L’artiste pop Sabrina Carpenter a fait un grand pas dans sa carrière en jouant dans son premier grand film de studio. Cette nouvelle excitante survient après l’annonce d’une nouvelle comédie musicale en développement chez Universal Pictures, qui sera inspirée de l’œuvre iconique Alice au pays des merveilles de l’auteur Lewis Carroll. Alice poursuivant le lapin musical Le film marquera un tournant pour Carpenter, qui a déjà conquis le monde de la musique et de la télévision, et qui se lance maintenant dans ce projet cinématographique ambitieux. La machine de l’industrie du divertissement semble être […]
La pop star Sabrina Carpenter a fait un grand pas dans sa carrière en jouant dans son premier grand film de studio. Cette nouvelle excitante survient après l’annonce d’une nouvelle comédie musicale en développement chez Universal Pictures, qui sera inspirée de l’œuvre iconique Alice au pays des merveilles de l’auteur Lewis Carroll.
Alicia poursuivant le lapin musical
Le film marquera un tournant pour Carpenter, qui a déjà conquis le monde de la musique et de la télévision, et qui se lance maintenant dans ce projet cinématographique ambitieux. La machine de l’industrie du divertissement semble être en marche, attirée par la combinaison du talent de Carpenter et du matériau source qui a fasciné des générations.
Lorene Scafaria, reconnue pour son travail dans des films comme Hustlers, sera responsable de l’écriture et de la direction du projet. Sa vision créative apportera une nouvelle perspective au conte classique de Carroll, offrant aux fans et aux nouveaux spectateurs une expérience unique qui combine musique, danse et un monde de fantaisie. Le choix de Scafaria a été bien accueilli, compte tenu de son historique de narration d’histoires qui ont résonné avec le public contemporain.
L’annonce a suscité de l’attente sur les réseaux sociaux et parmi les fans de Sabrina Carpenter, qui sont impatients de voir comment cette histoire magique va se dérouler. En attendant plus de détails sur le casting et l’intrigue spécifique, la fusion d’un récit classique avec une touche musicale contemporaine promet d’être une proposition attrayante pour les amateurs de comédies musicales et de contes de fées.
Bien que les dates spécifiques de la première ne soient pas encore connues, la participation d’un talent comme Carpenter, aux côtés de l’équipe créative derrière le projet, suggère que cette comédie musicale pourrait bien devenir l’un des thèmes les plus marquants de la prochaine saison cinématographique.
Le cinéma des années 80 est rappelé avec beaucoup d’affection et ce n’est pas sans raison. Certains des films d’aventure et d’action les plus mythiques de l’histoire du cinéma proviennent de cette époque. Le niveau de créativité qui prévalait à l’époque et les réalisateurs et scénaristes impliqués étaient enviables, menant à des joyaux uniques qui sont encore aujourd’hui mémorisés. Et qui, dans de nombreux cas, ont été des succès écrasants au box-office. Cela a été le succès de l’une des trilogies les plus mémorables de l’histoire et qui est encore célébrée aujourd’hui : Retour vers le futur. Conçu par Robert Zemeckis […]
Le cinéma des années 80 est rappelé avec beaucoup d’affection et ce n’est pas sans raison. Certaines des films d’aventure et d’action les plus mythiques de l’histoire du cinéma proviennent de cette époque. Le niveau de créativité qui prévalait à l’époque et les réalisateurs et scénaristes impliqués étaient enviables, donnant lieu à des joyaux uniques qui sont encore célébrés aujourd’hui. Et dans de nombreux cas, ils ont été des succès écrasants au box-office. C’est ce qui a fait le succès de l’une des trilogies les plus mémorables de l’histoire, qui est encore célébrée aujourd’hui : Retour vers le futur.
Conçue par Robert Zemeckis et Bob Gale et produite par Steven Spielberg, cette franchise part d’une prémisse très simple. Que se passerait-il si un jeune voyageait dans le passé et rencontrait ses parents au moment où ils se sont rencontrés et sont tombés amoureux ? Quel genre de désastres pourrait-il provoquer s’il commettait la moindre erreur ?
Un film qui a inventé ce qui est aujourd’hui un cliché
Bien que cette histoire soit aujourd’hui un cliché pour toutes sortes de séries, de livres et de films, c’est à cause de la première livraison de cette franchise de films. Marty McFly était l’adolescent rebelle et impulsif original qui voyage dans le temps dans une voiture au design rétro-futuriste, conduit par les idées farfelues d’un ami scientifique fou, l’emmenant dans une aventure des plus déjantées. Qui ne fera que devenir de plus en plus folle avec chaque nouvelle livraison de la franchise. Mais nous y reviendrons.
Le premier film, Retour vers le futur, est resté simple. Se déroulant en 1985, le protagoniste Marty McFly voyage 30 ans dans le passé, en 1955, testant la machine à voyager dans le temps que son ami et scientifique un peu fou, Doc, a construite dans une DeLorean. Le résultat perturbe la relation de ses parents, faillit provoquer qu’il ne naisse jamais, et finalement, il parvient à revenir à son époque sans compromettre ni sa relation ni celle de ses parents ni le continuum espace-temps.
Tremendement ingénieuse et folle pour l’époque, très inspirée par la série télévisée La dimension inconnue et les comics de voyages dans le temps de Superman, le film a été un énorme succès auprès de la critique et du public. Avec un budget de 20 millions de dollars, il a réussi à rapporter presque 390 millions au box-office, sans compter tout ce qu’il a généré à la télévision et dans les formats domestiques, étant étonnamment salué par la majorité des critiques de l’époque comme un film jeunesse ingénieux, intelligent et qui représente un tournant très astucieux dans les histoires de science-fiction grâce à son humour et sa narration, même si son début est un peu trop lent et surchargé d’exposition.
Gagnant de nombreux prix et étant nominée à cinq Oscars, bien qu’elle n’en ait remporté aucun, elle a été la grande surprise de 1985. Et pour la surprise de personne, les suites sont arrivées.
Les séquelles du grand succès
Ils ont mis quatre ans à réaliser leur deuxième volet, mais ils l’ont fait. Tous les acteurs impliqués dans le film original sont revenus, sauf Crispin Glover, qui jouait le père de Marty McFly, mais il a été jugé trop problématique pour travailler avec lui. Le film promettait la même chose, mais avec un twist différent. Cette fois, ils ne voyageraient pas dans le passé, mais dans le futur. Mais Marty, qui apparemment n’a rien appris du premier film, se retrouve dans des ennuis et ramène au présent un objet du futur qui change complètement l’avenir. Parce que, qu’est-ce que le présent sinon le passé du futur ?
Avec des voyages dans le futur, dans le passé et un affrontement direct contre son grand némésis depuis le premier film, le voyou Biff, le film se construit sur la prémisse de son prédécesseur en le rendant plus grand, avec plus de conséquences et d’une certaine manière, visionnaire. En fin de compte, il s’agit d’un millionnaire prenant le pouvoir des États-Unis et ruinant tout. Mais sa vision n’est qu’à moitié réussie : en 1989, date de la sortie du film, Donald Trump était déjà une figure très importante de la société américaine et avait déclaré son intention de se présenter à la présidence des États-Unis. Et si ce film sert de président, l’idée n’enthousiasmait déjà pas à l’époque.
D’autre part, le film a de nouveau été un succès. Avec un budget de 40 millions, il a rapporté un peu plus de 332 millions de dollars et la critique a de nouveau exprimé un enthousiasme sain. Bien que certains critiques aient vu dans le film un divertissement d’évasion qui manquait de l’imagination de l’épisode précédent et que les récompenses n’aient pas brillé de la même manière que dans le précédent.
Un troisième film très apprécié
Seulement un an plus tard et suivant la scène finale de ce deuxième film, le troisième et dernier film de la franchise est sorti : Retour vers le futur III. Avec Doc s’auto-exilant dans le passé, spécifiquement en 1885, Marty devra aller à son secours lorsqu’il recevra un message indiquant que quelque chose ne va pas et que son ancien ami a besoin de son aide. Une situation qui se résout dans un film avec tous les tropes du western, extrêmement ingénieux, et qui sert de conclusion parfaite au noyau émotionnel de cette trilogie de films exceptionnelle.
Coûtant 40 millions de dollars de plus, cette fois ils n’ont récolté que 245 millions, si l’on peut dire « seulement » quand on parle de ces chiffres. Et la critique a été, étonnamment, beaucoup plus positive que pour le deuxième. Bien que l’ambition du deuxième volet était beaucoup plus grande, avec une intrigue plus tumultueuse et essayant d’orner le tout avec de nombreux thèmes superficiels apparemment profonds, les intentions beaucoup plus pures et directes de cette suite de faire un film divertissant, qui se concentre sur les personnages et leur relation et comment elle utilise les tropes du western, ont séduit la critique. Et ce n’est pas sans de très bonnes raisons.
Après la trilogie, la franchise s’est fermée sans qu’on ait jamais tenté de la ressusciter. Pas au cinéma. Elle a eu des séries télévisées, des jeux vidéo, des flippers, des biographies de ses acteurs et tout ce qu’on peut imaginer en matière de merchandising, mais personne n’a jamais proposé un quatrième film. Et c’est mieux ainsi. Parce qu’aujourd’hui, vous pouvez voir cette excellente trilogie sur Netflix qui, de plus, n’a pas besoin de devenir une tétralogie pour que nous nous souvenions à quel point elle est bonne.
Molly Ratermann a fait un pas significatif dans sa carrière cinématographique avec la première de son premier film en tant que réalisatrice, intitulé Making a Bridesmaid. Cette comédie d’horreur se présente comme un mélange intrigant entre Bodies Bodies Bodies et Bridesmaids, offrant un regard satirique sur les pressions auxquelles les femmes sont confrontées dans diverses situations, en particulier dans des contextes liés aux mariages. Un nouvel espace pour l’horreur Le film, qui a terminé sa phase de postproduction, est prévu pour participer à des festivals à partir de 2026, offrant à Ratermann l’opportunité de présenter sa vision unique dans un environnement de […]
Molly Ratermann a fait un pas significatif dans sa carrière cinématographique avec la première de son premier film en tant que réalisatrice, intitulé Making a Bridesmaid. Cette comédie d’horreur se présente comme un mélange intrigant entre Bodies Bodies Bodies et Bridesmaids, offrant un regard satirique sur les pressions auxquelles les femmes sont confrontées dans diverses situations, en particulier dans des contextes liés aux mariages.
Un nouvel espace pour l’horreur
Le film, qui a terminé sa phase de postproduction, est prévu pour participer à des festivals à partir de 2026, offrant à Ratermann l’opportunité de présenter sa vision unique dans un environnement de haut profil. Non seulement elle a pris les rênes en tant que réalisatrice et scénariste, mais elle assume également des rôles de production et d’actrice, montrant sa polyvalence dans le domaine cinématographique.
Making a Bridesmaid promet de être à la fois divertissant et provocateur, car il plonge dans la complexité des attentes sociales auxquelles les femmes sont confrontées, mettant en lumière la tension qui peut surgir lors d’événements traditionnels comme les mariages. Avec son approche audacieuse, le film s’inscrit dans une tendance croissante de comédies qui allient humour et horreur, un genre qui a trouvé un écho auprès des publics contemporains.
À mesure que la date des festivals approche, on s’attend à ce que Making a Bridesmaid suscite de l’intérêt non seulement pour son thème, mais aussi pour la nouvelle voix qu’il représente dans le paysage cinématographique. La combinaison d’éléments de comédie et d’horreur, associée à la direction de Ratermann, suggère une expérience cinématographique fraîche et divertissante qui captivera l’attention des critiques et des cinéphiles.
La billetterie d’automne a connu des performances médiocres, ce qui a conduit Hollywood à espérer que Predator: Badlands parvienne à revitaliser le paysage cinématographique. Le film, produit par 20th Century Studios, une filiale de Disney, est prévu pour un démarrage mondial d’environ 60 millions de dollars. De ce montant, on estime que plus de 25 millions proviendront des États-Unis et du Canada. Un chiffre obscène, mais réaliste Predator: Badlands représente un investissement significatif pour Disney, surtout en cette période où l’intérêt du public a été affecté par une série de sorties ratées et […]
La billetterie d’automne a connu des performances médiocres, ce qui a conduit Hollywood à espérer que Predator: Badlands parvienne à revitaliser le paysage cinématographique. Le film, produit par 20th Century Studios, une filiale de Disney, devrait réaliser un démarrage mondial d’environ 60 millions de dollars. De ce montant, on estime que plus de 25 millions de dollars proviendront des États-Unis et du Canada.
Un chiffre obscène, mais réaliste
Predator: Badlands représente un investissement significatif pour Disney, surtout à une époque où l’intérêt du public a été affecté par une série de sorties ratées et une concurrence écrasante pour l’attention des consommateurs. Hollywood reconnaît l’importance de ce film non seulement comme un produit de divertissement, mais aussi comme un possible bouée de sauvetage pour le box-office, à un moment où les chiffres ont largement déçu.
Le retour de la saga emblématique de science-fiction, qui a captivé l’imagination des spectateurs depuis ses débuts en 1987, pourrait être exactement ce dont l’industrie a besoin. Cependant, la réception du public et de la critique sera essentielle pour déterminer si Predator: Badlands parviendra réellement à avoir un impact positif sur les recettes, ou s’il passera inaperçu comme d’autres sorties récentes.
L’industrie observera de près ce lancement, car le succès ou l’échec du film pourrait avoir d’importantes répercussions sur les futures productions. Malgré des attentes faibles, la combinaison de nostalgie et le retour d’un personnage aussi emblématique pourraient être des facteurs déterminants pour attirer les audiences dans les salles, et Hollywood espère que cette stratégie se traduira par un box-office plus robuste à l’approche des festivités de fin d’année.
Clint Eastwood a laissé une empreinte indélébile dans l’industrie cinématographique, non seulement en tant qu’acteur et réalisateur, mais aussi en tant que figure qui établit des normes à Hollywood. Son influence a été telle qu’une norme non officielle a été créée pour protéger les cinéastes d’être remplacés par des producteurs ou des acteurs. Au cours de sa carrière, Eastwood a travaillé aux côtés de grands auteurs et cinéastes, ce qui lui a permis d’enrichir sa filmographie avec des œuvres mémorables. Un film d’action et de comédie comme aucun autre L’un de ses films les plus acclamés, Un butin de 500 000 dollars (1978), se distingue par son mélange […]
Clint Eastwood a laissé une empreinte indélébile dans l’industrie cinématographique, non seulement en tant qu’acteur et réalisateur, mais aussi en tant que figure qui établit des normes à Hollywood. Son influence a été telle qu’une norme non officielle a été créée pour protéger les cinéastes d’être remplacés par des producteurs ou des acteurs. Au cours de sa carrière, Eastwood a travaillé aux côtés d’auteurs et de cinéastes de renom, ce qui lui a permis d’enrichir sa filmographie avec des œuvres mémorables.
Un film d’action et de comédie comme aucun autre
Un de ses films les plus acclamés, Un butin de 500 000 dollars (1978), se distingue par son mélange unique de thriller de braquage et de comédie d’action. Le film, qui est disponible sur Amazon Prime Video jusqu’au 31 octobre, suit John ‘Thunderbolt’ Doherty, un maître du braquage qui se prépare pour un dernier grand coup, accompagné par le audacieux et jeune ‘Lightfoot’, incarnés par Eastwood et Jeff Bridges, respectivement. La chimie entre les deux acteurs apporte de la profondeur à leurs personnages et à la narration, permettant un développement de la relation qui met en avant à la fois leurs contrastes et leur camaraderie.
Le film s’éloigne de l’approche hypermasculine typique de nombreuses productions de l’époque, offrant un ton frais et amusant qui en fait un référent de ce que serait la comédie d’action dans les années quatre-vingt. La combinaison d’éléments de suspense avec la comédie a fait de Un butin de 500.000 dollars un titre influent, marquant un changement dans le genre et établissant de nouveaux paradigmes dans les buddy films.
Bien qu’Eastwood ait cimenté son rôle en tant que voix autorale tout au long de sa carrière, sa performance dans ce film démontre que sa présence reste essentielle dans la construction d’histoires complexes et divertissantes. Un butin de 500 000 dollars est une œuvre qui mérite d’être redécouverte, surtout dans le contexte actuel, où le cinéma cherche à réinventer et à défier les narrations conventionnelles.
Le cinéma à budget moyen connaît un manque d’attention significatif, les plateformes de streaming prenant le devant de la scène et reléguant au second plan des films qui ne bénéficient pas d’un marketing adéquat. Elizabeth Olsen, actrice reconnue de l’Univers Cinématographique Marvel, a exprimé sa frustration face à cette tendance, affirmant qu’elle préfère ne pas participer à des projets destinés uniquement à être lancés sur des services de streaming. Fatiguée que les films ne sortent pas en salles, l’actrice a été claire dans ses déclarations, soulignant que si un film est produit avec l’intention d’être […]
Le cinéma à budget moyen connaît un manque d’attention significatif, avec les plateformes de streaming prenant le devant de la scène et reléguant au second plan des films qui ne bénéficient pas d’un marketing adéquat. Elizabeth Olsen, actrice reconnue de l’Univers Cinématographique Marvel, a exprimé sa frustration face à cette tendance, affirmant qu’elle préfère ne pas participer à des projets destinés uniquement à être lancés sur des services de streaming.
Fatiguée que les films ne sortent pas au cinéma
L’actrice a été claire dans ses déclarations, soulignant que si un film est produit avec l’intention d’être distribué exclusivement en streaming, elle n’est pas intéressée à en faire partie. Cette position découle particulièrement de son expérience avec Les trois filles, l’une de ses meilleures performances récentes, qui a eu une sortie limitée en salles et a fini par être reléguée au catalogue de Netflix, sans recevoir l’attention qu’elle méritait.
Malgré cette tendance préoccupante, Olsen reconnaît les avantages que lui apporte sa participation aux films de Marvel. Ces productions offrent non seulement une stabilité financière, mais permettent également aux acteurs la liberté de se lancer dans des projets plus petits et audacieux. « Marvel m’a offert de la valeur, et c’est très utile quand on fait des films indépendants », a commenté Olsen, soulignant que la sécurité fournie par le géant du cinéma lui permet de prendre des décisions créatives plus audacieuses.
Il est évident que l’avenir du cinéma en salle fait face à des défis considérables, tandis que le cinéma à budget moyen lutte pour trouver sa place dans un paysage dominé par le contenu instantané et l’abondant catalogue des plateformes de streaming. Les déclarations d’Olsen reflètent un sentiment partagé par beaucoup dans l’industrie, qui alertent sur le risque que les films de qualité se perdent dans le vaste océan numérique sans recevoir la reconnaissance adéquate.
Le film Chainsaw Man – The Movie: Reze Arc, basé sur l’acclamé anime et manga de Tatsuki Fujimoto, sortira en salles le 24 octobre. S’adaptant à un public peut-être pas familier avec la série, le film se présente comme une expérience autonome, où il n’est pas nécessaire d’avoir vu la première saison pour comprendre l’histoire qui se déroule. Un film à ne pas manquer pour tout fan de la série. Le début du film se concentre sur les motivations des chasseurs de démons, avec Denji faisant face à sa solitude et à ses frustrations romantiques, en particulier en relation avec […]
Le film Chainsaw Man – The Movie: Reze Arc, basé sur l’acclamé anime et manga de Tatsuki Fujimoto, sortira en salles le 24 octobre. Adapté à un public qui n’est peut-être pas familier avec la série, le film se présente comme une expérience autonome, où il n’est pas nécessaire d’avoir vu la première saison pour comprendre l’histoire qui se déroule.
Un film à ne pas manquer pour tout fan de la série
Le début du film se concentre sur les motivations des chasseurs de démons, avec Denji confronté à sa solitude et à ses frustrations romantiques, notamment en ce qui concerne Makima et Reze. La relation entre Denji et Reze évolue de manière significative tout au long de l’intrigue, mettant en avant une attention particulière aux détails visuels et émotionnels qui complètent l’action frénétique habituelle du matériel original. Des scènes mémorables, comme un moment lors d’un rendez-vous qui révèle la vulnérabilité de Denji, apportent une charge émotionnelle qui contraste avec les moments de comédie sexualisée qui, bien qu’essayant d’apporter un soulagement, peuvent ne pas fonctionner pour tous les spectateurs.
Sur une durée d’environ 100 minutes, le film propose des scènes d’action et de combat intenses, avec une animation dynamique qui capte l’attention du public. Malgré la violence graphique, le film maintient un équilibre en n’oubliant pas l’évolution personnelle de ses personnages. Cependant, certains moments qui semblent anticiper de possibles suites paraissent précipités et pourraient diviser le public quant à leur efficacité narrative.
En résumé, Chainsaw Man – The Movie: Reze Arc non seulement répond aux attentes d’action et d’adrénaline, mais s’aventure également dans un terrain émotionnellement résonnant, mettant l’accent sur la quête d’acceptation personnelle de Denji. Avec une approche renouvelée, le film promet d’être une expérience cinématographique incontournable pour les fans d’anime et les nouveaux spectateurs également.
Lors du tournage de Un monde parfait, Clint Eastwood et Kevin Costner ont vécu une relation tendue qui est née de leurs approches différentes de la direction et de la performance. Costner, qui dans les années 90 était l’une des plus grandes stars d’Hollywood, s’est retrouvé dans une situation inconfortable, car le rôle qu’il interprétait était radicalement différent de ce qu’il avait l’habitude de faire. Son perfectionnisme connu était en conflit avec le style agile d’Eastwood, qui est célèbre pour faire peu de prises et avancer rapidement dans la production. Une décision assez extrême L’une des anecdotes les plus mémorables de ce conflit est survenue lorsque […]
Lors du tournage de Un monde parfait, Clint Eastwood et Kevin Costner ont vécu une relation tendue qui est née de leurs approches différentes de la réalisation et de la performance. Costner, qui dans les années 90 était l’une des plus grandes stars d’Hollywood, s’est retrouvé dans une situation inconfortable, car le rôle qu’il interprétait était radicalement différent de ce qu’il avait l’habitude de faire. Son perfectionnisme connu était en conflit avec le style rapide d’Eastwood, qui est célèbre pour faire peu de prises et avancer rapidement dans la production.
Une décision plutôt extrême
Une des anecdotes les plus mémorables de ce conflit s’est produite lorsque Eastwood était prêt à filmer une scène, mais Costner a demandé plus de temps pour être prêt. Sans hésiter, Eastwood a pris une décision radicale : il a remplacé Costner par un figurant pour ne pas ralentir le processus de tournage. Cet épisode a clairement montré la différence de styles entre les deux cinéastes. Selon le directeur de la photographie Jack Green, c’était la seule fois où il a vu Eastwood visiblement en colère sur un plateau de tournage.
Malgré les tensions, Un monde parfait a fini par être un film hautement reconnu et considéré comme l’une des meilleures œuvres des deux talents. Tout au long du tournage, Costner a suggéré diverses idées, soulignant sa conviction que, bien qu’il ne puisse y avoir qu’un seul réalisateur, plusieurs bonnes idées peuvent coexister. Cependant, cette perspective contrastait avec la vision autoritaire d’Eastwood, qui a affirmé que son travail consistait à tourner des films et non à gérer des acteurs qui ne se présentaient pas au moment convenu.
À ce jour, Costner et Eastwood n’ont pas de nouveau collaboré sur un projet, et tous deux ont évité de discuter ouvertement des désaccords qui ont surgi pendant le tournage. On suppose que, bien qu’ils aient réussi à résoudre leurs différences temporairement, l’ombre de cet incident persiste encore dans l’histoire de leurs carrières cinématographiques.
Avant que Marvel ne crée son univers cinématographique et que DC ne lance et relance le sien, les deux maisons d’édition tâtonnaient dans le monde du cinéma. Parfois, un Spider-man ou un Batman Begins sortait, mais d’autres fois, de manière embarrassante, elles devaient se contenter d’Elektra ou… Catwoman. Il est difficile d’oublier ce film, qui a coûté 100 millions de dollars entre les mains d’un certain Pitof (dont la carrière de réalisateur à Hollywood s’est arrêtée là), avec Halle Berry dans le rôle principal, et qui a détruit tout ce qu’il a touché. Rien de bon n’est sorti de Catwoman. En fait, cela a même mis fin au studio de […]
Avant que Marvel ne crée son univers cinématographique et que DC ne lance et relance le sien, les deux maisons d’édition tâtonnaient dans le monde du cinéma. Parfois, on voyait sortir un Spider-man ou un Batman Begins, mais d’autres fois, de manière embarrassante, elles devaient se contenter d’Elektra ou… Catwoman. Il est difficile d’oublier ce film, qui a coûté 100 millions de dollars entre les mains d’un certain Pitof (dont la carrière en tant que réalisateur à Hollywood s’est arrêtée là), avec Halle Berry dans le rôle principal, et qui a détruit tout ce qu’il a touché. Rien de bon n’est sorti de Catwoman. En fait, cela a même mis fin au studio de jeux vidéo qui a créé Croc !
Il me semblait avoir vu un doux petit chat
Non seulement les critiques ont détesté Catwoman : il a même remporté les Razzie du pire film, pire réalisateur, pire scénario et pire actrice. C’était tellement mérité que Berry est venue en personne récupérer le prix (bien qu’elle ait reconnu des années plus tard qu’elle avait mis le feu à la cérémonie après). Ce n’était pas en vain : le film a littéralement inventé tout ce qui concerne le personnage, y compris son propre nom. Catwoman n’était plus Selina Kyle, mais une certaine Patience Phillips dont personne n’a jamais reparlé. Personne n’a jamais compris la motivation de DC pour approuver une telle absurdité, mais cela reste là, comme une pièce incontournable du chemin à ne pas suivre dans le cinéma de super-héros.
Mais bien sûr, en 2003, alors qu’ils préparaient encore la première, personne ne s’imaginait que ce serait un fiasco et, en tant que succès potentiel, ils ont commencé à créer toutes sortes de matériel publicitaire, parmi lequel se trouvait, bien sûr, un jeu vidéo qui est sorti quelques jours après la première, quand tout le monde savait déjà que Catwoman était un fiasco avec toutes les lettres. Au moins, Berry a évité le ridicule, car sa voix ici est assurée par la célèbre actrice de doublage Jennifer Hale (X-Men 97, DuckTales). Cela n’a pas sauvé le jeu de la destruction, bien sûr.
Le jeu suivait l’histoire du film (plus ou moins) et c’était un jeu de plateforme d’action très basique qui est sorti sur PS2, GameCube, PC et Xbox, en plus d’une version pour Game Boy Advance, qui, dit-on, était meilleure que les autres. Mais qui était derrière ce désastre ? Les travailleurs d’Argonaut Games, qui s’étaient fait un nom au milieu des années 90 grâce au mythique Star Fox et qui créeraient également la mascotte – légèrement populaire – Croc. Cependant, en 2004, ils enchaînaient les échecs et les jeux basés sur des films (comme Harry Potter et la chambre des secrets, L’empereur et ses folies ou Alien Resurrection) et les ventes très faibles de Catwoman ont mis le dernier clou dans leur cercueil.
Ils ont mis 8 mois à réaliser le jeu, mettant à disposition une équipe de 100 personnes (alors qu’ils travaillaient normalement en équipes de 15) et le résultat a été ce qu’il a été : personne ne l’a compris, très peu de gens ont voulu l’acheter après l’échec du film et chez Argonaut, ils ont été contraints, après leur pari suicidaire, de fermer leurs portes, laissant dans le flou des jeux déjà prévus comme Crash vs Spyro Racing, Transformers : Generation 2 ou un nouveau titre mettant en scène Yoshi. Cependant, le réquiem n’a duré « que » vingt ans, car cette même année 2025, l’entreprise est revenue avec le remaster de Croc : Legend of the Gobbos. En fait, tout leur travail à partir de maintenant sera de republier, de manière élégante, les titres de leur catalogue déjà existant. Eh bien, mieux vaut ça que rien.
En ce qui concerne DC, la lumière au bout du tunnel a été trouvée l’année suivante grâce à Batman Begins, et en 2006, ils ont fait de même avec Superman Returns. Et peu à peu, tout le monde a laissé Catwoman derrière (en solo, du moins), jusqu’à ce que, qui sait, peut-être que James Gunn voudra lui donner une autre chance. Hé, on ne sait jamais !
Lors d’une récente conférence au BFI Southbank de Londres, le réalisateur acclamé Ridley Scott a partagé sa vision critique de l’état actuel de l’industrie cinématographique. À 86 ans, Scott, connu pour des chefs-d’œuvre comme Alien, Blade Runner et Gladiator, ne s’est pas montré complaisant en évaluant le grand volume de films qui se produisent actuellement. Selon ses mots, “la quantité de films qui se font aujourd’hui, littéralement à l’échelle mondiale : des millions. La plupart sont des déchets”. Le réalisateur d’Alien et Gladiator n’est pas pour tant de balivernes Scott a souligné que beaucoup de ces productions […]
Lors d’une récente discussion au BFI Southbank de Londres, le réalisateur acclamé Ridley Scott a partagé sa vision critique sur l’état actuel de l’industrie cinématographique. À 86 ans, Scott, connu pour des chefs-d’œuvre comme Alien, Blade Runner et Gladiator, ne s’est pas montré complaisant en évaluant le grand volume de films qui se produisent aujourd’hui. Selon ses mots, « la quantité de films qui se font de nos jours, littéralement à l’échelle mondiale : des millions. La plupart sont des déchets ».
Le réalisateur d’Alien et Gladiator n’est pas pour tant de bêtises
Scott a souligné que beaucoup de ces productions dépendent trop des effets numériques, négligeant l’aspect fondamental de tout film : un bon scénario. « Ce qu’ils n’ont pas, c’est quelque chose de bon sur papier. Mettez-le sur papier ! », a-t-il conclu, soulignant sa conviction que la création d’histoires solides est essentielle pour l’art cinématographique.
Le réalisateur a également abordé la question de la consommation de produits médiocres par le public. Il a affirmé que l’audience s’est habituée à accepter un standard plus bas au cinéma, contribuant ainsi à « un effondrement dans la médiocrité ». Cependant, malgré sa critique du paysage actuel, Scott a exprimé son enthousiasme indéfectible pour le cinéma. « Je ne vais pas prendre ma retraite. Je suis déjà en train d’essayer d’écrire Gladiator 3 », a-t-il déclaré, montrant son engagement continu envers l’industrie.
Une stratégie personnelle pour faire face à la saturation actuelle de médiocrité est de revoir ses propres films, ce qui, selon lui, le surprend parfois. Cette réflexion révèle non seulement la passion de Scott pour son travail, mais aussi son désir d’élever le niveau du cinéma à une époque où la quantité semble prévaloir sur la qualité. Alors qu’il avance dans Gladiator 3, l’attente pour son prochain projet est intense, surtout compte tenu de ses critiques acerbes sur l’état du cinéma contemporain.
