Author: Louise Ann "LA" Maca

Hamster Corporation sort aujourd’hui UFO: A Day in the Life sur PlayStation 5 et Nintendo Switch 2, avec une première assez folle: c’est la toute première fois que le jeu arrive officiellement hors du Japon. À sa sortie initiale, sur la première PlayStation en 1999, il n’avait jamais eu droit à une commercialisation internationale. Il aura donc fallu attendre 27 ans.

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C’est Hamster Corporation qui s’occupe de ce retour, en remettant le jeu en circulation sur des machines actuelles dans sa collection « Console Archives ».

Pour les amateurs de rétro, la surprise est réelle. UFO: A Day in the Life fait partie de ces curiosités vidéoludiques dont on entend parler pendant des années sans vraiment pouvoir y jouer, au point d’avoir fini par prendre une allure presque mythique chez beaucoup de joueurs occidentaux.

Hamster précise d’ailleurs que ce portage ne consiste pas seulement à faire fonctionner le jeu sur du matériel moderne. La réédition ajoute aussi plusieurs fonctions de confort devenues assez standard aujourd’hui pour ce genre de ressortie, en particulier les sauvegardes instantanées et le rembobinage.

De quoi rendre l’expérience bien plus abordable pour ceux qui découvrent un jeu pensé à une époque où l’ergonomie avait souvent la main plus lourde.

Le principe de UFO: A Day in the Life n’a d’ailleurs rien perdu de son étrangeté. En 1999 comme aujourd’hui, on y incarne un extraterrestre dont le vaisseau s’est écrasé, avec pour mission de retrouver 50 aliens invisibles disséminés dans un immeuble d’habitation.

Pour les débusquer, il faut regarder de près les habitants, suivre leurs habitudes et se servir de la photographie pour faire apparaître des événements inhabituels. Pas de combats frénétiques ici, pas non plus de structure d’action classique: tout repose sur la patience, la curiosité et l’attention qu’on porte à de petits détails du quotidien.

C’est ce ton bizarre et décalé, fixé sur les gestes les plus banals de la vie humaine, qui a construit sa réputation de curiosité marquante dans le catalogue PlayStation.

Cette réédition compte aussi pour une autre raison: elle a une vraie portée historique. UFO: A Day in the Life a été développé par Love-de-Lic, un studio resté peu de temps en activité mais dont l’influence, elle, a largement dépassé son existence, fondé par d’anciens employés de Square.

Le nom de Love-de-Lic parle surtout aux connaisseurs grâce à Moon: Remix RPG Adventure, souvent cité parmi les grandes influences des courants « anti-RPG » apparus bien plus tard. Pour les collectionneurs, les amateurs de rétro et les fans du studio, c’est déjà une petite victoire. Ils y voient une avancée concrète pour préserver un morceau oublié de l’histoire du jeu vidéo.

Hamster Corporation indique aussi que les menus et le manuel numérique ont bien été traduits en plusieurs langues. En revanche, les dialogues et les textes narratifs intégrés au jeu restent en japonais. Pour les nouveaux venus, c’est clairement le principal obstacle.

Même avec cette limite, l’arrivée de UFO: A Day in the Life sur PlayStation 5 et Nintendo Switch 2 compte vraiment. Elle ouvre enfin un accès légal et simple à un classique culte que beaucoup, jusque-là, n’avaient pu approcher qu’à distance.

D’après Dark Horse, l’éditeur sortira au début de 2026 Star Wars: Hyperspace Stories: General Grievous, un roman graphique indépendant consacré au général Grievous. Le scénario est signé Michael Moreci, les dessins sont de Caio Filipe, et l’intrigue se déroule en pleine guerre des Clones. Au même moment, Disney+ remet aussi le personnage dans les conversations, de façon plus indirecte, avec Star Wars: Visions Presents – The Ninth Jedi, une série d’animation hors canon annoncée pour août 2026 sur la plateforme.

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Cette fois, c’est le comte Dooku qui envoie Grievous prendre le contrôle de la planète-jungle Katou. Sur le papier, la mission paraît simple. Sur place, elle le sera beaucoup moins.

Une fois sur Katou, le général séparatiste devient lui-même la proie du chevalier Jedi Cardiff Baye et d’une escouade de clone troopers. Dark Horse parle d’un affrontement construit comme un jeu du chat et de la souris. Pour les fans, difficile de ne pas y voir une excellente nouvelle : Lucasfilm remet en avant l’un de ses méchants les plus marquants, pendant que Dark Horse lui donne enfin droit à une aventure en solo.

Ce qui est frappant avec Grievous, c’est qu’il reste l’un des visages les plus mémorables de la prélogie alors qu’il a souvent été moins creusé que d’autres grands antagonistes de la saga. Son design, sa manière de se battre au sabre laser, son image de tueur de Jedi, tout ça a laissé une trace très nette.

Depuis longtemps, une partie du public réclame qu’on s’attarde davantage sur son passé de seigneur de guerre kaleesh. Ce nouveau livre pourrait justement aller dans ce sens.

Et puis il y a Star Wars: Visions Presents – The Ninth Jedi, qui ramène lui aussi Grievous dans les discussions, même sans le faire revenir à l’écran. Cette série d’animation Disney+, non canon d’après Disney+, prolongera en format long le court métrage The Ninth Jedi.

Le rapprochement ne vient donc pas d’un retour direct du personnage, mais de ceux qu’il affronte en creux. Le général Nawaam mène, lui aussi, une campagne contre les Jedi et occupe une position de chef militaire entièrement tournée vers leur élimination.

Mais le personnage qui évoque le plus Grievous, c’est surtout Gennoh, son subordonné. Au fil de l’histoire, il remplace progressivement plusieurs parties de son corps par des éléments cybernétiques, jusqu’à devenir une sorte d’exécuteur anti-Jedi poussé à l’extrême, presque entièrement mécanisé.

Ça ne veut pas dire qu’on a affaire à une copie conforme. Ni Nawaam ni Gennoh ne reprennent exactement la fonction de Grievous, ni sa personnalité.

La parenté est ailleurs. Elle tient surtout au thème : la même obsession pour les Jedi, la même logique de guerre, la même idée d’un corps peu à peu transformé en arme.

Si ce retour d’intérêt paraît assez logique, c’est aussi parce que Grievous n’a jamais vraiment quitté le paysage. Son apparition dans la série animée Tales of the Empire en 2024, ajoutée à l’empreinte qu’il a laissée dans The Clone Wars, a suffi à entretenir l’attachement du public.

Au fond, Star Wars semble avoir compris une chose simple : Grievous reste un personnage à la fois sous-exploité et très vendeur. Entre ce nouveau roman graphique et l’arrivée d’un héritier spirituel sur Disney+, le signal est assez clair.

À ce stade, Marvel Comics n’a rien publié d’officiel qui confirmerait l’arrivée d’un nouveau pouvoir particulièrement dégoûtant pour Jessica Jones. Un titre choc expliquant que Marvel Comics aurait « officiellement confirmé » ce changement peut attirer l’œil, évidemment, mais pour l’instant, rien ne suit derrière : ni communiqué de Marvel Comics, ni prise de parole identifiable de l’éditeur, ni reprise sérieuse par la presse spécialisée comics.

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Au moment où l’on écrit ces lignes, il n’y a donc aucune preuve solide d’un bouleversement majeur dans les capacités de Jessica Jones. Si vous avez eu l’impression d’avoir loupé une annonce importante, rassurez-vous, ce n’est sans doute pas le cas.

Mieux vaut donc rester prudent. On vous tiendra au courant.

Dans la continuité principale de Marvel Comics, Jessica Jones garde les pouvoirs qu’on lui connaît depuis longtemps : une force surhumaine, une résistance physique très élevée et une capacité de vol limitée , souvent montrée comme une sorte de grand bond prolongé ou une sustentation bancale. Aucune source officielle récente du côté de Marvel Comics ne fait état d’un nouveau pouvoir, et encore moins d’une aptitude « répugnante », ou pensée pour l’être.

Et puis il y a un autre indice, assez parlant : le silence général. Ni les médias spécialisés, ni les commentateurs comics, ni même les discussions de fans ne vont dans le sens d’une telle révélation. Si quelque chose d’aussi énorme avait vraiment été annoncé, ça tournerait déjà partout.

La confusion vient peut-être d’histoires récentes où Jessica Jones occupait une place centrale, sans que ses pouvoirs de base soient modifiés pour autant dans l’univers principal de Marvel Comics. L’exemple le plus clair reste The Variants, en 2022, une mini-série Marvel Comics dans laquelle Jessica se retrouvait face à plusieurs versions alternatives d’elle-même à travers le multivers, dont une variante liée à Captain America.

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L’idée était forte, oui, mais on restait bien dans un jeu autour des réalités parallèles, pas dans une refonte durable du personnage.

On peut citer aussi un numéro spécial de What If…?, publié par Marvel Comics en juillet 2026, qui imagine une réalité où Jessica Jones est mordue par l’araignée radioactive à la place de Peter Parker. Là encore, on parle d’un récit indépendant bâti sur une hypothèse alternative, pas d’un retcon dans la continuité principale, et pas non plus d’une confirmation canonique d’un nouveau pouvoir.

Du côté du live-action, enfin, les rumeurs non confirmées autour de Daredevil: Born Again pointent même plutôt ailleurs. Plusieurs bruits de couloir parlent d’une Jessica Jones plus fragile, avec des pouvoirs instables ou affaiblis après son accouchement.

Autrement dit, les discussions du moment portent bien plus sur une possible perte de puissance que sur l’apparition d’une capacité spectaculaire. Le ton dramatique de certaines formules, du genre « Jess ne peut vraiment pas avoir de répit », ne remplace pas des faits, pas plus qu’une citation éditoriale ou une planche de comic clairement identifiable.

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Depuis le lancement de sa saison 3, le 3 juillet 2026, Silo a pris une place énorme sur Apple TV+. La série de science-fiction est même devenue la plus regardée de la plateforme à l’échelle mondiale, en montant à la première place dans 101 pays, d’après Apple TV+.

Et le plus frappant, c’est que ce succès public va de pair avec un carton critique. Après 88 % pour la saison 1 puis 92 % pour la saison 2 sur Rotten Tomatoes, la saison 3 affiche cette fois un 100 % parfait, toujours selon Rotten Tomatoes. À ce stade, le thriller SF d’Apple TV+ n’a plus grand-chose de la bonne surprise découverte au fil du bouche-à-oreille. Il s’est installé comme l’un des vrais piliers du service.

Silo sur Apple TV+ : pourquoi la série cartonne

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Adaptée des romans Wool de Hugh Howey, Silo se passe dans un immense silo souterrain où vivent 10 000 personnes. Depuis des générations, tous sont convaincus que l’extérieur est toxique et inhabitable. Cette certitude organise tout, la hiérarchie sociale, les règles de vie, les interdits, jusqu’aux gestes les plus banals du quotidien.

Au centre du récit, on suit Juliette Nichols, une ingénieure jouée par Rebecca Ferguson. Son enquête sur une mort mystérieuse l’emmène vers quelque chose de bien plus vaste. En cherchant à comprendre, Juliette Nichols commence à déterrer une conspiration qui touche directement aux fondations de cette communauté étouffante.

C’est là que la série accroche autant. Il y a le mystère, bien sûr, la tension qui ne lâche pas, mais aussi tout le travail autour de l’univers. Silo est souvent rapprochée de Lost pour sa manière d’avancer par révélations successives et pour l’attachement qu’elle crée avec ses personnages. Et pour le world-building, beaucoup pensent plutôt à The Expanse.

Une saison 3 plus ambitieuse avant une fin déjà programmée

Avec cette saison 3, la série change clairement d’échelle. Elle continue l’intrigue principale, mais elle ajoute aussi une double temporalité qui remonte aux origines des silos. Du même coup, toute la mythologie de Silo s’élargit.

Ce choix de narration permet à la série de fermer certaines portes tout en en ouvrant d’autres, sur l’histoire du monde comme sur ceux qui en tirent les ficelles. Apple TV+ a déjà confirmé l’arrivée d’une quatrième et dernière saison pour l’été 2027. Franchement, c’est plutôt rassurant pour les spectateurs : ils auront droit à une vraie fin pensée à l’avance, pas à une intrigue prolongée juste pour tenir un peu plus longtemps.

Rebecca Ferguson, le suspense et un univers oppressant

Les chiffres impressionnent, mais Silo plaît aussi pour des raisons très concrètes. Les critiques reviennent souvent sur la tension de l’écriture, sur la performance de Rebecca Ferguson, et sur une direction artistique qui plonge vraiment dans cet univers. Le silo lui-même finit presque par exister comme un personnage à part entière, avec ses niveaux, ses codes, ses silences et tout ce qui ne se dit jamais ouvertement.

Sous ses airs de thriller, la série travaille aussi des thèmes plus lourds : la vérité, le contrôle de l’information, la stratification sociale, la réécriture du passé. Au fond, Silo s’impose aujourd’hui comme l’une des œuvres les plus solides, et aussi les plus fédératrices, du catalogue Apple TV+.

La saison 2 de « Ransom Canyon », mise en ligne sur Netflix le 23 juillet 2026, a démarré à 4,1 millions de vues d’après Netflix. La saison 1, elle, avait ouvert à 7,2 millions, toujours selon Netflix. D’une saison à l’autre, cela représente donc une baisse d’environ 43 %.

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Pour « Ransom Canyon », souvent vendue comme une version plus sentimentale de « Yellowstone », ce recul n’a rien d’anodin.

Et pourtant, la saison 2 a grimpé très vite à la première place du Top 10 de Netflix. Le titre garde donc une vraie visibilité sur la plateforme, même avec un lancement nettement moins fort.

Il est encore trop tôt pour en tirer une conclusion définitive. Cette mise en avant peut encore aider « Ransom Canyon » dans les prochaines semaines, surtout si le bouche-à-oreille suit.

Il y a aussi un point à clarifier au sujet de « Ransom Canyon » : la série n’a pas été pensée comme un western romantique coupé en deux.

Netflix a d’abord mis en ligne une saison 1 complète en avril 2025. Le renouvellement officiel a été annoncé en juin 2025, puis la saison 2 a été dévoilée le 23 juillet 2026.

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Autrement dit, cette deuxième salve arrive bien comme une suite classique, pas comme la seconde moitié d’un projet découpé dès le départ. La comparaison qui tient, c’est donc bien celle entre deux saisons distinctes.

Portée par Josh Duhamel et Minka Kelly, « Ransom Canyon » adapte la saga littéraire de Jodi Thomas.

Selon le synopsis de Netflix, l’histoire suit trois familles de ranchers dans le Texas Hill Country, entre rivalités locales, héritages compliqués et passions contrariées. Là où « Yellowstone » appuie davantage sur les rapports de force et l’affrontement brut, « Ransom Canyon » assume une tonalité plus mélodramatique. Au centre du récit, il y a toujours la relation entre Staten Kirkland et Quinn O’Grady, reprise six mois après les événements de la première saison.

La saison 1 comptait 10 épisodes sur Netflix. La saison 2 n’en propose plus que 8 sur Netflix.

Ce nouveau chapitre s’accompagne aussi de quelques changements dans le casting, avec plusieurs absences parmi les visages de la première saison et l’arrivée de nouveaux noms comme Steve Howey et Patricia Clarkson.

Côté accueil, on reste loin d’un consensus critique. La première saison affiche 45 % sur Rotten Tomatoes, avec des retours souvent partagés. Dans les critiques agrégées par Rotten Tomatoes, certains y voient un soap rural efficace mais sans grande originalité ; d’autres retiennent surtout l’alchimie entre les deux têtes d’affiche.

La baisse de la saison 2 peut aussi s’inscrire dans un phénomène plus large, souvent observé chez Netflix : le « sophomore slump », ce tassement que connaissent plusieurs séries après une première saison portée par la curiosité.

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Lancée sur Netflix le 17 juillet 2026, la série sud-coréenne The East Palace s’est hissée en quelques jours parmi les plus gros cartons internationaux de la plateforme. D’après les premiers chiffres avancés par Netflix, elle a totalisé 4,9 millions de vues dans le monde en à peine deux jours. Forcément, la question d’une saison 2 revient déjà, même si Netflix n’a encore rien confirmé officiellement.

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La série sud-coréenne fait déjà partie des programmes les plus commentés de Netflix et, toujours selon ces premiers chiffres communiqués par la plateforme, elle a cumulé 4,9 millions de vues dans le monde en seulement deux jours. Un score qui l’a portée jusqu’à la 2e place du Top 10 des séries non anglophones et à la 4e place des séries les plus regardées au monde sur Netflix sur cette période.

Pour une production sud-coréenne avec une identité aussi marquée, un tel niveau de performance s’inscrit dans une dynamique que Netflix pousse de plus en plus: des créations locales à forte personnalité peuvent largement dépasser leur marché d’origine et finir en phénomène mondial.

The East Palace, justement, se fait remarquer par un mélange très net de folklore coréen médiéval, de mythologie surnaturelle, de fantasy noire et d’action nerveuse.

Les critiques ont surtout salué l’originalité du scénario, la qualité des scènes d’action, son atmosphère sombre et des effets visuels particulièrement impressionnants.

À l’origine pourtant, The East Palace avait été pensée comme une histoire autonome. Avec son format de huit épisodes et sa structure fermée, elle entrait assez clairement dans la catégorie des mini-séries, un modèle souvent retenu pour des récits plus denses et plus risqués.

Et c’est justement ce caractère bouclé qui relance déjà la question d’une saison 2.

Le bouche-à-oreille a changé la donne. Les appels à une suite se multiplient maintenant, autant du côté des spectateurs que dans les commentaires critiques.

Ce genre de pression n’a rien de nouveau pour Netflix, mais le cas présent a quelque chose de particulier: The East Palace semblait pouvoir exister sans suite, et c’est précisément l’ampleur de son succès qui remet aujourd’hui cette décision sur la table.

Autre signe fort, critiques et public se retrouvent ici dans un alignement assez rare.

Sur Rotten Tomatoes, The East Palace affiche 100 % côté critique et 91 % côté public, un double score peu fréquent pour une nouveauté internationale propulsée aussi vite sur le devant de la scène.

L’alchimie entre Nam Joo-hyuk et Roh Yoon-seo revient elle aussi très souvent parmi les qualités relevées par les spectateurs. Leur dynamique à l’écran est même perçue comme l’un des vrais moteurs émotionnels de la série.

C’est une très bonne nouvelle, The East Palace dépassant déjà le simple statut de bon lancement pour venir s’installer au cœur des discussions pop culture de l’année.

À l’heure où nous écrivons ces lignes, Netflix n’a cependant validé aucune saison 2.

Il reste aussi plusieurs zones encore peu documentées: la plupart des analyses publiées jusqu’ici insistent surtout sur le succès global de la série, avec moins d’éléments sur ses performances selon les marchés, et encore peu de lectures approfondies de ses références historiques et folkloriques coréennes.

Mieux vaut donc rester prudent.

Si Netflix finit par confirmer une suite, ce sera aussi l’occasion d’explorer plus largement l’univers de The East Palace, qui, à l’évidence, n’a pas fini de fasciner.

Nous ne manquerons pas de vous tenir informés.

Depuis sa parution en 2017, Red Sister de Mark Lawrence revient sans cesse dans les recommandations de lecteurs de fantasy. Beaucoup le voient comme l’une des meilleures façons d’entrer dans la dark fantasy moderne. Cette place, le roman la doit autant à la densité de son univers et à la force de ses personnages qu’à sa toute première ligne, devenue en quelques années un vrai point de repère pour les amateurs du genre.

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Premier volume de la trilogie Book of the Ancestor, aujourd’hui terminée, Red Sister s’est très vite fait remarquer grâce à une ouverture désormais célèbre : “It is important, when killing a nun, to ensure that you bring an army of sufficient size”. En français, cela donne : il est important, quand on veut tuer une nonne, de s’assurer qu’on vient avec une armée suffisamment grande.

C’est le genre de phrase qui attrape le lecteur tout de suite. Elle intrigue, fixe l’atmosphère, et fait sentir en quelques mots la puissance, le danger et l’aura presque mythique des nonnes au centre du récit. Pour un roman de fantasy, difficile de rêver meilleure entrée en matière. Beaucoup de lecteurs la citent d’ailleurs parmi les meilleurs incipits du genre sur les dix dernières années.

L’histoire suit Nona Grey, une jeune fille condamnée à mort, tirée de son destin au dernier moment pour être conduite au couvent de Sweet Mercy. Là, Nona est formée parmi des nonnes qui ne passent pas leur temps à prier. Elles combattent, manient des pouvoirs rares, et préparent leurs élèves à tenir dans un monde d’une grande brutalité.

Sous ses dehors de dark fantasy, Red Sister travaille aussi des thèmes plus larges : la sororité, la destinée, l’agentivité, et la façon dont une enfant marquée par la violence essaie malgré tout de choisir sa propre voie. Le roman marche d’ailleurs très bien comme récit d’apprentissage, porté par l’évolution de Nona et par les liens qu’elle tisse au sein du couvent.

Un autre des grands points forts du livre, c’est son décor. L’action se déroule sur Abeth, une planète presque entièrement prise par les glaces, où seule une fine bande de terre reste habitable. Cette idée donne à Red Sister une identité visuelle très nette, tout en ajoutant une couche de science-fiction à un socle qui reste clairement fantasy.

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Ce croisement entre les genres a beaucoup compté dans sa bonne réception critique. Red Sister a notamment figuré parmi les romans nommés au David Gemmell Legend Award du meilleur roman en 2018, et de nombreux lecteurs ont salué son world-building, son rythme, ainsi que son attention très marquée aux personnages.

À ce jour, aucune adaptation officielle au cinéma ou en série n’a été annoncée pour Book of the Ancestor. Plus curieux encore, un projet de film intitulé The Red Sister a bien circulé, mais il n’a aucun rapport avec le roman de Mark Lawrence.

En attendant une annonce, si annonce il y a un jour, Red Sister garde donc sa place parmi les lectures qui comptent pour les amateurs de fantasy sombre, de récits initiatiques et, peut-être surtout, de premières phrases qu’on n’oublie pas.

Bethesda Game Studios a fini par le confirmer officiellement : Fallout 5 est en préproduction. Le studio précise quand même que The Elder Scrolls VI reste son prochain gros chantier prioritaire, donc il ne faut pas s’attendre à voir ce nouveau Fallout débarquer de sitôt. L’annonce raconte aussi autre chose : Bethesda commence à parler plus clairement de la suite, avec une feuille de route plus lisible pour ses grandes licences et des attentes un peu mieux cadrées du côté du public, alors même que Microsoft, la maison mère, traverse une période marquée par des licenciements.

Fallout 5 confirmé, mais pas avant The Elder Scrolls VI

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L’information centrale tient en une phrase : chez Bethesda Game Studios, Fallout 5 existe bien, mais le projet n’en est encore qu’au stade de la préproduction.

Autrement dit, la sortie est encore loin. Et elle l’est d’autant plus que Bethesda maintient The Elder Scrolls VI tout en haut de la pile.

Pour les joueurs, au moins, les choses sont dites.

Après des années de rumeurs et de spéculations, Bethesda Game Studios confirme donc que la date de sortie n’est pas proche, ou même une première vraie présentation, serait proche.

Bethesda change de ton et promet plus de transparence

Ce qui retient l’attention ici, ce n’est pas seulement l’existence de Fallout 5. C’est aussi la manière dont Bethesda Game Studios choisit d’en parler.

Le studio a l’air de prendre ses distances avec sa culture du secret pour exposer plus tôt une vision d’ensemble de ses franchises majeures.

Ce changement est largement vu comme une réponse à une demande qui revenait sans cesse chez les fans, lassés d’attendre sans vraie visibilité sur l’avenir de Fallout, de The Elder Scrolls et des autres grands RPG de l’éditeur.

Et, fait assez surprenant, la feuille de route évoquée autour de Fallout ne s’arrêterait pas à Fallout 5. Il serait aussi question de remasters de Fallout 3 et de Fallout: New Vegas, ainsi que d’un nouveau projet lié à la franchise en collaboration avec Obsidian Entertainment.

Creation Engine 3 au cœur de la stratégie

Autre point mis sur la table : Bethesda Game Studios compterait s’appuyer sur le Creation Engine 3 pour ses prochaines grosses productions, dont The Elder Scrolls VI et Fallout 5.

L’idée serait de mieux partager les outils et les technologies entre les projets pour rendre le développement moins lourd et plus fluide.

Sur le papier, cette approche pourrait aider Bethesda Game Studios à réduire les énormes écarts entre deux sorties, un reproche qui revient souvent quand on parle du studio.

Mais bon, mieux vaut rester prudent.

Une annonce déjà critiquée pour son timing

L’officialisation de Fallout 5 ne tombe pas par hasard.

Elle arrive au moment où Microsoft, maison mère de Bethesda Game Studios, est touché par des licenciements.

La communication autour de cette feuille de route a donc provoqué des réactions immédiates, y compris en interne. Le syndicat de Bethesda Game Studios a critiqué le choix du moment, en y voyant un possible moyen de détourner l’attention des suppressions de postes, tout en posant une question simple : avec des effectifs réduits, à quel point ce genre de plan tient-il vraiment debout ?

Dans l’industrie, les réactions restent partagées.

Certains y voient une façon utile de rassurer les fans et de profiter du regain d’intérêt pour Fallout après le succès de la série TV.

D’autres restent plus méfiants et jugent que l’accumulation de projets RPG de cette ampleur rend, à ce stade, le calendrier de Bethesda Game Studios difficile à croire.

À ce jour, aucune nouveauté officielle de Game of Thrones n’a été annoncée autour de Jorah Mormont. On voit bien passer, ici et là, des publications qui suggèrent un retour du personnage, parfois sous le nom un peu détourné de « Jorah the Andal », mais rien ne permet, pour l’instant, d’y voir l’annonce d’une série, d’un film, d’un livre ou d’un produit inédit validé par HBO ou par un détenteur de licence identifié.

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Pour l’instant, les informations restent floues. La piste la plus crédible derrière cette confusion semble venir d’une annonce repérée sur Etsy en mai 2026 : une figurine personnalisée au format Funko Pop, une création artisanale pensée pour les collectionneurs et les fans.

C’est d’ailleurs le genre d’annonce qui peut très vite être reprise de façon trompeuse. Avec un titre qui laisse entendre une disponibilité « officielle », on peut facilement croire à une sortie sous licence, alors qu’il s’agit ici d’un objet fait main, vendu par un créateur indépendant sur Etsy. Mieux vaut donc rester prudent. Si la situation évolue, nous reviendrons dessus.

Et c’est bien là que se joue la différence. Une création Etsy, même réussie et très soignée, ne devient pas pour autant une nouvelle sortie officielle Game of Thrones. Elle ne confirme ni un retour du personnage à l’écran, ni une relance d’une gamme de produits dérivés par Funko ou HBO.

Le flou vient aussi du fait que la distinction entre produits sous licence et créations de fans est rarement expliquée clairement. Pour beaucoup de lecteurs, la frontière reste assez facile à manquer, surtout quand l’objet reprend les codes visuels de figurines déjà bien installées dans la culture pop.

Jorah Mormont a bien eu droit, par le passé, à des produits officiels. Parmi les plus connus, il y a la figurine Funko Pop Jorah Mormont n° 40, sortie en 2016 puis ensuite classée « vaulted », autrement dit retirée de la production courante. Une autre référence officielle est arrivée en 2019 avec le coffret « Daenerys & Jorah at the Battle of Winterfell ».

En dehors de ces produits sous licence plus anciens, on trouve toujours différents objets liés à Jorah Mormont sur des plateformes comme Etsy ou Redbubble : affiches, illustrations, vêtements, et d’autres créations de fans. Là encore, il ne faut pas les mélanger avec des produits officiels de la franchise.

Si Jorah Mormont refait surface dans l’actualité en 2026, c’est surtout par l’intermédiaire d’Iain Glen, l’acteur qui l’interprétait dans Game of Thrones. En mars 2026, Iain Glen est revenu sur son passage dans la série, sur son amitié avec Emilia Clarke, mais aussi sur la façon dont sa formation théâtrale et son rapport à Shakespeare avaient nourri sa manière d’aborder Jorah, ainsi que le style littéraire très particulier de la série.

Au fond, l’actualité récente autour de Jorah Mormont tient plus de la nostalgie et des interviews que d’une vraie nouveauté officielle. Avant de parler de « retour » ou de « sortie officielle », mieux vaut vérifier que l’information vient bien d’un studio, d’un éditeur ou d’un détenteur de licence reconnu.

Pour son deuxième trimestre 2026, arrêté fin juin, Imax a publié des comptes bien orientés : le chiffre d’affaires grimpe de 12 %, à 102,8 millions de dollars, et le bénéfice net progresse de 30 %, à 15,9 millions. En toile de fond, The Odyssey, le film de Christopher Nolan, s’impose déjà comme le prochain grand relais de croissance du groupe.

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Le bénéfice ajusté par action ressort à 0,43 dollar, en hausse de 65 % sur un an. Imax précise aussi que ce niveau dépasse les attentes des analystes, un point loin d’être anodin pour une entreprise dont l’activité reste très dépendante du box-office.

Cette bonne séquence a été portée, explique le groupe, par plusieurs grosses sorties, parmi lesquelles The Super Mario Galaxy Movie et Michael. Ces films ont nourri la fréquentation des salles Imax, et donc les revenus qui vont avec. Fait assez frappant, le long-métrage qui concentre aujourd’hui tous les regards n’a même pas encore pesé dans les comptes du trimestre clos fin juin.

Rich Gelfond, le PDG d’Imax, parle de The Odyssey comme d’un « événement majeur ». À ses yeux, le film peut apporter bien plus que des ventes de billets : un box-office plus élevé, de nouveaux accords avec des exploitants, une marque Imax encore plus visible, et un public qui revient plus souvent vers le format premium.

Les premiers chiffres vont dans ce sens. Sur son week-end de lancement, The Odyssey a généré 52 millions de dollars de box-office mondial pour Imax, soit 20 % des recettes totales du film, selon le groupe.

Imax affirme qu’il s’agit de la plus grosse part de marché jamais enregistrée par l’entreprise lors d’une sortie mondiale de cette taille. La demande pour les écrans premium grand format a été particulièrement forte. Les 41 salles Imax 70 mm ont rapporté, à elles seules, 6,3 millions de dollars sur le week-end d’ouverture, avec une moyenne d’environ 153 000 dollars par écran, toujours d’après la société. Dans beaucoup de cas, les séances étaient complètes plusieurs semaines avant la sortie.

The Odyssey marque aussi une étape technique pour Imax. Le groupe dit avoir co-développé des caméras moins bruyantes, ainsi qu’un système d’insonorisation, souvent désigné sous le nom de « blimp », pour permettre l’enregistrement de scènes dialoguées. Au bout du compte, Imax présente le film comme le premier long-métrage narratif tourné entièrement avec des caméras Imax. C’est une excellente nouvelle : si cette évolution se confirme, elle pourrait élargir l’usage du format chez les cinéastes en levant l’un des freins historiques au tournage intégral en Imax.

Imax vise désormais 1,4 milliard de dollars de box-office mondial en 2026. Et la société insiste sur un point : les résultats du deuxième trimestre n’intègrent toujours pas les revenus liés à The Odyssey, alors même que son déploiement international doit encore se poursuivre en Chine, au Japon et en Corée du Sud, trois marchés clés pour les blockbusters premium.