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À l’heure où l’on écrit ces lignes, Denis Villeneuve a confirmé à GQ que le casting de Bond 26 n’était toujours pas arrêté. Amazon MGM Studios prépare, de son côté, le premier 007 de l’après-Daniel Craig.

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Le réalisateur de Bond 26 a expliqué à GQ que le processus était « en cours ». Il a même utilisé une image plus parlante en disant qu’il « appuie sur l’accélérateur », alors que l’attente se tend autour de ce premier James Bond version Amazon MGM Studios, un film qui devra aussi refermer définitivement la parenthèse Daniel Craig, terminée avec No Time to Die en 2021.

Aucune annonce officielle n’a encore été faite. Pourtant, depuis des mois, plusieurs noms reviennent avec insistance. D’après différents médias britanniques et américains, Robert Pattinson, Nicholas Hoult, Callum Turner, Jack Lowden et Josh O’Connor feraient partie des acteurs testés, ou au moins sérieusement envisagés pour le rôle.

Pour l’instant, difficile de dire qui est réellement en tête. En revanche, le type de profil recherché paraît un peu plus lisible: si l’on se fie à ces mêmes médias britanniques et américains, les producteurs voudraient un acteur masculin dans la trentaine, capable de s’inscrire dans la durée, avec en ligne de mire un nouveau cycle autour d’un Bond amené à porter la franchise pendant une dizaine d’années.

Mieux vaut quand même ne pas s’emballer trop vite. On suivra la suite de près.

Parce que l’affaire dépasse largement le simple choix d’un interprète.

Bond 26 sera le premier épisode de la saga placé sous le contrôle créatif d’Amazon MGM Studios. Ce n’est pas un détail, mais un vrai tournant pour une franchise longtemps façonnée par les producteurs historiques de la série. Pour ouvrir ce nouveau chapitre, le studio a réuni du lourd: Denis Villeneuve à la mise en scène, Steven Knight au scénario et, d’après plusieurs sources citées dès le mois de mars, Nina Gold au casting.

Les postes créatifs majeurs commencent donc à se dessiner. Le public, lui, attend surtout un seul nom: celui du prochain 007.

Le calendrier, en revanche, reste très incertain. Certains observateurs estiment que la production ne commencerait pas avant 2027, pour une sortie qui pourrait suivre en 2028. D’ici là, l’annonce de l’identité du nouvel agent secret pourrait tout de même tomber avant la fin de l’année 2026.

Ce qui frappe, assez curieusement, c’est que la couverture médiatique se focalise aujourd’hui bien plus sur le casting que sur la direction donnée au personnage lui-même. On sait encore très peu de choses sur la façon dont Denis Villeneuve compte relancer James Bond, au-delà du changement d’acteur et du nouveau contexte industriel.

Pierce Brosnan, autre ancien visage de 007, s’est d’ailleurs montré plutôt enthousiaste au sujet de plusieurs noms associés au rôle. Il a dit admirer les acteurs évoqués, avec un mot particulier pour Callum Turner, qu’il juge « très solide ». Comme beaucoup de fans, Pierce Brosnan attend surtout de découvrir qui finira, au bout du compte, par récupérer le costume.

Pour l’instant, une seule chose est sûre: la course a bel et bien commencé.

Au moment où ces lignes sont écrites, The Wolverine, le film de 2013 avec Hugh Jackman dans le rôle de Wolverine, figure dans le Top 10 des films les plus regardés sur Max aux États-Unis, d’après le classement visible sur la plateforme. Plusieurs sources le placent même en 6e position, plus de dix ans après sa sortie en salle.

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Ça en dit long sur la place du personnage. Wolverine reste l’une des figures les plus populaires de l’univers X-Men, et pour beaucoup Hugh Jackman en reste la version évidente, presque indissociable. Ce qui surprend davantage, c’est de voir un film longtemps resté derrière les plus gros mastodontes Marvel et X-Men revenir aussi franchement dans la conversation.

Depuis sa première apparition dans X-Men en 2000, Hugh Jackman est attaché à Logan. Il a depuis porté plusieurs volets de la saga, trois films centrés sur Wolverine, puis un duo événement avec Deadpool dans Deadpool & Wolverine.

Du coup, voir l’intérêt repartir à chaque retour du personnage n’a rien de très étonnant. C’est sans doute exactement ce qu’on observe avec The Wolverine : sa remontée sur Max semble directement liée au retour de Hugh Jackman dans Deadpool & Wolverine, qui donne envie à beaucoup d’abonnés de replonger dans des chapitres plus anciens de la franchise. Même sans chiffres d’audience détaillés, sa présence dans le Top 10 américain montre que la nostalgie marche encore, et que la curiosité aussi.

Pour l’instant, les données disponibles concernent surtout les États-Unis. Max n’a publié aucun volume d’audience précis, et on ne sait pas encore si le même phénomène se reproduit ailleurs avec la même ampleur. Mieux vaut donc rester prudent. On suivra ça.

Sorti en 2013, The Wolverine se distingue autant par son cadre que par son ton. L’histoire emmène Logan au Japon, où Yukio vient le chercher avant qu’il ne retrouve Ichirō Yashida, un homme à qui il a sauvé la vie à Hiroshima des années plus tôt. Yashida lui fait alors une proposition qui semble impossible : le débarrasser de son pouvoir de guérison.

La suite glisse vers un récit de manipulation, de luttes de pouvoir et de conspiration, où Logan se retrouve plus vulnérable que jamais. L’idée est simple, mais elle tient bien : priver Wolverine de ce qui fait sa force donne au film une tension différente, loin des épisodes de super-héros les plus classiques.

Si The Wolverine a gardé une vraie cote auprès des fans, c’est aussi pour ça. Le film prend le personnage par un angle plus intime. Il s’attarde sur l’épuisement moral de Logan, sur son deuil après la mort de Jean Grey, sur son traumatisme, et sur cette quasi-immortalité qui ressemble souvent plus à une malédiction qu’à un don.

Le long métrage s’inspire en partie de la mini-série de comics de 1982 signée Chris Claremont et Frank Miller, et il est souvent perçu comme une œuvre plus personnelle, plus posée que la moyenne de la franchise X-Men. À sa sortie, ce n’était d’ailleurs pas un échec : The Wolverine avait rapporté environ 415 millions de dollars au box-office mondial, pour un budget estimé à 132 millions. Le revoir apparaître dans les classements de Max n’a donc rien d’invraisemblable. Ce qui frappe davantage, c’est à quel point cette redécouverte est nette aujourd’hui.

Mise en ligne le 1er octobre 2026, la mini-série East of Eden a très vite trouvé son public sur Netflix. D’après les chiffres communiqués par la plateforme, elle est passée de 6,5 millions de vues pendant sa première semaine à 12,6 millions la suivante, avant de grimper à 28,9 millions au bout d’un mois.

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Netflix indique aussi que East of Eden s’est hissée dans le top 10 de 86 pays et qu’elle a atteint la première place dans 34 territoires. La série a, dans le même mouvement, remis en circulation l’intérêt pour l’un des romans les plus connus de John Steinbeck.

L’un des arguments majeurs de cette adaptation tient à son ambition de couvrir le roman dans son ensemble. Là où le film de 1955 d’Elia Kazan ne reprenait qu’une partie du livre, la version Netflix est présentée par la plateforme comme la première à en restituer toute l’ampleur.

On sent bien cette volonté dans la forme même du récit. La série prend le temps d’assumer sa dimension de grande saga familiale, depuis les dernières années du XIXe siècle jusqu’à la Première Guerre mondiale, en suivant plusieurs générations de la famille Trask. Adam et Charles sont d’ailleurs incarnés par différents acteurs selon les périodes, un parti pris qui accentue la sensation de durée et le poids de l’héritage familial.

Au centre, il y a toujours le face-à-face entre Adam et Charles Trask. La série garde cette lecture nourrie par le mythe de Caïn et Abel, et montre comment l’éducation dure, presque militaire, imposée par leur père alimente chez eux la jalousie, la peur, le besoin d’être aimé et la rivalité fraternelle.

Autre point qui a beaucoup retenu l’attention, Cathy Ames, jouée par Florence Pugh. Longtemps réduite à une figure presque entièrement maléfique, elle fait ici l’objet d’un traitement plus dense, plus travaillé.

La série n’efface en rien la violence du personnage, mais elle cherche davantage à éclairer son passé, ses réflexes de survie et les circonstances qui l’ont construite. Ce changement de perspective fait partie des aspects les plus commentés depuis la sortie, et c’est aussi l’une des raisons pour lesquelles l’interprétation de Florence Pugh a été autant saluée.

Zoe Kazan, créatrice et scénariste de la série, n’arrive pas sur ce matériau par simple hasard. Son grand-père, Elia Kazan, avait réalisé l’adaptation au cinéma en 1955.

Cette filiation a fortement marqué l’identité du projet, mais aussi la manière dont il a été reçu, entre hommage, prolongement et désir clairement assumé de relire l’œuvre pour une autre époque.

Du côté de la critique, l’accueil reste dans l’ensemble favorable, avec à la clé un label Certified Fresh sur Rotten Tomatoes. Beaucoup de commentaires insistent sur l’ambition de la série, sur l’ampleur de sa mise en scène, et surtout sur Florence Pugh.

D’autres se montrent plus prudents. Selon eux, cette relecture plus féminine et davantage centrée sur le traumatisme laisse un peu de côté les dimensions bibliques et philosophiques qui faisaient la singularité du roman.

Plus surprenant encore, le succès déborde déjà largement le cadre du streaming. D’après Penguin Classics, les ventes de East of Eden ont bondi de près de 200 %, tous formats confondus, depuis l’arrivée de la série. Une manière de rappeler que lorsqu’une plateforme tombe sur le bon classique au bon moment, le fameux effet Netflix peut encore faire passer un livre patrimonial au rang de phénomène culturel grand public.

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Ce nouvel envol confirme surtout la dynamique déjà visible dans notre précédent point sur East of Eden sur Netflix, où la mini-série frôlait les 20 millions de vues en moins de deux semaines. Depuis, le compteur a continué de grimper, et le top 10 dans 86 pays montre que l’élan ne s’est pas essoufflé. La trajectoire reste donc celle d’un succès qui dépasse le simple démarrage.

Prévu pour 2026, le crossover entre Star Trek et Magic: The Gathering fait revenir sur le devant de la scène One, le drone borg aperçu dans Star Trek: Voyager. Le personnage refait surface avec la carte « One, Borg Evolved », incluse dans le deck Commander « We Are the Borg », d’après l’annonce de Magic: The Gathering. Et avec lui remonte aussitôt l’un des récits les plus douloureux de Seven of Nine.

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Cette annonce fait partie d’un partenariat plus vaste entre Star Trek et Magic: The Gathering, lancé à l’occasion des 60 ans de la franchise Star Trek. Plusieurs extensions Star Trek sont prévues pour 2026, avec toute une série de produits thématiques, parmi lesquels des Scene Cards et des decks Commander construits autour de factions ou de personnages emblématiques, toujours selon Magic: The Gathering.

Ce qui accroche ici, ce n’est ni un capitaine ni un grand méchant. Les fans se focalisent sur un personnage disparu après une seule apparition à l’écran. Et pourtant, One a marqué durablement Star Trek: Voyager, surtout à cause de sa relation avec Seven of Nine et de ce lien très fort avec l’humanité qu’elle essaie, elle aussi, de retrouver.

One apparaît dans « Drone », épisode de la saison 5 de Star Trek: Voyager. Il naît d’un accident de téléportation qui mélange les nanoprobes borgs de Seven of Nine et l’émetteur mobile du Docteur, une technologie venue du XXIXe siècle. Le résultat, c’est un drone borg extraordinairement avancé, bien au-delà de ce que le Collectif connaît à ce moment-là de l’épisode.

Très vite, One affirme sa propre individualité. C’est là que l’épisode prend toute sa force. Seven of Nine devient pour lui une sorte de figure maternelle de remplacement, et en l’aidant à comprendre l’autonomie, les émotions, puis la différence entre obéir et choisir, elle retrouve elle-même une part de son humanité. Pour beaucoup de fans, cette dynamique mère-fils reste l’un des arcs les plus émouvants du personnage.

La fin arrive sèchement. Dans « Drone », la simple existence de One attire l’attention du Collectif borg et met l’USS Voyager en danger. Pour éviter que les Borg s’emparent du vaisseau et exploitent sa technologie, il choisit de se sacrifier. Ses derniers instants avec Seven of Nine comptent parmi les scènes les plus poignantes de Star Trek: Voyager, en particulier quand il lui dit : « Vous vous adapterez. » Une réplique qui reprend le langage des Borg, mais avec quelque chose de cruel et, en même temps, de profondément humain.

Ce retour fait aussi ressortir d’autres pertes majeures dans la vie de Seven of Nine, notamment celle d’Icheb, cet autre ancien Borg qu’elle avait pris sous son aile. Sa mort brutale dans Star Trek: Picard a marqué un tournant traumatique pour le personnage, bien avant que Seven of Nine n’accepte pleinement son identité et finisse par accéder au commandement de l’Enterprise-G.

Côté jeu, « One, Borg Evolved » s’annonce déjà comme une carte que beaucoup attendent. Cette créature-artefact légendaire peut donner à d’autres créatures-artefacts une liste de capacités assez impressionnante : le vol, la double initiative, la vigilance, la menace, le lien de vie et le ward, d’après la présentation de Magic: The Gathering.

Autrement dit, on tient peut-être là un finisher redoutable pour les amateurs de Commander, et une manière plutôt élégante de traduire en gameplay l’idée d’un Borg supérieur, unique, presque impossible à stopper. Mais pour les fans de Star Trek, l’essentiel est sans doute ailleurs. Près de trente ans après « Drone », One n’est plus seulement un souvenir tragique. Il retrouve enfin une place visible dans la franchise.

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Début novembre 2026, King Arthur: Legend of the Sword de Guy Ritchie est revenu dans le Top 10 de Netflix aux États-Unis, d’après les données de la plateforme. Presque dix ans après sa sortie au cinéma, le film connaît donc un retour assez improbable et remet sous les projecteurs l’un des paris les plus coûteux, et les plus mal engagés, de Warner Bros.

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L’intérêt retrouvé autour de King Arthur: Legend of the Sword n’a d’ailleurs rien d’un cas isolé. Le film avait déjà refait surface sur Netflix en octobre 2021. Mais le voir réapparaître dans les classements en 2026 montre autre chose : il continue à attirer un nouveau public sur les plateformes, bien loin de l’accueil franchement froid qu’il avait reçu en salles.

En 2017, King Arthur: Legend of the Sword avait pourtant été conçu comme un blockbuster capable de porter une franchise sur la durée. À l’époque, Warner Bros. allait jusqu’à envisager un univers étendu de six films.

Tout s’est arrêté presque aussitôt après un lancement décevant au box-office. Le film n’avait rapporté qu’environ 148 millions de dollars dans le monde, d’après les chiffres disponibles à l’époque, pour un budget de production estimé à 175 millions, sans compter les frais marketing. À cette échelle, le total était trop faible pour amortir un projet pareil, et encore moins pour donner le feu vert aux suites annoncées.

Si le film revient aujourd’hui, c’est sans doute en partie parce qu’il a une identité très forte. Guy Ritchie n’a jamais cherché à livrer une version sage ou classique de la légende arthurienne. Il a transplanté à Camelot sa mise en scène nerveuse, son goût pour les montages rapides et ce ton moderne qu’on retrouvait déjà dans ses Sherlock Holmes.

Au final, ça donne un film d’action-fantasy très stylisé, souvent décrit comme une rencontre un peu improbable entre un péplum sous testostérone et une aventure de hors-la-loi façon Robin des Bois. Charlie Hunnam y joue Arthur, gamin élevé dans la rue avant d’apprendre ses origines royales quand Excalibur revient entre ses mains. En face, Jude Law incarne Vortigern, l’oncle usurpateur à l’origine de la chute d’Uther Pendragon, lui-même joué par Eric Bana.

Et c’est peut-être sur Netflix que King Arthur: Legend of the Sword trouve vraiment son terrain. Lors de sa sortie, la critique s’était montrée majoritairement négative. Le public avait été moins dur, parfois même très partant selon une partie des spectateurs.

Sur une plateforme, les qualités du film sautent peut-être plus facilement aux yeux : les grands morceaux d’action, la direction artistique immédiatement identifiable, cette version de Camelot qui ne ressemble pas à celle qu’on attend d’habitude, et la bande originale particulièrement nerveuse de Daniel Pemberton. Le public cinéma espérait peut-être une fresque médiévale plus classique. Les abonnés Netflix, eux, paraissent plus réceptifs à ce mélange étrange, hybride, un peu excessif aussi.

Aucune suite n’a encore été officialisée. Charlie Hunnam expliquait en 2020 qu’il serait partant pour revenir et qu’à ses yeux, l’univers du film aurait mérité de s’étendre sur un récit plus vaste.

Depuis ce nouveau rebond sur Netflix en 2026, ni Charlie Hunnam ni Guy Ritchie n’ont pris la parole publiquement sur cette résurgence. Mieux vaut donc ne pas aller trop vite. Ce passage dans le Top 10 de Netflix ne promet pas à lui seul le retour de la franchise. Il rappelle quand même une chose : à l’époque du streaming, certains blockbusters enterrés dès leur sortie peuvent encore, des années plus tard, tomber sur le public qu’ils n’avaient pas réussi à trouver au départ.