Este importante movimiento sucedió en el 2017 y fue romper con todo lo anterior.
Ahora ya sólo lo tienen unos pocos modelos, pero no hace mucho todos los modelos de iPhone que llegaban al mercado lo hacían con un botón de inicio físico. Sí, en efecto, es ese que está situado en la parte inferior de la pantalla y con él que podíamos ejecutar casi todas las acciones. Ahora bien, ¿por qué Apple eliminó el botón de inicio y cuándo ocurrió esto?
Para conocer esta historia hay que remontarse hasta el año 2017. Cuando entramos en ese curso, los rumores de la prensa especializada en Apple no paraban de comentar un aspecto: el próximo iPhone rompería con todos los anteriores al eliminar el famoso botón home o inicio que incluían los terminales en la parte inferior. En su lugar, se añadiría una pantalla casi completa donde los únicos botones estaban en los laterales. ¿Qué sucedió? Que así se confirmó en septiembre de ese mismo 2017 en el evento de prensa realizado por Apple.
A mediados de ese mes (el 12 de septiembre para ser exactos), los de Cupertino anunciaban el lanzamiento del iPhone X. Este modelo contaba con una pantalla OLED de 5,8 pulgadas y tecnología TrueTone Super Retina HD Dolby Vision HDR10. Apple se ha caracterizado por realizar movimientos que no siempre son entendidos por parte del público, como lo de eliminar la entrada para 3.5 mm de auriculares o este en cuestión, que quitaba ese botón de inicio tan útil en pantalla. Había varios motivos por los que realizó esta acción, pero los dos principales eran tan fáciles como que se viera más pantalla y el diseño fuera más elegante.
El hecho de poner un botón de inicio provocaba que el diseño de la pantalla no fuera completo, es decir, que requería que en la parte inferior se situara una banda para insertar dicho botón. Esto se comía bastante las dimensiones de la pantalla, lo que a su vez demandaba que el terminal fuera más grande si se quería suplir esa ausencia de pulgadas. Con la eliminación del botón se ganaba en dimensiones -y bastante- en el área de visualización.
A esto hay que sumarle el aspecto del diseño. Apple, como decíamos, no tiene miedo de innovar en otros apartados. Eliminar el botón daba un aspecto más elegante en el iPhone, con un terminal que prácticamente era pantalla entera y lucía de escándalo. Además, le permitía introducir los gestos para contrar el terminal o incluso el conocido Face ID.
La eliminación del botón de inicio provocó, a su vez, que el Touch ID desapareciera de los smartphones. Para sustituir este método tan seguro de desbloqueo, Apple apostó por el Face ID, que no era más que el reconocimiento fácil para desbloquear o realizar acciones. Puede parecer menos complejo que la huella, pero Phil Schiller, Director de Marketing de Productos de la época, explicó que había más probabilidades de que alguien desbloquease tu teléfono con Touch ID (1 entre 50.000) que con Face ID (1 entre 1.000.000).
En definitiva, la eliminación del botón de inicio respondió a una decisión puramente de área de visualización, en primer lugar, que vino acompañada de un diseño más rompedor, en segundo, y nuevas apuestas tecnológicas por parte de Apple, en tercero. Eso sí, a pesar de que la gran mayoría de nuevos terminales ya no incluyen este botón de incio, sí que hay modelos, como el iPhone SE 2022, que todavía se lanzan con este pantalla. Al fin y al cabo, lo viejo nunca muere… y todavía hay gente que lo prefiere a los gestos.
El rock español pasó por su momento de gloria en los años 80 y 90 como antítesis del pop. Más allá de Loquillos y Ramoncines, los rockeros españoles no querían copiar a los clásicos americanos
Las batallas las cuentan las vencedores. Las culturales también. Hemos tenido centenas de libros y películas sobre la Movida Madrileña, explicando sus dimes y diretes: Alaska, Pedro Almodóvar, McNamara y compañía han copado titulares cada vez que toca hablar de transgresión, como si no hubieran estado apoyados por las televisiones desde el primer momento. Y sin embargo, la música que se bailaba en gran parte del resto de España no tenía nada que ver con maquillajes estratosféricos y ‘La bola de cristal’, sino con dos guitarras, un bajo y una batería.
El rock español pasó por su momento de gloria en los años 80 y 90 como antítesis del pop. Más allá de Loquillos y Ramoncines, los rockeros españoles no querían copiar a los clásicos americanos y su look era el de una persona por la que te cambiarías de acera si la vieras por la noche en un callejón oscuro: camiseta de tirantes, pelos largos y actitud punk, aunque las letras hablaran de amor y desesperanza. Si no viviste esa época y aún crees que el epítome de la modernidad fueron los Pegamoides, te presentamos ocho canciones de rock español que no definen necesariamente a los grupos, pero explican la rabia que en España sobrevolaba por debajo de cualquier medio de comunicación por aquel entonces. ¡Cuernos, kalimotxo y guitarreo!
Fito Cabrales ha dedicado su adultez a cantar coplas al ‘Soldadito marinero’ acompañado de los Fitipaldis, pero en 1990 estrenaba con sus amigos un pequeño disco de diez canciones titulado ‘Burrock & roll’ que se abría con una declaración de intenciones. Fito tenía 24 años y ganas de revolucionar la música dejando claro que ellos no eran como los demás: “Tengo dos dedos de frente y nunca uso los dos / Y ando paseando por la calle mi mala reputación”. Diez años después, la despedida de Platero y Tú por la espalda y en la última página de un periódico traumatizó a toda una generación que aún espera una gira de reunión que jamás llegará.
‘Estado policial’ – Extremoduro
Antes de que Robe se acomodara y llegaran su ‘Vereda de la puerta de atrás’ o sus canciones sinfónicas en ‘La ley innata’ y ‘Material defectuoso’, sus primeros discos eran descargas de rabia que mezclaba el desamor con el sexo, la poesía o, por qué no, sus ataques contra la autoridad. A sus treinta años y cinco después de haber fundado Extremoduro, el grupo lanzó su tercer LP, ‘Deltoya’, que, entre himnos a la concordia (‘Ama, ama, ama y ensancha el alma’) y canciones de amor truncadas como ‘Sol de invierno’, se arrancaba con uno de esos temas que jamás podrían haber sonado en la movida: ‘Estado policial’ es el Extremoduro más basto, ese que solo podría haber salido en el underground de los 90 y al que le daba igual las consecuencias de sus canciones. Letras como “Pincho las arruedas de los coches policía, pongo un par de bombas en cada comisaría” aún impresionan por lo crudo ahora mismo.
‘Barrio conflictivo’ – Barricada
Enrique Villareal, ‘El Drogas’ (más conocido hoy por hoy gracias al meme en el que reconoce haber tomado sustancias psicotrópicas) acababa de llegar de la mili a sus veinte años y su vida en Chantrea, el barrio pamplonés donde la pelea con la policía, las detenciones, las manifestaciones y los arrestos eran el pan de cada día, le hizo montar un grupo para contar su realidad. Barricada es, quizá, el epítome del rock vasco de los 80 y 90, que en 1985 y bajo la producción del mismísimo Rosendo, creó ‘Barrio conflictivo’, un tema que a pura guitarra contaba todo aquello de lo que nadie hablaba. “La tortura en los interrogatorios. Agresiones, angustias y dolor. La Txantrea pesadilla siniestra, eres la culpable de querer vivir en paz” marcó los inicios de un grupo que nunca dejaría de reivindicar los derechos sociales y la necesidad de entender el pasado (antes de meterse en broncas internas). Una maravilla.
‘Maneras de vivir’ – Leño
Ya que le hemos nombrado, Rosendo Mercado es el abuelo del rock español, y eso teniendo en cuenta que la gran mayoría de los grupos se movían por la parte de arriba de la península. En el centro estaba La Movida, que a él no le interesaba en absoluto. Quizá por eso, entre tanto glam, lanzó con Leño ‘Este Madrid‘ (“Es una mierda este Madrid que ni las ratas pueden vivir”) como previa a la canción que lo cambió todo, el himno más importante del rock en español: ‘Maneras de vivir’. Si cuando alguien canta “No pienses que estoy muy triste” no contestas “Si no me ves sonreir” no podemos ser amigos.
‘El Congreso de Ratones’ – La Polla Records
Evaristo tenía 19 años cuando se subió por primera vez a un escenario a cantar sus burradas punk. La Polla Records disparó durante 24 años (y un pequeño revival en 2019) contra todo, incluyendo, claro, La Movida: la canción ‘Herpes, talco y tecno-pop’, como sustituta del lema “Sexo, droga y rock & roll”, da buena cuenta de ello. Sin embargo, en un diálogo con la actualidad, tenemos que escoger ‘El Congreso de Ratones’, que en 1985 cerraba su segundo disco, ‘Revolución’, y que años después sería versioneada por Estopa en algunos conciertos, demostrando que, en el fondo, no somos nada: “Camuflando en democracia este fascismo porque aquí siempre mandan los mismos”. El día que la Gen Z descubra a La Polla Records se vienen bailes muy raros en TikTok.
‘Aprendiendo a luchar’ – Reincidentes
Reincidentes nació de la pura casualidad y de la revuelta estudiantil en Sevilla, en un momento en el que sentían que la música era un elemento más de apoyo al poder y solo los cantautores y algunos grupos de rock llegaban a ser algo más. Fernando Medina, con 20 años, fundó un grupo que ha cumplido ya 35 girando por el país con himnos como ‘Vicio’ o este ‘Aprendiendo a luchar’ que, en el fondo, parecían cantarse a ellos mismos en su segundo disco de 1991, ‘Ni un paso atrás’: “¿Dónde estudias, dónde curras, o en una ocupación? Contra el reino del cipote, del dinero y de la cruz”. Ahora nos puede parecer casi un perrenque infantil, pero a inicios de los 90 arrasaron en el País Vasco y no tardaron en sacar discos sin parar (y, a diferencia de otros de estos grupos, sin perder ni un poquito de su ADN por el camino).
‘Sarri, sarri’ – Kortatu
No deja de ser curioso que una de las pocas canciones en euskera (siendo la otra, quizá, ‘Ilargia’, de Ken Zazpi) que suena más allá de sus fronteras sea una que celebra la fuga de la cárcel de Piti y Sarri, dos etarras que escaparon de la prisión de Martutene en 1985. Ese mismo año, y sobre la música de la canción ‘Chatty Chatty’, Fermín Muguruza y los suyos hicieron un retrato cómico sobre lo que acababa de pasar (“Hoy andaban los de la radio emitiendo en directo que comerían paella, y Piti y Sarri, delante de sus narices, andaban tramándola sin que se dieran cuenta”). Años después se usó como punta de lanza contra Muguruza, pero no llevó a nada. De hecho, aún se pone en bodas de gente que no sabe lo que está bailando. Por suerte.
‘Nos quieren detener’ – Boikot
Antes de que Boikot, el grupo creado en 1987 con influencias ska, se dedicara a un tipo de rock más solidario y vanguardista, le dio tiempo a lanzar canciones como ‘Eskeletos radiaktivos’, ‘Serrindemadriz’ o ‘Karraskal’. Pero al borde de su cambio de estilo en 2002, el grupo salió con un tema como era habitual en ellos: corto, al pie y sin dejar testigos. Entre himnos y trilogías de discos dedicadas al Che Guevara y reivindicaciones casi de manifestaciones en ‘Pueblos’ se escondía una pequeña canción que hablaba contra las detenciones ilegales y cómo desde la clase media se hacía la vista gorda. ¿Queríais música contra la Movida? Boikot eran madrileños y no lo podían dejar más claro: “Y burgués, tú nunca entenderás, los problemas de la calle no son de los demás”.
Podríamos seguir aquí durante largas horas, videoclips, análisis del ‘Juliette’ de Platero y tú o de los discos de Barón Rojo o incluso preguntarnos si Def Con Dos merecería estar aquí. Lo que está claro es que, tal y como se vende hoy por hoy, parece como si el rock reivindicativo nunca hubiera pasado de la anécdota a pie de página, un movimiento suburbano entre la Movida y el “sonido Donosti”. Pero lo cierto es que hubo cientos de grupos que modelaron a toda una generación y a los que apenas se recuerda.
Manolo Kabezabolo, Siniestro Total, Asfalto, Triana, Obús, Mago de Oz, Cicatriz, Tijuana in Blue, Negu Gorriak y muchos otros encontraron un pequeño refugio fuera de lo audiovisual en una televisión que protegía a ciertos grupos y aniquilaba otros: fue momento de conciertos y tiendas Tipo en un momento en el que, antes de las redes sociales, esta era la mejor manera de indignarse. Guitarras, batería, pogo y gritos: ¿Para cuándo una serie al estilo de ‘La ruta’?
Un fan de la franquicia de Nintendo ha juntado dos conceptos de manera tan pasmosamente real que cuesta creer que a nadie se le hubiera ocurrido antes.
Si eres de aquellos que durante un tiempo creyeron que solo había 150 Pokémon (con la duda de si Mew existía de verdad), esto te interesa. Seguro que a lo largo de los años has visto todo tipo de dibujos de la saga de videojuegos, anime e incluso teatro musical, desde los que proponen nuevas evoluciones y criaturas hasta aquellos que jamás reconocerías haber buscado. Ahora, un fan de la franquicia de Nintendo ha juntado dos conceptos de manera tan pasmosamente real que cuesta creer que a nadie se le hubiera ocurrido antes.
Conviértete en un poderoso entrenador en Pokémon GO
Poke-familia
Para los que no sepáis nada de ‘Pokémon’ pero queráis entender el meme, basta con decir que Geodude tiene el número 74 y se puede conseguir en todos los juegos menos Espada/Escudo y Escarlata/Púrpura. Se trata de una piedra con dos brazos a los lados y, claro, es de tipo roca. De hecho, la Pokédex original decía de él que “Aparece en llanos y montañas. Semejantes a las rocas, la gente se tropieza con ellos o los pisa”. Además, tiene dos evoluciones: Graveler y Golem.
Es uno de los Pokémon más queridos y fácilmente reconocibles, y quizá por eso la usuaria DT Saranya ha decidido compartir en Reddit su última gran creación: un Geodude con la cara de The Rock. Dwayne Johnson es habitual de memes de todo pelaje, y la verdad es que el montaje queda tan perfecto que ni la inteligencia artificial más perfecta habría podido igualarlo.
Los comentarios al post han añadido que “no es un Geodude, es una Roca“, “Este dibujo ha cambiado la jerarquía del universo de fanart de Pokémon” (en referencia al fallido eslogan de ‘Black Adam’), “Estoy al mismo tiempo pensando ‘Pero por qué’ y ‘Sí, así sí'” o “El tipo roca más tipo roca del mundo”. Lo que está claro es que después de sacar tu Pokéball, se convertirá en familia.
Ghosted, la película de Ana de Armas y Chris Evans, se ha convertido en el mejor estreno de Apple TV+… pero la crítica la ha puesto fatal.
Apple TV+ está poniendo toda la carne en el asador para convertirse en una de las plataformas de streaming de referencia de todo el mundo. La competición es compleja: debe superar a Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max, Disney Plus y otras tantas que van surgiendo. Sin embargo, parecen que van en buen camino.
Con Ted Lasso, el icono por excelencia de la plataforma, Apple TV+ ha sabido hacerse un hueco en muchos hogares del globo. Además, otras apuestas de gran calidad como Severance, Servant o Encerrado con el diablo la colocan como uno de los servicios de VOD más exitosos de la actualidad. Y, para continuar escalando a más, acaban de estrenar Ghosted, película que ha conseguido convertirse en el debut más visto de su historia.
Protagonizada por Chris Evans y Ana de Armas, Ghosted cuenta la historia de Cole, un hombre mundano que se enamora sin remedio de la misteriosa Sadie, que lleva una doble vida como agente secreto. Antes de que pueda surgir una segunda cita, y después de pasar por un ghosting muy feo, los dos se embarcan en una aventura internacional para salvar el mundo.
El mayor estreno de Apple TV+
Según el agregador de datos Samba TV, recogido por el portal Deadline, la película dirigida por Dexter Fletcher ha atraído a 328.500 espectadores en los dos primeros días desde su emisión en la plataforma. Los datos provienen de un panel de 3,1 millones de hogares con SmartTV que sintonizaron la película durante al menos un minuto.
El panel de investigación de Samba TV está equilibrado y ponderado con el censo de EEUU (alrededor de 112 millones) según la edad, el género, el origen étnico y los ingresos familiares. Comparando los datos de Ghosted con los de otras películas de la plataforma, la película de Chris Evans y Ana de Armas se lleva la corona.
A Ghosted le siguen Finch (5 de noviembre de 2021) con 228.500 espectadores, Spirited (18 de noviembre de 2022) con 174.000 , Tetris (31 de marzo de 2023) con 88.000 y My Mind & Me (4 de noviembre de 2022) con 78,100.
Desde luego, contar con una película de comedia y acción —una fórmula de éxito por la que Netflix ha apostado una y otra vez— con dos de los actores más seguidos de la actualidad, ha sido un gran acierto para la plataforma. Pero ¿es esta la mejor estrategia a seguir por Apple TV+? Tengo mis reservas.
La crítica machaca a Ghosted
A pesar de su éxito de público, o como mínimo de personas interesadas en verla, la película ha resultado ser un despropósito que la crítica ha vilipendiado sin temor. En Rotten Tomatoes suspende con un 28% de críticas positivas —59% del público, lejos de ser una buena nota—. En IMDb cuenta con un 5’8 sobre 10. Y en Filmaffinity con un 4’8.
Esto deja claro que, por más que las intenciones de Apple TV+ y Dexter Fletcher sean buenas, la película está lejos de la calidad media de los productos audiovisuales de la plataforma. Al igual que ocurría al principio de Netflix, se mezclan buenas series con películas mediocres… y si bien esto puede hacer crecer a la plataforma en cuanto a público, también puede acabar con su buena reputación.
Muchas de las críticas señalan sus intentos de hacer cameos divertidos que no funcionan. Otras se centran en la historia tan inverosímil que presenta, si bien solo la química entre Evans y De Armas la salvan un poco. Y otras hablan de la artificialidad que hay detrás de cada escena; que en ocasiones parece más una serie B que una película seria.
Si bien Ghosted ha funcionado a Apple TV+, ahora está en el aire la diatriba de qué camino seguir por esta plataforma que aún casi puede considerarse un bebé. Si deciden seguir apostando por la calidad, como ocurre con sus series, puede acabar siendo la mejor alternativa de productos de gran nivel como HBO Max.
Pero, si por el contrario tiran por blockbusters para atraer a mucha gente sin ver demasiado qué hay detrás, pueden llevar el camino contrario. Es decir, acabar repercutiendo en la mala fama que ya tiene Netflix o Amazon Prime Video en cuanto a calidad. Deberán escoger con sumo cuidado para no acabar marcándose un Los Anillos de Poder o The Witcher.
No hay mejor plan para el fin de semana que ver Pollos sin cabeza, la última serie de HBO Max protagonizada por Hugo Silva y Óscar Casas.
Odio eterno al fútbol moderno. Desde que el deporte rey comenzó a convertirse más en un festival de marcas, estafas, disputas de abogados y el hogar de las casas de apuestas, este lema ha sonado con cada vez más fuerza en los terrenos de juego de todo el mundo. Pero si queréis ver hasta qué punto se ha mancillado el espíritu del fútbol por el que tanto se abogaba durante el siglo XX, no hay nada mejor que echar un vistazo a la nueva serie de HBO Max: Pollos sin cabeza.
Protagonizada por Hugo Silva, el sex symbol español que ha demostrado con serie como El Ministerio del Tiempo, Brigada Costa del Sol o Nasdrovia ser mucho más que una cara bonita, Pollos sin cabeza es la última apuesta española de la plataforma.
La cara más oscura del fútbol
La serie sigue a Alberto Martín Ruiz “Beto”, exfutbolista reconvertido en mánager de jugadores que busca establecerse por su cuenta a través de su propia agencia. La odisea de Beto no es pequeña: debe llevar adelante una agencia llena de estrellitas —con todo lo malo que esto supone— mientras mantiene en equilibrio su inestable vida personal.
Todo explota cuando su novia, Sonia, la única que le conoce y puede ayudarle a seguir adelante, le deja. Además, su jugador estrella se marcha de la agencia, así que Beto se queda con el culo al aire y teniendo que remontar una situación en la que la especulación, los tratos por lo bajini y la traición está a la orden del día.
Creada por Pablo Tébar y Jorge Valdano Sáenz —hijo del exfutbolista y exentrenador Jorge Valdano—, la serie es una sátira humorística llevada al extremo pero en la que se pueden ver las costuras de esta industria tan vilipendiada como es la del fútbol. Sin duda, la apuesta de HBO Max quiere asegurarse el tiro con los forofos del fútbol… y todo parece apuntar a que lo conseguirá.
Descubre quiénes serían los actores nuevos de Breaking Bad en un posible reboot según ChatGPT y Stable Diffusion.
Breaking Bad se ha convertido en la seriede referencia de varias generaciones. La ficción protagonizada por Bryan Cranston y Aaron Paul marcó el devenir de la era de oro de las series, y aún no hay otra que la haya superado en prestigio. Sin embargo, ahora estamos en plena era de remakes, reboots y nuevas adaptaciones, así que nos hemos preguntado cómo sería una nueva versión de Breaking Bad.
Al igual que hemos hecho con Star Wars, Juego de Tronos o Los Vengadores, para idear este hipotético remake hemos hecho uso de la Inteligencia Artificial. La mente humana cada vez tiene menos que envidiarle a estas herramientas —aunque todavía le queda mucho recorrido—, así que hemos preguntado a ChatGPT cuál sería el casting perfecto de la serie… con resultados algo raros.
Acto seguido, hemos pasado estos resultados por la herramienta Stable Diffusion, y sus creaciones han sido… terroríficas. Al final del post podemos imaginar cómo serían los nuevos actores en sus respectivos papeles. Pero creo que os dará más ganas de valorar el casting original que otra cosa.
Los actores ideales para un remake de Breaking Bad según ChatGPT
Lo primero que hemos hecho es preguntar a ChatGPT a qué actores se imagina en los roles protagónicos. Os reproducimos la conversación a continuación. Hemos detallado lo que queremos concretamente para que la herramienta de OpenAI no se pierda… y sus propuestas están en otro nivel de lo que fue la serie. Aunque esto no es necesariamente para mejor.
Evidentemente, no hemos podido poner a todo el reparto, pero sí a la mayoría de personajes de gran importancia. La conversación ha sido la siguiente:
Crea el casting perfecto para un remake de Breaking Bad, sin repetir a los actores originales. Necesito a los actores perfectos para: Walter White, Jesse Pinkman, Skyler White, Walter “Flynn” White Jr., Hank Schrader, Marie Schrader, Gustavo “Gus” Fring, Saul Goodman, Michael “Mike” Ehrmantraut, Ted Beneke, Steven Gomez, Gretchen schwartz, Elliott Schwartz, Jane Margolis, Tuco Salamanca
¡Claro! Aquí te presento mi casting ideal para un remake de Breaking Bad sin repetir a los actores originales:
Walter White: Christian Bale
Jesse Pinkman: Tom Hardy
Skyler White: Emily Blunt
Walter “Flynn” White Jr.: Finn Wolfhard
Hank Schrader: Michael Shannon
Marie Schrader: Sarah Paulson
Gustavo “Gus” Fring: Javier Bardem
Saul Goodman: John Turturro
Michael “Mike” Ehrmantraut: Liam Neeson
Ted Beneke: John Krasinski
Steven Gomez: Oscar Isaac
Gretchen Schwartz: Tilda Swinton
Elliott Schwartz: Jude Law
Jane Margolis: Zendaya
Tuco Salamanca: Diego Luna
¡Espero que te guste mi selección!
Creando el casting perfecto de Breaking Bad con IA
A continuación, hemos pasado el reparto recomendado por ChatGPT por Stable Diffusion para ver cómo quedarían estos actores en sus respectivos roles. Sin embargo, el resultado ha sido tan desastroso como el de Los Juegos del Hambre. Desde luego, nos va a costar imaginar la serie con estos actores.
Puede que una década después de la última entrega los jugones quieran probar otras cosas.
Podemos estar esperando ‘Zelda: Tears of the Kingdom’, ‘Assassin’s Creed Mirage’ o ‘Spider-man 2’ como agua de mayo, pero todos sabemos cuál es el juego que va a copar más titulares desde el momento en que se anuncie de forma oficial: ‘Grand Theft Auto VI’. Después de que su quinta parte vendiera 175 millones de copias dando un beneficio de 6.000 millones de dólares a Rockstar, parece que la productora está mimando cada detalle para que nadie se quede con las ganas. Y sin embargo… puede que una década después de la última entrega los jugones quieran probar otras cosas.
Dos años después de que ‘San Andreas’ revolucionara la industria, ‘Saints Row’ se lanzó a la venta como un simple clon. Una copia a mano alzada y no con papel cebolla, pero copia al fin y al cabo. Sin embargo, introducía un tema que ‘GTA’ abandonaría en sus siguientes entregas: la pertenencia a una banda. Mientras que la saga de Rockstar trataba la historia de un lobo solitario metido en un mundo criminal (por gusto o por salvar el pellejo), la de THQ tenía otro enfoque.
A partir de ‘Saints Row 3’ las cosas cambiaron sobremanera. Y es que, de repente, explotó la locura, la comedia, las situaciones inverosímiles, el ambiente más festivo. Mientras que en ‘GTA V’ veíamos una historia de crimen y venganza oscura y sin redención (que no le importó a nadie), en ‘Saints Row IV’ tu personaje, el mismo que en los juegos anteriores, conseguía superpoderes, se convertía en el presidente de los Estados Unidos y tenía que parar un ataque alien. Lo mismito, vamos.
Y por si te quedabas corto, ‘Saint Row: Gat out of hell’, su DLC, te permitía jugar con dos miembros de la banda mientras trataban de rescatar a su jefe del Infierno después de que Satán le secuestrara. Y ojo, nadie está diciendo que ‘GTA’ tenga que convertirse en un absurdo repleto de locuras dejando de lado su ADN, pero, para ser sinceros, a lo largo de ‘GTA Online’ también ha cambiado lo suficiente como para preguntarnos… Realmente, ¿qué es ‘GTA’?
¿Tiene personalidad propia ‘GTA’?
Aún poco sabemos de ‘GTA VI’, pero ante la recepción del modo historia de la quinta parte (espectacular en lo jugable, increíble en lo gráfico, decepcionante en lo narrativo), que, de hecho, ni siquiera ha lanzado un DLC, es posible que el equipo esté mirando más lo que hace la comunidad en el modo online para ajustar uno de los juegos más esperados de la década hasta el límite.
Dicho de otra manera: ni tan serio y apocado como viene siendo habitual, ni tan cómico y loco como en ‘Saints Row’. La idea de volver a jugar como un lobo solitario, teniendo la posibilidad de unirse a una banda, se hace ya repetitiva: al fin y al cabo, en el juego de Deep Silver la pertenencia a un grupo sirve para ver una evolución real y unos personajes que evolucionan juego a juego, creando conexión con el espectador. Si en un ‘GTA’ no funcionan, no hay nada que te haga volver a ellos.
Quizá no hay que abandonar la historia del criminal solitario que se enfrenta a los peces gordos, pero sí darle más profundidad, permitir que el jugador haga locuras si es lo que quiere… O darle la oportunidad de tener más contacto con otros personajes secundarios. ‘GTA’ pavimentó el camino para el triunfo de ‘Saints Row’, pero ahora puede que cambien las tornas: Rockstar ha creado dos juegos totalmente diferentes en uno mismo, y volver a la sobriedad de su historia cuando han acostumbrado al público a la sinvergonzonería del modo online puede ser una pastilla difícil de tragar.
Eh, montemos una banda
El camino que se abre delante de Rockstar no es fácil de seguir y está repleto de bifurcaciones para entender qué es realmente su saga estrella una década después de su última aparición. Incluso franquicias míticas como ‘Zelda’ se han ido adaptando poco a poco a los gustos de la gente para encontrar un nuevo ADN (de mazmorreo a mundo abierto) y la repetición constante, por muy espectacular que sea, solo va a dar lugar a, tarde o temprano, el abandono de los gamers.
Todo lo que sube no tiene por qué bajar, pero Rockstar necesita, quizá, echar un vistazo a esos mal llamados “clones” y ver si lo que proponen tiene sentido más allá de los coches, las pistolas, los tiroteos y todo lo que hace a ‘GTA’ la franquicia millonaria que es. Es un ejercicio de abandono del ego, pero puede dar lugar a aquello con lo que todos los desarrolladores de videojuegos sueñan: una nueva entrega que sepa a lo mismo de siempre pero tenga las suficientes novedades como para querer volver a pasar por caja otra vez. Y otra. Y otra más.
Con una larga lista de comandos disponible y la posibilidad de crear los que queramos, es una función a tener en cuenta.
El control de voz en tu iPhone es una funcionalidad de accesibilidad diseñada para facilitar el uso del dispositivo y hacerlo más accesible para personas con ciertas dificultades en la interacción. Con esta función, podemos controlar nuestro teléfono mediante comandos de voz, lo que nos permite navegar por aplicaciones, ajustar configuraciones y realizar diversas acciones sin necesidad de tocar la pantalla.
Configurar y utilizar esta función es muy sencillo y puede marcar la diferencia a la hora de recuperar un dispositivo.
Estás a punto de salir de casa, pero de repente, no encontramos el iPhone. ¿Está en el bolsillo del abrigo? ¿O tal vez debajo de los cojines del sofá? Para evitar esos momentos de incertidumbre, Apple nos ofrece la función Buscar mi iPhone, una herramienta que permite localizar el dispositivo y protegerlo en caso de pérdida o robo. Veamos cómo configurar y utilizar esta función para que nunca más volvamos a tener que jugar al escondite con el iPhone.
Los juegos legacy llevan una década con nosotros convirtiendo los juegos de mesa en una suerte de videojuegos en los que cada decisión importa y cada partida es diferente a la anterior.
Ya sabes jugar a un juego de mesa, aunque sea al parchís o la Oca, ¿verdad? Coges tus fichas, tiras los dados, mueves, lanzas cartas, te enfrentas a tus amigos o familiares y, al final, uno gana (a no ser que sea cooperativo). El juego vuelve a la caja y la próxima vez todo se repite en un día de la marmota imposible… O quizá no. Los juegos legacy llevan una década con nosotros convirtiendo los juegos de mesa en una suerte de videojuegos en los que cada decisión importa y cada partida es diferente a la anterior.
Adaptación a móviles del popular juego del Monopoly
La importancia del legado
En 1998, un especialista en juegos de mesa llamado Rob Daviau entró en Hasbro como escritor de preguntas de Trivial Pursuit (sí, ese trabajo existe) y Tabú. Un año después ya estaba diseñando sus propios juegos, aunque tan simples como ‘Monopoly Looney Tunes’ o ‘Buffy Cazavampiros’. Un día, mientras ideaba nuevas versiones de ‘Risk’ pensó una especie de broma interna sobre este último: ¿Por qué los asesinos de ‘Cluedo’ vuelven a ser invitados una y otra vez?
O dicho de otra manera: los jugadores no empiezan a jugar de cero, pero el juego sí. Si los videojuegos pueden salvar la partida y siempre seguir adelante hasta el final, ¿por qué no podía pasar en los juegos de mesa? Pronto pensó en un complejo sistema de sobres, sorpresas, reglas que van en aumento y un juego que evolucionara según las decisiones del jugador al que llamó “legacy”. Y el primero en el que quiso probarlo fue, paradójicamente, ‘Cluedo’. No salió adelante porque en Hasbro se lo prohibieron.
Era 2008 y él mismo cuenta lo que pasó: “Me miraron como si estuviera loco, así que pensé ‘Bueno, quizá es una idea loca’ y lo aparté”. Sin embargo, el concepto se quedó en la cabeza de sus superiores, y poco después le mandaron hacer una versión perpetua de ‘Risk’ en el que los jugadores tuvieran que hacer cosas impensables hasta ese momento: rascar el tablero, romper cartas o escribir sobre ellas sabiendo que nunca las volvería a utilizar después de la campaña, como si se tratara de una partida de ‘Dungeons & Dragons’. En 2011, ‘Risk Legacy’ salió a la venta tras año y medio de desarrollo. Fue un exitazo en el campo de los jugones aunque para Hasbro no fue mas que una nota al margen.
Pandemia (pero sin mascarillas)
Tras dejar Hasbro, su siguiente juego legacy tardaría en llegar, y este sí que cambiaría el mercado para siempre. ‘Pandemic Legacy: Temporada 1’ es el ‘Pandemic’ de siempre pero con cambios tras cada mes. Empieza siendo fácil de superar y poco a poco empieza a complicarse con variaciones del virus imposibles de curar, infecciones zombi, más facilidad para contagiarte y ciudades que quedan marcadas de por vida. Doce (o 24) partidas, dependiendo de tu habilidad y suerte, te llevarán a la victoria… o al desastre.
Fue fácil para Daviau elegir ‘Pandemic’. Cuando los creadores se lo propusieron por e-mail, su respuesta fue, a tamaño 150, “SÍ”. ‘Pandemic Legacy’ es un juego mucho más complejo que el original y en el que las decisiones que debes tomar (¿salvar una ciudad a riesgo de estar lejos de otra cuando el virus explote?) te harán sudar. Un imprescindible tras el que llegó la locura: todo el mundo quería su legacy.
Desde ‘Ultimate Werewolf’ (Hombres Lobo de toda la vida) hasta ‘Machi Koro’, ‘Vampiro: La mascarada’ o la mismísima saga de ‘Parque jurásico’, pocos juegos ha habido que se resistieran a un buena versión legacy. Obviamente, no siempre funciona bien, y algunos como ‘SeaFall’, del propio Daviau, no terminaron de entrar por los ojos. Por suerte, si te interesa esta variación con la que sentir por fin que los juegos de mesa han entrado en una nueva dinámica, atento, porque te vamos a recomendar los mejores.
No los dejes pasar
Si sabes algo del mundillo, por poco que sea, sabes que ‘Gloomhaven’ es una vaca sagrada. Una vaca sagrada con una caja que pesa literalmente diez kilos, pero que contiene una campaña apasionante que te devolverá al mejor rol con un estilo de juego fácil de entender (dependiendo de la atención que estés dispuesto a prestar) y que os asegura decenas de aventuras. Si quieres algo aún más accesible pero igualmente fabuloso, tienes ‘Gloomhaven: Fauces del león’. De nada.
Otra maravilla es ‘Clank! Legacy’, en el que cada partida cambiará y literalmente cada decisión será vital para conseguir llegar al final. Además, tiene una historia mucho más compleja que la de ‘Pandemic Legacy’ y es más familiar que ‘Gloomhaven’, convirtiéndolo en un perfecto inicio para la aventura.
Y los que tienen niños pequeños, ¿qué? Pues también pueden dar lo suyo con una aventura de zombis entre chavales: ‘Zombie kidz evolution’ y ‘Zombie teenz evolution’ mantendrán los progresos de una partida a otra. Como una campaña de rol, pero sin necesidad de hacer hojas infinitas de personajes. Este es el futuro de los juegos de mesa, al fin y al cabo. ¿O creías que todo iba a ser ‘Monopoly’ y ‘Catán’?
