Author: Emmanuel Pina

Dimanche soir, Paramount n’avait toujours pas réussi à s’entendre avec la coalition de 12 procureurs généraux américains pour faire sauter le verrou sur son rachat de Warner Bros. Discovery. Le blocage menace de relancer l’offensive antitrust des États, et de faire encore grimper la facture du retard. D’après plusieurs médias américains, des discussions de dernière minute ont continué tout le week-end, sans déboucher sur un compromis dimanche soir.

L’enjeu est énorme pour le groupe. Faute d’accord, Paramount reste exposé à une procédure antitrust portée par les États, alors même que la pression financière pour boucler l’opération ne cesse de monter.

Pour l’instant, le nœud du dossier reste la plainte déposée par une coalition d’États emmenée par le procureur général de Californie, Rob Bonta. Leur but ne laisse guère de place au doute: empêcher Paramount de mettre la main sur Warner Bros. Discovery, au motif que l’ensemble issu de la fusion détiendrait un pouvoir jugé trop important sur deux marchés clés du divertissement, la sortie de films en salle et la télévision câblée.

Le plus étonnant, c’est que cette contestation continue alors que le ministère américain de la Justice avait, sous l’administration précédente, donné son feu vert à l’opération sans exiger la moindre concession. Les procureurs généraux des États, eux, ont décidé de poursuivre le bras de fer devant les tribunaux.

Pour éviter une bataille judiciaire qui pourrait durer, plusieurs options sont sur la table, d’après plusieurs médias américains. Parmi elles, la nomination d’un contrôleur indépendant chargé de surveiller CNN, sujet particulièrement sensible au vu des inquiétudes autour de l’indépendance éditoriale des grands médias du groupe.

Autre piste évoquée par plusieurs médias américains: imposer à la future entité un nombre minimal de sorties en salles chaque année. L’une des versions qui circulent fixerait ce seuil à 30 films par an, avec une pénalité financière si cet objectif n’était pas atteint.

Pour les exploitants, ce genre d’engagement compte beaucoup, les studios ayant réduit leurs calendriers de sorties ces dernières années. Des cessions d’actifs sont aussi évoquées par plusieurs médias américains, notamment certaines chaînes du câble comme Comedy Central, pour limiter la concentration sur ce segment.

Le principal point de friction semble désormais venir des procureurs généraux eux-mêmes, toujours selon plusieurs médias américains. Tous ne sont pas prêts à signer les termes discutés à ce stade.

L’État de New York pousserait pour arracher des protections plus solides pour les salariés, rapportent plusieurs médias américains. Le Connecticut, lui, réclamerait des garanties plus strictes sur l’indépendance éditoriale de CNN et de CBS News. Au moins deux autres États demanderaient aussi des concessions supplémentaires, preuve qu’un compromis final reste compliqué à verrouiller.

Pour Paramount, chaque jour compte. Le groupe devrait verser environ 7 millions de dollars par jour aux actionnaires de Warner Bros. Discovery pour toute journée de retard au-delà du 30 septembre, d’après plusieurs médias américains.

Dans ce climat, même une partie de l’industrie semble pencher pour une sortie négociée: selon plusieurs médias américains, Cinema United, l’organisation professionnelle qui représente les exploitants de salles, se serait rangée du côté d’un compromis plutôt que d’un contentieux qui s’éternise. Mais il faut rester prudent. Rien ne dit, à ce stade, que cela suffira à faire bouger les États les plus réticents. Nous continuerons à vous tenir informés.

Selon Amazon Prime Video, la saison 3 de Reacher, portée par Alan Ritchson, a signé en 19 jours le retour de série le plus regardé de toute l’histoire de Prime Video, avec 54,6 millions de spectateurs dans le monde sur cette période. Pour Prime Video, la nouvelle tombe au bon moment, alors que la guerre du streaming se joue aussi sur la solidité des grandes franchises.

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Ce chiffre dit quelque chose d’assez clair: Reacher n’est plus seulement une bonne adaptation des romans de Lee Child. C’est devenu l’une des valeurs les plus sûres du catalogue d’Amazon. Avec son action frontale, son rythme qui ne traîne pas et un héros qu’on reconnaît en un instant, la série continue de toucher bien au-delà du noyau de fans de départ.

Et ce succès ne sort pas de nulle part. Dès la saison 1, Reacher s’était installée parmi les plus gros cartons de Prime Video, puis la saison 2 avait montré que la machine tenait toujours aussi bien.

Avec cette saison 3, la série passe encore un cap. Amazon tient visiblement une production capable de revenir régulièrement et de faire du bruit tout de suite, ce qui reste rare dans un marché saturé de nouveautés.

L’une des vraies forces de Reacher, c’est aussi la clarté de sa promesse. La série donne exactement ce qu’elle vend: un thriller d’action direct, lisible, efficace, porté par un personnage principal charismatique. Alan Ritchson, qui est désormais indissociable du rôle, compte évidemment beaucoup dans cet enthousiasme autour de la série.

La saison 3 adapte Persuader, l’un des romans les plus aimés de Lee Child. Le choix n’a rien d’anecdotique: Persuader revient souvent dans les discussions de fans comme l’un des chapitres les plus intenses de toute la saga.

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En s’appuyant sur une base déjà populaire et sur une recette de mise en scène qui a déjà fait ses preuves, Prime Video met toutes les chances de son côté pour garder son public fidèle tout en allant chercher de nouveaux abonnés.

Ce record arrive aussi à un moment très utile pour Prime Video, qui cherche à renforcer ses grandes marques, celles qui peuvent apporter en même temps de l’audience, de la rétention et du bouche-à-oreille.

Dans cette perspective, Reacher pèse désormais bien plus qu’une simple série à succès: c’est une franchise à part entière. Amazon a d’ailleurs déjà commandé une saison 4, signe que le groupe compte s’installer durablement dans l’univers de Jack Reacher. un spin-off centré sur Neagley, le personnage joué par Maria Sten, est lui aussi en préparation. Un indice de plus: la plateforme veut étendre cet univers tant que la dynamique est là.

Pour Prime Video, le message est limpide: dans l’économie du streaming, les séries qui reviennent fort valent très cher. Et aujourd’hui, Reacher fait clairement partie de ce cercle très restreint.

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Dans Daredevil #6 et #7, les deux chapitres de l’arc « Of Moles & Owls » du run signé Stephanie Phillips et Lee Garbett chez Marvel Comics, Elektra revient à Hell’s Kitchen alors qu’une guerre de rue oppose plusieurs factions criminelles. Et, dès son retour, elle s’impose comme la présence la plus redoutable de la série. Elle prend tout de suite le dessus, sans effort apparent, et Marvel met moins l’accent sur sa létalité que sur quelque chose de plus troublant: son efficacité.

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C’est avec « Of Moles & Owls » qu’Elektra fait sa première apparition dans le run de Stephanie Phillips et Lee Garbett, dans un arc en deux parties publié dans Daredevil #6 et #7.

Jusqu’ici, la série tirait déjà vers quelque chose de plus sombre, plus urbain, presque policier, surtout après un début marqué par l’arrivée d’Omen et par le retour de l’ombre d’un Wilson Fisk redevenu Kingpin. L’arrivée d’Elektra resserre encore la vis. Ce registre street-level gagne d’un coup en tension.

Silvermane, Tombstone, les hommes de main de Hammerhead et les Inner Demons de Mister Negative sont tous lancés sur la piste du registre de Wilson Fisk, un registre assez précieux pour provoquer une ruée générale dans Daredevil #6 et #7.

Sauf que c’est Elektra qui finit par mettre la main dessus dans Daredevil #6 et #7. Et ce que Marvel choisit de montrer d’abord est assez parlant. Ce n’est pas vraiment son potentiel meurtrier qui passe au premier plan, mais sa science du timing: savoir où frapper, quand frapper et, surtout, à quel moment s’arrêter.

La comparaison avec Punisher ou Wolverine vient assez vite. Chez eux, la violence est frontale, spectaculaire, presque démonstrative. Chez Elektra, le ressort est différent. Tout tient dans la maîtrise, une maîtrise si complète qu’elle en devient plus inquiétante encore.

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Daredevil le dit d’ailleurs clairement dans cet arc: les Inner Demons qu’Elektra a mis hors d’état de nuire sont toujours vivants. Elle a donc balayé une force entière sans transformer l’affrontement en bain de sang. Et cette retenue, loin de l’adoucir, épaissit encore son aura.

Le portrait qui se dessine dans Daredevil #6 et #7, c’est celui d’une combattante au sommet de ce qu’un être humain peut faire. Son passé d’assassin, sa maîtrise d’élite des arts martiaux et son aisance avec les sai lui permettent d’écraser ses adversaires avec une précision presque clinique. Elektra ne cherche pas à faire du bruit. Elle cherche à remplir sa mission.

Reste maintenant à voir combien de temps Elektra gardera cette place au premier plan. Daredevil #8 est annoncé comme un nouveau point d’entrée et devrait déplacer l’attention vers le retour de Mr. Fear, associé à une nouvelle menace liée à la drogue à l’E.S.U.

Pour l’instant, l’importance future du ledger de Wilson Fisk reste assez floue. Mieux vaut donc ne pas aller trop vite dans les conclusions. Même si ce passage devait rester bref, Elektra a déjà rappelé en quelques pages qu’à Hell’s Kitchen, la précision peut faire plus peur que la rage.

En 2026, Capcom marque les 20 ans d’Okami avec un site anniversaire, une série de produits dérivés, des concerts au Japon et un message de remerciement signé Hideki Kamiya. C’est ce qu’a annoncé l’éditeur.

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La suite officielle d’Okami, révélée aux Game Awards 2024, est toujours en chantier d’après Capcom. Le jeu original, lui, était sorti au Japon le 20 avril 2006, puis en Amérique du Nord le 19 septembre de la même année. Il arrivait tout à la fin de l’ère PlayStation 2, presque au moment où la PlayStation 3 s’apprêtait à prendre la main.

À l’époque, Okami ne ressemblait pas au blockbuster calibré qu’on aurait pu attendre. Dans un catalogue PS2 saturé de suites et de licences déjà bien installées, Capcom avait tenté autre chose avec une nouvelle IP à l’identité visuelle immédiatement reconnaissable, très loin des standards du moment. Le jeu puisait dans la peinture japonaise à l’encre, le sumi-e, ainsi que dans l’estampe traditionnelle. C’est en grande partie cette direction artistique qui a forgé sa réputation. Encore aujourd’hui, Okami revient souvent dans les discussions sur les jeux les plus beaux et les plus singuliers de son époque, moins pour sa démonstration technique que pour l’unité et la force de son univers.

L’histoire met en scène Amaterasu, déesse du soleil réincarnée en loup blanc, dans un Japon réinventé sous une forme mythique. Elle doit repousser les ténèbres qui grignotent le monde, dans un récit nourri de folklore japonais, de spiritualité shinto et de figures comme Susano ou Orochi. Le ton passe de la poésie à l’humour, puis au symbolisme religieux, sans perdre pour autant une structure assez lisible pour rester accessible à un large public.

Les joueurs se souviennent aussi d’Okami pour son Pinceau Céleste. Le principe consiste à interrompre l’action pour « peindre » directement sur le monde et provoquer des effets comme le vent, le feu, ou encore la restauration de certains éléments du décor. Le système sert autant pour les énigmes que pour les combats et l’exploration, souvent à travers des pouvoirs associés à des constellations. C’est ce qui a valu au jeu tant de comparaisons avec The Legend of Zelda, sans pour autant lui faire perdre ce qui le distingue.

Et pourtant, ce classique a d’abord été un échec commercial, malgré un accueil critique remarquable. Avec un Metascore de 93 et plusieurs récompenses majeures, Okami a longtemps traîné cette réputation un peu paradoxale de « jeu de l’année » que tout le monde saluait, mais que peu de gens achetaient vraiment.

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La situation a fini par changer avec Okamiden sur Nintendo DS en 2010, puis surtout avec Okami HD, la remasterisation sortie en 2017, qui a permis à la série de toucher un public beaucoup plus large. Okami HD est disponible sur PC. En juin 2026, les ventes cumulées de la franchise avaient dépassé les 4,8 millions d’exemplaires, d’après Capcom.

La suite, elle, est déjà sur les rails. Hideki Kamiya travaille avec son nouveau studio, CLOVERS Inc., et avec Capcom sur un épisode qui prolongera directement l’histoire d’Amaterasu, cette fois avec le RE Engine. Au début de 2026, Capcom présentait encore le projet comme lointain. L’équipe en était toujours au recrutement et affichait l’ambition de surpasser l’original. Vingt ans plus tard, Okami n’est plus seulement un jeu culte de la PS2. C’est devenu un classique reconnu, et l’un de ces rares titres dont la réputation a continué de grandir avec les années.

À l’occasion des 30 ans de la franchise Pokémon, The Pokémon Company a présenté, dans sa communication officielle, un nouveau design de Gengar. Ce visuel inédit sera utilisé dans la campagne anniversaire, mais aussi sur toute une gamme de produits dérivés. Ça dit déjà quelque chose de la direction prise : la franchise remet ses figures les plus emblématiques au centre de sa communication.

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Très populaire depuis les débuts de la série, en 1996, Gengar fait toujours partie des créatures les plus reconnaissables de l’univers Pokémon.

Cette version légèrement retravaillée n’a d’ailleurs pas mis longtemps à faire réagir les fans, surtout ceux qui ont grandi avec les jeux de la première génération.

Dans cette nouvelle illustration, Gengar, le Pokémon Spectre, garde tout ce qui a construit son image au fil des années : un large sourire, des yeux perçants, une silhouette ronde qu’on identifie en un coup d’œil.

Le rendu, en revanche, a été remis au goût du jour, avec des couleurs plus soutenues, des contours plus nets et une expression encore plus malicieuse. Sur les supports promotionnels, le personnage prend tout de suite plus de place.

The Pokémon Company précise que cette version devrait apparaître sur plusieurs produits officiels, avec des accessoires, des vêtements, des articles de papeterie et des objets de collection. La distribution passera par les circuits habituels de la marque, notamment les boutiques Pokémon Center et leurs plateformes en ligne, selon les régions.

L’idée, ici, est assez simple : remettre en avant des figures historiques de la franchise avec des visuels capables de parler à la fois aux collectionneurs de longue date et à un public plus jeune.

Et le choix de Gengar ne doit rien au hasard.

Même dans un catalogue qui dépasse aujourd’hui le millier de Pokémon, Gengar, le spectre de Kanto, reste l’un des monstres les plus fédérateurs. On le retrouve partout, dans les jeux, dans l’animé, dans le Jeu de Cartes à Collectionner et dans le merchandising, au même rang que Pikachu, Dracaufeu ou Évoli. Ce qui frappe, avec ce nouveau visuel, c’est justement cette recherche d’équilibre entre modernité et héritage, avec quelque chose de l’allure plus compacte et espiègle des premières représentations du personnage.

Cette annonce donne enfin un aperçu d’une campagne anniversaire sans doute plus large, avec d’autres créatures emblématiques, de nouveaux visuels, des collections spéciales et, probablement, plusieurs collaborations autour du jeu vidéo, des cartes et des produits dérivés.

Pour les fans, ce nouveau Gengar va donc plus loin qu’un simple relooking. C’est un premier aperçu de la manière dont Pokémon compte fêter trois décennies de succès mondial.

Jurassic Park: Survival, dévoilé par Universal et Saber Interactive, est un jeu vidéo solo à la première personne, pensé comme une expérience de survival-horror. L’histoire prend place juste après les événements du tout premier Jurassic Park, le film sorti en 1993.

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La franchise Jurassic change clairement de cap ici. On n’est ni devant un nouveau film, ni face à un jeu de gestion dans la veine de Jurassic World Evolution 3, mais devant une aventure construite autour de la survie, de la discrétion et de la fuite, avec des dinosaures aux trousses.

Le développement est assuré par Saber Interactive, qui présente le projet comme un jeu d’action-aventure marqué par une vraie dimension de survie. Il faudra éviter les prédateurs, tirer parti du décor et composer avec une tension qui ne retombe jamais vraiment.

Cette fois, il n’est plus question de bâtir un parc ou d’admirer ses pensionnaires. Le but, c’est de rester en vie et de leur échapper. Pour les joueurs qui espéraient depuis des années une lecture plus horrifique de la licence Jurassic, la nouvelle a de quoi réjouir.

Fait assez surprenant, le jeu ne reprend pas la logique du grand spectacle adoptée par les derniers films. D’après Universal et Saber Interactive, Jurassic Park: Survival se déroule sur Isla Nublar au lendemain du film original de 1993, donc même avant Le Monde perdu.

Toujours d’après la présentation de Universal et Saber Interactive, le joueur incarnera la docteure Maya Joshi, une scientifique d’InGen restée bloquée sur l’île après avoir manqué l’évacuation au moment de l’effondrement du parc. Elle doit maintenant survivre au milieu des ruines du rêve de John Hammond. Ce point de vue, inédit dans la saga, permet de revenir au mythe fondateur de Jurassic sous un angle plus intime, plus fragile aussi, très loin des figures héroïques habituelles.

Saber Interactive promet aussi une “Isla Nublar entièrement reconstituée”, avec des lieux cultes comme le centre des visiteurs ou l’enclos du T-Rex, mais également de nouvelles zones jamais montrées jusque-là. Et c’est là que le cadre prend tout son poids : l’île finit presque par exister comme un personnage à part entière, entre installations abandonnées, couloirs à risque et espaces ouverts où le moindre bruit peut annoncer une rencontre de trop.

Selon Universal et Saber Interactive, Jurassic Park: Survival est prévu sur PC, PlayStation 5 et Xbox Series X/S. Aucune date de sortie n’a encore été donnée.

Le jeu s’inscrit aussi dans un mouvement plus large d’expansion de la marque Jurassic, toujours présente au cinéma comme dans l’animation avec Camp Cretaceous et Chaos Theory, pendant qu’un nouveau film, souvent désigné sous le nom de Jurassic World 5, serait lui aussi en préparation après Jurassic World: Rebirth. Pour beaucoup de fans, c’est peut-être la piste la plus intrigante qu’ait prise la franchise depuis longtemps.

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Shining et Doctor Sleep, deux adaptations de Stephen King qui tournent autour de Danny Torrance, composent aujourd’hui un diptyque plus solide, et au fond plus accompli, que Ça et Ça : Chapitre 2, les deux films bâtis autour de Pennywise. Le paradoxe saute aux yeux : la saga du clown a écrasé l’autre au box-office, mais dès qu’on parle de continuité, de personnages ou de thèmes, l’ensemble centré sur Danny Torrance a mieux tenu le temps.

Ça, sorti en 2017, reste malgré tout une adaptation très réussie du roman de Stephen King. Le choix de déplacer l’enfance du Club des Ratés des années 1950 aux années 1980 s’est révélé payant, et Bill Skarsgård a marqué très vite avec son incarnation de Pennywise.

Le film a d’ailleurs connu un succès critique et commercial énorme, avec plus de 704 millions de dollars de recettes mondiales pour un budget d’environ 35 millions, d’après Box Office Mojo.

Les choses se sont compliquées avec Ça : Chapitre 2. Couper le roman en deux films se défendait très bien sur le papier, mais le deuxième n’a jamais retrouvé la même alchimie.

La complicité presque instinctive du casting enfantin ne s’est pas vraiment prolongée une fois les personnages devenus adultes, malgré une distribution impressionnante. Au bout du compte, on s’est retrouvé avec une suite plus longue, moins nerveuse, et souvent perçue comme moins cohérente que le premier film.

Même avec 473 millions de dollars récoltés au box-office, toujours selon Box Office Mojo, l’impression générale est restée celle d’une franchise bancale, déséquilibrée d’un film à l’autre.

C’est précisément sur ce point que Doctor Sleep fait la différence. Le film de Mike Flanagan ne se contente pas de venir se greffer à Shining. Il poursuit vraiment le parcours de Danny Torrance, en s’attaquant au traumatisme, à l’héritage familial et à la sobriété dans l’ombre laissée par la chute de Jack Torrance.

Et surtout, Doctor Sleep n’a jamais l’air d’une seconde moitié moins inspirée que la première. Le film tient debout par lui-même, avec sa propre couleur, sa propre sensibilité, tout en donnant plus d’épaisseur à ce qui le précède.

Là où Ça : Chapitre 2 a souvent paru souffrir de la comparaison avec le film de 2017, Doctor Sleep, lui, élargit rétrospectivement la portée de Shining.

L’un des aspects les plus commentés de Doctor Sleep, c’est cet équilibre franchement fragile qu’il devait trouver. Mike Flanagan est parvenu à respecter à la fois le roman de Stephen King et tout l’imaginaire visuel du Shining de Stanley Kubrick.

Un pari pareil avait presque l’air intenable. Beaucoup y ont vu une réussite créative assez rare. Côté réception, Shining est aujourd’hui rangé parmi les grands classiques absolus du genre, tandis que Doctor Sleep a bénéficié de critiques globalement positives.

Ça (2017) a lui aussi été bien reçu, à l’inverse de Ça : Chapitre 2, qui a nettement plus partagé. Détail assez curieux : Ça, Ça : Chapitre 2 et Doctor Sleep ont tous les trois obtenu un CinemaScore de B+ au moment de leur sortie, selon CinemaScore.

Sur le terrain commercial, en revanche, l’écart reste brutal. Doctor Sleep a déçu en salles, avec un peu plus de 72 millions de dollars récoltés dans le monde pour un budget estimé entre 45 et 55 millions, d’après Box Office Mojo, alors que Ça s’est imposé comme une véritable machine à succès.

Et Pennywise n’en a pas fini avec le grand public. Son univers va continuer avec la série préquelle Welcome to Derry, développée pour HBO Max avec Andy Muschietti au poste de producteur exécutif. Du côté de Doctor Sleep, aucune suite directe n’est en chantier pour le moment, même si Mike Flanagan reste l’un des noms les plus étroitement liés à l’univers de Stephen King.

Au bout du compte, Ça a remporté la bataille commerciale. Mais si l’on parle d’une saga horrifique en deux chapitres, Shining et Doctor Sleep ont probablement offert quelque chose de plus rare : un diptyque qui donne vraiment le sentiment d’être complet.

War of the Dragon: The Wheel of Time, le jeu de plateau que Dire Wolf annonce pour 2027, a déjà passé la barre des 1,1 million de dollars sur Kickstarter, d’après sa page de campagne. Pour les lecteurs de Robert Jordan, l’idée se comprend tout de suite : rejouer la guerre entre la Lumière et l’Ombre, avec la possibilité de refaire l’histoire de plusieurs figures majeures, en premier lieu les Réprouvés.

Le vrai bouleversement, cette fois, ne viendra donc ni d’un nouveau roman de The Wheel of Time, ni d’une suite à la série de Prime Video, mais bien d’une adaptation ambitieuse en jeu de plateau.

Dans les romans de Robert Jordan, les Réprouvés sont treize canaliseurs redoutés venus de l’Ère des Légendes. Au service du Ténébreux, ils ont été scellés à Shayol Ghul avant de revenir menacer Rand al’Thor et les forces de la Lumière.

À la fin de A Memory of Light, leur sort paraît en grande partie réglé : la plupart sont morts, vaincus ou neutralisés.

War of the Dragon ouvre la voie à une autre Dernière Bataille

C’est justement cette fin que le futur jeu de Dire Wolf décide de bousculer. La campagne commence aux environs de The Shadow Rising, puis avance jusqu’à une version alternative de Tarmon Gai’don, si l’on se fie à la présentation du studio.

Dire Wolf décrit d’ailleurs chaque partie comme un nouveau « tour de la Roue ». La formule est habile : elle permet d’assumer des scénarios qui bifurquent sans casser l’esprit de la saga.

Comment les Réprouvés peuvent revenir

C’est surtout avec le mode Épique que la promesse devient vraiment intrigante. Dire Wolf explique que le joueur de l’Ombre pourra y libérer les Réprouvés grâce à un paquet spécial appelé la Prison du Ténébreux. Pour y arriver, il faudra faire progresser l’Inner Wheel et récupérer des icônes de Prison.

Toujours selon Dire Wolf, Rahvin et Sammael peuvent entrer en jeu en cours de partie, alors que les autres Réprouvés devront d’abord être débloqués. Une fois relâchés, ils apportent chacun des capacités propres et de sérieux avantages stratégiques.

Le studio va même plus loin : libérer les 11 Réprouvés accessibles par ce système peut donner un bonus potentiellement décisif avant la Dernière Bataille. Là où les romans racontaient leur chute progressive, le jeu laisse donc envisager une montée en puissance bien plus durable de l’Ombre, et pourquoi pas une victoire.

Plusieurs modes, du plus accessible au plus expert

War of the Dragon ne s’adresse visiblement pas qu’aux joueurs aguerris. Dire Wolf annonce aussi un mode Héros, plus simple à prendre en main, un mode Épique plus dense côté mécaniques, ainsi qu’un mode solo où un joueur de la Lumière affrontera un Réprouvé automatisé.

Et pour ceux qui aiment les belles éditions, la campagne Kickstarter de Dire Wolf mentionne aussi une version deluxe avec des figurines de Réprouvés de 35 mm. Le genre de détail qui parle autant aux amateurs de jeux de plateau premium qu’aux fans de The Wheel of Time.

Entre enthousiasme et prudence

L’annonce n’a pas laissé tout le monde sur la même ligne. Une partie du public est déjà séduite, portée par la réputation de Dire Wolf et par l’envie de retourner dans cet univers depuis la fin de la série Prime Video.

D’autres préfèrent attendre. Ils veulent voir plus concrètement ce que valent les mécaniques, et surtout jusqu’où ira le jeu quand il s’agira de faire varier le destin de chaque Réprouvé d’une partie à l’autre.

Mieux vaut garder un peu de réserve pour l’instant. Mais pour les fans, 2027 pourrait bien apporter la version la plus interactive, et la plus imprévisible, de la guerre contre l’Ombre qu’on ait eue jusqu’ici.

Draco and the Seven Scales, le jeu indépendant d’Ice Goat Games, est sorti sur Steam le 18 septembre 2026. D’après sa fiche Steam, une démo gratuite est déjà disponible. Le jeu coûte 15,99 euros, avec une remise de lancement de 10 % qui ramène le prix à 14,39 euros jusqu’au 2 octobre.

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À voir sa présentation officielle sur Steam, Draco and the Seven Scales part sur une formule assez lisible. Le jeu reprend l’exploration de donjons en vue du dessus des vieux The Legend of Zelda, puis y ajoute une vraie place pour la navigation et les combats en mer, avec un parfum d’Assassin’s Creed IV: Black Flag. On y joue un capitaine pirate embarqué dans une quête pour sauver ce qu’il a de plus précieux.

Puis l’aventure glisse vers quelque chose de plus étrange, plus fantastique aussi, avec de la magie noire et un pacte passé avec un kraken. Ce virage donne même à Draco and the Seven Scales une couleur plus sombre que son habillage rétro ne le laisse croire au premier coup d’œil.

Le jeu s’appuie sur deux boucles bien séparées. À pied, Draco and the Seven Scales propose, d’après sa page Steam, des zones et des donjons vus du dessus, avec des énigmes, des affrontements, des objets à ramasser et des passages qui s’ouvrent au fil de la progression. En mer, le bateau sert à relier les différentes régions, à débloquer de nouvelles routes et à atteindre de nouvelles zones.

Ice Goat Games parle aussi de sept donjons principaux et d’un overworld pensé pour récompenser la curiosité plus qu’une simple course d’un point A à un point B. On serait donc sur une exploration assez libre, avec des détours qui valent le coup, des secrets un peu partout et des découvertes qui semblent compter autant que l’objectif principal dans le rythme de l’aventure.

L’autre promesse, c’est le navire. Ici, il ne fait pas juste office de moyen de transport. Selon Ice Goat Games, il s’agit d’un vrai système de progression, avec des capacités à améliorer, des canons à renforcer et des affrontements navals présentés comme une pièce importante de l’ensemble.

D’après la présentation officielle, les joueurs pourront affronter des navires ennemis, des rivaux, plusieurs boss maritimes, mais aussi Her Majesty’s Royal Armada. Pour ceux qui espéraient autre chose qu’un simple clin d’œil rétro à Zelda, c’est plutôt bon signe.

Côté style, Ice Goat Games a choisi, selon la fiche Steam de Draco and the Seven Scales, un pixel art inspiré de la Game Boy, avec une bande-son aux accents de chants marins qui change selon les zones visitées. Le jeu propose aussi différents objets à collectionner, liés aux combats, aux énigmes et à des activités secondaires comme la pêche.

Pour l’instant, les premiers retours tournent surtout autour de cette idée de “Zelda croisé avec Black Flag”. Sur la qualité des donjons, la profondeur réelle des mécaniques navales ou la capacité du récit à tenir la distance, les analyses plus fouillées restent encore assez rares.

Reste qu’avec une démo gratuite et un petit prix de lancement, Draco and the Seven Scales a de quoi se faire remarquer au milieu des sorties de la rentrée.

Télécharger Draco and the Seven Scales sur PC.

Après son passage en salles, Furiosa : Une saga Mad Max n’a pas trouvé son public au box-office mondial, et ce malgré des critiques très favorables. Le préquel signé George Miller, avec Anya Taylor-Joy en tête d’affiche, affiche pourtant 90 % d’avis positifs sur Rotten Tomatoes et le label « Certified Fresh ». En recettes, en revanche, le film s’est arrêté autour de 174,4 millions de dollars dans le monde, pour un budget estimé à 168 millions.

Aux États-Unis, le démarrage de Furiosa : Une saga Mad Max a très vite été vu comme une contre-performance, surtout quand on le compare à Mad Max: Fury Road, qui avait frôlé les 380 millions de dollars au box-office mondial. Pour beaucoup, Furiosa : Une saga Mad Max s’est déjà installé dans cette catégorie un peu triste des « grands films que personne n’a vus ».

Pourquoi « Furiosa » s’est planté au box-office malgré d’excellentes critiques

Sur le papier, le film cochait pourtant beaucoup de cases. George Miller à la mise en scène, une ambition visuelle intacte, Anya Taylor-Joy et Chris Hemsworth largement salués, tout était là. Mais l’attente suscitée par Mad Max: Fury Road, sorti presque dix ans plus tôt, était énorme.

Il y avait aussi un pari compliqué à faire passer : raconter un préquel sans Max Rockatansky au centre du récit. Et une partie du public attendait visiblement autre chose, sans doute une nouvelle course-poursuite tendue de bout en bout, alors que George Miller avait en tête un film d’une toute autre nature.

Un préquel plus lent, plus sombre, centré sur son personnage

Là où Mad Max: Fury Road avançait comme un bloc lancé à pleine vitesse, Furiosa : Une saga Mad Max prend une forme plus ample, plus romanesque. Le film suit son héroïne depuis l’enfance, dans la Terre Verte, puis à travers le meurtre de sa mère, sa captivité sous la coupe de Dementus, avant sa montée dans l’univers d’Immortan Joe.

George Miller livre donc moins un pur spectacle de vitesse qu’un véritable récit d’origine, presque une tragédie de survie et de métamorphose. C’est d’ailleurs l’une des grandes qualités du film : Furiosa : Une saga Mad Max s’attarde sur le chemin, sur la manière dont Furiosa devient celle que les spectateurs avaient découverte dans Mad Max: Fury Road. Et c’est peut-être là que le décalage s’est creusé. Ce qui a convaincu la critique a, à l’évidence, brouillé les attentes d’une partie du public, confrontée à une fresque plus lente, plus brutale, plus intérieure aussi.

Le film se rattrape en VOD

Après sa sortie au cinéma, Furiosa : Une saga Mad Max a montré de meilleurs signes de vie en vidéo à la demande, notamment sur iTunes et Fandango. Le message est assez simple : l’intérêt du public n’a pas disparu, il ne s’est juste pas transformé en entrées en salle.

Le parcours rappelle d’ailleurs celui de Mad Max: Fury Road, dont la réputation n’a fait que grandir avec le temps, en grande partie grâce au visionnage à domicile. Furiosa : Une saga Mad Max peut encore suivre ce chemin-là et gagner, avec les années, une réévaluation.

L’avenir de « Mad Max » se joue encore sur ces résultats

Cette seconde vie n’a rien d’anecdotique, parce qu’elle peut avoir des effets très concrets sur la suite de la franchise. George Miller a déjà laissé entendre que le prochain projet lié à Mad Max, le préquel The Wasteland, dépendrait au moins en partie de la rentabilité finale de Furiosa : Une saga Mad Max.

Il reste aussi le souvenir d’un tournage particulièrement éprouvant. Anya Taylor-Joy a raconté ne s’être « jamais sentie aussi seule », tandis que la production a assumé une démesure rare avec, d’après plusieurs récits, 78 jours de tournage consacrés à une seule séquence d’action d’environ 15 minutes. Le constat commercial est sévère, oui. Mais parler de ratage artistique, non.