Month: November 2026

Blade Runner 2099, la mini-série de huit épisodes de Prime Video, arrivera le 25 novembre, d’après la plateforme. Et, comme l’a confirmé Silka Luisa, elle ne sera pas reliée de façon directe à Blade Runner 2049. L’idée de Prime Video est assez nette: faire de cette série un point d’entrée accessible, qu’on ait vu ou non Blade Runner, le film de 1982, puis sa suite sortie en 2017.

Pour la plateforme, ce choix compte. Blade Runner 2099 n’a pas été pensée comme une simple prolongation pour les fans déjà à bord depuis longtemps, mais comme une histoire qui peut tenir seule, dans l’un des univers de science-fiction les plus marquants du cinéma.

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La série se déroule pourtant dans le même monde, une cinquantaine d’années après le film de Denis Villeneuve, si l’on s’en tient aux informations données par Prime Video. Ce qui surprend un peu, c’est qu’elle ne fera pas du grand choc de Blade Runner 2049 son moteur principal.

En clair, les conséquences immédiates de la révélation centrale du film, surtout tout ce qui touche à l’enfant de Deckard et Rachael, ne devraient pas porter le récit. Et, au vu de ce qui a été montré jusqu’ici, des personnages comme K, Deckard ou Ana Stelline ne devraient pas occuper le devant de la scène, s’ils apparaissent tout court. L’intention semble assez lisible: donner à la franchise une identité télévisuelle nouvelle.

Blade Runner 2099 reposera aussi sur un renversement de pouvoir qu’on n’avait pas encore vu dans la saga. Là où Blade Runner 2049 montrait encore un équilibre précaire, la nouvelle série se situe après un soulèvement des réplicants. Ils dominent désormais, tandis que les humains ont glissé au rang de citoyens de seconde zone, toujours selon Prime Video. C’est plutôt une bonne nouvelle pour relancer la saga, tant Blade Runner a toujours travaillé les rapports de domination, la peur de l’Autre et cette frontière trouble entre l’humain et l’artificiel.

Au centre, Michelle Yeoh jouera Olwen, une Blade Runner réplicante vieillissante, arrivée au bout de son parcours. Hunter Schafer incarnera de son côté Cora, une humaine qui se fait passer pour une réplicante, d’après Prime Video.

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Leur parcours passera par une traque liée à un réplicant renégat, un point de départ très fidèle à l’ADN noir et existentiel de la licence. Identité fabriquée, survie, finitude: la série devrait revenir aux obsessions classiques de Blade Runner, la mortalité, l’oppression et la question de savoir ce qui fait encore l’humain. Silka Luisa a aussi laissé entendre que le projet irait chercher autant du côté des films que de Do Androids Dream of Electric Sheep ? de Philip K. Dick.

Blade Runner 2099 prendra donc la forme d’une série limitée de huit épisodes sur Prime Video, et l’ensemble sera mis en ligne le 25 novembre, selon la plateforme. Ridley Scott, réalisateur du Blade Runner original, reste attaché au projet comme producteur exécutif, toujours d’après Prime Video. Son implication créative paraît toutefois assez mesurée, ce qui renforce l’impression d’une œuvre qui veut exister par elle-même, plus que d’un simple prolongement tourné vers le passé.

Un débat reparti autour de Star Wars: The Last Jedi remet en avant une phrase de Luke Skywalker : « Personne n’est jamais vraiment parti. » Pour une partie des fans, cette réplique, lâchée dans l’un des passages les plus chargés émotionnellement du film de Rian Johnson, compte peut-être davantage dans la saga que celle que tout le monde répète depuis des décennies. Parce qu’en une seule ligne, elle résume à la fois le chemin de Luke Skywalker, celui de Leia Organa, et la possibilité même d’un salut pour Ben Solo.

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Dans Star Wars: The Last Jedi, Luke Skywalker prononce ces mots face à Leia Organa lorsqu’il se projette par la Force pour la rejoindre et l’apaiser. Le moment compte énormément : Leia Organa est écrasée par la guerre, par les morts, par ce qu’elle a perdu, et plus que tout par la chute de son fils, devenu Kylo Ren.

En quelques mots à peine, Luke Skywalker lui rappelle que Ben Solo n’est peut-être pas perdu pour toujours. C’est là que la phrase prend toute sa force.

Depuis toujours, Star Wars raconte aussi la rédemption, de Dark Vador jusqu’aux conflits plus récents de la postlogie. L’idée qu’on puisse tomber très bas sans pour autant devenir irrécupérable reste l’un des fils les plus solides de la franchise.

Et cette réplique ne parle pas uniquement de Ben Solo. Elle dit aussi quelque chose de Luke Skywalker lui-même.

Dans Star Wars: The Last Jedi, on le découvre brisé, miné par la culpabilité et la honte après son échec avec Ben Solo. Pour une partie du public, cette version plus amère du héros ressemblait à une trahison de l’élan optimiste porté par la trilogie originale.

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D’autres y ont vu, au contraire, le portrait crédible d’un héros vieillissant forcé de regarder ses erreurs en face. Et c’est presque ironique : sa phrase la plus simple est aussi celle qui marque le plus nettement son retour vers l’espoir.

Après sa rencontre avec Rey, Luke Skywalker retrouve une foi qu’il avait laissée s’éteindre : la foi dans les autres, dans la Force, et dans l’idée que l’échec n’efface pas pour toujours ce que l’on a été.

Bien sûr, l’autre grande prétendante reste « Je suis un Jedi, comme mon père avant moi » dans Star Wars: Return of the Jedi. D’un point de vue historique, c’est probablement la phrase la plus emblématique de Luke Skywalker.

Elle condense son refus de la violence, sa certitude morale et sa confiance entière dans la possibilité de sauver Anakin Skywalker. C’est justement pour ça que la comparaison vaut le détour.

Là où cette réplique affirme l’identité héroïque de Luke Skywalker au sommet de son parcours, « Personne n’est jamais vraiment parti » montre un Luke Skywalker plus âgé, plus vulnérable, mais toujours fidèle au même principe : personne n’est condamné à n’être que sa pire chute.

Si la discussion fait encore autant de bruit, c’est aussi parce que Luke Skywalker reste l’une des figures les plus aimées de Star Wars. D’après un sondage YouGov réalisé au Royaume-Uni en 2019, Luke Skywalker figurait encore parmi les héros les plus populaires de la franchise, juste derrière Han Solo.

Autrement dit, le moindre détail de son héritage pèse. Et même si sa phrase la plus célèbre reste gravée dans la mémoire collective, sa meilleure réplique est peut-être celle qui résume le plus clairement toute la philosophie de Star Wars : tant qu’il reste une étincelle, un retour demeure possible.

En 2026, Prime Video tient peut-être avec The Legend of Vox Machina et The Mighty Nein ce qui ressemble à sa franchise fantasy la plus solide. Et le plus frappant, c’est sa provenance: elle vient de Critical Role, pas d’une adaptation branchée directement sur Donjons & Dragons. La plateforme a saisi quelque chose qu’on voit rarement dans les productions fantasy récentes, cette énergie très particulière d’une partie de D&D, en partant d’abord d’un groupe d’aventuriers, de leur alchimie, et d’enjeux émotionnels qu’on lit tout de suite.

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Beaucoup de séries nées après Game of Thrones se perdent dans des intrigues énormes, des ramifications partout, des dizaines de noms à retenir. Critical Role, lui, garde les yeux sur ce qui compte.

The Legend of Vox Machina adapte la première campagne du phénomène d’actual play piloté par Matthew Mercer et suit l’équipe de Vox Machina dans Exandria, avec au centre Grog, Pike, Percy, Scanlan, Vax et Keyleth.

C’est là que la série marque des points. Avec ce format plus resserré, le spectateur s’attache vite aux personnages, capte sans effort les dynamiques du groupe et sent bien plus directement ce que chaque quête peut leur coûter. L’esprit D&D ne se résume pas aux monstres ni aux sorts. Il tient aussi à cette sensation de campagne vécue entre amis, quelque part entre le chaos, la bravoure, et des vannes qui tombent au bon moment.

Cette continuité tient aussi au casting.

Les voix principales sont celles des créateurs d’origine de Critical Role, qui sont tous des comédiens de doublage professionnels et qui reprennent ici les rôles qu’ils jouaient déjà pendant la campagne. C’est assez rare pour être signalé, et ça change beaucoup de choses: le ton reste intact, le rythme aussi, sans parler de la chimie du matériau d’origine, qui passe encore.

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Le succès de The Legend of Vox Machina, d’ailleurs, n’a rien du pari de studio classique.

D’après Kickstarter, une campagne lancée en 2019 pour financer au départ un simple épisode spécial d’animation a récolté plus de 11,3 millions de dollars, alors que l’objectif initial était fixé à 750 000 dollars. Puis, selon Prime Video, ce soutien massif a fait basculer le projet vers une vraie série, avant qu’Amazon ne le récupère et l’étende en production sur plusieurs saisons pour Prime Video.

Ensuite, les chiffres ont suivi.

Selon Parrot Analytics, The Legend of Vox Machina a été la série d’animation la plus demandée aux États-Unis au premier trimestre 2022, avec une demande 17,9 fois supérieure à la moyenne. Plus récemment, d’après Rotten Tomatoes, sa saison 4, lancée en juin 2026, a obtenu 100 % de critiques positives. Et elle a aussi intégré le Top 10 de Prime Video, selon Prime Video.

La franchise, à ce stade, est installée pour de bon. Certains évoquaient encore un total de 56 épisodes il n’y a pas si longtemps, mais le chiffre annoncé monte maintenant à 60 épisodes selon Prime Video.

Prime Video a confirmé cinq saisons de 12 épisodes pour The Legend of Vox Machina, avec une cinquième saison prévue comme la dernière. De son côté, The Mighty Nein a été lancée le 19 novembre 2025. Ce choix d’une fantasy plus resserrée, plus drôle, plus humaine dit aussi quelque chose de l’évolution du genre à la télévision depuis Game of Thrones: davantage de budget, davantage d’ambition, sans recopier pour autant les mêmes recettes. Pour beaucoup de fans, c’est tout simplement ce qui se rapproche le plus d’une vraie partie de D&D.

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Cette semaine, Crystal Lake, la série préquelle de la franchise Vendredi 13 proposée par Peacock, s’est installée à la quatrième place des programmes originaux scénarisés les plus regardés de la plateforme, d’après Peacock. Et en ligne, le préquel fait aussi beaucoup parler de lui, entre débats sur ses twists, discussions de lore et commentaires sur la performance de Linda Cardellini en Pamela Voorhees.

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Pensée comme une série en huit épisodes, Crystal Lake remet au centre de la mythologie la mère de Jason et cherche à raconter ce qui l’a poussée à tuer les moniteurs du camp. Pour Peacock, c’est une très bonne nouvelle côté audience. Mais ça remet aussi sur la table une vieille vérité de la télévision d’action-thriller: sur la durée, le choc visuel ne suffit pas toujours.

Le projet n’arrive pas sans arguments. Les scènes de mise à mort sont souvent inventives, très travaillées visuellement, et Linda Cardellini donne une vraie force d’attraction à un personnage qui aurait pu n’être qu’une icône de slasher un peu figée.

Quand Crystal Lake mise sur son énergie la plus brute, ça marche. Mais à mesure que la série ajoute du lore, de nouveaux twists et des réponses sur les origines de Jason ou sur sa dimension surnaturelle, elle perd quelque chose en route. Le spectacle, lui, ne disparaît pas. En revanche, l’émotion et la tension dramatique se dispersent.

Et c’est là que Buffy contre les vampires reste, 29 ans plus tard, une référence presque hors d’atteinte. La série de Joss Whedon ne se contentait pas d’être efficace dans l’action: chaque affrontement important portait un vrai poids dramatique.

Les confrontations entre Buffy et Angel dans la saison 2, puis entre Buffy et Faith dans la saison 3, arrivaient chargées d’une relation brisée. Chaque coup disait quelque chose de la perte, de la trahison, du désir de sauver quelqu’un, ou du moment où il faut accepter qu’on ne peut plus le faire.

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Au fond, Crystal Lake met en lumière un problème classique du slasher au long cours: à force d’enchaîner les meurtres, la violence peut vite devenir interchangeable. Pour tenir sur plusieurs épisodes, chaque poussée d’horreur doit rester branchée sur un enjeu précis, qu’il soit personnel ou thématique. Et Buffy contre les vampires n’est pas le seul point de comparaison qui tienne.

Diffusée de 1997 à 2001, La Femme Nikita, portée par Peta Wilson, racontait l’histoire d’une femme innocente contrainte d’intégrer une unité secrète antiterroriste; la série a dominé les audiences du câble américain pendant ses deux premières saisons et a souvent été citée comme une influence sur Alias, autant pour sa brutalité que pour sa narration feuilletonnante. À ce jour, aucun retour de la distribution ou de l’équipe originale n’est prévu.

La Femme Nikita s’est arrêtée en 2001, après qu’une mobilisation de fans eut permis l’obtention d’une cinquième saison raccourcie, avant qu’un reboot distinct sur The CW ne soit diffusé entre 2010 et 2013.

Au bout du compte, Crystal Lake montre bien que les grandes licences horrifiques continuent d’attirer le public. Mais pour entrer dans la conversation des meilleures séries d’action-thriller, il faut davantage qu’un mythe culte et quelques meurtres marquants. Il faut des scènes qui touchent autant au cœur qu’à l’œil.