Month: September 2026

Hemlotrion: Broken Mirror, le jeu de Frogstorm, a tout du descendant spirituel des premiers Harry Potter sur PS1. L’annonce de Hogwarts Legacy 2 a remis une pièce dans la machine: dès qu’on parle à nouveau de mondes de sorcellerie à parcourir, l’intérêt remonte. Et Hemlotrion capte forcément le regard, avec son esthétique rétro, ses couleurs et ce ton très marqué qui renvoient presque immédiatement à cette époque.

Si Harry Potter à l’école des sorciers sur PS1 est resté une référence, ce n’est pas juste une affaire de licence. On en parle encore pour sa façon de recréer Poudlard, pour son ambiance très particulière, et pour la bande-son de Jeremy Soule.

Pour beaucoup, l’école n’était même pas un simple décor. C’était le centre de tout.

C’est d’ailleurs ce qui le rapproche aujourd’hui de Hogwarts Legacy. Le blockbuster plus récent a lui aussi convaincu parce qu’il faisait de Poudlard un lieu crédible, dense, agréable à arpenter, un endroit où l’on avait envie de traîner un peu plus longtemps que prévu.

Quand le décor pèse autant que l’intrigue, les fans de Harry Potter s’en souviennent. Ça explique en partie pourquoi ces deux jeux restent aussi populaires.

Hemlotrion: Broken Mirror tombe donc à un moment assez idéal. Pour ceux qui gardent en tête les sensations des premiers Harry Potter sans avoir envie d’un copier-coller, le projet ressemble davantage à un clin d’œil assumé à l’ère PS1.

Et le timing ne doit rien au hasard non plus: avec Hogwarts Legacy 2 en préparation, l’envie de retourner dans des écoles de magie et des mondes pleins de secrets a l’air plus forte que jamais.

Un autre nom revient souvent dans les comparaisons: Kitori Academy, autrefois connu sous le nom de Witchery Academy. Développé par Cubenary, un studio indépendant composé de deux personnes, le jeu part sur quelque chose de plus cosy, quelque part entre le RPG et la simulation de vie.

En solo, on y incarne un apprenti sorcier. Il suit des cours, cultive des légumes, prépare des potions, lance des sorts, se fait des amis et personnalise à la fois son personnage et son chat spirituel, si l’on se fie à la page Steam de Kitori Academy. L’ensemble est souvent vendu comme un mélange entre Harry Potter, Animal Crossing et Studio Ghibli.

Kitori Academy est annoncé sur PC via Steam, Nintendo Switch, PlayStation et Xbox, toujours d’après sa page Steam. Le jeu avait d’abord été envisagé pour l’automne 2023, mais la date affichée a depuis laissé place à un bien plus prudent « Coming Soon ».

Mieux vaut quand même garder un peu de recul. Le projet a malgré tout déjà trouvé son public, avec 82 451 livres sterling récoltées sur Kickstarter auprès de 2 470 contributeurs. De son côté, Cubenary continue de montrer de nouvelles salles de classe, un système d’« événements inattendus » et des routines de PNJ retravaillées, comme le montrent la page Kickstarter du jeu et ses mises à jour.

Une très bonne nouvelle pour un créneau qui, visiblement, n’a jamais vraiment cessé d’avoir de la magie.

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Mayday: The Survival Island a désormais droit à une démo gratuite sur Steam. On parle bien d’un aperçu, pas du jeu complet. La version finale, elle, reste annoncée au 2 novembre 2026 sur PC via Steam, d’après la fiche du jeu. Ce survival sandbox indépendant est développé par Pequi Studios et édité par indie.io.

Le jeu est souvent comparé à The Legend of Zelda, Uncharted et Minecraft. Sur sa page Steam, Mayday: The Survival Island vous met dans la peau d’un survivant après le crash de son avion sur une île hostile.

D’après la description officielle, il faut récupérer des ressources, fabriquer des outils, monter un abri, puis faire évoluer ce refuge jusqu’à en tirer une vraie base. Mais l’idée ne se résume pas à survivre au jour le jour. L’exploration compte beaucoup aussi, avec des ruines laissées par une civilisation disparue et, derrière tout ça, un mystère plus large qui entoure l’archipel.

Télécharger Mayday: The Survival Island Demo sur PC

L’un des éléments les plus séduisants de Mayday: The Survival Island, si l’on en croit sa fiche Steam, tient à son monde façonné à la main.

Ici, pas d’archipel généré procéduralement. Le jeu mise, toujours selon sa page Steam, sur 24 îles uniques, toutes dessinées à la main.

C’est peut-être même là que le jeu sort le plus du lot. L’exploration semble plus pensée, plus cadrée, avec des biomes, des lieux à découvrir et des décors conçus pour pousser à la curiosité plutôt qu’à la simple boucle de collecte de ressources. Pour un jeu de survie, le parti pris n’est pas si courant.

Autre point mis en avant sur Steam : une structure non linéaire. Les joueurs peuvent choisir leur propre rythme, en se concentrant davantage sur la survie, la construction, l’exploration ou la découverte de l’histoire. C’est le genre d’approche qui parle souvent aux amateurs de mondes ouverts récents.

Ceux qui aiment bâtir pourront y passer du temps. Les plus portés sur l’aventure, eux, auront de quoi partir fouiller les îles et leurs vestiges.

Mayday: The Survival Island est développé par Pequi Studios, un petit studio indépendant brésilien composé de trois personnes. La publication est assurée par indie.io, un éditeur qui se consacre à l’accompagnement marketing et à la distribution de jeux indés, toujours d’après la page Steam du titre.

Le jeu a déjà commencé à se faire remarquer avec des apparitions à la PAX West et à la Gamescom, ainsi qu’une communauté Discord active. Du côté des premiers retours, certains médias et créateurs de contenu se montrent plutôt positifs. Ils mettent notamment en avant la qualité des animations, l’immersion des mécaniques de survie, et ce contraste assez réussi entre une direction artistique cosy et un ton d’exploration plus aventureux.

Mieux vaut quand même garder un peu de recul : sur Steam, sa popularité reste encore limitée, avec un pic historique de 37 joueurs simultanés sur la démo, d’après SteamDB.

Ce n’est pas assez pour trancher sur son potentiel à long terme. En revanche, c’est largement suffisant pour le garder à l’œil si vous aimez les sandbox de survie au côté plus artisanal.

Le monde du jeu vidéo est bien plus vaste qu’il n’y paraît. Même si on ajoute les indés, qui ont gagné beaucoup de reconnaissance au cours de la dernière décennie, il continue d’exister tout un univers de jeux vidéo qui passe sous le radar de l’immense majorité du public. Et beaucoup de jeux vidéo qui existent en dehors du mainstream, même s’ils ne sont ni connus ni applaudis par la majorité, peuvent être potentiellement aussi intéressants et amusants que ceux qui le sont.

Mais dans certains cas, certains parviennent à avoir des fandoms aussi grands, voire plus grands, que ceux de n’importe quel jeu indé ou mainstream. Même sans jamais sortir de cette sphère de niche. Des jeux qui deviennent leurs propres franchises de jeux indépendants complètement en dehors des jeux dont on parle d’habitude dans les médias et chez la plupart des joueurs, mais qui sont très reconnus et aimés par leurs fans, au point de devenir terriblement populaires et couronnés de succès. Et l’une de ces franchises a un nom bien à elle : Touhou Project.

Une création des plus singulières

Tout a commencé avec un étudiant en mathématiques de l’université Tokyo Denki du nom de Jun’ya Ōta, mais plus connu sous celui de ZUN. Sous le nom de ZUN Soft, il a développé une série de jeux vidéo entre 1995 et 1998 pour l’ordinateur japonais PC-98. En essayant différents styles de jeu, ils ont connu un succès modéré, en partie grâce au charisme de leur protagoniste : une miko (une prêtresse des temples shinto japonais) du nom de Reimu Hakurei. À laquelle viendrait s’ajouter, après les événements du deuxième jeu, un personnage qui finirait par l’éclipser en popularité. Une sorcière espiègle du nom de Marisa Kirisame.

C’est lorsqu’il a enfin fini ses études et qu’il a continué à développer des jeux vidéo que les jeux de ZUN ont explosé en popularité avec ce qui est considéré comme le premier jeu moderne de Touhou Project en 2002 : Embodiment of Scarlet Devil. C’est là que se dessinerait le modèle de tous les autres jeux de la franchise. Des shoot ’em ups dans lesquels on contrôle d’adorables filles inspirées du folklore japonais qui doivent affronter une menace contre leur monde, Gensokyo, un monde isolé du nôtre et où vivent majoritairement des humains et des yokai.

Mais ce ne sont pas des shoot ’em ups quelconques. Cette franchise a donné naissance à ce qu’on appelle le danmaku, ou bullet hell. Un style de jeu dans lequel le nombre de projectiles à l’écran peut se compter par centaines ou par milliers, nous obligeant à apprendre les patterns pour passer à travers de minuscules espaces entre des balles parfois vaguement visibles.

Même s’ils paraissent extrêmement difficiles, les jeux de Touhou Project à partir de Embodiment of Scarlet Devil sont assez accessibles. À condition de s’en tenir aux difficultés les plus basses. Les niveaux de difficulté les plus élevés sont de véritables défis pour des personnes aux nerfs d’acier qui n’ont pas de mal à mémoriser des patterns et à ne pas perdre leurs moyens, peu importe à quel point une situation peut sembler désespérée, plus que pour des personnes dotées de excellents réflexes. Mais ce sont des jeux bien plus accessibles qu’ils ne peuvent le paraître de l’extérieur.

Avec un fandom très impliqué

À tel point qu’en 23 ans ZUN a publié 15 jeux de la franchise principale et 13 spin-offs. Étant une franchise terriblement populaire et ayant refusé d’augmenter le prix de chaque nouvelle sortie depuis plus de 20 ans, ne l’ayant fait qu’en 2026 pour pouvoir assurer la viabilité de la production des jeux, Touhou Project est devenu un véritable phénomène qui reste en dehors du mainstream. Ce qui ne veut pas dire qu’il n’y ait pas un énorme fandom derrière.

Cela tient aussi à la grande souplesse de ZUN quand il s’agit d’autoriser des œuvres dérivées. Avec des directives de publication très bienveillantes, ZUN a très peu de problèmes à autoriser toutes sortes de jeux vidéo, mangas, disques musicaux ou toute autre sorte d’œuvre inspirée ou directement liée à l’univers de Touhou. Résultat : il existe, littéralement, des dizaines d’œuvres liées à l’univers de Touhou chaque année créées par des fans qui lui sont très attachés. Avec un soin et une obsession du détail qui ont rarement quoi que ce soit à envier à ceux de ZUN lui-même.

Beaucoup d’entre elles viennent de studios indés et de professionnels qui ont autant, voire plus, d’expérience et de moyens que ZUN lui-même. D’autres viennent d’amateurs qui veulent simplement apporter leur pierre à l’édifice à un fandom qu’ils adorent. Mais cela a fait de Touhou Project l’un des univers les plus vastes et les plus impossibles à embrasser de la fiction actuelle. Rendant absolument impossible qu’il n’y ait pas toujours quelque chose de nouveau en son sein pour ses fans, peu importe à quel point leurs goûts peuvent être spécifiques ou précis.

À présent, ZUN a publié un remake du premier grand jeu de la franchise, Embodiment of Scarlet Devil. Sous le nom de Touhou Koumakyou: New Classic – the Embodiment of Scarlet Devil, il inclut à la fois le remake et la version classique du jeu pour que puisse y jouer quiconque préfère jouer à l’original. Démontrant exactement la raison pour laquelle les gens adorent Touhou : on a vraiment l’impression de faire partie d’une communauté où tous adorent l’œuvre avec passion. ZUN compris.

Blizzard l’a confirmé: Diablo 4 n’aura pas d’autre extension payante après Lord of Hatred. Le studio présente cette extension comme la dernière, mais aussi comme le point final de l’arc narratif appelé Story of Hatred. Dans le même temps, Brent Gibson a expliqué qu’une part importante des ressources de Blizzard part désormais sur Diablo 5, avec un lancement visé au printemps 2029.

Diablo 4 continuera, mais surtout à travers ses saisons

La fin des extensions ne veut pas dire la fin du suivi de Diablo 4. Blizzard compte continuer à alimenter le jeu avec ses saisons trimestrielles, qui deviennent maintenant l’axe central de son modèle de contenu. Le studio pense même pouvoir faire durer ce rythme « très longtemps », tant que la communauté reste au rendez-vous.

Pour les fans, c’est là que se joue le vrai changement: au lieu de gros ajouts payants qui tombent de temps en temps, Diablo 4 devrait avancer via des mises à jour saisonnières régulières.

Pour les joueurs encore actifs, c’est plutôt une bonne nouvelle. Mais ces saisons vont aussi avoir une autre fonction: garder le jeu vivant et faire avancer son histoire jusqu’au prochain épisode.

Les saisons de Diablo 4 vont servir de passerelle vers Diablo 5

Blizzard veut se servir des saisons de Diablo 4 comme d’un pont narratif vers Diablo 5. L’histoire ne s’arrêterait donc pas vraiment avec la dernière extension. Elle continuerait dans le cadre du jeu-service, saison après saison, pour préparer ce qui vient ensuite.

Plus étonnant, le studio n’a pas l’air d’avoir figé tous les détails de cette transition. Blizzard dit vouloir regarder comment les joueurs réagissent « de saison en saison » avant d’arrêter certains éléments de continuité et de direction narrative pour Diablo 5.

Dit plus simplement, les retours de la communauté peuvent encore peser sur la façon dont le prochain jeu se rattachera à Diablo 4.

Diablo 5 viserait un monde en ruine, 100 ans plus tard

D’après Brent Gibson, Diablo 5 se déroulera 100 ans après les événements de Diablo 4. Le décor annoncé est particulièrement noir, même à l’échelle de la série: Sanctuary serait plongé dans une apocalypse totale, dans un monde où Diablo a gagné.

Ça aide à comprendre pourquoi Blizzard veut utiliser les saisons actuelles comme lien entre les deux jeux. Si Diablo 5 raconte bien les conséquences d’une victoire de Diablo à l’échelle du monde, Diablo 4 peut encore poser les bases de cette chute, petit à petit.

Ce que Blizzard a encore prévu pour Diablo 4

Le programme n’est pas vide. Parmi les contenus évoqués par Blizzard pour l’après-extension, le studio prévoit notamment d’ajouter la classe Amazone au premier semestre 2027.

La feuille de route 2025 de Blizzard cite aussi trois saisons, des familiers à débloquer en jeu, des crossovers, le retour de Belial et de nouvelles activités autour des Donjons du Cauchemar.

L’annonce, en revanche, divise déjà la communauté. Une partie des joueurs se dit déçue de voir les extensions s’arrêter et se demande si les saisons pourront vraiment proposer un contenu aussi dense qu’un gros DLC.

D’autres y voient surtout un virage dans la stratégie de monétisation à l’approche du prochain épisode. Côté Blizzard, la ligne est simple: Diablo 4 n’est pas laissé de côté, mais le jeu entre dans une nouvelle phase, pensée avant tout pour faire tenir les joueurs jusqu’à Diablo 5.

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Récemment, il a été annoncé que Spider-Noir ne reviendrait pas pour une deuxième saison. Deux jours plus tard, la série allait remporter cinq Emmy, démontrant que peu importe à quel point une série a du succès aujourd’hui : cela ne l’empêchera pas d’être annulée. Et maintenant, chez Variety, ils se sont entretenus avec son showrunner, Oren Uziel, pour connaître son avis à ce sujet. Ce dernier, comme on peut s’y attendre, est très partagé.

Une série qui pourrait revenir avec encore plus de force

À propos de la possibilité qu’elle revienne pour une deuxième saison après le succès des Emmy, il a dit que “nous n’en sommes pas encore là. J’ignore littéralement les aspects juridiques et les complications liées à cela. Mais j’imagine que c’est une option compliquée”. Et ce n’est pas qu’il n’ait pas d’idées pour la deuxième saison, “Si ça ne tenait qu’à moi, ce serait probablement ailleurs. Il y a tant de univers noirs à Los Angeles dans lesquels nous aurions pu nous plonger. Il y a des univers noirs européens dans lesquels nous aurions pu nous plonger. Il y a d’autres endroits où aller. On commence en 1933. Vers quoi ça mène ? On se dirige vers le moment le plus cataclysmique : la Seconde Guerre mondiale. Il y avait là énormément de matière pour raconter des histoires”.

En outre, il a confirmé que, malgré tout, la soirée des Emmy a été très spéciale. Puisque “au début, j’ai pensé que le moment allait être décevant. Je ne voulais pas que les gens aillent à cette grande cérémonie du dimanche soir en s’inquiétant ou en pensant à quelque chose de triste. Mais la vérité, c’est que c’est devenu une sorte de grande célébration de ce que nous avons accompli ensemble”.

C’est pourquoi, même s’il semble que les choses soient encore en suspens, il ne semble pas totalement impossible que la série revienne à l’avenir. Même si elle ne revient pas, au moins, elle a eu une très bonne saison, avec un grand succès auprès de la critique et du public, et toutes les personnes impliquées étaient ravies du résultat. Ce qui, en fin de compte, est déjà beaucoup.

Treize ans après le tollé suscité par Man of Steel en 2013, Supergirl remet chez DC une polémique presque identique sur le devant de la scène, à cause de son dernier acte. Kara Zor-El, alias Supergirl, y tue Krem of the Yellow Hills d’un coup de couteau dans le cou, après en être arrivée à une conclusion simple: tant qu’il reste en vie, il représente un danger mortel pour des innocents.

La vieille question revient donc, intacte ou presque, et les fans ne l’ont jamais vraiment tranchée: un héros kryptonien peut-il donner la mort sans renier ce qu’il incarne? Le débat prend encore plus de place ici, puisque Supergirl compte parmi les premiers vrais repères du nouveau DC Universe.

Le parallèle avec Man of Steel ne tient pas seulement au fait qu’un Kryptonien y tue son adversaire. Dans les deux films, le ressort moral est le même. Le héros considère qu’il n’a plus d’autre issue face à un ennemi jugé à la fois irrécupérable et dangereux dans l’instant.

C’est ce raisonnement, justement, qui avait valu à Zack Snyder et à son Superman une contestation durable. Une partie du public voyait dans ce geste une décision tragique, prise pour sauver des vies. Une autre y lisait une rupture nette avec le code moral du personnage. Supergirl rouvre pratiquement la même fracture, cette fois avec Kara Zor-El au centre.

Et le plus frappant, c’est que ce choix n’existe pas dans le comics d’origine. Dans Supergirl: Woman of Tomorrow de Tom King, Krem est épargné. L’adaptation a donc choisi, en pleine conscience, de durcir sa conclusion. L’un des moments les plus forts du matériau original devient ici une exécution, pure et simple.

Craig Gillespie, à la réalisation, et Ana Nogueira, au scénario, ont expliqué pendant la promotion que cette fin faisait partie du projet dès le début. Leur idée était de montrer une Supergirl plus meurtrie, plus dure, façonnée par le traumatisme et par la perte.

Sur le principe, ça permet de distinguer Kara Zor-El d’un Superman plus classique. Dans les faits, le résultat a surtout rallumé une querelle que DC connaît par cœur.

La polémique n’a d’ailleurs rien arrangé pour un film qui partait déjà avec un accueil mitigé. Beaucoup de critiques ont pointé cette fin du doigt, ainsi que plusieurs choix créatifs jugés maladroits. À l’inverse, la performance de Milly Alcock fait partie des rares éléments à avoir suscité un accord un peu plus large.

Et côté box-office, le tableau est encore plus clair. Supergirl a engrangé environ 126,4 millions de dollars dans le monde, d’après les chiffres disponibles, pour un budget de production estimé entre 170 et 186 millions. Avant même de compter une campagne marketing qui aurait dépassé les 100 millions, le film semblait déjà très loin du seuil de rentabilité.

Les résultats à l’international ont encore renforcé les inquiétudes. Le film a déçu sur plusieurs marchés clés, avec notamment l’un des démarrages les plus faibles de DC au Japon ces dernières années, et le pire lancement du studio au Brésil depuis 26 ans.

On n’est donc plus dans un simple débat de fans. En faisant d’un acte létal le sommet à la fois narratif et moral de son histoire, le film fixe un précédent sur la façon dont le DC Universe piloté par James Gunn compte traiter ses héros.

La question dépasse Kara Zor-El. Elle touche à la tonalité même de ce nouveau DC: veut-on des icônes inspirantes, avec des lignes rouges nettes, ou des figures plus ambiguës, prêtes à franchir l’irréversible? Avec Supergirl, DC ne s’est pas contenté de raconter une histoire qui divise. Le studio a rouvert une plaie que Man of Steel n’avait jamais vraiment refermée.

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À la BlizzCon 2026, Blizzard a officialisé World of Warcraft: Forever. Le studio le vend comme une formule « Classic+ » faite pour durer, au point d’en faire le troisième grand pilier de la licence, aux côtés de World of Warcraft Retail et de World of Warcraft Classic. La bêta doit ouvrir le 17 septembre 2026, puis le lancement mondial suivra le 4 novembre 2026.

L’idée, côté Blizzard, est assez limpide: Forever n’est pas pensé comme un mode annexe ou une saison de plus, mais comme une branche à part entière de World of Warcraft. Une version permanente, avec sa propre place dans l’écosystème du jeu.

Le calendrier, lui, est déjà fixé. Blizzard annonce une sortie mondiale le 4 novembre 2026, avec une bêta à partir du 17 septembre 2026, incluse dans l’abonnement standard à World of Warcraft.

Sur le papier, la promesse tient en une ligne: garder l’Azeroth de 2004, son niveau maximum bloqué à 60 et ce rythme plus rude, plus lent aussi, tout en ajoutant assez de matière pour que l’ensemble tienne sur la durée.

Au fond, World of Warcraft: Forever ressemble beaucoup à ce que Season of Discovery laissait entrevoir depuis le début.

Blizzard reprend ce qui a le plus accroché les joueurs, à savoir les nouvelles compétences, les builds inattendus, les secrets disséminés un peu partout et la refonte des classes, mais cette fois avec une ambition de long terme. Le studio parle de 3 nouvelles zones, de plus de 1 000 quêtes inédites, de 9 nouveaux donjons et de 2 nouveaux raids. La progression, elle, se veut plus horizontale, davantage centrée sur l’équipement, les spécialisations et l’exploration, sans toucher au niveau maximum.

Pendant une prise en main d’environ deux heures sur le salon, World of Warcraft: Forever donnait tout de suite cette drôle d’impression de terrain connu, avec juste assez de nouveauté pour décaler l’ensemble.

Les paysages emblématiques de l’Azeroth d’origine sont bien là, et on les reconnaît en une seconde. Ils profitent pourtant de retouches visuelles assez discrètes, surtout sur l’éclairage et les effets de l’eau. Blizzard cherche visiblement une ligne de crête entre fidélité et modernisation: le jeu proposera, d’après le studio, un basculement entre graphismes classiques et modernes, ainsi que la transmogrification. En revanche, pas de recherche de donjons automatique, pas de montures volantes non plus. L’idée est de conserver ce qui faisait le WoW originel, à savoir le poids du voyage, les interactions sociales et cette sensation de découverte qui disparaît dès qu’on commence à tout automatiser.

Parmi les nouveautés qui sautent le plus aux yeux, il y a une nouvelle race jouable: les Skyborne Elves. Blizzard les présente comme une option visuellement plus lumineuse pour la Horde, avec une zone de départ marquée par des ruines anciennes.

Le studio élargit aussi les combinaisons race/classe. Parmi les exemples déjà cités, on trouve les Paladins Réprouvés et les Chamanes Nains.

Dans la communauté, une partie des joueurs voit enfin arriver le Classic+ officiel qu’elle réclame depuis des années. D’autres sont beaucoup plus méfiants. L’ajout des Skyborne Elves, la présence d’achats cosmétiques optionnels et l’ouverture d’une nouvelle branche séparée de World of Warcraft font craindre, chez eux, une dilution de l’identité « classic » ou une fragmentation supplémentaire de la base de joueurs.

Mieux vaut garder un peu de recul.

Pour l’instant, World of Warcraft: Forever ressemble surtout à un pari très calculé: proposer une vraie alternative à World of Warcraft, plus audacieuse que World of Warcraft Classic, sans casser complètement ce sur quoi tout repose. Si Blizzard tient le cap qu’il annonce, Azeroth tiendra peut-être enfin son univers parallèle le plus crédible.

À l’heure où nous écrivons ces lignes, Apple n’a toujours rien annoncé d’officiel sur un iPhone pliable, parfois appelé « iPhone Duo » dans les rumeurs. Et, pour l’instant, rien de concret ne permet d’affirmer qu’un tel appareil sortira dans les prochains mois, ni même en 2026.

En attendant, les fuites apparues ces derniers mois dessinent surtout un produit de première génération, avec les compromis que cela implique, quelques paris techniques, et un prix qui pourrait dépasser les 2 000 €. Mieux vaut donc garder la tête froide. Si ça bouge, on vous tiendra au courant.

Le nom « iPhone Duo » n’a rien d’officiel, mais il décrit assez bien l’idée: un appareil à double usage, smartphone classique une fois fermé, mini-tablette une fois déplié. D’après plusieurs indiscrétions, Apple travaillerait sur un format livre, plus proche du Samsung Galaxy Z Fold que d’un petit modèle à clapet.

L’intérêt d’un iPhone pliable signé Apple saute assez vite aux yeux: ce serait enfin l’entrée d’Apple sur le marché du pliable, avec sa propre manière de faire. On peut imaginer une intégration serrée à iOS, un multitâche repensé, une vraie continuité avec l’iPad, et des applications mieux adaptées au format.

Et, curieusement, c’est peut-être aussi ce qui en ferait l’un des smartphones les plus convoités. Chez Apple, un nouveau format n’est presque jamais une simple déclinaison de plus. Souvent, cela lance une nouvelle famille de produits et crée un fort effet vitrine, autant pour la marque que pour ceux qui se jettent sur les premiers exemplaires.

Pour beaucoup de consommateurs, c’est peut-être précisément ce qu’il manque encore au marché du pliable. Une catégorie que beaucoup jugent intéressante, mais encore trop niche, pourrait prendre un vrai coup d’accélérateur avec l’arrivée d’un iPhone signé Apple.

Acheter un smartphone de première génération, pourtant, n’a rien du choix le plus rationnel. Les défauts matériels sont plus probables, la durabilité reste une inconnue, et le design évolue souvent très vite dès la deuxième version.

Sur un pliable, ces questions deviennent encore plus sensibles: le pli au milieu de l’écran, la charnière, l’autonomie, le poids, la réparabilité.

Il reste alors un argument plus affectif, et plus rare aussi: posséder le tout premier modèle d’une nouvelle ère chez Apple. Comme pour les premiers iPhone, l’Apple Watch ou le Vision Pro, une version inaugurale garde souvent une valeur symbolique à part.

Ce ne serait pas seulement un téléphone. Ce serait aussi un moment de bascule dans la stratégie produit d’Apple.

Si Apple finit bien par lancer ce modèle, il ne visera sans doute pas le grand public dans un premier temps. Les analystes parlent régulièrement d’un prix au-delà de 2 000 € et d’une production initiale limitée. On aurait donc d’abord affaire à un produit premium, pensé pour les passionnés, les fidèles de l’écosystème Apple, et les acheteurs prêts à payer pour essayer le futur avant tout le monde.

C’est aussi ce qui pourrait rendre l’iPhone pliable d’Apple difficile à trouver au lancement. Entre la nouveauté du format, l’effet d’annonce, et une production possiblement contrainte, la demande pourrait dépasser l’offre, au moins au début.

Pour quelqu’un qui cherche avant tout le meilleur rapport qualité-prix, la réponse semble assez claire: probablement pas. Dans ce cas, mieux vaudra attendre une version 2, plus mature, plus stable, et sans doute plus aboutie.

En revanche, pour les amateurs de nouveaux formats, les collectionneurs de produits Apple, ou ceux qui veulent vivre les premiers un vrai changement de catégorie, le pari peut se défendre. Si l’iPhone Duo finit par voir le jour, ce ne sera pas un appareil à acheter malgré son statut de première génération, mais justement à cause de lui: ce n’est presque jamais le modèle le plus raisonnable, mais c’est souvent celui dont on se souvient le plus.

Terminator Genisys, le reboot de 2015 de la franchise Terminator avec Arnold Schwarzenegger, est maintenant disponible gratuitement en streaming sur Pluto TV aux États-Unis, d’après Pluto TV. Disponible gratuitement en streaming sur Pluto TV aux États-Unis, d’après Pluto TV. Le film intègre donc l’offre gratuite de la plateforme et remet sous les projecteurs l’un des reboots les plus discutés de la saga, celui qui était censé relancer une nouvelle trilogie autour du retour de Schwarzenegger.

Pour les curieux, les nostalgiques et les complétistes, c’est l’occasion de redécouvrir un film qui, à l’époque de sa sortie, n’avait pas réussi à redonner un vrai souffle à la franchise.

Hollywood s’y est pourtant repris à plusieurs fois pour ramener Terminator à la vie : Terminator Genisys a été très mal accueilli en 2015, puis Terminator: Dark Fate a lui aussi déçu en 2019.

Le grand retour de Schwarzenegger n’a pas suffi

À sa sortie, Terminator Genisys était présenté comme le grand retour d’Arnold Schwarzenegger dans son rôle le plus emblématique, après son absence de Terminator Salvation en 2009.

Autour de lui, on retrouvait aussi Emilia Clarke, Jason Clarke et Jai Courtney. L’idée était claire : rejouer avec la mythologie de la franchise, entre voyage dans le temps, reboot et appel appuyé à la nostalgie.

Et, fait un peu surprenant, le film ne s’est pas complètement écroulé au box-office mondial.

Avec un budget qui dépassait les 155 millions de dollars et environ 440 millions de dollars de recettes dans le monde, Terminator Genisys est même devenu le deuxième plus gros succès international de la franchise. Mais ce score a été jugé trop faible au vu des attentes, surtout sur le marché américain, et il n’a pas suffi à lancer la trilogie prévue.

Un accueil critique très dur et une production compliquée

Le vrai point de rupture, pour Terminator Genisys, reste son accueil critique.

Le film n’affiche que 26 % sur Rotten Tomatoes, selon Rotten Tomatoes, où il a souvent été résumé à un recyclage confus des anciens Terminator. Arnold Schwarzenegger lui-même a fini par admettre que les épisodes les plus récents, dont Terminator Genisys, n’étaient « pas bien écrits ».

Et les coulisses n’ont rien arrangé.

Des reportages publiés à l’époque parlaient d’un tournage si pénible que l’équipe voisine de Fantastic Four portait, selon plusieurs récits, des sweat-shirts marqués de la phrase : « Au moins, on n’est pas sur Terminator. » Alan Taylor a raconté que cette expérience avait sérieusement entamé son envie de continuer à travailler, tandis qu’Emilia Clarke a expliqué plus tard que l’annulation des suites était sans doute une bonne chose.

Après Dark Fate, quel avenir pour Terminator ?

L’échec de Terminator: Dark Fate, produit ensuite avec l’implication de James Cameron et de Skydance, a laissé encore plus de flou autour de l’avenir de la franchise.

Depuis, Arnold Schwarzenegger a dit que la franchise n’était « pas terminée », mais que lui, de son côté, était passé à autre chose.

Les droits sont toujours entre les mains de David Ellison et de Skydance, James Cameron a indiqué qu’il en était aux débuts du développement d’un nouveau film qui ne devrait pas inclure Arnold Schwarzenegger, et l’univers s’est déjà étendu avec l’anime Netflix Terminator Zero.

Pour l’instant, personne ne sait vraiment à quoi ressemblera la prochaine incarnation de Terminator. Mieux vaut donc rester prudent.