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Le premier grand événement de Microsoft en 2026, le Xbox Developer Direct, aura lieu le 22 janvier à 19h en Espagne ou à 1h aux États-Unis. Cet événement marque une étape significative, car il coïncide avec le 25e anniversaire de la première Xbox et promet de révéler d’importantes mises à jour sur l’avenir de la Xbox Series, du PC et de Game Pass. La durée estimée sera d’environ 50 minutes à une heure, et il sera diffusé en direct sur YouTube et Twitch en qualité 4K/60 FPS. Les petites surprises attendues L’un des annonces les plus attendues […]
Le premier grand événement de Microsoft en 2026, le Xbox Developer Direct, aura lieu le 22 janvier à 19h00 en Espagne ou à 1h00 aux États-Unis. Cet événement marque une étape significative, car il coïncide avec le 25e anniversaire de la première Xbox et promet de révéler d’importantes mises à jour sur l’avenir de la Xbox Series, du PC et du Game Pass. La durée estimée sera d’environ 50 minutes à une heure, et sera diffusé en direct sur YouTube et Twitch en qualité 4K/60 FPS.
Les petites surprises attendues
Un des annonces les plus attendues est le retour de la série Fable, qui revient après plus de 15 ans depuis son dernier lancement. Ce titre, connu pour sa riche narration et son monde ouvert, est un pilier de l’identité de Xbox. En plus de Fable, l’arrivée de Forza Horizon 6, situé au Japon, sera confirmée, bien que des détails supplémentaires sur son développement n’aient pas encore été fournis. L’événement est décrit comme une occasion pour les créateurs des jeux de présenter des nouveautés et du matériel de jeu.
Des changements possibles sont également attendus pour Xbox Cloud Gaming, qui pourraient permettre son utilisation gratuite. De plus, des surprises liées à Game Pass sont anticipées, qui a récemment ajouté une sélection passionnante de jeux à son catalogue. Au fil des ans, Xbox Developer Direct a été connu pour ses annonces inattendues, comme la révélation de Ninja Gaiden 4 lors de l’édition précédente.
L’événement promet d’être une célébration à la fois de l’héritage de Xbox et de son avenir. Les fans sont impatients de découvrir non seulement les titres confirmés, mais aussi de potentielles surprises qui pourraient changer le paysage de la plateforme.
Je me souviens parfaitement de la première fois que j’ai entendu parler de Squid Game : j’étais en vacances à Marrakech quand, tout à coup, tout Twitter a commencé à parler sans arrêt d’une nouvelle série coréenne. Un phénomène qui n’avait pas été vu sur Netflix depuis Stranger Things et La Casa de Papel, une folie comme peu… Qui, de plus, avait quelque chose de très en sa faveur : c’était une bonne série. Hwang Dong-hyuk, son créateur, est devenu l’un des visages les plus importants de l’audiovisuel dans le pays tandis que sa série accumulait des heures de visionnage. Actuellement, en fait, sa saison 1 continue de détenir le record […]
Je me souviens parfaitement de la première fois où j’ai entendu parler de Squid Game : j’étais en vacances à Marrakech quand, tout à coup, Twitter a commencé à parler sans arrêt d’une nouvelle série coréenne. Un phénomène qu’on n’avait pas vu sur Netflix depuis Stranger Things et La Casa de Papel, une folie comme peu d’autres… Qui, de plus, avait un atout majeur : c’était une bonne série. Hwang Dong-hyuk, son créateur, est devenu l’un des visages les plus importants de l’audiovisuel dans le pays pendant que sa série accumulait des heures de visionnage. Actuellement, en fait, sa saison 1 détient toujours le record des séries en langue non anglaise avec 265 millions de vues, et ses saisons suivantes ne sont pas loin derrière. Mais… Et s’il avait été appelé autrement ? Aurait-il connu le même succès fulgurant ?
Mettez-lui un autre titre. Pire, s’il vous plaît
À l’origine, Dong-hyuk avait pensé à Squid Game comme à un film né de sa propre misère : toute sa famille était en train de payer des dettes sans fin et se mettait constamment sous hypothèque, et en fait, il vivait dans un café coréen où l’on pouvait lire des mangas. C’est là qu’il a découvert des bandes dessinées de style survival et a pensé que cela pourrait être sa propre vie, après tout : une fable du capitalisme oppressif le plus dégoûtant et étouffant. Quel est le problème ? Personne, absolument personne, n’a voulu l’acheter car cela leur semblait grotesque et incompréhensible, alors il l’a laissée au fond du tiroir jusqu’à ce que, tout à coup, Netflix frappe à sa porte.
Mais bien sûr, Netflix ne vient pas les mains vides, et au lieu de respecter son idée originale, ils lui ont demandé de la changer et de la transformer en une série télévisée. Et bien sûr, que feriez-vous à sa place ? Dong-hyuk a ajouté des intrigues et des personnages, a modifié la structure et, finalement, il avait un scénario parfait à présenter à un Netflix qui, malgré tout, n’était pas convaincu par le titre Le jeu du calamar : c’était un titre tellement coréen que probablement personne ne comprendrait dans le reste du monde. À la place, ils lui ont proposé de l’appeler Round 6. Aurait-elle eu le même succès ?
Heureusement, le réalisateur a insisté sur le fait que son titre original était son essence (et, après tout, il devait être vu comme quelque chose de total et ne pas faire attendre les gens pour la hypothétique sixième manche) et, pour que Netflix ne s’en mêle pas, il a proposé toute la campagne visuelle, montrant comment cela aidait à créer de la curiosité parmi les spectateurs. Cela a pris du temps, c’est vrai : lorsque la série a été annoncée sur le blog de Netflix à l’origine, elle l’a été sous le titre de Round Six.
Pour Minyoung Kim, un cadre coréen de Netflix, a affirmé qu’à l’époque, ils avaient tendance à sous-estimer la curiosité du public. « Pour le dire simplement, nous aurions pu commettre une grande erreur. Je suis heureux que le réalisateur Hwang nous ait fait revenir à Squid Game, cela suscite la curiosité et capture très bien l’histoire ». Curieusement, le titre proposé par Netflix a survécu… mais seulement au Brésil ! Et la raison est des plus curieuses.
Il s’avère que « calamar », en portugais, se dit « lula », donc la série aurait été appelée Jogo da Lula, ce qui pourrait sonner comme une référence claire au président (alors ancien président) Lula da Silva, qui allait se présenter aux élections l’année suivante. Pour éviter des problèmes, ils ont préféré que cela s’appelle simplement Round 6. Bien qu’elle soit restée à l’écart du reste du monde, cela dit, elle a également été un succès sans précédent, prouvant que, peut-être, ce qui importait n’était jamais le titre, mais ce qui était raconté.
La Seconde Guerre mondiale a changé l’histoire pour toujours. Non seulement pour des raisons évidentes (la géopolitique n’a jamais été la même, ses conséquences se font encore sentir aujourd’hui), mais même dans l’audiovisuel. Il faut tenir compte du fait qu’il y avait un bon nombre de producteurs qui prospéraient aux États-Unis et, en s’arrêtant net, n’ont jamais été les mêmes, et il en a été de même pour des industries comme celle de la bande dessinée, qui s’est complètement renouvelée après le conflit. Pendant ces années, on prenait le petit déjeuner, le déjeuner et le dîner en parlant de guerre. Et, bien sûr, cela a même affecté les […]
La II Guerre mondiale a changé l’histoire à jamais. Non seulement pour des raisons évidentes (la géopolitique n’a jamais été la même, ses conséquences se font encore sentir aujourd’hui), mais aussi dans le domaine audiovisuel. Il faut garder à l’esprit qu’il y avait un bon nombre de producteurs qui prospéraient aux États-Unis et, en s’arrêtant net, ils ne sont jamais redevenus les mêmes, et il en a été de même pour des industries comme celle de la bande dessinée, qui s’est complètement renouvelée après le conflit. Pendant ces années, on prenait le petit-déjeuner, le déjeuner et le dîner en parlant de guerre. Et, bien sûr, cela a même affecté les dessins animés.
Le soldat a mis les pieds dans le plat
Déjà en 1938, Disney et Warner ont commencé à réaliser des courts-métrages sur la guerre où, par exemple, nous pouvions voir Porky mobiliser ses troupes contre un maléfique « ducktator », mais le gros du sujet est arrivé l’année suivante, lorsque tout a commencé officiellement. Tous ont utilisé les dessins animés à leur avantage, de l’Allemagne à l’URSS, en passant, bien sûr, par les États-Unis. Dingo est devenu nazi pour un jour dans le magnifique Der Fuehrer’s Face, Bugs Bunny a bombardé les Japonais et Daffy Duck est allé à Berlin pour combattre le même Hitler. Mais ce n’est pas cela qui nous intéresse.
Le 28 juin 1943, au plus fort du conflit, le premier court-métrage d’un personnage créé ad hoc par le célèbre Frank Capra a été présenté, et où ont également collaboré des légendes comme le Dr. Seuss, Munro Leaf ou Mel Blanc, qui a prêté sa voix. Il s’agissait du Soldat Snafu, un nom qui semble choisi au hasard, mais qui était en réalité un acronyme utilisé par les Américains pendant la guerre : “Situation normale : tout est foutu”. Ces courts-métrages étaient projetés exclusivement pour les soldats et leur but était de montrer aux analphabètes comment ils devaient agir dans diverses situations.
Snafu était maladroit, idiot et très, très populaire parmi les soldats de base. Et dans chaque épisode, il se mettait dans des situations délicates de mille façons différentes, allant de ne pas se faire vacciner à révéler des plans secrets à des inconnus. Évidemment, ce n’était pas destiné aux enfants, donc aujourd’hui, le langage utilisé et certaines des situations qu’on le voit vivre peuvent surprendre. Personne ne savait même s’ils se reverraient en dehors de l’armée !
Au total, Warner a réalisé 24 courts-métrages, avec des caméos de Daffy Duck ou Bugs Bunny, qui duraient un peu plus de quatre minutes et montraient les mésaventures de Snafu face à des problèmes comme le paludisme, les bombes ou les masques à gaz. Ils sont impressionnants à voir (après tout, ils ont été réalisés pendant l’âge d’or de Warner), ils contiennent des gags fascinants et, heureusement, ils peuvent tous être facilement obtenus après avoir été déclassifiés par le gouvernement américain. Parce que oui, bien sûr, ils ont été considérés comme du matériel sensible pendant des années.
Snafu était le plus célèbre, mais ce n’était pas le seul personnage de dessin animé projeté aux soldats à l’époque. En fait, il y en avait d’autres comme Mr. Hook (qui incitait à acheter des obligations de guerre) ou le Soldat McGillicuddy (qui était également doublé par Mel Blanc). Tous ont disparu à la fin de la guerre, bien que Snafu, qui a même été projeté dans des musées, ait fait des caméos dans des séries méta comme Animaniacs. En fait, il a même failli avoir une famille : Tarfu (acronyme de “Things Are Really Fucked Up”) a réalisé un seul court-métrage lorsque la guerre était sur le point de se terminer. Les tueries indiscriminées avec des dessins animés semblent faire moins mal, paraît-il.
Quelque chose d’aussi fou que Dead or Alive Xtreme Beach Volleyball est un concept si absolument dingue qu’il ne pouvait se produire qu’au début du siècle, quand il y avait vraiment un public pour ce type de jeux vidéo. Dans celui-ci, les protagonistes de l’un des jeux de combat les plus célèbres de tous les temps mettaient les combats de côté pour se consacrer à jouer au volley-ball en maillots réduits et… eh bien, c’était tout. En fait, le seul homme qui apparaissait dans le jeu était Zack. C’est la preuve exacte que, peu importe à quel point cela met certains en colère et les fait piquer une crise, […]
Quelque chose d’aussi fou que Dead or Alive Xtreme Beach Volleyball est un concept tellement complètement dingue qu’il ne pouvait se produire qu’au début du siècle, quand il y avait vraiment un public pour ce type de jeux vidéo. Dans ce jeu, les protagonistes de l’un des jeux de combat les plus célèbres de tous les temps mettaient les combats de côté pour se consacrer à jouer au volley-ball en maillots minimalistes et… eh bien, c’était tout. En fait, le seul homme qui apparaissait dans le jeu était Zack. C’est la preuve exacte que, peu importe à quel point cela peut énerver certains, les jeux d’autrefois étaient terriblement machistes. C’est comme ça. Et ce n’est pas tout : de plus, ils attiraient des foules de gens qui voulaient voir de la chair avant qu’Internet ne devienne la norme.
Mort ou Volleyball
Quels étaient les éléments que vous pouviez acheter dans le jeu ? Des bikinis et des maillots de bain. Que pouviez-vous faire en plus de jouer un match ? Dépenser de l’argent au casino et aux machines à sous. Pouviez-vous prendre des photos des protagonistes ? Bien sûr, de la manière la plus suggestive possible. En gros, Dead or Alive Xtreme Beach Volleyball était tout ce qui ne serait plus permis aujourd’hui, et à juste titre. Et pourtant, son développement a vraiment commencé de bonne foi : les fans voulaient que Team Ninja ajoute un mini-jeu de volley-ball dans Dead or Alive 2, et l’équipe a décidé que cela méritait quelque chose de plus : un jeu à part entière, exclusif pour les fans (ce qui a évolué au fil des mois).
Pour s’assurer que le jeu était un succès, la bande sonore était remplie de chansons de tous les groupes et chanteurs qui cartonnaient au début des années 2000 : Spice Girls, Christina Aguilera, Baha Men, Janet Kay… Tout était fait pour plaire aux fans. Bien que ceux-ci étaient plus préoccupés par ce qu’ils appelaient (enfin) les « physiques de balancement ». C’était tellement attendu qu’en fait, cela a provoqué un tumulte inattendu à l’E3 de 2003, un événement déjà annulé qui, pendant des années (trop d’années), a survécu aux critiques pour avoir utilisé des jeunes femmes en tenue légère comme appât pour les jeux. Oui, cela s’est produit. On les appelait les « E3 babes ». Beurk.
Lors de cet événement, pour célébrer l’existence du jeu et attirer l’attention du public, Tecmo a décidé de faire un show. Un spectacle de volley-ball ? De lutte ? D’habileté avec la manette ? Bien sûr que non : un spectacle de strip-tease basé, d’une certaine manière, sur Dead or Alive Xtreme Beach Volleyball. Ils l’ont fait plusieurs fois et, à chaque fois, leur stand se remplissait de plus en plus de monde, jusqu’à ce qu’il atteigne un point où cette masse de personnes devenait ingérable. S’ajoutait, bien sûr, qu’après le spectacle, les fans pouvaient prendre des photos avec les filles déguisées. À la fin, fatigués de tout, les pompiers ont coupé le courant, vidé le stand et ont mis fin au désastre avant qu’il n’ait de pires conséquences.
La chose ne s’est pas arrêtée à une simple anecdote d’autrefois, mais a eu des conséquences réelles : en 2006, l’E3 a décidé d’obliger les producteurs de jeux vidéo à ce que les “babe” soient habillées de manière peu provocante et décente. À l’époque, je vous l’assure, il n’était pas si rare que lors des événements de jeux vidéo, il y ait des spectacles de strip-tease pour certains jeux en particulier. Heureusement, cela appartient au passé : si ce n’est pas fait pour la décence et le féminisme, au moins que ce soit fait pour éviter que les pompiers ne doivent intervenir, non ?
Pour autant que certains fans aient voulu inventer qu’il existe un épisode secret supplémentaire, la vérité est que Stranger Things, à tous égards, a déjà atteint sa fin. Mieux ou pire, selon qui vous demandez, mais une fin tout de même, en attendant que les spin-offs et les suites épuisent peu à peu la franchise jusqu’à la transformer en un souvenir plus semblable à une tache dans notre esprit. Cependant, ce que peu de gens savent, c’est que la série s’est déjà étendue depuis un certain temps, mais pas à la télévision ni au théâtre, mais dans […]
Peu importe combien certains fans ont voulu inventer qu’il existe un épisode secret supplémentaire, la vérité est que Stranger Things, à tous égards, a déjà atteint sa fin. Mieux ou pire, selon à qui vous demandez, mais une fin tout de même, en attendant que les spin-offs et les suites épuisent peu à peu la franchise jusqu’à la transformer en un souvenir plus semblable à un brouillon dans notre esprit. Cependant, ce que peu de gens savent, c’est que la série s’est déjà étendue depuis un certain temps, mais pas à la télévision ni au théâtre, plutôt dans la littérature. Car oui, les romans basés sur la production de Netflix n’adaptent pas ce que nous avons déjà vu, mais élargissent, racontent et clarifient, devenant étonnamment nécessaires pour les fans. Oui, vraiment.
Livres étranges
Il y a quelque temps, il était normal que de chaque franchise à succès émerge une autre micro-franchise de livres et de bandes dessinées plus ou moins canoniques. De Vendredi 13 à Buffy contre les vampires, il était habituel que les fans aient toujours un endroit où se rendre pour vivre de nouvelles aventures. Cependant, depuis un certain temps, il y a tellement de loisirs que la machine à churros semble s’être arrêtée dans la plupart des sagas… À l’exception de Stranger Things ! Depuis 2019, un total de 10 livres ont été publiés, racontant ce qui s’est passé à Hawkins sous un autre angle ou offrant des approches inédites de la série. Et, si vous vous considérez comme un fan, vous devriez les lire.
Ou, du moins, le premier d’entre eux, Mentes Peligrosas, une préquelle qui raconte une histoire dans laquelle la mère d’Onze, Terry Ives, se retrouve avec le Dr Brenner dans le laboratoire de Hawkins vers 1969. Ici, son écrivaine, Gwenda Bond, en profite pour intégrer des éléments de fond très appréciables, comme qui est au-dessus de Brenner ou la présentation de plus d’enfants avec les capacités d’Onze. Si après l’avoir lu, vous en voulez plus, ne vous inquiétez pas, car il y a une autre préquelle, A oscuras en la ciudad, qui suit Hopper dans les années 70, revenu du Vietnam, lorsqu’il travaillait comme policier à New York et enquêtait sur une affaire d’enfants disparus. Si vous êtes passionné par le personnage, c’est incontournable.
Nous pouvons également découvrir le personnage de Max avant d’arriver à Hawkins dans Max, la fugitive (qui raconte comment était sa vie à San Diego avant et pendant la saison 2) et celui d’Eddie Munson dans Le vol d’Icare (se concentrant sur le passé du leader du Club Hellfire). De plus, il y a plusieurs histoires qui comblent les lacunes entre les saisons, comme One way or another, où Nancy et Robin enquêtent sur la corruption à Hawkins deux mois après que Vecna ait détruit Hawkins, ou L’expérience de Dustin, qui suit le personnage entre les saisons 3 et 4, se faisant de nouveaux amis et affrontant le monde.
Est-ce que ce sont de bons romans ? Certainement pas. Est-ce qu’ils sont divertissants ? Bien sûr que oui. C’est la même chose avec les comics de Stranger Things, qui ont raconté des histoires inédites pendant plus de 70 numéros depuis 2018, réparties en plusieurs collections où les gamins jouent à Dungeons & Dragons et ont même des crossovers avec Hellboy et Les Tortues Ninja. Tout cela pour prolonger la durée de vie d’une série que les frères Duffer n’ont jamais pensé qu’elle irait aussi loin : 5 saisons sur 10 ans, de nombreux spin-offs déjà envisagés, un merchandising millionnaire et, enfin, la poule aux œufs d’or d’un Netflix qui a désespérément besoin de franchises. Tout cela pour prolonger un peu plus ces vacances à Hawkins !
30 ans passent en un clin d’œil, ou c’est ce que doivent penser tous les fans de One Piece qui ont commencé à le lire depuis son premier chapitre dans le Shonen Jump en juillet 1997. Eiichiro Oda, qui avait alors 22 ans, a consacré toute sa vie à Luffy et au reste des Chapeaux de Paille, lui apportant des bénéfices millionnaires et la reconnaissance de toute l’industrie. Il a donné lieu à plusieurs spin-offs apocryphes, 14 films, toutes sortes de produits dérivés et, bien sûr, un anime qui, à ce jour, compte 1155 épisodes. Et c’est juste maintenant que, […]
30 ans passent en un clin d’œil, ou c’est ce que doivent penser tous les fans de One Piece qui ont commencé à le lire depuis son premier chapitre dans la Shonen Jump en juillet 1997. Eiichiro Oda, qui avait alors 22 ans, a consacré toute sa vie à Luffy et au reste des Chapeaux de Paille, lui apportant des bénéfices millionnaires et la reconnaissance de toute l’industrie. Cela a donné lieu à plusieurs spin-offs apocryphes, 14 films, toutes sortes de produits dérivés et, bien sûr, un anime qui, à ce jour, compte 1155 épisodes. Et c’est justement maintenant que, pour la première fois, il a brusquement arrêté après plus de 25 ans diffusés presque sans pauses. Ça va être difficile, mais crois-moi : ça vaut la peine d’essayer de te mettre à jour.
Gomu Gomu No Marathon !
Vous devez savoir quelque chose de très important avant de vous attaquer à un défi comme celui-ci : contrairement aux animes actuels, One Piece a été diffusé chaque semaine, souvent en synchronisation avec le manga, ce qui les a obligés à inclure des sagas de remplissage pour laisser de la place à de nouvelles aventures des pirates. Ce n’est pas que ce soit nécessairement mauvais, mais vous pouvez tout à fait les sauter sans problème, car elles n’ont aucune importance réelle, et il vous reste encore beaucoup à voir. Ainsi, il y a 98 épisodes de remplissage (bien que certains puissent le remettre en question), donc il ne vous reste plus que 1057 épisodes à regarder. Êtes-vous prêt à vous mettre à jour avant que le 5 avril ne revienne avec une nouvelle saga ?
Si vous dites oui, devant vous vous attendent environ 350 heures (c’est-à-dire 15 jours sans arrêt à regarder One Piece), qui peuvent être considérablement réduites si vous sautez les openings, les endings et, bien sûr, les résumés : il y a des épisodes qui répètent jusqu’à 10 minutes de l’épisode précédent pour mettre le spectateur à jour. Pour parler franchement : ce serait 12 épisodes par jour, un petit défi mais qui en vaut la peine pour pouvoir profiter, avec tout le monde, de la phase finale de la pièce de culture pop la plus importante du XXIe siècle, l’aventure ultime, l’anime et le manga qui définira toute une génération, même plus que d’autres comme Dragon Ball ou Naruto. Et non, il n’est pas trop tard pour commencer.
Il est possible que vous ayez vu un épisode à l’époque et que vous pensiez que One Piece est une bande dessinée de pirates qui vont d’île en île en affrontant des méchants avec des pouvoirs étranges et en utilisant leur force pour les vaincre. Et oui, c’est vrai, c’est la base principale, mais il y a beaucoup plus à l’intérieur : une aventure épique interconnectée remplie de mystères, de personnages nuancés, de surprises et de moments qui ont marqué l’histoire de l’animation nippone (« Je veux vivre ! »). Ses flashbacks émouvants impossibles à regarder sans verser une ou mille larmes, ses personnages en constante évolution, ses combats à mort et ses révélations inattendues font que l’attente chaque semaine est un supplice que des millions de personnes à travers le monde sont impatientes de « subir ».
Rien que d’avoir vécu Ennies Lobby et de comprendre le pouvoir de ses personnages comme force déstabilisatrice dans un monde injuste, cela vaut déjà la peine de s’approcher de One Piece, une série qui masque une révolution du peuple avec des bras qui s’étirent, des épées de feu, des coups de pied volants et des squelettes jouant du violon. Elle est nécessaire en cette année 2026 si amère, unique, drôle, fantastique et portée par le personnage le plus charismatique de l’histoire de l’anime : Luffy D. Monkey. Crois-moi : prendre l’habitude de passer tes après-midis à regarder One Piece te donnera beaucoup plus de joie que tu ne le penses, ne serait-ce que pour affronter ce qui sera probablement la fin la plus mémorable du siècle à temps. Ne te laisse pas influencer par la série de Netflix ni par des projets comme One Pace : embrasse l’aventure dans toute sa splendeur. Tu ne le regretteras pas.
Dans un tournant significatif pour la série d’animation la plus emblématique de la télévision, Duffman, le porte-parole connu de la bière Duff, a annoncé son retrait définitif dans l’épisode intitulé Seperance, un jeu de mots qui parodie la production d’Apple TV+, Severance. Cette annonce marque la fin de près de trois décennies de performances en tant que Duffman, le personnage bien-aimé interprété par Hank Azaria, qui a souligné les défis physiques du rôle en raison de sa nature explosive et de ses exigences vocales intenses. Le drame est arrivé dans Les Simpson. Pendant l’épisode, Barry, l’homme derrière le costume de Duffman, […]
Dans un tournant significatif pour la série d’animation la plus emblématique de la télévision, Duffman, le célèbre porte-parole de la bière Duff, a annoncé son retrait définitif dans l’épisode intitulé Seperance, un jeu de mots qui parodie la production d’Apple TV+, Severance. Cette annonce marque la fin de près de trois décennies de performances en tant que Duffman, le personnage adoré interprété par Hank Azaria, qui a souligné les défis physiques du rôle en raison de sa nature explosive et de ses exigences vocales intenses.
Le drame est arrivé dans Les Simpson
Lors de l’épisode, Barry, l’homme derrière le déguisement de Duffman, a informé la famille Simpson que la corporation a décidé de retirer le personnage pour toujours.Duff a retiré cette figure de manière permanente, a-t-il expliqué, en soulignant que les formes traditionnelles de publicité, comme les représentants d’entreprise et les jingles, ne résonnent plus avec les nouvelles générations.
Ce retrait se produit dans un contexte de changements au sein de la série, qui a également vu le départ d’autres personnages, comme Alice Glick, après 34 ans à l’écran. Ces adieux ont conduit certains fans à spéculer sur une possible fin de la série, qui est à l’antenne depuis presque 40 ans. Il semble que la narration des Simpson se prépare à des tournants plus draconiens et émouvants dans son histoire.
Malgré ces changements, la série prévoit de sortir un deuxième film en septembre 2027, donc ce tournant ne semble pas avoir de lien avec la fin de la série.
Les programmes de fin d’année se sont standardisés. En effet, ils sont très conscients qu’ils n’ont qu’un public réel : ils servent soit aux personnes solitaires qui iront se coucher après les douze coups de minuit, soit comme toile de fond d’une célébration à domicile où ils servent de musique d’ambiance et pas plus. Cependant, parfois, il se passe quelque chose qui fait que tout explose. Une véritable barbarie télévisuelle, un impossible fait programme, une rare avis qui se distingue par l’horreur qu’elle engendre. C’est ce qui s’est passé en 2013, lorsque Jamie Kennedy a monté, presque sans le vouloir, […]
Les programmes de fin d’année se sont standardisés. En effet, ils sont très conscients qu’ils n’ont qu’un public réel : ils servent soit à des personnes solitaires qui iront se coucher après les douze coups de minuit, soit comme toile de fond d’une célébration à domicile où ils ne font que jouer de la musique d’ambiance. Cependant, parfois, il se passe quelque chose qui fait que tout explose. Une véritable barbarie télévisuelle, un impossible fait programme, une rare avis qui se distingue par l’horreur qu’elle suscite. C’est ce qui s’est passé en 2013, lorsque Jamie Kennedy a monté, presque sans le vouloir, le pire spécial de l’histoire de la télévision.
Aimez-vous les spéciaux terrifiants ?
Vous vous demandez peut-être qui est Jamie Kennedy et pourquoi il a eu un spécial du Nouvel An dédié à lui. Eh bien, il se peut que vous le connaissiez comme Randy Meeks, le petit malin de la saga Scream, ou comme l’auteur de la télé-réalité The Jamie Kennedy Experiment. Il a toujours essayé de pousser les choses à l’extrême, lors de la dernière nuit de 2012 et de la première de 2013, deux chaînes de télévision indépendantes dans le comté d’Orange et à Sacramento lui ont fait confiance pour accueillir la nouvelle année. À sa manière, bien sûr.
En direct, depuis le Théâtre Chinois de Los Angeles, Kennedy a massacré le concept de spécial de Nouvel An, provoquant l’horreur parmi les quelques personnes qui l’ont regardé. En sa défense, et comme il l’a déclaré par la suite, il a toujours voulu faire un “anti-show de Nouvel An” sans répétition et impossible à prévoir, mais en réalité, en plus de cela, c’était aussi rempli d’erreurs techniques (« Allez, mec, ne me fais pas chier » et « Où est le gars de la caméra ? », on entendait dès le début), avec des sketches qui n’avaient aucun sens, des problèmes entre la direction et le présentateur, des micros qui apparaissaient constamment dans le cadre… Et j’aimerais que ce soit le pire.
À un moment donné, les responsables de la communication de Carl’s Jr, qui était l’un des sponsors de l’événement, ont vu comment on forçait quelqu’un à manger un Burger Turkey Jalapeño de la manière la plus sexuelle possible. Vous pouvez imaginer la colère. Les responsables du casino Commerce, à Los Angeles, n’ont pas été mieux lotis, puisque Kennedy a interprété un maya essayant de regagner sa fortune en jouant au poker dans un sketch extrêmement raciste et indescriptible. Vous penseriez qu’au moins, il accueillerait la nouvelle année comme le veut la tradition, n’est-ce pas ? Eh bien, eh bien…
Pour commencer, Macy Gray est montée sur scène à 23h50 en pensant qu’il était 23h15, et à peine a-t-elle terminé, Kennedy a lancé le compte à rebours, mais comme il ne trouvait pas de montre nulle part, il a terminé dix secondes en retard. Et après le Nouvel An ? Des blagues terriblement osées (y compris un spectacle de marionnettes sur les viols) et une bagarre sur scène. Même au Nouvel An, personne n’était assez ivre pour supporter une telle chose. Intéressant d’un point de vue artistique ? Peut-être. Mais en termes de pur spectacle ? Absolument pas.
Il y en a qui, a posteriori, l’ont comparé au désastre que fut le Star Wars Holiday Special, et d’autres ont souligné que, peu importe ce que Kennedy voulait créer, ce n’était certainement pas le résultat final. Cela peut vous surprendre, mais l’année suivante, personne n’a appelé Jamie Kennedy pour qu’il fasse son show à la télévision. Après le désastre, même lui ne s’est pas vraiment étonné de ne pas pouvoir souhaiter une année 2014 chaotique. Cela dit, des années plus tard, il a ajouté une réalité : « Nous voulions que ce soit de la merde. Savions-nous que ce serait si mauvais ? Non. Mais si nous l’avions bien fait, est-ce que je serais en train de parler avec vous maintenant ? Je n’ai poignardé personne, je n’ai tiré sur personne, j’ai juste fait un spécial du Nouvel An. Est-ce si mauvais ? ». Eh bien, cela dépend de qui vous demandez, c’est sûr.
Avec la modernité et l’obsession pour la santé des adolescents, nous avons gagné beaucoup de choses (comme, par exemple, l’espérance de vie), mais en échange, nous avons perdu les mascottes de la nourriture grasse. Il en reste encore quelques-unes dans les boîtes de céréales, comme Tony le Tigre, Coco le Singe ou la grenouille des Smacks, mais elles disparaissent de plus en plus, surtout sur le marché européen et latino-américain. Cependant, il y a quelqu’un de reconnaissable dans le monde entier qui, d’une certaine manière, a réussi à survivre : un guépard toujours moderne et éternellement cool qui a été le protagoniste, pendant des années, des publicités […]
Avec la modernité et l’obsession pour la santé des adolescents, nous avons gagné beaucoup de choses (comme, par exemple, l’espérance de vie), mais en échange, nous avons perdu nos mascottes de la malbouffe. Il en reste encore quelques-unes dans les boîtes de céréales, comme Tony le Tigre, Coco le Singe ou la grenouille des Smacks, mais elles disparaissent de plus en plus, surtout sur le marché européen et latino-américain. Cependant, il y a quelqu’un de reconnaissable dans le monde entier qui, d’une certaine manière, a réussi à survivre : un guépard toujours moderne et éternellement cool qui a été le protagoniste, pendant des années, des publicités et des couvertures de Cheetos. Cependant, savons-nous vraiment qui est Chester Cheetah et d’où diable il vient ? Venez, car son histoire est bien plus incroyable qu’il n’y paraît.
Où est Poochie ?
Avant que Chester n’arrive avec les paquets et les annonces de la marque, celle-ci avait une autre mascotte : la Souris de Cheetos, qui a duré pendant tous les années 70 et a été au cœur de toute la machinerie marketing jusqu’à sa retraite progressive. Curieusement, il existe des pays qui lui ont résisté. Par exemple, en Espagne, en copiant et modernisant son esthétique, ils ont créé les Masqueseros, quatre souris qui faisaient office de mousquetaires : Torciditos, Bolitas, Ricitos et le malheureux Tubitos, qui a disparu rapidement (en plus d’autres personnages comme le Comte Drakis ou la Bande). Cependant, tout a changé lorsque le centre de commandement a décidé de standardiser tous les paquets du monde avec la même mascotte.
Chester est né en 1986, et a été créé par Brad Morgan (dessinateur) et Stephen Kane (scénariste des annonces). Lors de sa première apparition, Chester se présentait comme un gars tranquille jusqu’à ce qu’il sente un paquet de Cheetos, car il n’avait d’autre choix que de faire toutes sortes de folies pour l’obtenir. « Ce n’est pas facile d’être cheesy », affirmait-il après s’être donné un coup sur la tête. Ce fut un tel succès qu’il a déclenché une petite “Chester-mania” : il collait parfaitement à l’ambiance des années 80 et du début des années 90 : il portait des lunettes de soleil, conduisait un skateboard, et faisait tout ce qui était en son pouvoir pour être la plus cool de toutes les mascottes.
À l’époque, Chester, dessiné en 2D, faisait toutes sortes de machinations pour s’emparer des Cheetos, à la manière du Coyote attrapant le Road Runner, et son succès fut tel qu’en 1992, il était sur le point de devenir la vedette de sa propre émission de télévision pour Fox Kids, Yo! It’s the Chester Cheetah Show!. Évidemment, cela a été annulé avant d’être diffusé pour une raison évidente : c’était de la publicité. « Ce n’est pas un débat sur la qualité. Tout dessin animé est bon, c’est légal, tant que ce n’est pas une publicité », a déclaré à l’époque l’activiste télévisuelle Peggy Carren. Dans la série, Chester aurait eu de nouveaux amis, comme un singe funky, un chien rockeur et un hippopotame rappeur. Cependant, à notre connaissance, cela n’est pas allé au-delà de la phase de storyboard (bien que peut-être un jour, comme une bonne lost media, cela finisse par voir le jour).
Ce qu’il a eu, ce sont deux jeux vidéo : Chester Cheetah : Too Cool to Fool et Chester Cheetah : Wild Wild Quest. Cela peut sembler normal si vous êtes un gamin des années 90, quand tout était essentiellement une publicité, mais en ce moment, c’est une véritable folie de faire des jeux vidéo sur des mascottes publicitaires… et de faire payer les enfants pour cela ! Mais bon, c’était Chester, la mascotte qui a réussi à survivre même au passage au CGI, le transformant en protagoniste et lui permettant, enfin, de manger des Cheetos à la fin des publicités. Comment ne pas lui permettre de tout faire ? Il a même eu un crossover avec Sonic dans les comics du hérisson bleu, jouant le rôle de réalisateur. Quoi ? Je vous ai dit que la Chester-mania allait bien plus loin que ce que quiconque aurait pu imaginer.
Il en va de même : tout comme maintenant les personnages célèbres apparaissent dans Fortnite et Roblox, Chester est apparu dans Plants vs Zombies (ajoutant les personnages Chester Chomper et Dr. Chester) et même dans Angry Birds, avec plusieurs jeux promotionnels où la mascotte de Cheetos aidait les oiseaux à récupérer leurs sachets de snacks. Ce furent quelques niveaux gratuits, mais suffisants pour montrer que la mascotte de Frito-Lay était là pour rester. Et nous y voilà : 40 ans après son arrivée et il faut encore le voir partout chaque fois que vous voulez sauter votre régime. Oui, les temps ne sont pas bons pour les fans de la Souris de Cheetos, je le crains.
En 1993, Bill Clinton est devenu le 42ème président des États-Unis, et il était un souffle de fraîcheur par rapport à George Bush, son prédécesseur : il jouait du saxophone, faisait des blagues, n’avait pas encore 50 ans et a atteint un incroyable taux d’approbation, même malgré son scandale avec Monica Lewinsky, qui a fait la une des journaux du monde entier. Cependant, dans les premiers jours de sa présidence, avant cela, le grand public parlait d’autre chose de très différent : du chat du président, Socks. Que voulez-vous, il n’y avait pas TikTok, il fallait s’amuser d’une manière ou d’une autre. Un chat jazz Se […]
En 1993, Bill Clinton est devenu le 42ème président des États-Unis, et c’était un souffle de fraîcheur par rapport à George Bush, son prédécesseur : il jouait du saxophone, faisait des blagues, n’avait pas encore 50 ans et a atteint un incroyable taux d’approbation, même malgré son scandale avec Monica Lewinsky, qui a fait la une des journaux dans le monde entier. Cependant, dans les premiers jours de sa présidence, avant cela, le grand public parlait d’autre chose : du chat du président, Socks. Que voulez-vous, il n’y avait pas de TikTok, il fallait bien s’amuser d’une manière ou d’une autre.
Un chat jazz
On dit que les chats décident qui sera leur futur propriétaire, et le cas de Socks est emblématique : en 1991, lorsque le minou avait deux ans, il a sauté dans les bras de Chelsea Clinton alors qu’il vivait à Little Rock, et il est immédiatement tombé amoureux d’elle. C’était un chat né pour la gloire, rien que par son nom, qui provenait du roman Socks, de Beverly Cleary, dans lequel son protagoniste doit faire face à l’arrivée d’un bébé chez lui. C’est quelque chose qui ne s’est pas produit pour le chat des Clinton, qui, deux ans après avoir été adopté, est allé vivre dans la célèbre Maison Blanche avec la famille. Enfin une demeure digne d’un chat.
Socks a eu sa propre version animée sur le site de la Maison Blanche, a assisté à toutes sortes d’inaugurations, a été le co-protagoniste du livre de Hillary Clinton « Dear Socks, Dear Buddy », a eu sa propre bande dessinée (« Socks goes to Washington »), a été interviewé par Kermit en tant que Muppet et a même été le protagoniste d’un épisode de Murphy Brown sur sa supposée disparition. Au milieu des années 90, aux États-Unis, Socks est devenu, du jour au lendemain, une star de la culture pop.
Et, bien sûr, comment une star aurait-elle pu survivre dans les années 90 sans son propre jeu vidéo pour Super Nintendo et Mega Drive ? C’est dit et fait : Realtime Associates, qui avait créé des jeux comme Beavis et Butthead ou Captain America and the Avengers, s’est mis au travail pour réaliser Socks the Cat Rocks the Hill, avec ledit chat comme protagoniste absolu dans un classique des plateformes de l’époque. Dans le jeu, Socks devait avertir la famille Clinton du vol de l’appareil permettant de lancer un missile nucléaire, et pour cela, il traversait tout Washington entre politiciens, journalistes, espions et bien plus encore. Même Nintendo, qui détestait intégrer la politique dans ses jeux, a fini par l’accepter ! Alors, que s’est-il passé ?
Socks the Cat Rocks the Hill était pratiquement terminé, avec 11 niveaux déjà conçus et les combats de boss (d’autres politiciens et même les animaux de compagnie d’autres présidents) bien réfléchis. Et à ce moment-là, Kaneko, qui devait distribuer le jeu aux États-Unis, a fermé ses bureaux dans le pays, obligeant à annuler des titres terminés comme celui-ci ou Fido Dido. Et le jeu, malgré quelques critiques de médias spécialisés, a disparu… jusqu’en 2011, lorsqu’un collectionneur privé, Jason Wilson, a acheté le prototype et l’a montré sur YouTube. Le jeu a circulé de main en main jusqu’à arriver à Tom Curtin, qui a décidé de le lancer via Kickstarter : le 1er février 2018, enfin, tout le monde qui le souhaitait a pu jouer à l’un de ces jeux vidéo maudits que personne ne croyait vraiment existants.
Il est possible que vous vous demandiez ce qu’il est advenu du véritable Socks, et sa fin n’est pas si amusante : comme il ne s’entendait pas bien avec Buddy, le chien de la famille, lorsque le moment est venu de déménager de la Maison Blanche pour laisser place au prochain président (George W Bush), les Clinton ont laissé le chat à leur secrétaire, Betty Curie, qui l’a emmené chez elle dans le Maryland où il a vécu avec son mari jusqu’en 2009, lorsqu’il est mort d’un cancer à l’âge de vingt ans. Vingt ans ! Tristement, Socks avait déjà cessé d’être une icône culturelle à l’époque, mais au moins il restera toujours immortalisé sous forme de bits sur un écran. Miaunos donne une pierre.
