épisodes anniversaire, l’absence presque totale de communication officielle, et cette demande qui ne retombe pas pour voir revenir du contenu animé lié à l’univers de Naruto. En clair, le rendez-vous des 10 et 11 octobre ne promet pas encore le grand retour immédiat de la franchise à l’écran. Mais il confirme l’essentiel: Naruto s’apprête bien à reparler de l’anime.

Depuis son avant-première du 15 septembre 2026, Resident Evil (2026), le reboot de la franchise mis en scène par Zach Cregger, fait beaucoup parler pour sa dernière ligne droite: Bryan, le personnage principal, est infecté puis finit par se transformer. Oui, spoilers. Le vrai choc du film ne vient d’ailleurs pas seulement de ses créatures ou de son atmosphère, mais de cette fin-là, celle dont parlent déjà une bonne partie des premières réactions autour de cette nouvelle version.

Et c’est bien ce final qui sépare le reboot de 2026 des anciens films Resident Evil. Pendant longtemps, la saga a trouvé mille façons d’éviter les conséquences irréversibles pour ses personnages majeurs. Ici, le film ne recule pas. Il pousse sa logique horrifique jusqu’au bout.

D’abord, il faut dissiper une confusion: on parle bien du Resident Evil de 2026 réalisé par Zach Cregger, pas de Resident Evil: Welcome to Raccoon City, sorti en 2021 sous la direction de Johannes Roberts. Le film de Cregger, lui, part clairement ailleurs.

Plutôt que de reprendre de façon frontale un épisode précis des jeux, Resident Evil (2026) suit Bryan, convoyeur médical joué par Austin Abrams, dans un récit inédit de survival horror qui se déroule en une seule nuit à Raccoon City. Ce point de vue change beaucoup de choses. Il permet au réalisateur d’échapper au simple copier-coller et d’installer une tension moins balisée, donc plus imprévisible.

Et ce qui reste en tête, une fois le film terminé, c’est sa conclusion. Bryan ne gagne pas. Il ne sort pas vivant du cauchemar. Personne ne vient le tirer d’affaire au dernier moment.

Il est infecté, condamné, puis transformé. Pour une franchise qui s’est longtemps nourrie de faux décès, de retours improbables et de portes laissées entrouvertes pour préparer la suite, le geste a quelque chose de franchement brutal.

C’est aussi là que la comparaison avec les anciens films devient la plus parlante. Dans les six épisodes portés par Milla Jovovich, Alice semblait régulièrement au bord de la mort, parfois même perdue pour de bon.

Sauf que la saga trouvait presque toujours une échappatoire: clones, résurrections, pirouettes de scénario. Même des personnages secondaires comme Rain ont fini par réapparaître sous une autre forme. Au fond, les films Resident Evil ont longtemps entretenu l’idée du danger sans aller jusqu’à sacrifier pour de bon leurs figures centrales.

Le reboot de 2021 n’avait pas cassé cette habitude non plus. Resident Evil: Welcome to Raccoon City mélangeait les événements de Resident Evil 1 et 2, mais Chris Redfield, Claire Redfield, Jill Valentine et Leon S. Kennedy s’en sortaient tous avant la destruction de la ville. Et la scène de mi-générique en remettait une couche en révélant la survie de Wesker, avec l’idée assez évidente de lancer une suite qui, finalement, n’a jamais existé.

Le film de 2026 arrive justement après ce qui a largement été perçu comme un échec critique et commercial de Resident Evil: Welcome to Raccoon City. Les suites envisagées, inspirées de Code: Veronica ou de Resident Evil 4, ont été laissées de côté. Puis, en janvier 2025, Constantin Film et Sony ont annoncé confier un nouveau reboot à Zach Cregger.

À première vue, le pari semble fonctionner. Depuis l’avant-première du 15 septembre 2026, les premières réactions du public et de la critique présentent le long-métrage comme l’épisode le mieux accueilli de toute la saga. Il est encore trop tôt pour trancher définitivement, mais les premières estimations du box-office indiquent déjà un démarrage supérieur à celui de plusieurs volets précédents.

Surtout, cette version remet au centre ce que beaucoup espéraient depuis des années: des ressources limitées, une peur plus sale, plus tendue, et un humour noir discret à la place de la fuite en avant dans l’action. Et le film ne se termine pas non plus sur un gros teasing post-générique.

Même si l’idée d’une suite circule déjà, Zach Cregger livre d’abord un récit entier, sombre, qui se tient seul, et qui assume assez son propre ton pour laisser mourir son héros. Pour une série qui a passé si longtemps à protéger ses têtes d’affiche, c’est peut-être le virage le plus radical. Et sans doute celui qui ressemble le plus, enfin, à l’esprit du survival horror.

Carrie débarquera le 7 octobre 2026 sur Prime Video, dans plus de 240 pays. Mike Flanagan y adapte le tout premier roman de Stephen King, avec une idée assez claire en tête : revenir à un classique sans le rejouer à l’identique, le replacer dans le présent, ouvrir un peu plus son monde et retrouver ce dosage d’horreur, d’émotion et d’attention aux personnages qui distingue les meilleures adaptations de King.

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Vu comme ça, l’ambition est grande. Mais elle n’a rien de déraisonnable. Mike Flanagan s’est installé, au fil des années, comme l’un des noms les plus sûrs de l’horreur contemporaine, autant pour sa façon de faire vivre le drame que pour son sens très net de l’épouvante.

Et son parcours, The Life of Chuck compris, dit surtout autre chose : Flanagan a saisi ce ton si particulier chez Stephen King. Oui, il y a du fantastique, parfois du monstrueux, mais chez King tout tient d’abord à l’humain. C’est là que Carrie peut aller plus loin que 11.22.63, souvent vue jusqu’ici comme l’adaptation télé la plus réussie de l’auteur.

Diffusée en 2016 sous la forme d’une mini-série de huit épisodes, 11.22.63, portée par James Franco, avait réussi quelque chose de délicat : prendre un roman très intérieur, très centré sur ses personnages, et en faire une série dramatique ambitieuse sans le trahir. Si la mini-série fonctionnait aussi bien, c’était grâce au jeu sincère de James Franco, à une reconstitution d’époque solide, mais aussi à une mise en scène assez discrète pour que ses éléments surnaturels paraissent presque naturels.

Même Lee Harvey Oswald y existait sans tomber dans la caricature. Au final, cela donnait une adaptation élégante, accessible, et plus émouvante qu’on aurait pu l’attendre.

L’endroit où Mike Flanagan peut vraiment imposer sa marque, c’est dans cette envie d’actualiser Carrie. Prime Video explique que cette adaptation du premier roman de Stephen King intégrera le harcèlement sur les réseaux sociaux, ainsi que cette humiliation publique qui devient virale en quelques minutes.

L’idée, franchement, colle très bien à l’histoire de cette adolescente mise à l’écart et dotée de pouvoirs télékinésiques. Le roman parlait déjà d’humiliation, d’isolement, de violence sociale. Le transposer à l’époque des smartphones, des vidéos partagées partout et de l’exposition permanente peut lui donner un écho neuf.

Prime Video annonce Summer H. Howell dans le rôle de Carrie, Samantha Sloyan dans celui de Margaret White, et Matthew Lillard en proviseur. Autre bon signe, Stephen King lui-même a soutenu le projet publiquement. Il l’a qualifié de « brillant » et a salué sa lecture des réseaux sociaux, jugée « choquante et vraie ».

Rien n’est gagné pour autant. Les premières réactions restent partagées : certains critiques voient dans cette version un vrai regard neuf sur l’histoire, quand d’autres sont plus prudents face aux libertés prises avec le roman.

Plus étrange encore, ces réserves cohabitent avec une ovation de quatre minutes à Fantastic Fest. Mike Flanagan a aussi parlé d’un plan pensé sur trois saisons, ce qui laisse entrevoir un développement bien plus large de l’intrigue d’origine. Si cette ampleur reste tenue de bout en bout, Carrie pourrait faire plus qu’ajouter une adaptation correcte de plus à la pile. Elle pourrait devenir la série Stephen King que la télévision attendait pour succéder à 11.22.63.

Warwick Davis retrouvera le professeur Filius Flitwick dans la nouvelle série Harry Potter de HBO, adaptation télévisée des romans de J.K. Rowling actuellement en préparation. C’est le premier retour vraiment marquant d’un acteur historique dans le rôle qu’il tenait déjà au cinéma, et le symbole compte pour un projet que la chaîne place déjà parmi ses plus gros enjeux de franchise.

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Pour l’instant, Davis reste d’ailleurs le seul comédien des films Harry Potter à reprendre officiellement le même personnage. L’acteur a parlé d’un « grand honneur », avec une insistance très nette sur la nostalgie du moment et sur cette idée de passage de témoin à une nouvelle génération de fans. Pour HBO, c’est une excellente nouvelle: la série tient là son premier lien direct, concret, avec les longs-métrages.

HBO présente cette série Harry Potter comme une adaptation ambitieuse, pensée pour coller de près aux sept romans de J.K. Rowling. Les films de Warner Bros. devaient aller vite, couper, condenser. Le format télé, lui, doit permettre de prendre plus de temps avec les personnages, les intrigues secondaires et, plus largement, tout ce qui fait l’épaisseur de l’univers de Poudlard au fil de plusieurs années.

Warwick Davis a aussi raconté qu’un retour aux studios Leavesden, si étroitement associés à la saga cinéma Harry Potter, avait quelque chose de « surréaliste » et de profondément nostalgique. Il a également laissé entendre que cette version pour la télévision disposerait de plus d’espace pour dérouler l’histoire et entrer dans des détails que les films n’avaient pas pu garder.

Du côté du casting principal de la saison 1, les choses se sont nettement précisées ces dernières semaines. D’après les annonces déjà liées au projet, Dominic McLaughlin jouera Harry Potter, Alastair Stout incarnera Ron Weasley, et Arabella Stanton prendra le rôle d’Hermione Granger.

Autour de ce trio, plusieurs rôles majeurs ont déjà été confirmés par HBO: John Lithgow sera Albus Dumbledore, Janet McTeer jouera Minerva McGonagall, Paapa Essiedu prêtera ses traits à Severus Rogue, et Nick Frost à Rubeus Hagrid. La série est pilotée par Francesca Gardiner et Mark Mylod, tous deux producteurs exécutifs, Mylod devant en plus réaliser plusieurs épisodes. J.K. Rowling participe elle aussi au projet en tant que productrice exécutive.

Plus curieux encore, la saison 2 commence déjà à se dessiner alors que la première n’a toujours pas été diffusée. Parmi les noms qui circulent à ce stade, on retrouve Rafe Spall pour Arthur Weasley, Molly Hewitt-Richards pour Mimi Geignarde, Jasper Ambrose pour Colin Crivey, Billy Barratt pour le jeune Tom Jedusor, et Kit Harington pour Gilderoy Lockhart.

Le cas Kit Harington retient particulièrement l’attention. Nicholas Hoult aurait d’abord été envisagé avant de devoir renoncer pour des raisons de calendrier. Ce changement en dit long sur le rythme auquel HBO semble avancer sur son plan à long terme.

Au moment où ces lignes sont écrites, la date de lancement reste floue. Une première information évoque une arrivée de Harry Potter à l’école des sorciers le 25 décembre 2026 sur HBO Max, avec huit épisodes d’environ une heure. D’autres sources placent plutôt les débuts de la saison 1 en 2027, sur HBO comme sur HBO Max.

Mieux vaut donc attendre une confirmation officielle avant d’arrêter une date. Mais la direction prise se voit déjà assez bien: HBO traite Harry Potter comme l’un de ses chantiers fantasy les plus scrutés, avec une distribution qui a déjà de l’allure, un premier retour très parlant grâce à Warwick Davis, et la promesse d’une adaptation plus ample, plus détaillée que les films. On suivra ça de près.

Depuis le 15 mai 2025, la saison 4 de « Love, Death & Robots » est en ligne sur Netflix. Cette anthologie pour adultes, imaginée par Tim Miller et produite par David Fincher, continue d’abriter un épisode dont on parle encore beaucoup. D’après Netflix, « Jibaro », segment du volume 3 long de 17 minutes et dépourvu de dialogue parlé, s’est imposé comme l’un des plus commentés, à cause de son impact visuel et de sa façon de raconter une tragédie entière par le mouvement, le son et la mise en scène.

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« Jibaro » compte aussi parmi les meilleurs arguments pour défendre l’existence même de cette série pour adultes créée par Tim Miller et produite par David Fincher, toujours selon Netflix.

« Love, Death & Robots » peut passer du cyberpunk à l’horreur cosmique, puis filer vers la satire ou la fantasy noire, sans se fixer une identité visuelle unique. C’est d’ailleurs ce qui lui donne une place un peu à part dans le catalogue Netflix, surtout quand la série ose un objet aussi radical que « Jibaro ».

Diffusé dans le volume 3, l’épisode raconte, selon Netflix, l’histoire d’un chevalier sourd qui échappe au chant meurtrier d’une sirène couverte d’or et de bijoux. Tous les autres hommes tombent sous l’effet de sa voix. Lui, non. À partir de là, leur rencontre bascule aussitôt dans un jeu de fascination, puis dans une relation destructrice où se mêlent désir, cupidité, dépendance et destruction mutuelle.

C’est là que l’épisode frappe fort. Son point de départ est simple, mais il suffit. Sans la moindre exposition verbale, « Jibaro » fait saisir en quelques minutes qui domine, qui convoite, qui manipule, et qui finit par se perdre. Le récit ne s’embarrasse pas de héros. Il montre deux figures emportées dans une spirale toxique dont personne ne sort intact.

L’une des grandes qualités de « Love, Death & Robots », au fond, tient à ce refus constant de la formule. Chaque épisode vit seul, avec son ton, sa technique d’animation, et parfois même son genre propre: science-fiction pure, horreur, comédie absurde, philosophie spéculative ou dystopie futuriste.

C’est en grande partie ce goût du risque qui a construit la réputation de « Love, Death & Robots ». Beaucoup de productions de streaming cherchent aujourd’hui une identité immédiatement reconnaissable. La série, elle, préfère les chocs de style. Le volume 3, qui comprend « Jibaro », a d’ailleurs obtenu 100 % du côté des critiques sur Rotten Tomatoes. La saison 4 a gardé ce même score, toujours selon Rotten Tomatoes, même si l’accueil du public s’est révélé plus partagé sur la même plateforme.

L’épisode mis en scène par Alberto Mielgo repose sur un mélange troublant d’hyperréalisme et d’expressionnisme pictural. La motion capture, portée par de vrais acteurs et danseurs d’après Netflix, donne aux corps une présence physique rare. Presque agressive, parfois.

Le langage passe alors ailleurs. Par les regards, par les gestes, par la chorégraphie, par les ruptures de point de vue, et surtout par l’écart entre le cri de la sirène et le silence du chevalier. Netflix rapporte qu’Alberto Mielgo voit « Jibaro » comme l’histoire d’une relation toxique où aucun des deux personnages ne vient sauver l’autre. Pour lui, le vrai sujet n’est pas l’audition au sens littéral. Ce qui l’intéresse, c’est la capacité à « écouter » les signaux d’alerte avant qu’il ne soit trop tard.

Ce n’est pas la première fois qu’Alberto Mielgo marque les esprits dans la série. Son épisode « The Witness » avait déjà été salué pour son usage minimal du dialogue. Mais avec « Jibaro », il pousse cette logique bien plus loin, au point que l’épisode revient souvent dans les discussions comme une démonstration de narration purement visuelle.

Ce qui est assez frappant, c’est que malgré sa notoriété, « Love, Death & Robots » suscite encore peu d’analyses vraiment fouillées sur ses techniques de récit sans parole. La critique non anglophone, elle aussi, reste assez limitée sur ce terrain. Même constat pour la réception de l’épisode auprès des spectateurs sourds et malentendants, alors que l’écoute se trouve précisément au centre de ce qu’il raconte.

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Stargate Invasion, nouveau projet vidéoludique tiré de l’univers Stargate, s’est montré aujourd’hui à travers sa première bande-annonce, avec une idée très nette: faire de la Porte des étoiles le point de départ d’un affrontement massif. Dès les premières secondes, le ton est donné. La guerre n’est pas reléguée à l’arrière-plan, ni présentée comme une menace abstraite. Elle occupe le centre de l’écran, et visiblement le centre du jeu.

Ce premier aperçu mise sur la démesure: vaisseaux, troupes au sol, armes lourdes, assauts coordonnés autour de la Porte. C’est assez frappant, parce que d’autres adaptations de Stargate préféraient jusque-là l’exploration, ou les opérations en petit comité. Ici, Stargate Invasion a l’air de partir ailleurs, plus frontalement, avec des lignes de front qui bougent et une montée en intensité qui fait penser à une vraie guerre interstellaire.

Stargate Invasion : une adaptation tournée vers le conflit total

Ce choix ne doit rien au hasard. Stargate reste une licence qui compte encore pour un public fidèle, mais côté jeu vidéo, la franchise a aussi besoin de retrouver une ligne claire. En mettant l’idée d’« invasion » au premier plan dès cette bande-annonce, le projet choisit un angle facile à saisir, aussi bien pour les fans de longue date que pour ceux qui regardent ça de plus loin: le danger touche tout le monde, les factions sont engagées à grande échelle, et l’enjeu dépasse de très loin la simple mission menée par une équipe d’élite.

Le jeu semble vouloir s’appuyer sur ce que la licence a toujours su montrer de plus fort: le croisement entre science-fiction, stratégie militaire et menace extraterrestre.

Une ambiance plus belliqueuse que les précédents projets

Cette première prise de parole laisse voir autre chose aussi: un vrai changement de ton. L’univers Stargate a longtemps avancé entre exploration, diplomatie et affrontements plus ciblés. Là, au vu des images montrées, l’atmosphère paraît bien plus agressive, avec une esthétique de guerre ouverte qui rappelle les épisodes les plus tendus de SG-1 et d’Atlantis.

Si cette direction est bien tenue jusqu’au bout, Stargate Invasion pourrait attirer ceux qui aiment l’action tactique et les conflits asymétriques. Mieux vaut quand même garder un peu de réserve. Une guerre totale dans Stargate, ça peut très bien marcher. Encore faut-il ne pas perdre en route ce qui fait le sel de la série: ses factions très marquées, ses technologies immédiatement reconnaissables et ce fond de mystère qui a toujours compté.

Ce que les fans attendent maintenant

La suite, maintenant, c’est le gameplay. Pour l’instant, on a encore peu d’éléments, et une bande-annonce, même spectaculaire, ne suffit pas à dire de quel type de jeu il s’agit vraiment: stratégie, action pure, hybride multijoueur, ou expérience plus narrative avec de grandes batailles en arrière-plan.

Les prochaines annonces vont compter. Les joueurs attendent des précisions sur les factions jouables, sur la place des Goa’uld ou d’autres menaces emblématiques, sur la façon dont la Porte s’intègre à la progression et, bien sûr, sur une date de sortie. En attendant, Stargate Invasion a déjà réussi quelque chose de simple: remettre la franchise au milieu des discussions avec une promesse claire, facile à comprendre, et potentiellement redoutable, celle d’une guerre menée sans retenue. Nous vous tiendrons au courant.

CD Projekt Red sortira The Witcher 3 Remastered le 29 septembre 2026. Le studio présente cette nouvelle édition de son RPG culte, lancé en 2015, non comme un petit correctif de plus, mais comme une vraie remasterisation.

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Autre annonce qui risque de faire plaisir: la mise à niveau gratuite pour les joueurs qui possèdent déjà le jeu sur les plateformes compatibles, d’après CD Projekt Red. Et ce n’est pas tout. Les deux grosses extensions, Hearts of Stone et Blood and Wine, seront elles aussi incluses sans frais supplémentaires, toujours selon le studio.

Sur PC, le passage à cette nouvelle version sera le plus simple. CD Projekt Red explique que si vous avez déjà The Witcher 3 sur Steam, GOG ou l’Epic Games Store, l’édition remasterisée devrait apparaître automatiquement dans votre bibliothèque.

Sur Battle.net, en revanche, seul The Witcher 3 Remastered sera mis en vente, indique CD Projekt Red. Sur PS5 et Xbox Series X|S, les joueurs qui avaient acheté une version précédente pourront eux aussi passer gratuitement à cette édition, y compris avec certaines copies physiques éligibles, toujours d’après le studio.

Ce détail a quelque chose d’assez curieux: sur console nouvelle génération, de vieux disques d’occasion vendus à petit prix pourraient suffire pour débloquer la mise à niveau. Côté Nintendo Switch 2, CD Projekt Red précise que les possesseurs de la version numérique pourront précommander gratuitement l’upgrade, tandis que ceux qui ont la version physique pourront en faire la demande au moment de la sortie.

Au-delà du jeu de base, cette édition réunira donc l’expérience complète, avec Hearts of Stone et Blood and Wine, souvent rangées parmi les meilleures extensions du genre. Pour les joueurs qui repartiront à Velen, Novigrad ou Toussaint, l’ensemble sera bien plus riche.

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CD Projekt Red promet aussi plus qu’un simple lifting visuel. Par rapport à la mise à jour “next-gen” de décembre 2022, cette version 2026 est présentée comme une refonte plus large: graphismes améliorés, performances en hausse, ajustements de gameplay, arbre de compétences revu et intelligence artificielle des monstres retravaillée.

Reste une limite. CD Projekt Red précise que ces améliorations ne concerneront pas la version PS4. Le jeu d’origine restera bien disponible sur l’ancienne console de Sony, mais sans les nouveautés prévues pour les machines plus récentes.

Si le studio remet aujourd’hui Geralt sous les projecteurs, c’est aussi parce que The Witcher 3 continue d’aligner les ventes. En mai 2026, le jeu avait dépassé les 65 millions d’exemplaires écoulés, dont 5 millions sur la seule année précédente, selon CD Projekt Red.

Les premières réactions à cette mise à niveau gratuite sont plutôt bonnes, même si certains fans se demandent déjà ce que certains choix visuels feront perdre, ou non, à l’atmosphère d’origine. Cette ressortie prend enfin place dans un plan plus large autour de la licence, avec le DLC Songs of the Past attendu en 2027 et The Witcher 4 prévu, sauf surprise, pour 2028.

Mise en ligne dans le monde entier le 24 septembre 2026 sur Netflix, la nouvelle version de A Different World s’est hissée en quelques jours au rang de programme TV numéro 1 de la plateforme aux États-Unis. Elle a aussi pris la tête dans 12 pays et occupait la 9e place mondiale au 28 septembre, d’après les chiffres de FlixPatrol.

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Le plus frappant, c’est que ce départ arrive 39 ans après les débuts de la série originale sur NBC.

Cette suite compte 10 épisodes, d’après Netflix, et elle ne repose pas seulement sur le souvenir de la série culte. Elle remet l’univers de Hillman College en circulation pour un public d’aujourd’hui, alors même que le streaming est saturé et que tous les reboots ne trouvent pas leur place.

L’histoire suit Deborah Wayne, la plus jeune fille de Dwayne Wayne et de Whitley Gilbert, pendant sa première année à Hillman College, l’université fictive historiquement noire qui était déjà au centre de la série d’origine.

En misant sur une nouvelle protagoniste, Netflix fait à la fois une vraie suite et un passage de témoin entre générations. La série s’appuie sur un nom que le public connaît déjà, mais aussi sur une refonte créative qui ne donne pas l’impression de simplement recycler l’ancien matériau.

La série d’origine reposait sur un format de sitcom multicaméra. La version 2026, elle, passe à la caméra unique, avec un résultat plus proche de la comédie dramatique. L’ensemble reste facile d’accès, mais la narration prend plus de temps pour les questions émotionnelles et sociales.

On y retrouve notamment l’activisme étudiant, les difficultés liées aux aides financières et la présence de l’ICE, l’agence américaine Immigration and Customs Enforcement, sur le campus.

C’est d’ailleurs ce lien avec des réalités très actuelles qui revient le plus souvent dans les premières critiques. Beaucoup jugent que la série tient assez bien sa ligne entre fan service et regard ancré dans le présent.

Netflix n’a pas rompu avec la série culte pour autant. Kadeem Hardison reprend le rôle de Dwayne Wayne, tandis que Jasmine Guy retrouve celui de Whitley Gilbert, dans des apparitions récurrentes ou ponctuelles, toujours d’après Netflix.

Leur retour donne de l’épaisseur à la continuité de l’histoire et inscrit Deborah dans un passé que les fans de longue date connaissent déjà par cœur.

Pour l’instant, l’accueil critique tient bien, avec 82 % sur Rotten Tomatoes d’après les premières évaluations, même s’il vaut mieux garder un peu de réserve.

Le score reste provisoire, mais il va dans le même sens que le reste du lancement, plutôt bien engagé.

Le projet est mené par Felicia Pride comme showrunneuse, avec Debbie Allen à la production exécutive, selon Netflix. Pour les spectateurs attachés à l’ADN de la série originale, ce n’est pas un détail.

Netflix n’a encore annoncé aucune saison 2. Vu la façon dont la série démarre, le sujet circule déjà chez les fans comme chez ceux qui suivent de près l’industrie.

Netflix a annoncé aujourd’hui The Conjuring: Unspoken, que la plateforme présente comme le premier vrai jeu autonome issu de la franchise horrifique The Conjuring. Sa sortie est calée sur octobre 2026. Pour l’instant, on sait seulement qu’il arrivera directement sur Netflix sous forme de jeu en streaming. Pas de date précise, pas de séquence de gameplay, et toujours aucun nom de studio.

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Dans The Conjuring: Unspoken, les joueurs incarneront, d’après Netflix, un enquêteur du paranormal envoyé au Red Lion Inn. Sur place, une famille en plein deuil tente de faire face à une série d’événements inexpliqués, puis franchement dérangeants à mesure que la situation s’aggrave. Le ton, lui, semble déjà bien posé. On s’attend plus à une exploration sous tension qu’à un jeu tourné vers l’action.

Netflix décrit l’ensemble comme une expérience cinématographique. Il s’agirait d’une enquête interactive construite autour de l’ambiance, de la recherche d’indices et de la détection de signes paranormaux, bien plus que d’un jeu de survie nerveux ou d’un shooter horrifique.

En clair, The Conjuring: Unspoken semble vouloir tout faire reposer sur la tension, le sound design et la mise en scène. C’est exactement ce qu’on attend d’une licence qui s’est imposée avec des peurs qui montent lentement et des phénomènes surnaturels qui prennent leur temps.

Et pourtant, détail assez étonnant, Netflix n’a encore montré aucune image de gameplay.

Netflix a confirmé que The Conjuring: Unspoken sera jouable en streaming sur téléviseur. Dans l’univers gaming de Netflix, ça veut généralement dire qu’aucune console dédiée n’est requise, puisque le jeu tourne à distance.

Les précédents essais cloud de Netflix laissent aussi penser qu’une compatibilité via navigateur web est probable, avec un smartphone utilisé comme manette. Ce point n’a toutefois pas été détaillé pour ce jeu en particulier. On retrouve là la ligne suivie par Netflix en ce moment : rendre ses jeux accessibles sur plusieurs écrans.

Pour le reste, beaucoup de zones d’ombre demeurent. La question la plus évidente concerne Ed et Lorraine Warren, les figures centrales des films. Netflix n’a pas indiqué s’ils apparaîtront directement dans le jeu, s’ils seront simplement évoqués, ou si l’histoire partira sur une piste complètement indépendante.

Même flou autour de l’équipe en charge du développement. Ce n’est pas un petit détail, surtout quand on essaie d’évaluer l’ampleur réelle du projet. En l’état, l’annonce tient surtout du teaser. Mieux vaut donc garder une certaine réserve. Nous vous tiendrons au courant.

Cette annonce tombe alors que The Conjuring continue d’étendre son univers, et que Netflix cherche, de son côté, à prendre plus de place dans le cloud gaming. La franchise, de toute évidence, n’a pas l’intention de lever le pied : un nouveau film, le préquel The Conjuring: First Communion, est déjà attendu pour le 10 septembre 2027.

Une bonne nouvelle, surtout pour ceux qui aiment les histoires de fantômes bien installées dans l’ambiance, sans forcément courir après l’action.

Stephen King a officialisé l’arrêt du programme « Dollar Baby », un dispositif qui permettait depuis des décennies à de jeunes réalisateurs d’obtenir, pour 1 dollar symbolique, les droits d’adaptation de certaines de ses nouvelles.

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Cette décision ne met évidemment pas fin aux films et aux séries tirés de son œuvre, qui reste l’une des plus convoitées à Hollywood. En revanche, elle signe la disparition d’une étape presque légendaire pour les créateurs indépendants. Beaucoup voyaient dans le catalogue de King une occasion rarissime de monter un projet ambitieux sans se fracasser d’emblée sur le prix habituel des droits.

Le programme « Dollar Baby » occupait une place vraiment à part dans l’industrie. Là où des titres comme Ça, Shining ou Docteur Sleep s’inscrivent dans de lourdes négociations, ce système ouvrait un accès très encadré à certaines œuvres courtes contre une somme purement symbolique. Le principe tenait en peu de mots : permettre à des étudiants et à de jeunes cinéastes de se former à partir d’un texte signé par l’un des auteurs les plus adaptés au monde.

Les adaptations réalisées dans le cadre de « Dollar Baby » ne pouvaient, en général, pas être exploitées commercialement de façon classique. Mais elles servaient de carte de visite, de laboratoire, parfois même de tremplin. Pour beaucoup, c’était une façon unique de faire un premier pas dans le milieu avec, au générique, un nom que tout le monde reconnaît immédiatement.

L’exemple qui revient le plus souvent reste celui de Frank Darabont. Il avait adapté The Woman in the Room grâce à ce modèle, avant de devenir l’un des grands noms des adaptations de Stephen King avec Les Évadés puis La Ligne verte. Au fil des années, le programme a fait vivre toute une culture parallèle, nourrie de courts métrages, de films d’école et de projets de festivals directement inspirés par l’univers de l’écrivain.

Pour les fans, « Dollar Baby » représentait aussi quelque chose de devenu rare à Hollywood : un vrai geste en faveur de la relève. À une époque où la plupart des propriétés intellectuelles sont verrouillées par les studios, Stephen King entretenait encore cette idée qu’un jeune réalisateur pouvait tenter sa chance avec une bonne idée, peu de moyens et beaucoup d’envie.

Fait assez paradoxal, la fermeture de « Dollar Baby » ne change rien à l’attrait qu’exerce Stephen King sur l’industrie. Son œuvre reste l’une des matières premières les plus rentables et les plus régulièrement exploitées par le cinéma et les plateformes de streaming, avec de nouvelles adaptations annoncées ou en préparation à intervalles réguliers.

Mais la fin de « Dollar Baby » garde une portée symbolique évidente. Elle referme une période plus artisanale, presque romantique, dans le lien entre un auteur mondialement connu et les cinéastes de demain. Les adaptations de Stephen King continueront sans doute d’envahir les écrans ; simplement, l’un de leurs accès les plus singuliers vient de disparaître.