Author: Chennon Kyle "CK" Santaren

Exodus ya tiene fecha, al menos por ahora: 7 de abril de 2027. El RPG narrativo de ciencia ficción de Archetype Entertainment apunta alto y, para muchos jugadores que todavía siguen esperando un heredero espiritual de Mass Effect, ya se ha metido en la conversación de los proyectos más interesantes del horizonte. Lo publica Wizards of the Coast y el tiro va bastante claro hacia ese público: una aventura para un solo jugador, con puesta en escena cinematográfica, decisiones que importan y un universo espacial levantado alrededor de personajes, diálogos y consecuencias.

La descripción oficial lo presenta como un RPG de acción en tercera persona ambientado en un futuro lejano. Ahí los jugadores se ponen en la piel de The Traveler, una figura que se mueve por el cúmulo de Omega Centauri con una misión muy concreta: localizar y robar tecnología alienígena extremadamente avanzada a los Celestials, una poderosa facción enemiga.

La comparación con Mass Effect no sale solo del tono o del escenario espacial. También tiene que ver con cómo está planteado el juego: una experiencia para un solo jugador, muy apoyada en la narrativa, algo que cada vez se ve menos en las grandes producciones del género. Archetype Entertainment ha repetido que la historia, las relaciones entre personajes y las decisiones del jugador van a ocupar el centro de la experiencia.

La mecánica que más personalidad le da, al menos sobre el papel, es la dilatación temporal. Cada vez que The Traveler sale de misión y viaja a velocidades cercanas a la luz, para el protagonista pueden pasar apenas unos días. En su hogar, mientras tanto, han transcurrido décadas.

Y eso cambia por completo el peso de cada expedición. Ya no se trata solo de regresar con botín o con información, sino de aceptar que el mundo que dejaste atrás va a seguir avanzando sin ti. Amigos, aliados, familias e incluso sociedades enteras pueden haber cambiado entre una misión y la siguiente, y así el tiempo deja de ser un detalle del trasfondo para convertirse en una consecuencia directa de jugar.

Hay otra razón por la que Exodus está atrayendo tanta atención: el pedigrí del estudio. Archetype Entertainment reúne a veteranos de BioWare como James Ohlen y Drew Karpyshyn, dos nombres muy asociados a varios de los clásicos de aquella casa y, en el caso de Karpyshyn, ligados de forma directa a Mass Effect y Dragon Age.

Esa herencia creativa dispara las expectativas de muchos jugadores. En ese equipo ven la promesa de una mezcla de exploración espacial, decisiones morales y construcción de personajes muy en la línea de los RPG que marcaron una época.

Exodus llega, además, con ambición en lo visual y en la forma de presentarse. El material oficial señala que Matthew McConaughey pone voz a C.C. Orlev, uno de los personajes clave del juego, y que el desarrollo se está haciendo con Unreal Engine 5. Todo eso refuerza la idea de que estamos ante una producción grande, de las que quieren hacerse notar.

Su lanzamiento está previsto para el 7 de abril de 2027 en PlayStation 5, Xbox Series X/S y PC, siempre según la información oficial del juego. Las primeras reacciones de la comunidad han sido en su mayoría positivas por el concepto y por la escala de la propuesta, aunque una parte de esa misma comunidad sigue mirándolo con cautela.

Las dudas, ahora mismo, se concentran en puntos bastante concretos: el modelado de personajes, el estilo artístico y, sobre todo, si ese sistema de dilatación temporal va a traducirse de verdad en consecuencias jugables tan potentes como promete la premisa oficial. Aun con esa reserva, Exodus ya se ha colocado como uno de los RPG de ciencia ficción más llamativos del horizonte.

The Walking Dead por fin le ha puesto una explicación oficial a una de las rarezas más discutidas de toda la saga: por qué los walkers, los zombis de la franquicia, en la primera temporada parecían bastante más listos que en el resto de la serie. La respuesta, según ha ido armando la propia franquicia, se sostiene en declaraciones de sus responsables y en la aparición posterior de walkers “variantes” y de distintas cepas del virus.

Lo que durante años se tomó como un agujero de guion cada vez más difícil de ignorar ahora tiene una justificación dentro y fuera de la ficción, aunque para parte del público siga sonando más a arreglo a posteriori que a un plan pensado desde el principio.

En los primeros episodios, esos walkers hacían cosas que luego casi desaparecieron por completo. Algunos usaban piedras u otros objetos para golpear. Otros intentaban abrir puertas girando pomos. Incluso daba la impresión de que conservaban restos de memoria o ciertos hábitos humanos.

Más adelante, las reglas parecían otras: zombis lentos, torpes y movidos casi solo por el instinto. Por eso la diferencia acabó viéndose como un cambio directo en las normas del propio universo que la serie había fijado al principio.

Robert Kirkman, creador del cómic The Walking Dead, explicó hace tiempo que aquellos walkers más espabilados respondían, sobre todo, a la visión del primer showrunner de la serie, Frank Darabont. Cuando Darabont salió del proyecto, la serie pasó a una lectura mucho más simple del zombi: menos inteligente, más uniforme y más fácil de mantener como amenaza constante.

Años después, la temporada final de The Walking Dead retomó esa idea con los walkers “variantes”, capaces de trepar, abrir accesos y moverse de una forma más avanzada que los habituales. Angela Kang, showrunner en la etapa final de The Walking Dead, dejó claro que no era un giro metido porque sí, sino una referencia deliberada a lo que ya se había visto en la temporada 1.

Sobre el papel, la jugada sirve para cerrar esa vieja herida. Luego está cómo la recibió la gente.

Y ahí la reacción ha sido bastante desigual.

The Walking Dead: Daryl Dixon fue un paso más allá y sugirió ya dentro de la propia ficción que existen distintas cepas del virus, y que en lugares como Francia aparecen zombis más rápidos, más agresivos o más evolucionados. Eso ayuda a encajar mejor por qué no todos los walkers se comportan igual según el territorio y, de paso, convierte una contradicción antigua en un rasgo más del universo.

La inteligencia de los walkers, aun así, no es el único frente que los fans llevan años señalando. Otro de los grandes misterios es cómo los supervivientes siguen encontrando combustible, vehículos en funcionamiento, generadores e incluso grandes cantidades de munición tantos años después del colapso, sobre todo si la gasolina convencional suele degradarse en torno a un año.

Las series más recientes de la franquicia también han intentado poner parches ahí. The Walking Dead: Dead City introduce metano obtenido de cuerpos en descomposición como fuente de energía, mientras que la serie principal ya había insinuado la producción de etanol. A eso se suma otra inconsistencia menos comentada: la descomposición de los walkers. Algunos aparecen casi reducidos a huesos, mientras otros, supuestamente del mismo periodo del apocalipsis, siguen estando relativamente enteros.

Queda por ver si los próximos spin-offs terminan de aclarar del todo estas grietas viejas de la franquicia.

Fast X, la décima película principal de Fast & Furious, ha vuelto a hacerse notar en varios rankings de streaming y compra digital durante agosto de 2026. En estos días reapareció en listas de lo más visto y lo más comprado en plataformas como Vudu, en Estados Unidos, y en las tiendas de Apple TV de mercados como Bélgica, Canadá y Filipinas, según los propios listados de esas plataformas. A eso se suman nuevas apariciones en clasificaciones globales.

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El repunte llega además en un momento muy favorable para Alan Ritchson. La temporada 4 de Reacher se estrenó en Prime Video el 12 de agosto de 2026, de acuerdo con la programación del servicio. La serie ha conectado bien con el público, y ese tirón parece estar empujando también otros trabajos anteriores del actor.

Ahora bien, los datos que hay sobre la mesa hablan de un interés renovado por Fast X, no de una victoria arrasadora frente a toda la competencia. Buena parte de la conversación nace de puestos en rankings de plataformas y tiendas digitales, no de cifras completas de visionado. Así que no hay una base sólida para decir que la película se haya convertido en un fenómeno indiscutible ni que esté dominando el streaming de manera sostenida como un número 1 absoluto.

El rendimiento es bueno, sí, pero conviene no mezclar ese impulso comercial con lecturas exageradas. También pesa algo muy simple: su larga vida en plataformas. En Estados Unidos, Fast X llegó a Peacock el 15 de septiembre de 2023, según la propia plataforma, de modo que ha tenido una ventana de streaming bastante amplia para seguir encontrando público, ya sea por descubrimiento tardío o por nuevos visionados dentro de una franquicia sobradamente conocida.

En Fast X, Alan Ritchson interpreta a Agent Aimes, el nuevo jefe de la agencia encubierta que antes estaba en manos de Mr. Nobody. En la película, Aimes termina revelándose como aliado del villano Dante Reyes, uno de los grandes giros del blockbuster. Y con Reacher ya asentada como una de las marcas más fiables del streaming de acción, resulta bastante lógico que parte del público esté volviendo a proyectos anteriores del actor. Ese efecto arrastre también encaja con su presencia cada vez mayor en otras producciones para plataformas, incluido el interés por títulos como War Machine en Netflix.

Cuando pasó por cines en mayo de 2023, Fast X recaudó cerca de 714 millones de dólares en todo el mundo, según Box Office Mojo. Esa cifra la colocó como la quinta película más taquillera de 2023 en ese mismo recuento. Aun así, su presupuesto de producción, situado alrededor de los 340 millones según estimaciones de la industria muy citadas, recortó bastante su margen de rentabilidad en salas. Por eso su recorrido posterior en digital y streaming ha sido tan importante para sostener su valor comercial a largo plazo.

También por ahí se entiende que siga moviéndose en plataformas. En Rotten Tomatoes, Fast X conserva un 84% de valoración de la audiencia frente a un 56% de la crítica, una distancia que apunta a una conexión bastante más fuerte con el público que con los analistas.

Y todavía queda recorrido para la saga. Con una nueva secuela prevista para 2028, de acuerdo con los planes de la franquicia que se han reportado hasta ahora, y conocida por el momento como Fast Forever, este repunte encaja bien con la capacidad de Fast & Furious para reactivar la conversación y volver a atraer espectadores incluso años después. Falta ver cuánto aguanta en las próximas semanas.

Netflix sumó hoy, 1 de enero de 2026, Johnny Mnemonic a su catálogo de Estados Unidos. El thriller cyberpunk de 1995, protagonizado por Keanu Reeves, vuelve a circular allí desde esta misma fecha y encuentra una segunda vida después de haber pasado de tropiezo en taquilla a pieza de culto. Su regreso, además, no podría llegar en un momento más indicado.

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Lo que en los 90 sonaba a rareza pasada de vueltas, un futuro ahogado en información, corporaciones en todas partes, realidad virtual y datos tratados como mercancía, hoy se ve bastante menos como un exceso y bastante más como una advertencia que se adelantó a su tiempo.

En Johnny Mnemonic, Keanu Reeves encarna a un mensajero de datos que lleva información confidencial almacenada en el cerebro.

La idea salía directamente del universo de William Gibson, figura central del cyberpunk y autor del relato original, publicado en 1981. Sobre el papel, la adaptación tenía todo para acabar convertida en una de esas películas de ciencia ficción que encuentran su culto con los años.

Pero el estreno original de Johnny Mnemonic en Estados Unidos fue otra historia. La crítica la recibió con frialdad y la película tampoco consiguió despegar en lo comercial.

Parte del problema, según se ha repetido durante años, estuvo en el choque entre la idea creativa y lo que pedía el estudio.

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Robert Longo, el director, y el propio William Gibson imaginaban una película pequeña, experimental y en blanco y negro. Al final, el proyecto terminó reconvertido en una propuesta de acción bastante más convencional, con un presupuesto que acabó rondando los 26 millones de dólares.

Esa separación entre la película que habían imaginado y la que terminó llegando a salas pesó durante mucho tiempo sobre la reputación de Johnny Mnemonic.

Aun así, con el paso de los años también se la ha vuelto a mirar como un claro antecedente de The Matrix, el clásico de ciencia ficción que Keanu Reeves estrenó en 1999. Distintos reportes, de hecho, sostienen que Lana y Lilly Wachowski la tomaron como referencia cuando estaban presentando aquella película. Vista hoy, la conexión entre Johnny Mnemonic y The Matrix se entiende enseguida: Johnny Mnemonic es más tosca, más camp y muy de su época, pero comparte esa fijación por las redes invisibles de poder, los cuerpos intervenidos por la tecnología y una realidad modelada por el flujo de información.

Buena parte de este interés renovado pasa por lo certeras que terminaron siendo varias de sus intuiciones.

El futuro de Johnny Mnemonic, situado en 2021, parecía en su momento una exageración pulp; ahora despierta curiosidad porque ideas como la sobrecarga informativa, la dependencia de la tecnología y la concentración de poder en manos de grandes empresas suenan demasiado cercanas. Esa coincidencia con el presente ha ayudado a afianzar el estatus de culto de Johnny Mnemonic, al que también han empujado su estética recargada, sus primeros efectos digitales y el atractivo de volver a una visión noventera del futuro. Para quien quiera verla por primera vez o recuperarla, su llegada a Netflix abre una nueva oportunidad, aunque en Estados Unidos estará disponible por tiempo limitado y, según reportes, seguirá allí hasta el 1 de julio de 2026. Además, existe una Director’s Intention Cut en blanco y negro, lanzada en 2022, mucho más cercana a la versión que Robert Longo quiso hacer desde el principio.

‘Dune: Parte Dos’, la continuación dirigida por Denis Villeneuve a partir de la obra de Frank Herbert, ya está en Max desde hoy, después de un paso muy exitoso por los cines. La recepción, además, deja bastante claro que Villeneuve encontró la forma de adaptar ese universo con ambición comercial y con el tipo de prestigio crítico que no siempre acompaña a una superproducción.

Con esta segunda parte, la saga se ha metido de lleno en la conversación sobre las mejores películas de ciencia ficción de los últimos años. También se ha ganado una reputación envidiable entre público y crítica por su ambición visual, su densidad política y su épica bélica, en un punto intermedio entre ‘Star Wars’ y ‘Juego de Tronos’.

Los datos ayudan a explicar ese entusiasmo. ‘Dune: Parte Dos’ se mueve en torno al 95% de aprobación, del público en Rotten Tomatoes y llegó al 98% entre la crítica en esa misma plataforma, por encima del 83% que obtuvo la primera entrega. La diferencia importa porque apunta a algo poco común en las grandes franquicias: la secuela no se limitó a sostener el nivel, para muchos directamente lo superó.

Buena parte de esa respuesta tiene que ver con cómo la película agranda la escala sin soltar el centro dramático.

La historia sigue a Paul Atreides, interpretado por Timothée Chalamet, en su integración con los Fremen en Arrakis y en la guerra que emprende contra la Casa Harkonnen. A lo largo de ese camino, la cinta se mete con asuntos como el poder, la venganza, la profecía y el peligro de convertir a un líder en una figura mesiánica.

Si la primera ‘Dune’ funcionaba como una introducción solemne a ese universo, esta segunda entrega es el momento en que ese mundo de verdad explota.

Aquí es donde mejor se entiende la comparación con ‘Star Wars’, por la escala de fantasía espacial, las batallas monumentales y una imaginería casi mítica. El parentesco con ‘Juego de Tronos’, en cambio, aparece en las alianzas, las traiciones, los linajes y todas esas maniobras de poder que atraviesan la historia.

La crítica también ha subrayado sus imágenes colosales, el diseño sonoro, la construcción del mundo, el reparto coral y la música de Hans Zimmer. Todo eso ha alimentado su reputación de “obra maestra moderna” dentro del género.

Y la cosa no se quedó solo en la conversación cultural. ‘Dune: Parte Dos’ pasó de los 700 millones de dólares en la taquilla mundial y terminó situada entre las películas más taquilleras de 2024, un resultado especialmente sólido para una producción de unos 190 millones de dólares a la que todavía habría que añadir cerca de 100 millones más en marketing global.

Ese rendimiento refuerza su condición de gran acierto para la franquicia y empuja el futuro de la saga hacia una tercera película basada en ‘Dune Messiah’. Denis Villeneuve ha reiterado su interés en cerrar una trilogía, y además queda abierta la puerta a un papel más importante para la princesa Irulan.

No toda la conversación, de todos modos, ha girado alrededor de la recaudación o de Rotten Tomatoes. También se ha hablado menos de lo esperado de cómo funcionó ‘Dune: Parte Dos’ en mercados no anglófonos, del reto de subtitular el lenguaje ficticio de los Fremen para públicos de todo el mundo y de las críticas sobre la manera en que la adaptación maneja influencias culturales de Oriente Medio y del norte de África.

Aun con todo, el veredicto general parece bastante claro: ‘Dune: Parte Dos’ no es simplemente una secuela exitosa, sino una de esas superproducciones poco frecuentes que consiguen ser espectáculo, cine de autor y fenómeno popular a la vez. De momento, sigue sin saberse cuándo llegará la confirmación oficial de esa tercera película.

Ananta, el RPG de acción free-to-play de Naked Rain que publicará NetEase Games, volverá a dejarse ver el 25 de agosto en la Gamescom 2026. Allí debería aparecer un nuevo adelanto de este proyecto, que durante bastante tiempo conocimos como Project Mugen. Solo con eso ya se ha reactivado la expectación alrededor de uno de los títulos más vistosos que hay ahora mismo en el radar, sobre todo después de la buena acogida que, por lo que apuntan las primeras reacciones, han tenido los avances de Ananta.

Si el nombre todavía no te termina de sonar, tiene explicación: Ananta es simplemente la nueva identidad de lo que antes se presentaba como Project Mugen.

La acción transcurre en Nova City, una ciudad futurista de mundo abierto donde los jugadores se ponen en la piel de agentes de la Anti-Chaos Directorate, una organización centrada en investigar y frenar incidentes paranormales. Viéndolo así, se entiende por qué parte de la cobertura le ha dado cierto aire de cazademonios, aunque esa no sea una etiqueta oficial. Y luego está el estilo visual: urbano, luminoso, con mucho carácter. Por eso también han aparecido comparaciones con una estética pop que recuerda al imaginario del K-pop.

Donde Ananta parece querer marcar la diferencia de verdad es en la movilidad. Los tráilers enseñados hasta ahora dejan ver carreras por paredes, uso de gancho, balanceo entre rascacielos y desplazamientos veloces por una ciudad densa, alta, muy vertical. De ahí que mucha gente ya lo resuma como una especie de cruce entre una gran urbe al estilo GTA y la movilidad acrobática de Marvel’s Spider-Man.

También habrá vehículos. Y en combate, al menos por lo que se ha visto hasta ahora, la propuesta apunta a un sistema de equipo con alternancia entre cuatro personajes, cada uno con habilidades propias. Sobre el papel, eso le da un ritmo más ágil y bastante más táctico que el de muchos RPG de acción tradicionales.

NetEase Games tiene previsto lanzar Ananta en PC, PlayStation 5 y móviles. Fecha oficial todavía no hay. Aun así, entre las especulaciones que más se repiten, la ventana que más suena se mueve entre 2026 y 2027.

Otro frente importante es el de la monetización. NetEase Games ha dicho que será free-to-play y que no tendrá sistema gacha para personajes, así que todo apunta a que el modelo de negocio descansará sobre todo en cosméticos. Para los jugadores suena bien. Desde el lado comercial, ya es una apuesta con más riesgo. Las primeras reacciones han sido positivas, sobre todo por la animación, el estilo visual y la rapidez de la acción, aunque algunos analistas siguen poniendo el foco en lo mismo: todavía falta ver secuencias largas de gameplay, sin cortes, para hacerse una idea más clara. Lo que sigue sin saberse es cuándo llegará finalmente a PC, PlayStation 5 y móviles.

Netflix ha hecho de Baki, la saga de artes marciales creada por Keisuke Itagaki, una de las series más visibles de su catálogo mundial. Y eso ha agrandado todavía más un fenómeno que el autor japonés lleva publicando desde hace más de 30 años y que ya supera los 100 millones de copias vendidas.

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El paso del manga Baki al streaming respondió a una apuesta muy concreta. Con sus estrenos simultáneos en todo el mundo, Netflix le abrió a la saga una audiencia mucho más amplia de la que había tenido históricamente fuera de Japón.

Ahí está buena parte de la explicación de su expansión internacional. En lugar de lanzamientos partidos por territorios, Netflix apostó por estrenos globales que plantaron la franquicia delante de espectadores de América Latina, Europa y otras regiones donde su popularidad online llevaba años creciendo. Al mismo tiempo, esa alianza dio al equipo creativo del anime margen para conservar el tono extremo que siempre ha definido a la obra.

Y se sigue viendo en los números. Baki-Dou: The Invincible Samurai, la nueva entrega, sumó 3,4 millones de visualizaciones en su primera semana y llegó al puesto número 2 mundial entre las series de TV de habla no inglesa en Netflix, según los datos semanales de la propia plataforma. Cuesta encontrar una prueba más clara de que una franquicia con raíces tan concretas en el manga de combate japonés ya funciona a escala internacional.

El productor Kei Watabiki ha señalado justamente eso: la capacidad de lanzamiento global fue una de las grandes ventajas de trabajar con Netflix. Según explicó, la alianza también les dio más libertad creativa para adaptar la intensidad del material original sin limarle la personalidad.

Llevar Baki al anime nunca fue fácil. El manga de Keisuke Itagaki tiene un dibujo rarísimo y muy reconocible, con anatomías imposibles, expresiones desatadas y una fisicidad casi monstruosa. El reto para el equipo estaba en pasar todo eso a la pantalla sin que perdiera fuerza por el camino.

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Y luego estaba la violencia. Arcos como el de los condenados a muerte más malvados obligaban a mostrar peleas brutales, violencia gráfica y una sensación constante de exceso. Ahí Netflix acabó siendo un socio clave, porque permitió que el equipo respetara mejor la crudeza y lo extravagante de la obra, en vez de rebajarla para hacerla encajar en un formato más convencional.

Parte del éxito de Baki tiene que ver con algo muy simple: nunca finge ser sofisticada cuando no hace falta. Va de frente. Combates imposibles, rivalidades gigantes y una escalada constante de locura. A eso se suma un sello muy propio, esa narración casi documental que explica técnicas y hazañas con un tono seudocientífico, como si lo absurdo pudiera demostrarse con absoluta seriedad.

Esa mezcla de violencia desatada, estructura simple y espectáculo delirante la vuelve perfecta para circular por internet, y el crecimiento del fandom ha ido acompañado de memes, clips y discusiones virales, sobre todo en América Latina y Europa. Netflix sigue empujando la franquicia con nuevos arcos y especiales como Baki Hanma VS Kengan Ashura. Después de 30 años, Baki sigue muy viva y en el streaming encontró una segunda juventud.

Prime Video ya le ha puesto fecha al estreno global de Babita Singh Reporting, su nueva serie original india. Llegará el 28 de agosto a India y a más de 240 países y territorios, tal y como ha confirmado la plataforma.

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El movimiento vuelve a dejar clara una línea que Prime Video lleva tiempo empujando: sacar producciones locales de su mercado de origen y ponerlas a circular fuera. Y ahora mismo eso pesa más que antes, porque el contenido indio en lenguas distintas del inglés va ganando espacio dentro de los catálogos internacionales.

Babita Singh Reporting estará disponible en hindi, con subtítulos en inglés, de acuerdo con los datos compartidos por la compañía.

Que se estrene a la vez en India y en más de 240 mercados la coloca entre las series originales recientes del país con mayor radio de alcance fuera de casa. También encaja con una estrategia de Prime Video que ya se ve con bastante claridad: usar sus producciones locales para reforzar mercados clave, sí, pero también para empujar el consumo global de historias regionales que conservan una identidad muy marcada.

La historia sigue a Babita, una agente de policía suspendida en un pequeño pueblo de India, que decide investigar el asesinato de una amiga de la infancia.

A partir de ahí, lo que arranca como una investigación criminal va abriéndose hacia algo mucho más personal. El caso la obliga a volver sobre verdades incómodas, algunas ligadas a su pasado y otras a la vida que ha construido.

La serie se mueve dentro del drama de investigación, aunque el peso parece estar muy puesto en el personaje. Mezcla la tensión propia de un misterio criminal con un conflicto emocional más hondo y adopta un tono sobrio, realista, bastante alejado del espectáculo fácil. Lo que le interesa, por lo que se ha adelantado, son las consecuencias humanas del crimen y las grietas que deja al descubierto en una comunidad pequeña.

Al frente del reparto está Nimisha Sajayan, que asume el papel protagonista. Junto a ella aparecen Barun Sobti y Anshumaan Pushkar, que completan el elenco principal con papeles secundarios de peso.

Detrás de la cámara, la dirección corre a cargo de Ambiecka Pandit y el guion lleva la firma de Amita Vyas. A eso se suma el respaldo del productor ejecutivo Sudip Sharma, un nombre muy reconocible dentro de la ficción india contemporánea.

El estreno, además, cae en un momento especialmente competido para el streaming en India. Las grandes plataformas siguen metiendo dinero en originales en lenguas locales y en franquicias que ya llegan con público propio.

Prime Video, de hecho, ha insistido varias veces en que existe una demanda internacional fuerte para las producciones indias no anglófonas.

Babita Singh Reporting entra dentro de la hoja de ruta que Prime Video ha dibujado para el mercado indio en 2026, una programación que, según los planes anunciados por la plataforma, ronda los 55 nuevos títulos repartidos entre hindi, tamil y telugu.

El 28 de agosto estará en Prime Video. Y también servirá para ver hasta dónde puede llegar una historia profundamente local, sostenida por un crimen, un secreto y una protagonista que todavía arrastra cuentas pendientes con su propio pasado.

Game of Thrones: Conquest ha confirmado hoy que Game of Thrones: The Great Hunt llegará el 18 de agosto como evento por tiempo limitado dentro de Game of Thrones: Conquest, el juego para móviles de iOS y Android publicado originalmente en 2017.

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La cita será el 18 de agosto, y no en HBO ni en una librería, sino dentro de este juego para iOS y Android.

La propuesta durará cuatro días, hasta el 22 de agosto, y no llega como un nuevo spin-off televisivo ni como una expansión independiente de la saga.

Si se sigue el calendario oficial de Game of Thrones: Conquest, The Great Hunt arrancará el 18 de agosto y terminará el 22. Es una ventana corta, muy propia de este tipo de eventos móviles, pensada para concentrar la actividad de los jugadores durante varios días seguidos.

En lo jugable, Game of Thrones: The Great Hunt apuesta por un formato PvE cooperativo.

Es decir, en vez de girar alrededor de enfrentamientos directos entre usuarios, el evento pide a los jugadores que colaboren a través de sus Allegiances, las alianzas internas de Game of Thrones: Conquest, para derribar criaturas poderosas.

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Tiene sentido dentro de cómo funciona Game of Thrones: Conquest. Es un juego que lleva años apoyándose en clanes, coordinación entre jugadores y eventos recurrentes para mantener activa a su comunidad.

Su recepción crítica en el lanzamiento fue desigual, al menos si se mira lo que decían las reseñas de entonces, pero el juego ha logrado sostener una base estable de usuarios gracias a actualizaciones frecuentes y a un flujo constante de contenido.

Game of Thrones: The Great Hunt se enmarca dentro de History and Visions, un arco temático de un mes en Game of Thrones: Conquest.

La campaña busca volver sobre distintos momentos, símbolos y elementos del pasado de Westeros mediante eventos especiales repartidos a lo largo de agosto. Entre ellos están otros contenidos PvE, como The Song of Ice and Fire y The Iron Throne, además de propuestas centradas en el PvP como Lord of Light.

La franquicia principal de Game of Thrones atraviesa ahora un periodo bastante tranquilo entre grandes estrenos televisivos, y este tipo de iniciativas en móvil ayuda a mantener vivo el interés de los fans por el universo de Westeros.

Por ahora, si se atiende a los anuncios oficiales y a la cobertura de los medios especializados en videojuegos, The Great Hunt se ha dirigido sobre todo a la comunidad que ya sigue activa en Game of Thrones: Conquest. Para esos jugadores, el evento funciona como una excusa más para volver al mapa y salir de caza en grupo durante unos días.

Terminator 2 vuelve hoy a los cines en 4K y 3D por el 35 aniversario de su estreno

Terminator 2: Judgment Day vuelve a ponerse en primer plano con un reestreno en cines por los 35 años de su llegada original. La gran noticia de la franquicia Terminator este mes no pasa por una película nueva, sino por el regreso de su entrega más aplaudida a las salas, justo cuando la saga sigue muy viva en la cultura popular, aunque su futuro más cercano continúe sin un rumbo del todo definido.

Lo que tienen seguro los fans, al menos por ahora, es el regreso de Terminator 2: Judgment Day, o simplemente T2, a varios territorios entre finales de agosto y comienzos de septiembre, tal y como recoge la promoción del relanzamiento. Esta nueva vuelta a los cines incluirá formatos como 4K y 3D, una forma bastante clara de reivindicar una película que, más de tres décadas después de su estreno, sigue viéndose como una referencia tanto técnica como narrativa dentro de la ciencia ficción y el cine de acción.

Para mucha gente, este movimiento se parece más a una celebración del legado de la saga que al arranque de una etapa nueva. También pone otra vez sobre la mesa el peso histórico de Terminator 2: Judgment Day, una película que cambió la manera de entender los efectos visuales en Hollywood y dejó el listón del blockbuster de acción moderno mucho más alto.

El problema para quien esperaba material completamente nuevo es bastante simple: a día de hoy no hay una próxima película de Terminator confirmada de manera oficial.

Y el reestreno llega, además, en una etapa marcada por cancelaciones, retrasos y proyectos que no han terminado de asentarse. Terminator Zero, la serie de anime de Netflix estrenada en 2024, fue cancelada oficialmente a comienzos de 2026, según su anuncio oficial, después de una sola temporada. Terminator: Survivors, el juego de supervivencia en mundo abierto con el que se intentaba expandir la franquicia más allá del cine, también sigue atascado: ha sido retrasado de forma indefinida, según la información comunicada hasta ahora, y su lanzamiento ya se ha empujado más allá de 2026.

Luego está el rumor de siempre sobre una nueva película. Según las informaciones publicadas hasta ahora, James Cameron estaría trabajando en un guion para otro largometraje de Terminator, pero lo cierto es que los detalles siguen siendo mínimos y cualquier estreno, si es que el proyecto acaba tomando forma, todavía parece quedar a varios años de distancia.

La primera reacción al reestreno ha sido, en general, bastante buena entre aficionados y críticos. Se repite mucho la misma idea: el legado de Terminator 2: Judgment Day sigue intacto, como espectáculo cinematográfico aguanta perfectamente el paso del tiempo, y volver a verla en una sala tiene un valor especial, sobre todo por una escala visual y sonora que ahí sigue golpeando de otra manera.

Eso sí, la promoción del relanzamiento parece estar muy centrada en Norteamérica y Europa, con bastante menos presencia en mercados no angloparlantes, especialmente en algunas regiones de Asia y África. Y, como suele pasar con Terminator, nadie sabe cuándo llegará una nueva película. El futuro inmediato de la franquicia, por ahora, sigue siendo difícil de leer.