La deuxième saison de Kaiju No.8 est prévue pour sortir le 19 juillet 2025, une nouvelle qui a enthousiasmé les fans de l’anime qui ont suivi de près les péripéties de Kafka Hibino. La nouvelle saison arrivera après la sortie de Kaiju No.8 : Mission Recon, un film qui a rassemblé les moments forts de la première saison et a présenté en exclusivité le spécial intitulé Le jour de congé de Hoshina. Ce spécial sera diffusé en streaming le 5 juillet 2025, offrant aux fans un avant-goût de ce qui est à venir. Glace et monstres Le […]
La deuxième saison de Kaiju No.8 est prévue pour sortir le 19 juillet 2025, une nouvelle qui a enthousiasmé les fans de l’anime qui ont suivi de près les aventures de Kafka Hibino. La nouvelle saison arrivera après la sortie de Kaiju No.8 : Mission Recon, un film qui a rassemblé les moments forts de la première saison et a présenté en exclusivité le spécial intitulé Le jour de congé de Hoshina. Ce spécial sera diffusé en streaming le 5 juillet 2025, offrant aux fans un avant-goût de ce qui est à venir.
Glace et monstres
Le spécial centré sur le vice-capitaine Soshiro Hoshina promet d’être un chapitre plus léger qui permettra aux spectateurs de mieux connaître ce personnage important avant de plonger dans la nouvelle intrigue, qui devrait sans aucun doute être plus intense. La première saison de Kaiju No.8 a été diffusée en simulcast sur Crunchyroll, et selon les attentes actuelles, la deuxième saison devrait suivre sur la même plateforme, garantissant que les abonnés pourront à nouveau profiter de la série instantanément.
La production de Kaiju No.8 est l’œuvre de Production I.G, un studio avec une solide réputation dans l’industrie de l’anime, tandis que le design des monstres est la responsabilité de Studio Khara, connu pour ses travaux innovants.
La première saison a reçu un accueil positif de la part des critiques et du public, ce qui a élevé les attentes pour cette prochaine livraison. À mesure que la date de sortie approche, les fans peuvent anticiper la publication d’une nouvelle bande-annonce et plus d’informations sur l’intrigue qui continuera l’histoire du continent assiégé par des créatures géantes.
Thomas Vinterberg, le réalisateur danois acclamé connu pour son travail sur le film oscarisé Une autre ronde, amène son talent à la télévision avec sa première série intitulée Families like Ours. Ce drame, qui a été présenté en première au Festival du Film de Venise en 2024, a attiré l’attention de Netflix, qui a acquis les droits pour sa distribution aux États-Unis. La série sera lancée le 10 juin de cette année. Chacun est de son père et de sa mère Families like Ours explore les complexités des relations familiales et les dilemmes émotionnels que […]
Thomas Vinterberg, le réalisateur danois acclamé connu pour son travail sur le film oscarisé Une Nouvelle Tournée, met son talent à la télévision avec sa première série intitulée Families like Ours. Ce drame, qui a été présenté en première au Festival du Film de Venise en 2024, a attiré l’attention de Netflix, qui a acquis les droits pour sa distribution aux États-Unis. La série sera lancée le 10 juin de cette année.
Chacun est de son père et de sa mère
Families like Ours explore les complexités des relations familiales et les dilemmes émotionnels qui surgissent au sein de ces lienss. Vinterberg, cofondateur du mouvement Dogma 95, est connu pour son approche viscérale et authentique de la narration, ce qui suggère que cette série pourrait offrir une profonde réflexion sur les dynamiques familiales contemporaines.
Le directeur a exprimé son enthousiasme pour ce nouveau format, soulignant que la narration en séries permet une plus grande profondeur de développement des personnages et des intrigues par rapport au cinéma traditionnel. Ce commentaire résonne avec la tendance actuelle dans le divertissement, où les plateformes de streaming sont devenues des incubateurs pour la créativité des cinéastes établis.
Avec des familles comme la nôtre, Vinterberg s’aventure dans un nouveau terrain qui promet d’être à la fois un examen de l’amour et du sacrifice familial ainsi qu’une histoire touchante sur la quête du bonheur au milieu du chaos quotidien. Pendant ce temps, les attentes augmentent quant à la façon dont cette série résonnera avec le public et si elle pourra reproduire le succès critique de ses œuvres précédentes.
Les fans du cinéma de Vinterberg et ceux intéressés par le drame familial ne voudront pas manquer cette série exclusive de Netflix, qui devrait devenir l’une des plus grandes attractions du catalogue d’été de la plateforme.
Danielle Fishel, connue pour son rôle iconique de Topanga Lawrence dans la série Boy Meets World, a révélé dans le dernier épisode de son podcast Pod Meets World une anecdote surprenante sur sa célèbre coupe de cheveux pendant la série. Dans un épisode intitulé ‘Hair Today, Goon Tomorrow’, diffusé en septembre 1996, Fishel a osé couper ses cheveux pour la première fois depuis l’âge de deux ans. L’acte, qui était complètement réel et non un usage de perruques, a suscité une grande réaction du public présent, qui a poussé un grand soupir en la voyant effectuer le changement. Au revoir […]
Danielle Fishel, connue pour son rôle emblématique de Topanga Lawrence dans la série « Moi et le Monde », a révélé dans le dernier épisode de son podcast « Pod Meets World » une anecdote surprenante sur sa célèbre coupe de cheveux pendant la série. Dans un épisode intitulé « Hair Today, Goon Tomorrow », diffusé en septembre 1996, Fishel a osé couper ses cheveux pour la première fois depuis l’âge de deux ans. L’acte, qui était totalement réel et non un usage de perruques, a suscité une grande réaction du public présent, qui a poussé un grand soupir en la voyant effectuer ce changement.
Au revoir la chevelure
Fishel a commenté son expérience, expliquant qu’elle avait eu les cheveux longs jusqu’à la taille pendant la majeure partie de sa vie et qu’elle était excitée à l’idée de les couper. Cependant, la décision n’a pas été simple. Comme elle l’a révélé, elle a dû négocier avec Michael Jacobs, le producteur exécutif de la série, sur la longueur de la coupe. Au départ, Jacobs était réticent, mais après un débat, ils ont convenu qu’il serait pertinent d’avoir un épisode qui fasse partie de la narration du programme.
Enfin, dans une ambiance de tension et d’émotion, ils ont tourné l’épisode où Topanga coupe ses cheveux dans l’intention de montrer à Cory que l’apparence n’est pas tout. Pendant le tournage, en plus de la réaction du public, Fishel a décidé d’offrir des mèches de ses cheveux aux participants, une pratique inhabituelle qui s’alignait avec la tradition du casting d’offrir des souvenirs aux fans.
Ce moment est devenu un jalon mémorable non seulement dans la série, mais aussi dans la vie de Fishel, qui a symboliquement dit adieu à son enfance avec cette coupe. Maintenant, de nombreuses années plus tard, les fans continuent de se souvenir de cet épisode qui abordait des thèmes d’estime de soi et l’importance de l’identité au-delà de l’apparence.
Après le 11 septembre, à la télévision américaine, ils sont devenus si paranoïaques qu’ils ont fini par interdire la rediffusion de l’épisode où Homer Simpson montait aux Tours Jumelles pour faire pipi pendant les rediffusions continues des Simpson… Pendant la coquette durée de 15 ans ! Heureusement, on peut maintenant en profiter tel qu’il a été diffusé à l’époque. Et tous les épisodes de télévision n’ont pas eu la même chance, car les streamers font et défont à leur guise en essayant d’éviter, par tous les moyens, une poursuite pour inexactitude politique. Vous venez voir les épisodes les plus interdits […]
Après le 11 septembre, la télévision américaine est devenue si paranoïaque qu’elle a fini par interdire la rediffusion de l’épisode où Homer Simpson montait aux Tours Jumelles pour faire pipi, et ce, pendant la modique durée de 15 ans ! Heureusement, on peut maintenant en profiter tel qu’il a été diffusé à l’époque. Et tous les épisodes de télévision n’ont pas eu la même chance, car les streamers font et défont à leur guise pour éviter, à tout prix, une plainte pour politiquement incorrect. Venez découvrir les épisodes les plus interdits de la télévision ? Je vous préviens : il y a des séries que vous ne vous attendiez pas du tout à voir.
Il fait toujours beau à Philadelphie
Vous vous y attendiez, bien sûr : la bande du Paddy’s est composée des personnages les plus dégoûtants, méprisables et malveillants qui aient jamais foulé le sol d’une sitcom, et au cours de ses 170 épisodes, ils ont eu le temps de tout faire, depuis se moquer des personnes handicapées jusqu’à tuer sans aucun scrupule. Alors, quel épisode a été supprimé et pourquoi ?
En réalité, il y en a eu cinq : America’s Next Top Paddy’s Billboard Model Contest (saison 4), Dee Reynolds : Shaping America’s Youth (saison 6), The Gang Recycles Their Trash (saison 8), The Gang Makes Lethal Weapon 6 (saison 9) et Dee Day (saison 14). La raison ? Dans tous ces épisodes, ils se maquillent d’une manière ou d’une autre, et on pense qu’ils manquent de respect à d’autres races en faisant du blackface (ou du yellowface, ou ce qu’il faut). La réalité est tout autre : étant un groupe de personnes méprisables, ils ne peuvent pas s’empêcher de faire ce genre de choses. Bref, une erreur qu’ils devront corriger tôt ou tard.
Les Simpson
Oui, la famille jaune de Springfield a aussi eu des ennuis. Une fois le problème avec La ville de New York contre Homer Simpson résolu, en 2019 l’un des grands classiques de la série a cessé d’être diffusé en rediffusion (et donc aussi sur Disney+) : Papa, fou à lier. Ou, comme beaucoup l’appellent, « l’épisode de Michael Jackson ». Dans cet épisode, un homme qui se prend pour le chanteur finit par emménager avec la famille… Et la voix était celle du célèbre Jackson sous pseudonyme !
Le problème est que en 2019, le documentaire Leaving Neverland a été lancé, apportant des preuves sur les abus sexuels sur des enfants du Roi de la Pop, et chez Disney, ils ne se sont pas sentis à l’aise d’avoir l’épisode avec sa voix disponible. Donc, au lieu de mettre un panneau au début ou de laisser les gens tirer leurs propres conclusions, ils l’ont complètement retiré. Al Jean, le showrunner de la série, a même déclaré qu’il pensait que Jackson avait utilisé l’épisode pour se rapprocher des enfants, donc pour le moment, il reste dans le flou (à moins que vous n’ayez les DVD originaux, bien sûr).
Communauté
«Six saisons et un film !». Si vous dites cette phrase à n’importe quel amateur de séries, il saura immédiatement de quoi vous parlez : Community, la sitcom la plus folle du siècle, qui explorait chaque semaine la narration d’une nouvelle manière. Un western mélangé avec du paintball, un épisode musical, un épisode entier en claymation… Et, comme il se doit, un hommage à Dungeons & Dragons. Oui, celui qui est totalement supprimé de toutes les plateformes.
Et c’est qu’au cours de l’épisode, le professeur Chang se peignait le visage en noir pour indiquer qu’il était un elfe noir, l’une des races disponibles dans le jeu de rôle. Cependant, face à la peur que tout le monde avait de la réaction du public, cela a été interdit sur toutes les plateformes. C’est dommage, car c’est l’un des meilleurs épisodes de la série. On dirait qu’ils n’ont obtenu qu’un 1 en charisme.
South Park
Nous aurions peut-être terminé en décortiquant les épisodes non interdits de South Park, mais il convient de souligner deux épisodes qui ont été censurés presque dès leur diffusion : Cartoon Wars, une saga épique dans laquelle Cartman se bat pour interdire Les Griffin (paradoxalement) avant qu’une blague sur Mahomet ne soit diffusée, craignant les problèmes que cela pourrait engendrer par la suite. Kyle, pour sa part, pense qu’il s’agit de liberté d’expression et qu’on ne peut pas simplement arrêter la diffusion comme ça.
À la fin, ils le diffusent dans la fiction mais, en faisant un double virage dans la réalité, Cartoon Network n’a pas osé diffuser la blague en elle-même, interdisant un épisode de South Park sur la liberté d’expression et les interdictions. Incroyable, non ? Eh bien, ce qui est encore plus incroyable, c’est que cet épisode va être interdit sur le streaming avec d’autres classiques comme Les Simpson l’ont déjà fait, Pip ou Coincé dans le placard. Interdire South Park. Ce qu’il faut voir.
Bluey
Oui, vous avez bien lu : Bluey, la série pour enfants sur deux filles qui jouent avec leurs parents, a également été interdite sur Disney+. Et pas seulement avec de petites coupes – ce qui, dans l’ensemble, est normal pour adapter une série australienne à un public mainstream – mais en retirant un épisode entier, Dad Baby, où ils jouent à ce que Bandit, le père, vient de naître, montrant le processus par lequel il est mis au monde. Le miracle de la vie, oui, mais pas pour cette série, apparemment.
La bonne nouvelle, c’est que il est intégralement disponible sur YouTube, et vous pouvez vérifier si cela en valait vraiment la peine (spoiler : non). À l’époque, Disney+ avait également interdit l’épisode Family Meeting, qui est essentiellement une blague constante sur les pets (magnifiquement terminé, il faut le dire), mais ils ont finalement décidé de le restaurer tel quel. Est-ce que personne ne pense aux enfants ?
Le spectacle des Muppets
Il a 50 ans, qui peut faire du mal au show des Muppets ? Eh bien, nous ne le savons pas exactement, mais sur Disney+, les épisodes présentés par Brooke Shields (sans aucune explication à ce sujet) et l’écrivain Chris Langham ont également été supprimés… après qu’il a été découvert en 2007 qu’il était un pédophile. Vous ne voulez pas que Kermit et sa bande s’entendent trop bien avec quelqu’un comme ça, après tout.
Le célèbre réalisateur Martin Scorsese s’est fermement opposé au développement d’un jeu vidéo basé sur son film emblématique Taxi Driver, qui a été présenté à l’E3 en 2005. Ce projet, considéré comme une suite non autorisée du film, promettait d’offrir une expérience de jeu similaire à la série Grand Theft Auto, permettant aux joueurs d’incarner Travis Bickle, le protagoniste perturbé interprété par Robert De Niro. L’idée était que les joueurs puissent se déplacer librement dans un New York reconstitué des années 70, travaillant comme chauffeurs de taxi tout en explorant la sombre psyché du personnage. Scorsese a refusé de […]
Le célèbre réalisateur Martin Scorsese s’est fermement opposé au développement d’un jeu vidéo basé sur son film emblématique Taxi Driver, qui a été présenté à l’E3 de 2005. Ce projet, considéré comme une suite non autorisée du film, promettait d’offrir une expérience de jeu similaire à la série Grand Theft Auto, permettant aux joueurs d’incarner Travis Bickle, le protagoniste perturbé interprété par Robert De Niro. L’idée était que les joueurs puissent se déplacer librement dans un New York reconstitué des années 70, travaillant comme chauffeurs de taxi tout en explorant la sombre psyché du personnage.
Scorsese a refusé que le jeu soit produit
Bien qu’il ait obtenu l’approbation initiale de Sony Pictures et la participation vocale de De Niro, Scorsese a réussi à exercer une influence considérable pour empêcher l’avancement du jeu, bien qu’il n’ait officiellement aucun droit sur le projet. Selon les déclarations du producteur exécutif Dan Kitchen, le réalisateur a utilisé son prestige pour faire pression sur Sony, leur rappelant les complications qui pourraient survenir s’ils continuaient. Cela a abouti à l’annulation abrupte du développement, quelques semaines avant son achèvement.
La société de développement Papaya Studios a répondu en déposant une plainte contre Majesco Entertainment pour non-respect du contrat, après avoir investi plusieurs millions de dollars dans la production du jeu vidéo. Bien que d’autres titres basés sur des films, comme The Godfather: The Game, aient rencontré du succès sur le marché, Taxi Driver est devenu un projet perdu dans l’histoire du gaming, laissant les fans curieux de savoir à quoi aurait ressemblé cette adaptation.
Aujourd’hui, alors que certains se remémorent cette époque des clones de GTA dans le gaming, la question se pose de ce que pourrait avoir été une suite d’un classique. De plus, la possibilité d’une suite cinématographique de Taxi Driver a été discutée à plusieurs reprises, bien qu’aucun progrès concret n’ait été réalisé jusqu’à présent.
Le récent film El Jockey, réalisé par Luis Ortega, a généré un mélange de réactions chez le public et la critique, étant considéré comme chaotique et violent, avec une narration qui défie les conventions traditionnelles du cinéma. Malgré les critiques, l’auteur souligne la liberté créative que cette œuvre représente, ce qui est fascinant dans le contexte contemporain du cinéma. Une approche visuelle purement contemporaine Avec une approche visuelle distinctive qui rappelle les vidéos de TikTok, Ortega maintient le personnage principal au centre de l’attention, tandis que le reste de l’information visuelle agit comme un complément […]
Le récent film El Jockey, réalisé par Luis Ortega, a suscité un mélange de réactions chez le public et la critique, étant considéré comme chaotique et violent, avec une narration qui défie les conventions traditionnelles du cinéma. Malgré les critiques, l’auteur souligne la liberté créative que cette œuvre représente, ce qui est fascinant dans le contexte contemporain du cinéma.
Une approche visuelle purement contemporaine
Avec une approche visuelle distinctive qui rappelle les vidéos de TikTok, Ortega maintient le personnage principal au centre de l’attention, tandis que le reste des informations visuelles agit comme un complément secondaire. Cette technique crée une expérience cinématographique percutante, bien que peut-être déconcertante pour ceux qui préfèrent une narration plus conventionnelle.
Le Jockey amalgame des genres comme la comédie, le thriller, la romance, l’action et le drame queer, présentant une structure narrative non linéaire qui invite le spectateur à combler les vides de l’histoire. Le film s’éloigne intentionnellement de la médiocrité du cinéma actuel, proposant une alternative fraîche qui pourrait ouvrir de nouvelles possibilités narratives.
Les performances de Nahuel Pérez Biscayart et Úrsula Corberó ont été saluées pour leur qualité, apportant un caractère unique à l’effervescence de l’intrigue. Les deux acteurs, accompagnés d’une distribution singulière, offrent une représentation qui respecte la rareté et l’imprévisibilité du scénario, qui n’hésite pas à explorer la violence physique et l’humour absurde.
En définitive, El Jockey est une œuvre audacieuse et sans réserves qui exige une disposition du spectateur à accepter sa proposition singulière. À mesure que le cinéma cherche à se réinventer, ce film se dresse comme un exercice de liberté cinématographique, encourageant à la fois le réalisateur et le public à transcender les limites du cinéma conventionnel. L’expérience peut ne pas convenir à tout le monde, mais son courage artistique en fait un film qui mérite d’être exploré.
À quelques jours du lancement tant attendu de la Nintendo Switch 2, un rapport de Bloomberg a suscité un intense débat sur la stratégie commerciale de Nintendo au Japon. Selon la publication, la société japonaise prévoyait de permettre aux détaillants d’obtenir une marge bénéficiaire exceptionnellement élevée de 5 % sur chaque console vendue, dépassant la norme non officielle de l’industrie, qui tourne autour de 2 %. Cette stratégie vise à inciter les distributeurs locaux et à garantir une forte présence de la Switch 2 dans les magasins physiques japonais. Nintendo semble ne pas être d’accord avec ce qui se dit à son sujet […]
À quelques jours du lancement tant attendu de la Nintendo Switch 2, un rapport de Bloomberg a suscité un intense débat sur la stratégie commerciale de Nintendo au Japon. Selon la publication, la société japonaise prévoyait de permettre aux détaillants d’obtenir une marge bénéficiaire exceptionnellement élevée de 5 % pour chaque console vendue, dépassant la norme non officielle de l’industrie, qui tourne autour de 2 %. Cette stratégie vise à inciter les distributeurs locaux et à garantir une forte présence de la Switch 2 dans les magasins physiques japonais.
Nintendo semble ne pas être d’accord avec ce qui se dit à son sujet
Cependant, Nintendo s’est empressé de démentir ces affirmations par le biais d’un communiqué sur son compte officiel Twitter, où il a déclaré : « Ce texte est faux. Nintendo ne divulgue aucune information sur les conditions commerciales avec ses partenaires de distribution et de vente au détail ». Malgré cette clarification, les actions de la société ont chuté de 2,2 % à la Bourse de Tokyo, ce qui souligne la sensibilité du marché face aux nouvelles concernant la Grande N.
La mesure des marges plus élevées vise à soulager la pression croissante sur les détaillants dans un environnement de vente de plus en plus numérique, où les téléchargements surpassent les copies physiques et les accessoires sont commercialisés en ligne. Ce changement de paradigme a conduit les magasins physiques à chercher des moyens de rester pertinents dans la transition vers un modèle commercial plus numérique.
Malgré la controverse, la conversation sur la stratégie commerciale de Nintendo persiste. La société prévoit de vendre 15 millions d’unités de la Switch 2 avant mars 2026, bien que les projections pourraient dépasser les 20 millions si les conditions de production le permettent. Dans ce contexte, tant les joueurs que les analystes seront attentifs à la manière dont se dérouleront les premiers pas commerciaux d’une console qui a déjà suscité un intérêt notable même avant son lancement.
Le 16 mai dernier, “Destination finale : Liens du sang” a été lancé, le nouvel opus de la saga d’horreur iconique qui maintient la prémisse que la Mort est l’adversaire des protagonistes. Contrairement à de nombreuses suites tardives, ce film a réussi à conserver l’essence que les fans désiraient tant, offrant des morts créatives et d’impossible exécution. Cependant, cet opus comporte un élément émotionnel supplémentaire : le retour de Tony Todd en tant que William Bludworth, le médecin légiste emblématique de la série. Un acteur avec une carrière bien remplie La participation de Todd dans “Liens du sang” est particulièrement significative, […]
Le 16 mai dernier, « Destin final : Liens du sang » a été lancé, le nouvel opus de la saga d’horreur iconique qui maintient la prémisse selon laquelle la Mort est l’adversaire des protagonistes. Contrairement à de nombreuses suites tardives, ce film a réussi à conserver l’essence que les fans désiraient tant, offrant des morts créatives et d’une exécution impossible. Cependant, cet opus présente un élément émotionnel supplémentaire : le retour de Tony Todd dans le rôle de William Bludworth, le médecin légiste emblématique de la série.
Un acteur avec une longue carrière
La participation de Todd dans Lazos de sangre est particulièrement significative, car il s’agit de son dernier rôle avant son décès. L’acteur, qui est devenu une référence du cinéma d’horreur, a été diagnostiqué avec un cancer terminal, ce qui a poussé l’équipe de production à lui rendre un hommage spécial. Craig Perry, producteur du film, a révélé qu’étant donné son état de santé, ils savaient que ce serait ses adieux sur grand écran. « Il était évident que ce serait son dernier rôle dans un film, et le fait que ce soit un de Destino Final le rendait encore plus émouvant », a exprimé Perry dans une interview.
Avant sa mort, Todd a laissé un message qui résonnera parmi ses collègues et ses fans : « La vie est précieuse, profite de chaque seconde, on ne sait jamais quand. Bonne chance ! ». Malheureusement, l’acteur est décédé le 6 novembre 2024, à l’âge de 69 ans, chez lui à Marina del Rey, en Californie. Tout au long de sa carrière, Todd a participé à plus de 100 films et séries, mettant en avant des titres comme Platoon, Candyman et Le Corbeau, ainsi que dans des séries acclamées comme Boston Public, X-Files et Smallville. Son héritage perdurera dans la mémoire du cinéma et du divertissement.
L’attente est presque terminée, car les très attendus chapitres 3 et 4 de Deltarune seront lancés le 5 juin, une date qui coïncide avec l’arrivée de la nouvelle console Switch 2. Ce lancement a suscité un grand enthousiasme parmi les fans, qui sont impatients de profiter des nouvelles aventures et de l’humour caractéristique du créateur Toby Fox. Un groupe d’amis avec un sens de l’humour très défini Dans une récente interview avec Destructoid, Fox a partagé son processus d’écriture de blagues, un aspect essentiel de son travail. Selon le développeur, son premier filtre pour […]
L’attente est presque terminée, car les très attendus chapitres 3 et 4 de Deltarune seront lancés le 5 juin, une date qui coïncide avec l’arrivée de la nouvelle console Switch 2. Ce lancement a suscité un grand enthousiasme parmi les fans, qui sont impatients de profiter des nouvelles aventures et de l’humour caractéristique du créateur Toby Fox.
Un groupe d’amis avec un sens de l’humour très défini
Lors d’une récente interview avec Destructoid, Fox a partagé son processus d’écriture de blagues, un aspect essentiel de son travail. Selon le développeur, son premier filtre pour évaluer si une blague fonctionne est s’il rit lui-même. Mais il prend également en compte l’avis de ses amis, qui ont le privilège d’essayer le jeu avant sa sortie. “Si aucun de mes amis ne trouve quelque chose de drôle, je peux essayer de l’améliorer”, a avoué Fox, reflétant son engagement envers la qualité de l’humour dans le jeu.
Malgré ses efforts, Fox a révélé que certaines de ses idées n’ont pas eu l’effet escompté. Un moment comique spécifique où le personnage Pizzapants (Burgerpants) parle des messages qu’il a reçus n’a pas réussi à faire rire ses amis, même après plusieurs modifications. « Personne n’a ri », a expliqué Fox. Malgré son travail pour ajuster le dialogue, le résultat final ne parvenait toujours pas à provoquer des rires. « Cette histoire est plus drôle que le dialogue », a commenté le créateur, soulignant la difficulté de saisir l’humour.
Alors que les fans comptent les jours avant l’arrivée de Deltarune, Toby Fox a également recommandé quelques jeux vidéo indie comme Balatro et UFO 50 à découvrir en attendant. Avec le lancement si proche, le monde des jeux vidéo est attentif à la façon dont cette nouvelle livraison se déroulera et si l’humour de Fox résonnera mieux avec les joueurs qu’avec son cercle proche.
Guillermo del Toro a révélé la première bande-annonce de son adaptation très attendue du roman classique Frankenstein de Mary Shelley lors de l’événement TUDUM le 31 mai dernier. Le film, qui sortira sur Netflix en novembre 2025, a été un projet désiré par le réalisateur acclamé, connu pour sa maîtrise dans le genre de l’horreur et de la fantasy. Un début qui renforce le drame original La bande-annonce offre une introduction dramatique qui commence par le paysage désolant de l’Arctique, où le Dr. Victor Frankenstein, interprété par Oscar Isaac, rencontre l’équipage d’un navire échoué. À travers […]
Guillermo del Toro a révélé la première bande-annonce de son adaptation très attendue du roman classique Frankenstein de Mary Shelley lors de l’événement TUDUM le 31 mai dernier. Le film, qui sortira sur Netflix en novembre 2025, est un projet cher au réalisateur acclamé, connu pour sa maîtrise du genre horreur et fantasy.
Un début qui renforce le drame original
La bande-annonce offre une introduction dramatique qui commence par le paysage désolé de l’Arctique, où le Dr Victor Frankenstein, interprété par Oscar Isaac, rencontre l’équipage d’un navire échoué. À travers son récit, l’histoire de sa création tragique est racontée : une créature faite de restes humains qui, dans sa quête pour donner la vie, déclenche la mort et la destruction.
Le casting de Frankenstein est tout aussi impressionnant, incluant des acteurs de renom comme Mia Goth, Ralph Ineson, Christoph Waltz et Jacob Elordi, qui a pris le rôle du monstre après le départ d’Andrew Garfield du projet. Malgré l’atmosphère sombre et inquiétante qui se dégage de la bande-annonce, Del Toro a souligné que le film ne doit pas être strictement classé comme un film d’horreur.
Avec une approche qui va au-delà de l’horreur, Del Toro cherche à explorer des thèmes plus profonds sur la vie, la création et les conséquences de l’ambition humaine. Bien que la bande-annonce garde secret l’aspect visuel du monstre, l’anticipation pour cette adaptation est palpable, étant donné l’historique du cinéaste à transformer le fantastique en expériences cinématographiques mémorables.
L’arrivée de Frankenstein sur la plateforme de streaming promet d’être un événement significatif, consolidant encore plus Guillermo del Toro comme une figure centrale dans la narration contemporaine du cinéma. À mesure que la date de sortie approche, les fans de son travail et les amateurs du genre attendent avec impatience de voir comment cette histoire classique se développera sous sa vision singulière.
