Author: Alyssa Lavinia Dellosa

Hasbro tendría en sus planes lanzar en mayo de 2027 una figura de acción inspirada en The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom, al menos si se toman como referencia varios listados comerciales. Por eso, mejor pisar el freno con lo que ha empezado a circular: de momento no estaríamos ante un nuevo juego de Nintendo, sino ante merchandising basado en la última gran aventura de Link.

Dicho de forma más clara, lo que aparece asociado a esa fecha no sería, por ahora, un nuevo Zelda de Nintendo, sino una figura de acción de Hasbro centrada en la etapa más reciente del héroe.

El producto ya aparece en listados de tiendas y, según esas mismas fichas, las reservas incluso estarían abiertas. El precio que figura es de 27,99 euros.

Ese precio, 27,99 euros, coloca la figura de lleno en el terreno del coleccionismo y de los seguidores de la etapa The Legend of Zelda: Breath of the Wild/The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom, una de las más queridas y populares de la saga en los últimos años. Y aquí es donde toca separar expectativas de hechos: Nintendo no ha anunciado oficialmente ningún nuevo Zelda ambientado en esta misma era para mayo de 2027. Todo lo que ha salido alrededor de esa fecha señala, por ahora, a productos oficiales recogidos en esos listados comerciales.

En concreto, el artículo se describe en esas fichas como una figura de plástico de 6 pulgadas con varios puntos de articulación.

Según la descripción comercial, el set incluiría a Link con varios accesorios que cualquier jugador reconocerá enseguida: una mano de poder Zonai, la Espada Maestra, el Escudo Hyliano y una capa. La idea sería reproducir con bastante fidelidad la versión del personaje vista en The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom.

Que esta figura vuelva a poner el foco en ese juego no cambia otra impresión bastante extendida: todo indica que Nintendo ya está mirando hacia la siguiente etapa creativa.

Eiji Aonuma, productor histórico de la serie The Legend of Zelda, ha dejado entrever públicamente en más de una ocasión que la etapa que arrancó con The Legend of Zelda: Breath of the Wild y siguió con The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom probablemente ya ha quedado atrás. La interpretación más repetida es que el equipo prefiere avanzar hacia ideas nuevas, otra lectura de Hyrule y un enfoque distinto, antes que hacer una secuela directa dentro del mismo marco.

Mientras tanto, el lanzamiento oficial más reciente de la saga sigue siendo The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom, publicado en Nintendo Switch el 26 de septiembre de 2024.

The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom destacó por poner a la princesa Zelda en el papel de protagonista jugable y por sumar una mecánica de ecos pensada para resolver puzles de una manera más creativa.

Fuera de eso, siguen sonando rumores sobre un posible remake de The Legend of Zelda: Ocarina of Time para la próxima generación de Nintendo. Algunas especulaciones lo sitúan en 2026, aunque la compañía no ha confirmado nada.

Tampoco extraña que Hasbro haya escogido justo esta versión de Link. The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom fue un éxito comercial enorme, reforzó la base que había dejado The Legend of Zelda: Breath of the Wild con una secuela mucho más ambiciosa y amplió las opciones para resolver puzles, además de sumar las islas celestes y el subsuelo de Hyrule. Así que sí, The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom “vuelve” en mayo de 2027, pero lo haría en la estantería, no en la consola.

It, la miniserie de ABC de 1990 basada en la novela de Stephen King y con Tim Curry en el papel de Pennywise, se ha metido en los últimos días en el top 10 de HBO Max, según datos de la propia plataforma, después de la muerte del actor el 25 de agosto de 2026, a los 80 años.

La subida tiene también una carga emocional evidente para los fans del terror, que han vuelto a una de las interpretaciones más recordadas de toda la carrera de Tim Curry. Su Pennywise sigue siendo, para muchos, la versión definitiva del payaso más temido de la cultura popular.

Que la miniserie haya repuntado en streaming no se explica solo por la nostalgia. También pesa la huella de una obra que dejó marca en varias generaciones.

Dirigida por Tommy Lee Wallace, It fue un auténtico acontecimiento televisivo cuando se emitió por primera vez en ABC en 1990, con una audiencia estimada de alrededor de 30 millones de espectadores entre sus dos partes.

Hoy se le notan limitaciones técnicas evidentes si se la compara con producciones contemporáneas, pero el gran motor del fenómeno sigue siendo Tim Curry.

Su Pennywise no necesitaba grandes efectos digitales ni un aparato visual especialmente complejo: bastaban la sonrisa, la mirada y ese cambio brusco entre lo juguetón y lo siniestro para provocar una incomodidad muy real.

La interpretación de Tim Curry está considerada una de las grandes actuaciones del terror en pantalla.

Parte de la fuerza de ese Pennywise estaba en lo humano que resultaba el personaje, así que no se sentía como un monstruo lejano, sino como una presencia extrañamente cercana, capaz de colarse en un entorno cotidiano y volverlo amenazante.

Eso ayudó a que aterrorizara a toda una generación, y también explica por qué sigue apareciendo cada vez que se habla de la popularización de la coulrofobia en la cultura pop moderna.

Ni siquiera las exitosas películas de It de 2017 y 2019, con Bill Skarsgård bajo el maquillaje, han conseguido desplazar del todo esa imagen.

La versión más reciente amplió el imaginario visual del personaje. Aun así, para mucha gente el Pennywise de Tim Curry sigue siendo más perturbador, precisamente porque descansaba antes en la actuación que en el CGI.

El regreso de It coincide, además, con la expansión reciente de la franquicia.

HBO estrenó en octubre de 2025 la precuela It: Welcome to Derry, que ya fue renovada por HBO para una segunda temporada, con el regreso de Bill Skarsgård como Pennywise y también como productor ejecutivo.

Pero el interés renovado por la miniserie de 1990 parece ir por otro lado: el de su redescubrimiento.

En redes sociales y plataformas de vídeo se han multiplicado las reacciones, los debates y las revisiones de escenas clave, señal de que no la están recuperando solo quienes crecieron con ella, sino también una generación más joven que la está viendo ahora por primera vez.

Más de 35 años después de su debut, It deja claro que algunos clásicos no necesitan reinventarse para volver a importar.

No está claro cuánto tiempo más seguirá la miniserie en el top 10 de HBO Max.

IDW Games ya le ha puesto fecha a Godzilla: The Roleplaying Game. Será un nuevo juego de rol de mesa oficial de Godzilla y, tal como ha confirmado la propia compañía, llegará en otoño de 2026.

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Lo llamativo aquí es que uno de los regresos más curiosos del Rey de los Monstruos no va a presentarse ni en forma de película ni de videojuego, sino como una propuesta de mesa volcada en kaijus, supervivientes y destrucción a gran escala.

La apuesta parece ir de frente a los fans del universo kaiju, porque mezcla acción narrativa, combates con tensión y decisiones estratégicas.

El juego se sitúa en la Era Kai-Sei, el escenario que ya había quedado establecido en los cómics de Godzilla publicados por IDW Publishing, tal y como recoge la descripción oficial del proyecto. Eso le da un punto de partida reconocible para quienes siguen la franquicia de cerca y, a la vez, deja una puerta de entrada bastante clara para quien no esté especialmente al día con las historias impresas.

La premisa, siempre según la presentación oficial del juego, es que los jugadores sobrevivan, investiguen y tomen decisiones en un mundo atravesado por la presencia de kaijus, facciones enfrentadas y eventos catastróficos. Aquí no se trata solo de mirar cómo arrasan los monstruos. Los participantes están metidos de lleno en el desastre.

Uno de los rasgos más peculiares del sistema es que deja fuera los dados y apuesta por una baraja de 52 cartas, de acuerdo con la información compartida por IDW Games. El cambio busca dar otro ritmo a las partidas y hacer que la gestión del azar resulte más predecible, aunque no por eso menos dramática.

A eso se le suma una mecánica llamada Crisis Clock, descrita en la información oficial como un sistema pensado para apretar la tensión a medida que avanza la sesión y para detonar grandes eventos en los momentos clave.

Las primeras impresiones publicadas después de su presentación hablan de un juego rápido, cinematográfico y fácil de entender para quienes llegan nuevos, pero también con el suficiente componente estratégico como para sostener el interés de los jugadores veteranos. En lo que respecta a la creación de personajes, habrá 12 clases distintas, entre ellas Soldier, Thief y Scientist, además de la opción de crear personajes mutantes y mestizos.

Y sí, Godzilla no va a ser el único en escena. Entre los kaijus citados para la plantilla inicial están Mothra, King Ghidorah, Anguirus, Hedorah, Kamacuras, Kumonga, Manda, Rodan, Biollante, Destoroyah y Megalon.

El proyecto, además, ya ha superado con éxito su financiación en Kickstarter, según figura en la propia campaña. Eso deja bastante claro que había ganas de ver un RPG oficial de Godzilla en un mercado cada vez más receptivo a licencias potentes dentro del juego de mesa.

Y para quien quiera una dosis extra de Godzilla en 2026, el otoño también traerá Godzilla: Destroy All Monsters Melee Remastered, un videojuego independiente que se lanzará el 3 de noviembre de 2026.

A24 llevará Onslaught a los cines el 4 de septiembre de 2026. Es una película de ciencia ficción, acción y terror dirigida por Adam Wingard, con Adria Arjona al frente, y sigue a una exfrancotiradora del Ejército que se ve obligada a proteger a su hija cuando tres supersoldados creados mediante ingeniería genética irrumpen en su vida. La película ya está dando que hablar por esa mezcla tan poco discreta entre el asedio de Die Hard, la tensión obstinada de Halloween y un filtro ochentero muy consciente de sí mismo.

Wingard coloca en el centro a Celeste, el personaje de Arjona, una exfrancotiradora del Ejército que tiene que defender a su hija cuando esos tres supersoldados alterados genéticamente revientan la relativa calma de su vida. Las primeras reacciones la pintan como una película agresiva, muy estilizada y hecha para mantener el pulso arriba casi todo el tiempo.

La premisa, en realidad, cabe en una línea: una madre con entrenamiento militar frente a una amenaza casi imparable.

Ahí está buena parte del gancho. Wingard se apoya en una historia de supervivencia y asedio donde la protagonista exprime su experiencia como tiradora de élite para aguantar el envite de tres enemigos que la superan en fuerza y en tecnología. Ese punto de partida ha hecho que muchos la acerquen a Terminator por la cualidad mecánica e implacable de su antagonismo, a Die Hard por esa estructura de resistencia bajo presión, y a Halloween por su juego de depredador y presa. No es una combinación tímida. Tampoco parece interesarle serlo.

Para quienes siguen la carrera del director, Onslaught también tiene atractivo por todo lo que la rodea.

Sus responsables la han presentado como una sucesora espiritual de The Guest, la cinta de culto que Wingard estrenó en 2014, y hasta hay comentaristas que dan por hecho que ambas convivirían dentro del mismo universo cinematográfico. A eso se suma que completa una especie de trilogía temática junto a You’re Next, otro de los títulos más celebrados del director. Ese parentesco se nota en el tono: violencia muy coreografiada, ritmo rápido y una puesta en escena que mira de frente al cine de género de los 80, con ecos claros de John Carpenter en la atmósfera y de James Cameron en el músculo de ciencia ficción que mueve la propuesta.

Y luego está el reparto.

Junto a Adria Arjona aparecen Dan Stevens, Michael Biehn y Rebecca Hall, una combinación que le da todavía más tirón entre los aficionados al género.

La recepción inicial, eso sí, ha sido menos compacta de lo que podría parecer. Onslaught conserva por ahora la etiqueta Fresh en Rotten Tomatoes, con elogios a su factura visual, a la energía que sostiene de principio a fin y a varias de sus secuencias de acción, pero también hay reseñas que la ven ligera en lo narrativo y señalan que algunas ideas se quedan a medio desarrollar. Entre esas ideas asoman ciertos subtextos políticos ligados al complejo militar-industrial, aunque buena parte de la crítica coincide en que la película apenas los toca por encima más de lo que realmente se mete en ellos. En el terreno comercial, las primeras previsiones para su fin de semana de estreno la situaban entre los 4 y los 5,5 millones de dólares.

Aun así, da la impresión de que Onslaught sabe perfectamente qué quiere ser: una experiencia intensa, retro y ultraviolenta para quien eche de menos el gran cine de género de los 80. Y es justo esa mezcla la que ya ha puesto en marcha la conversación sobre una posible futura cinta de culto.

Su estreno en cines sigue fijado para el 4 de septiembre de 2026.

Brotherwise ha puesto fecha al Manual de Mistborn. La editorial sitúa su lanzamiento en el 4 de noviembre de 2026: será un volumen en tapa dura de 405 páginas y funcionará como libro base para jugar en Scadrial, el mundo de la saga Mistborn de Brandon Sanderson.

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Aun así, no todas las fechas que circulan coinciden. Algunas tiendas lo tienen listado para el 16 de noviembre, así que no se puede descartar algún pequeño ajuste logístico antes de que salga a la venta.

Pocos lanzamientos de rol de mesa levantan ahora mismo tanta expectación. Para mucha gente, además, este libro va a ser la puerta de entrada a Scadrial con reglas oficiales y con contenido narrativo que forma parte del canon.

Brotherwise lo plantea como el reglamento principal para campañas ambientadas tanto en Era 1 como en Era 2 de Mistborn.

Dicho de forma simple, será el libro base para la mesa entera: jugadores y directores de juego. Ahí estarán las herramientas para crear personajes, resolver conflictos y montar aventuras dentro del universo metálico de Sanderson.

El juego usa el sistema del Cosmere RPG. En la presentación oficial, Brotherwise lo describe como un sistema pensado para que pueda entrar gente que pisa por primera vez el rol de mesa, pero sin quedarse corto para grupos con experiencia.

La idea pasa por dar mucho peso a las decisiones narrativas y a la interpretación, aunque sin soltar la parte mecánica que sostiene la progresión, el combate y las habilidades especiales propias de este mundo.

Y el manual no llegará por su cuenta.

Forma parte de una línea bastante más amplia alrededor de Mistborn. Según Brotherwise, ahí también entran un World Guide, el libro de campaña Mistborn: Legacy Adventure, con 265 páginas, una caja de inicio, dados personalizados y varios mazos de objetos. Un despliegue completo para los fans de Scadrial.

Brotherwise y Dragonsteel también han dejado claro que el material nuevo creado para este RPG será canónico.

Por eso Mistborn: Legacy no se está presentando como una aventura cualquiera, sino como una historia oficial desarrollada junto a Brandon Sanderson y Dan Wells, de acuerdo con lo comunicado por Brotherwise y Dragonsteel. No es algo que se vea todos los días en adaptaciones roleras basadas en franquicias grandes.

El interés por el juego, además, coincide con un momento muy movido para Mistborn.

Brandon Sanderson ha confirmado que ya terminó un primer borrador de guion para una adaptación cinematográfica de Mistborn con Apple TV, aunque el propio autor ha repetido que el proyecto sigue todavía en una fase temprana de desarrollo.

Y no es lo único que viene.

Los lectores también tienen a la vista Mistborn: Ghostbloods, la próxima trilogía de la serie. Según Brandon Sanderson, el primer volumen está previsto para 2028.

AT&T cerró en 2018 la compra de Time Warner después de imponerse en la batalla antimonopolio en Estados Unidos, pero ocho años más tarde la operación, valorada en 108.700 millones de dólares, deja una imagen bastante menos brillante de la que se prometió entonces. La integración no produjo las sinergias que se anunciaban y el grupo terminó deshaciendo la jugada al separar WarnerMedia y abrir paso a Warner Bros. Discovery.

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Sobre el papel, la fusión tenía sentido: unir contenidos premium con una red de distribución gigantesca y convertir a AT&T en una compañía con músculo suficiente para competir en el nuevo negocio del streaming.

La compra se completó después de una de las disputas antimonopolio más seguidas de la década en Estados Unidos. El Departamento de Justicia trató de frenar el acuerdo, pero los tribunales acabaron autorizándolo al entender que era una fusión vertical, es decir, entre empresas que ocupaban lugares distintos dentro de la misma cadena de valor.

La lógica estratégica, vista así, era clara. AT&T ponía conectividad, infraestructura y distribución; Time Warner aportaba marcas potentes y contenidos de primer nivel.

Luego vino la realidad. La teoría de las sinergias nunca acabó de convertirse en resultados nítidos. Integrar ambas compañías fue más difícil de lo previsto y el choque cultural apareció enseguida: por un lado, una teleco volcada en procesos, métricas y eficiencia; por otro, un negocio creativo como Hollywood. Esa convivencia pesó más de la cuenta.

A eso se sumó una deuda muy elevada justo cuando la industria audiovisual entraba de lleno en la guerra del streaming, con inversiones disparadas y márgenes cada vez más estrechos.

La conclusión fue incómoda, tanto para Wall Street como para el propio sector: la victoria en los tribunales existió, sí, pero el éxito empresarial nunca terminó de aparecer como se había vendido.

La marcha atrás, además, llegó rápido para una operación de ese tamaño. En 2021, AT&T optó por escindir WarnerMedia y, en 2022, WarnerMedia se fusionó con Discovery para dar origen a Warner Bros. Discovery. Ahí terminó el breve intento de la teleco de convertirse en un gran grupo de entretenimiento integrado.

La nueva compañía, aun así, heredó buena parte de la presión financiera. En el segundo trimestre de 2026, Warner Bros. Discovery informó en sus resultados de una deuda neta de unos 29.700 millones de dólares, ingresos de 8.700 millones y un beneficio neto de 149 millones. Son cifras que dibujan a una empresa que todavía sigue buscando el equilibrio entre reducir deuda, ganar rentabilidad y transformar su negocio.

Con David Zaslav al mando, Warner Bros. Discovery ha puesto el foco en los recortes de costes, el desapalancamiento y la expansión en streaming. Max, según datos de la propia compañía, superó los 140 millones de suscriptores globales en el primer trimestre de 2026.

Pero ese avance convive con la caída de la televisión lineal y con decisiones controvertidas sobre recortes y cancelaciones de contenido. Sigue sin estar claro si ese crecimiento bastará para compensar los errores de ejecución, el exceso de deuda y los choques culturales que acabaron echando por tierra la apuesta original.

Evil Genius Games ha lanzado hoy Pacific Rim: A Cinematic Adventure, el juego de rol de mesa oficial con licencia de la franquicia Pacific Rim, creada por Guillermo del Toro. La idea es clara: que los jugadores puedan montarse sus propias historias como pilotos de Jaeger y librar combates colosales contra Kaiju, sin tener que esperar a la próxima adaptación de Pacific Rim para volver a ese mundo.

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La propuesta entra de lleno en lo que siempre ha definido a Pacific Rim: monstruos gigantes, mecas descomunales y equipos humanos tratando de no caer en enfrentamientos que, sobre el papel, parecen imposibles de ganar. Quien alguna vez quiso sentirse dentro de una operación del Cuerpo de Defensa Pan-Pacífico va a reconocer enseguida qué intenta ofrecer este libro.

Publicado por Evil Genius Games, el juego usa el sistema Everyday Heroes, una reinterpretación actual de reglas inspiradas en Dungeons & Dragons 5ª edición y llevadas al terreno de las aventuras de acción contemporánea. Aquí ese sistema se mueve al universo de Pacific Rim para sostener campañas centradas en pilotos, misiones militares y una guerra a escala titánica.

El libro llega como un suplemento de 128 páginas con reglas para crear personajes, pilotar Jaegers, pelear contra Kaiju y añadir material de trasfondo con el que ampliar el lore de la franquicia. No se queda solo en repetir escenas conocidas de las películas. La intención es que cada mesa termine armando su propio relato.

Uno de los puntos más llamativos del RPG está en sus mecánicas temáticas. El juego introduce una Titanic Scale pensada específicamente para representar choques entre criaturas y máquinas gigantes, algo clave si se quiere que las batallas no se sientan como un combate de rol de siempre al que simplemente le han cambiado la pintura.

También suma reglas para el Drift, el vínculo neuronal entre co-pilotos que acabó convirtiéndose en una de las ideas más recordadas de las películas. Por lo que se ha visto en las primeras reacciones de jugadores y críticos especializados, esta parte es justo una de las que mejor recoge el espíritu de Pacific Rim, así que la sincronización entre personajes deja de ser puro lore y pasa a importar de verdad en la partida.

La personalización de Jaegers también está recibiendo buenos comentarios en esas primeras impresiones, sobre todo por la posibilidad de ajustar armamento, estilo de combate y características del meca. La recepción inicial, en líneas generales, ha sido favorable tanto entre jugadores como entre críticos especializados.

El lanzamiento llega, además, en un momento bastante oportuno para la franquicia Pacific Rim. Hay una precqela de imagen real en desarrollo para Amazon Prime Video, y en los últimos años también han aparecido expansiones como Pacific Rim: The Black y Pacific Rim: Final Breach. De momento, por la cobertura disponible, la conversación más intensa sobre el juego se está moviendo sobre todo en mercados angloparlantes; fuera de ellos todavía hay menos análisis extensos y menos cobertura en profundidad.

Y la premisa, al final, se entiende sola: reunir a un equipo, entrar en el Drift y salir a pelear contra el fin del mundo.

A día de hoy, David Corenswet sigue siendo el Superman confirmado del nuevo Universo DC de James Gunn y Peter Safran. DC Studios no ha hecho ningún anuncio oficial que apunte a un recambio.

Dicho de otro modo, los rumores sobre un supuesto reemplazo no encajan con la información pública que ha dado el estudio hasta ahora. Corenswet sigue siendo el elegido para encabezar esta nueva etapa.

Y no solo por estar al frente de Superman, cuyo estreno sigue fijado para el 11 de julio de 2025 en el calendario oficial anunciado por Warner Bros. y DC Studios. El actor también continúa ligado a los planes de futuro del estudio, incluida una continuación del personaje bajo el título Man of Tomorrow.

La confusión se ha disparado en redes sociales y también en algunos medios, en parte porque el nuevo DCU está creciendo muy deprisa. Aun así, no ha salido de DC Studios ninguna comunicación oficial que sugiera que David Corenswet vaya a dejar el papel.

Más bien ocurre lo contrario: Corenswet fue elegido precisamente para tomar el relevo de Henry Cavill como una versión más joven de Clark Kent dentro de la nueva continuidad de DC Studios. Y ese matiz importa. El estudio está cerrando la etapa anterior del DCEU para levantar una franquicia más ordenada y conectada, según la hoja de ruta que presentaron James Gunn y Peter Safran. En ese esquema, Superman no aparece como una figura desplazada. Sigue ocupando el centro.

La idea de Gunn y Safran pasa por unir cine, televisión y animación bajo una misma visión creativa, tal y como ha explicado la propia DC Studios al presentar el nuevo DCU. Es un giro claro frente al modelo anterior de DC en cines, que durante años recibió críticas por la falta de cohesión entre proyectos.

Dentro de ese plan, Creature Commandos será la primera producción oficial del DCU, de acuerdo con la hoja de ruta anunciada por el estudio. Superman, por su parte, será la película que de verdad marque esta nueva etapa en la gran pantalla. Por eso, leer la situación como si el héroe hubiera sido “reemplazado” choca de frente con el calendario y con la estructura que ha dibujado la propia DC.

También hay una explicación bastante simple para tanto ruido: el universo se está llenando muy rápido de personajes importantes. Eso puede dar la sensación de que DC Studios quiere repartir el foco desde el minuto uno, aunque Superman siga estando en el centro del tablero.

Junto a David Corenswet como Clark Kent, Nicholas Hoult dará vida a Lex Luthor, uno de los fichajes más comentados de esta nueva fase. A eso se suman Hawkgirl, Supergirl, Mister Terrific, varios Green Lanterns y Blue Beetle, según el reparto y los personajes que ya se han confirmado para Superman.

Y ahí no acaba la cosa. DC Studios también está moviendo proyectos para otros formatos: entre ellos, The People v. Gorilla Grodd, un spinoff conectado con el entorno del Daily Planet, una serie animada de Blue Beetle y más expansiones para su lado televisivo, según lo que se ha ido conociendo hasta ahora sobre el nuevo DCU.

Así que, más que hablar de una sustitución real, todo apunta a que el rumor nace de esa ampliación del elenco y de una decisión bastante evidente del estudio: ya no quiere que toda la franquicia descanse sobre un solo héroe. De hecho, buena parte de la reacción de los fans ha sido más bien optimista, con curiosidad por ver qué puede aportar David Corenswet al personaje y con cierta confianza en que esta etapa, bastante más planificada, le dé a DC la estabilidad que no tuvo antes.

Lo que sigue sin saberse, como pasa a menudo con los planes a largo plazo de DC Studios, es cuándo entrará Man of Tomorrow en el calendario oficial. El tiempo que puede pasar entre una película y la confirmación cerrada de su continuación sigue siendo difícil de calcular.

The Whisper Man, el thriller criminal de Netflix con Robert De Niro al frente, llegó a la plataforma el 28 de agosto de 2026 y, en cuestión de días, ya figura entre los títulos más vistos. La película se ha instalado como el nuevo fenómeno del final del verano: algunos reportes la sitúan en el número 1 tanto en Estados Unidos como en el ranking global, mientras que otros la dejan como la segunda película más vista del mundo.

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Sea como sea, la idea de fondo no cambia: The Whisper Man conectó enseguida con el público. Gran parte de ese tirón tiene que ver con el regreso de Robert De Niro a Netflix como protagonista de un thriller criminal, un tipo de estreno que en streaming suele funcionar muy bien incluso cuando la crítica no se muestra especialmente entusiasta.

La película adapta la novela superventas de Alex North y entra de lleno en una fórmula que Netflix lleva años trabajando: producciones de presupuesto medio, un reparto con nombres de peso y una premisa de suspense pensada para enganchar al gran público desde el primer tráiler. Netflix todavía no ha compartido datos oficiales detallados de visionado, así que, por ahora, la subida fulgurante en los rankings es la señal más clara de cómo está rindiendo.

La historia sigue a un escritor de novela negra que acaba de quedarse viudo y cuyo hijo es secuestrado. Desesperado, recurre a su padre, un detective retirado del que lleva tiempo distanciado, para investigar un caso que recuerda de forma inquietante a los crímenes de un asesino en serie ya capturado. De ahí sale un relato de tensión, trauma familiar y secretos que regresan desde el pasado.

Junto a Robert De Niro aparecen Adam Scott, Michelle Monaghan y Michael Keaton, un cuarteto de rostros muy reconocibles para un estreno claramente pensado para sumar clics y horas de reproducción. Hay otro detalle que también juega a su favor: Robert De Niro y Michael Keaton comparten pantalla por primera vez desde Jackie Brown, estrenada en 1997. Ese guiño nostálgico sigue teniendo valor en un catálogo cada vez más lleno.

Donde The Whisper Man sí ha encontrado más resistencia es en la recepción crítica. Pese a su buen arranque entre los suscriptores, la película ha cosechado críticas mixtas, más cerca de lo negativo que de otra cosa, y ahora mismo luce la etiqueta «rotten» en Rotten Tomatoes. Los reproches apuntan sobre todo a una trama previsible y a la sensación de que no saca todo el partido posible al talento reunido en pantalla.

Aun con eso, su estreno vuelve a dejar clara una cosa que a Netflix le viene de maravilla: un thriller con caras conocidas puede convertirse en un gran fenómeno doméstico aunque no deslumbre a los críticos. Con un presupuesto estimado de 50 millones y rodaje en Plainfield, Nueva Jersey, The Whisper Man ya puede contarse, a juzgar por su ascenso en los rankings, entre los mayores estrenos cinematográficos de Netflix en esta época del año. Lo que nadie sabe todavía es cuánto tiempo logrará mantenerse en lo más alto de la plataforma.

HBO Max ha puesto en marcha hoy en Ciudad de México el rodaje de “Mataviejitas: The Serial Killer”, según ha comunicado la propia plataforma. Es un thriller psicológico original inspirado en el caso de Juana Barraza, y forma parte del impulso con el que Warner Bros. Discovery sigue ampliando su producción regional en Latinoamérica.

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La serie, al menos por lo que se ha contado hasta ahora, no quiere quedarse solo en el retrato de una asesina en serie. También pondrá la mirada en la investigación, en el miedo que se instaló en la capital y en la presión pública sobre las fuerzas de seguridad durante uno de los casos más mediáticos de México.

La ficción parte del caso de Juana Barraza, conocida como “La Mataviejitas” y también como “The Lady of Silence”.

Barraza fue condenada por el asesinato de al menos 16 mujeres mayores en Ciudad de México entre finales de los años noventa y comienzos de los 2000, dentro de un expediente que pasó años rodeado de versiones, pánico social y una atención mediática inagotable. Su condena quedó fijada en 759 años de prisión.

Según las investigaciones, Juana Barraza se hacía pasar por funcionaria pública o trabajadora social para ganarse la confianza de sus víctimas.

Después las estrangulaba y les robaba en sus casas. La brutalidad de ese patrón, sumada al hecho de que se cebaba con mujeres especialmente vulnerables, convirtió la búsqueda en uno de los operativos policiales más notorios del país. HBO Max lleva ahora esa historia al terreno del thriller psicológico, con una identidad claramente mexicana, y la plantea no solo como una reconstrucción de los crímenes, sino también como una mirada al contexto cultural y emocional de una Ciudad de México atravesada por el miedo, la especulación y la frustración ante una investigación que tardó años en cerrarse.

“Mataviejitas: The Serial Killer” cuenta con producción de Exile Content.

Humberto Hinojosa participa como showrunner y codirector, con J.M. Cravioto también al frente de la dirección, mientras que Mayra Hermosillo y Mónica Jiménez encabezan el reparto. Warner Bros. Discovery todavía no ha dado demasiados detalles sobre sus personajes, aunque la descripción oficial deja ver que la narración repartirá el peso entre el caso policial y el impacto público que tuvo el expediente.

La producción llega, además, en pleno auge del true crime mexicano en streaming, después de que el caso volviera al centro de la conversación con el documental de Netflix de 2023 “The Lady of Silence: The Mataviejitas Murders”.

HBO Max ha dicho que abordará el material con respeto, aunque cualquier dramatización de asesinatos reales vuelve a abrir la discusión entre reconstrucción y sensacionalismo, además de su posible efecto en las familias de las víctimas. De momento, la plataforma no ha confirmado cuándo estrenará la serie.