Author: Chennon Kyle "CK" Santaren

Trailmark Games ya ha empezado a mover la maquinaria del hype con The Walking Dead: Streets of Survival, un nuevo juego de acción arcade que, si nos guiamos por su ficha oficial de Steam, llegará el 18 de septiembre de 2026 y llevará a la franquicia de The Walking Dead de vuelta a una de sus etapas más ásperas. En lo jugable, la apuesta va por algo bastante más ligero, pero el marco narrativo apunta de lleno a un periodo que muchos seguidores de la serie todavía recuerdan como un golpe duro.

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Según su descripción oficial, The Walking Dead: Streets of Survival se sitúa en el arco de All Out War, el conflicto que enfrenta al grupo de Rick Grimes con los Saviors de Negan. Eso coloca a The Walking Dead: Streets of Survival en uno de los momentos más recordados tanto del universo televisivo como del cómic, y también en uno de los más complicados de revisitar para el público veterano.

El motivo está claro: esa etapa quedó marcada por la muerte de Glenn Rhee en el arranque de la séptima temporada, una escena que muchos fans siguen viendo como la más triste, traumática y determinante de toda la serie. Incluso ahora, años después, Glenn Rhee sigue siendo uno de los grandes símbolos emocionales de The Walking Dead, así que volver a ese punto desde un juego con estética retro y tono de beat ’em up difícilmente va a pasar inadvertido.

En algunos análisis de audiencia, además, esa muerte aparece ligada al comienzo de la caída de espectadores de la serie.

The Walking Dead: Streets of Survival lo está desarrollando Odaclick Game Studio y lo publicará Trailmark Games, al menos según figura en la ficha oficial del juego en Steam. La propuesta aparece ahí descrita como un juego de acción en 2D para un jugador, con una estética retro que bebe de forma bastante clara de los beat ’em up clásicos.

Entre los personajes jugables que Trailmark Games ya ha confirmado están Rick Grimes, Daryl Dixon y Michonne, tres de los rostros más reconocibles de toda la franquicia. Sobre el papel, además, parece una apuesta más directa y fácil de abordar que otros intentos recientes de llevar The Walking Dead al videojuego.

Trailmark Games ha anunciado versiones para PlayStation 5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC a través de Steam. La edición estándar costará 19,99 y la edición deluxe se irá a 29,99, según la propia página de Steam del juego, donde también puede descargarse ya una demo gratuita. Un detalle que deja ver bastante bien la intención de la editora de ganarse cierta confianza de los jugadores antes del lanzamiento.

El estreno, además, encaja con la estrategia de expansión que la franquicia The Walking Dead viene manteniendo desde 2022, apoyándose en nuevos spin-offs y en juegos para seguir viva más allá de la serie principal. Streets of Survival llega ahí con una oportunidad bastante clara: convertirse en una adaptación mejor recibida que The Walking Dead: Destinies, el juego de 2023 cuya acogida fue, siendo generosos, bastante mala.

Dealabs ha publicado hoy varios rumores sobre un supuesto nuevo mando de Xbox inspirado en Gears of War: E-Day, así que todo lo que viene ahora hay que leerlo con cautela.

Una nueva filtración apunta a que Microsoft estaría preparando un mando inalámbrico de edición limitada basado en Gears of War: E-Day, y las primeras descripciones dibujan un producto con un diseño bastante llamativo.

La información sale de Dealabs, donde citan a varias personas que supuestamente ya habrían visto el periférico. La palabra que más se repite es “precioso”, y eso ha bastado para encender la curiosidad de los fans de Xbox y de Gears of War incluso antes de que exista un anuncio oficial. No hablamos de una consola nueva ni de una revisión del hardware actual. Lo que aparece en la filtración es un Xbox Wireless Controller que, en teoría, llevaría el nombre de Storm King.

Siempre según Dealabs, el mando estaría claramente ligado a Gears of War: E-Day, uno de los juegos propios de Microsoft que más expectación está generando ahora mismo. La descripción habla de un acabado muy reconocible, con texturas agrietadas en negro y rojo que recuerdan a la roca volcánica, además de varios guiños visuales sacados de la franquicia.

Y hay más detalle. La filtración menciona el emblema Crimson Omen y también toques de rojo sangre repartidos por la cruceta, los botones centrales y el stick derecho. Sobre el papel, suena a uno de esos mandos que no se quedan solo en el uso diario y que mucha gente querría tener también en la estantería.

El reporte de Dealabs incluso se moja con los precios. Este mando especial podría salir por 89,99 dólares, 84,99 libras y 89,99 euros, así que quedaría colocado sin demasiadas dudas en la gama prémium de los accesorios oficiales de Xbox. Si la información termina siendo cierta, aunque por ahora no hay pruebas que la confirmen, su presentación oficial podría llegar dentro de las próximas dos semanas. De momento, Microsoft no ha dicho nada en público sobre este supuesto lanzamiento.

La fuente es Dealabs, un medio que se ha labrado cierta reputación con filtraciones de hardware, suscripciones y lanzamientos dentro del sector. Eso no convierte el rumor en algo oficial, claro, pero sí ayuda a entender por qué tantos jugadores le están siguiendo la pista de cerca.

Si acaba confirmándose, el mando encajaría bastante bien con la línea que Microsoft ha seguido últimamente: lanzar periféricos especiales vinculados a sus franquicias más conocidas para que la conversación alrededor de Xbox siga activa.

De hecho, Microsoft ya ha tirado de esta fórmula con otros productos temáticos, entre ellos un mando reciente inspirado en Forza Horizon 6.

Y luego está la lectura comercial, que también pesa. Más allá del coleccionismo, este tipo de accesorios tiene sentido en una generación de consolas que ya está madura y que, en algunos mercados, además ha venido acompañada de subidas de precio. Los periféricos prémium sirven para sostener los ingresos de hardware y, de paso, reforzar la identidad de marca sin necesidad de poner una máquina nueva sobre la mesa. La filtración, además, aparece en un momento en el que vuelve a crecer el ruido alrededor del futuro de Xbox, con rumores sobre la próxima generación y sobre el supuesto proyecto Helix, del que se dice que daría prioridad a la compatibilidad con consolas Xbox anteriores e incluso con ciertos títulos de PC.

Stranger Things, la serie de Netflix, se ha convertido hoy, de manera oficial, en la serie más vista en streaming de 2026 en Estados Unidos. Así lo recogen los datos de audiencia acumulada que publicaron esta semana los medidores del sector. en streaming de 2026 en Estados Unidos. La cifra confirma algo que Netflix lleva años comprobando: cada vez que Hawkins vuelve a ponerse en circulación, el público acude en masa.

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El empuje no viene únicamente de los episodios nuevos. Hay además un efecto catálogo muy visible: millones de usuarios aprovechan cada regreso para volver a ver temporadas anteriores o para empezar la serie desde el principio. En volumen total de visionado Stranger Things encabeza 2026 por delante de cualquier otra serie disponible en plataformas, siempre según esos mismos datos acumulados de audiencia.

En este tipo de mediciones, el consumo suele calcularse en minutos reproducidos. Esa métrica beneficia a los títulos con temporadas largas, sí, pero también sirve para mostrar con bastante claridad qué producciones consiguen aguantar durante semanas en el centro de la conversación.

En el caso de Stranger Things, creada por Matt Duffer y Ross Duffer, la mezcla sigue funcionando con una fuerza poco común: una marca reconocible, una base de fans global y esa capacidad, nada fácil de sostener, de atraer tanto a espectadores veteranos como a nuevos suscriptores.

Ahí está buena parte de la explicación de por qué Netflix sigue tratando a Stranger Things como una de sus propiedades más valiosas. Más allá del récord puntual, su rendimiento vuelve a poner sobre la mesa una de las claves del negocio del streaming: estrenar un éxito no alcanza; hay que conseguir que siga vivo.

Títulos como este son activos de largo recorrido. Sirven para sostener el tiempo de uso dentro de la app, empujan el boca a boca y rebajan la dependencia de los estrenos semanales a la hora de retener audiencia.

Para Netflix, encabezar 2026 con Stranger Things, su mayor franquicia de ciencia ficción, tiene un peso especial en un momento marcado por subidas de precios, planes con anuncios y catálogos cada vez más fragmentados. Tener una serie capaz de dominar el consumo masivo sigue siendo, sin rodeos, una ventaja enorme.

También le da una protección mayor frente a rivales que dependen más de licencias ajenas o de marcas ya consolidadas. Dicho de otra forma, Stranger Things no está ganando solo por nostalgia o por ruido mediático. Sigue funcionando como un auténtico acontecimiento para la audiencia.

Queda por ver cómo se mueve el calendario de estrenos en la recta final del año. De momento, no está claro si algún otro lanzamiento llegará a discutirle ese liderato antes de que termine 2026.

Ubisoft ha puesto hoy en marcha una demo gratuita de Star Wars Outlaws, limitada a tres horas, en PlayStation 5, Xbox Series X|S y PC. La prueba apunta, sobre todo, a quienes le tenían ganas al juego pero todavía no estaban dispuestos a comprarlo, y trae contenido suficiente para hacerse una idea bastante concreta de su planteamiento de mundo abierto dentro del universo Star Wars.

Ahora bien, hay que dejar una cosa clara desde el arranque: no estamos ante el juego completo, sino ante una versión de prueba con un tope de tres horas. La demo de Star Wars Outlaws puede descargarse gratis en PS5, y también está disponible en Xbox Series X|S y en PC mediante Steam, Epic Games Store y Ubisoft Connect. En la práctica, cubre casi todas las plataformas en las que salió el juego.

Según Ubisoft, la demo deja ver fragmentos de la historia principal y varias misiones secundarias situadas en Tatooine, uno de los planetas más reconocibles de toda la saga. Para muchos jugadores, solo por eso ya merece la pena echarle un vistazo. Al fin y al cabo, esta prueba está pensada para enseñar una parte de esa mezcla de exploración, sigilo, combates y trabajos para distintas facciones criminales sobre la que gira la experiencia.

Star Wars Outlaws, desarrollado por Massive Entertainment y editado por Ubisoft, se lanzó oficialmente el 30 de agosto de 2024 en PS5, Xbox Series X|S y PC. Unos días antes, el 27 de agosto de 2024, arrancó el acceso anticipado para quienes habían comprado las ediciones Gold o Ultimate, además de los suscriptores de Ubisoft+.

La aventura se sitúa entre los hechos de El Imperio contraataca y El retorno del Jedi, y pone al jugador en la piel de Kay Vess, una buscavidas que recorre la galaxia junto a su compañero Nix. Durante Star Wars Outlaws también se pasa por otros planetas explorables, como Kijimi y Akiva.

El estreno de Star Wars Outlaws, eso sí, no fue precisamente apacible. La crítica lo recibió, en líneas generales, de manera positiva, pero una parte de la comunidad puso el foco en problemas de rendimiento, bugs y cierta falta de pulido en varios frentes.

Pasaron unos meses y, en octubre de 2024, Ubisoft admitió que las ventas de Star Wars Outlaws se habían quedado por debajo de lo que esperaba. Desde entonces, la compañía ha seguido dándole soporte con actualizaciones y contenido extra, incluidas las expansiones de historia Wild Card y A Pirate’s Fortune. La llegada de esta demo también puede leerse así: como otro intento de convencer a quienes se quedaron con dudas después del lanzamiento.

Tom Holland y Zendaya han mandado este fin de semana en la taquilla norteamericana con “Spider-Man: Brand New Day“, que habría debutado con unos 355 millones de dólares, según las primeras proyecciones de la industria. A la vez, “The Odyssey” sigue por encima de los 700 millones en todo el mundo, también de acuerdo con esas estimaciones, varias semanas después de su estreno.

El resultado deja un fin de semana de más de 400 millones de dólares en Norteamérica, según los datos de recaudación, y vuelve a poner sobre la mesa el peso comercial que Tom Holland y Zendaya tienen ahora mismo en salas.

La gran noticia ha estado en el arranque de “Spider-Man: Brand New Day”. La película ha firmado la segunda mejor apertura de todos los tiempos en Norteamérica, según las primeras estimaciones de la industria, solo por detrás de “Avengers: Endgame”. Y su primer día también fue de récord: 168 millones de dólares y una nueva marca histórica, siempre según esos mismos cálculos.

A escala mundial, el estreno de “Spider-Man: Brand New Day” se mueve entre los 875 y los 925 millones de dólares, de acuerdo con las estimaciones del sector, así que el personaje vuelve a confirmarse como una de las marcas más potentes del cine comercial.

Más allá de los números, el estreno también refuerza el lugar de Tom Holland como estrella de franquicia y el efecto que su asociación con Zendaya sigue teniendo entre el gran público.

La recepción de “Spider-Man: Brand New Day” ha sido más desigual que la de “The Odyssey”, aunque hay algo en lo que crítica y espectadores parecen encontrarse: el carisma de los dos y la química que tienen en pantalla siguen siendo de las apuestas más seguras del negocio.

El otro gran título del verano para ambos intérpretes es “The Odyssey”, la ambiciosa producción de Christopher Nolan. La película ya ha superado los 700 millones de dólares en todo el mundo, según las estimaciones de taquilla, y en su tercer fin de semana apuntaba a sumar otros 51 millones para llevar su total en Norteamérica hasta unos 395,5 millones de dólares.

Ese aguante en cartelera importa, y mucho, porque confirma que “The Odyssey” no vive solo de una apertura fuerte. Hay recorrido real, hay boca a boca y también un respaldo crítico bastante amplio.

Entre “Spider-Man: Brand New Day” y “The Odyssey” han empujado la recaudación del fin de semana en Norteamérica por encima de los 400 millones de dólares, según los datos de taquilla, una cifra poco habitual incluso en plena temporada alta de estrenos.

En un momento en que Hollywood sigue buscando señales claras de recuperación y estabilidad en salas, informes recientes añaden otro dato: las películas vinculadas a Tom Holland y Zendaya desde 2017 han generado más de 11.200 millones de dólares en todo el mundo, una cifra al alcance de muy pocas estrellas en activo. Falta por ver si “Spider-Man: Brand New Day” y “The Odyssey” podrán sostener este ritmo durante el resto del verano.

Sony ha presentado hoy sus resultados trimestrales y, dentro de esas cuentas, el catálogo de Michael Jackson aparece, según la propia compañía, como uno de los grandes motores del crecimiento del grupo. En concreto, Sony Music Entertainment incrementó sus ventas un 22%, de acuerdo con esos resultados, empujada por el interés renovado en el catálogo del cantante tras el éxito en taquilla de la película Michael. Sony Pictures Entertainment, en cambio, registró una caída del 13% en ingresos, también según Sony, por una cartelera menos fuerte y por la entrega de un menor número de series de televisión.

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Lo de Sony Music Entertainment no suena a algo anecdótico ni puntual.

En la semana posterior al estreno del biopic Michael, el catálogo en solitario de Michael Jackson alcanzó 137,5 millones de reproducciones bajo demanda en Estados Unidos, según los datos de consumo citados por Sony. Frente a la semana anterior, el salto fue del 146%. Y esa subida se trasladó rápido no solo a las escuchas, sino también a las ventas de catálogo.

En concreto, dos de sus discos más emblemáticos, Thriller y Bad, volvieron a colocarse entre los 10 lanzamientos discográficos más vendidos del trimestre para Sony, siempre según las cuentas trimestrales del grupo.

Las cifras apuntan en una dirección bastante nítida. La recuperación de Sony Music Entertainment se apoyó sobre todo en títulos clásicos, otra prueba de hasta qué punto los grandes catálogos pueden volver a monetizarse cuando reciben un impulso cultural con alcance masivo.

La película Michael también devolvió a Jackson a las listas principales.

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Thriller reingresó en el Billboard 200 y Billie Jean regresó al Hot 100, según Billboard. El interés del público no se quedó en las compras puntuales de álbumes; también se extendió al streaming y a la visibilidad en listas.

Todo esto llega, además, poco después de una gran operación corporativa.

En febrero de 2024, Sony adquirió un 50% de los derechos editoriales y de las grabaciones maestras de Michael Jackson por unos 600 millones, una transacción que valoraba el conjunto de esos activos en torno a 1.200 millones, según la información pública disponible sobre el acuerdo. Con ese contexto, el tirón comercial de Michael refuerza la lógica de la inversión: la película habría recaudado 218,8 millones a nivel global, según Box Office Mojo, y su impacto se dejó sentir casi de inmediato en toda la cadena musical.

Para la industria del entretenimiento, el caso vuelve a confirmar una fórmula conocida, pero cada vez más valiosa: un gran estreno audiovisual puede reactivar catálogos históricos con una velocidad muy difícil de igualar para las campañas tradicionales.

Se desconoce qué parte exacta del crecimiento del 22% en Sony Music Entertainment procede directamente del catálogo de Jackson, y la información pública tampoco ofrece por ahora una visión completa de su evolución internacional.

Cuando HBO llevó Westeros a la televisión con Game of Thrones, la adaptación de Canción de hielo y fuego, casi todos los protagonistas llegaron con unos cuantos años más encima que en los libros de George R.R. Martin.

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La serie nunca se detuvo a decir de forma explícita qué edad tenían realmente sus personajes, pero al poner lado a lado el canon de Canción de hielo y fuego y lo que HBO dejó caer en pantalla, la diferencia salta rápido: casi todos fueron envejecidos, y sobre todo los más jóvenes. No fue un cambio superficial. Esa decisión modifica la forma en que se leen sus decisiones, sus romances y también el peso de las tragedias que cargan desde la primera temporada.

En las novelas, las edades de arranque son bastante más bajas de lo que mucha gente recuerda. Daenerys Targaryen empieza con 13 años; Jon Snow y Robb Stark, con 14; Sansa Stark, con 11; Arya Stark, con apenas 9. En la serie de HBO, en cambio, Daenerys pasa a moverse en torno a 16; Jon y Robb quedan también cerca de esa edad; Sansa sube a 13 y Arya a 11. Ese ajuste tuvo consecuencias claras: no solo cambia cómo se percibe a esos personajes, también hace más digeribles para una audiencia masiva varias tramas especialmente duras.

Y HBO no hizo ese reajuste solo con niños y adolescentes. En los libros de Martin, Ned Stark y Catelyn Stark rondan los 35 años, pero en pantalla se sienten bastante más próximos a los 40. Tiene lógica dentro del tono general de la adaptación y ayuda a que resulte más creíble el tipo de liderazgo político y militar que pide la versión televisiva. Robb Stark es quizá el mejor ejemplo. En las novelas, su juventud extrema refuerza la idea de una guerra peleada y dirigida por casi menores, chavales obligados a hacerse adultos a golpes. En la serie, al acercarlo más a la adultez, cuesta menos imaginarlo al frente de ejércitos y convertido en símbolo del Norte.

Las razones fueron tanto prácticas como narrativas. Envejecer a los personajes ampliaba el margen a la hora de elegir intérpretes y daba más espacio para sostener escenas de violencia, sexo y matrimonios forzados, además de ciertas tramas románticas y de poder en una producción pensada para una audiencia global. Aun así, muchos lectores siguen defendiendo que las edades originales de Canción de hielo y fuego son una pieza central del mensaje de Martin: la pérdida de la inocencia, la crueldad de la guerra y esa manera brutal en que la ambición de los adultos arrasa con la niñez.

El propio George R.R. Martin ha admitido más de una vez que escribir personajes tan jóvenes le planteaba problemas narrativos. De hecho, llegó a barajar un salto temporal de cinco años dentro de la saga, aunque después lo descartó. Esa tendencia sigue viva en televisión. House of the Dragon, la serie de HBO basada en Fire & Blood, también retocó edades al acercar las de Rhaenyra Targaryen y Alicent Hightower y presentarlas como contemporáneas y amigas de juventud, algo que marca una diferencia importante respecto a Fire & Blood. El resultado fue, otra vez, poner el drama humano por delante de la fidelidad literal. Queda por ver si las próximas adaptaciones del universo de Westeros seguirán por ese mismo camino.

Lucasfilm anunció hoy en la San Diego Comic-Con 2026 Star Wars: The Book of Boba Fett, una nueva miniserie de cómics de Marvel que adaptará la primera temporada de la serie del mismo nombre estrenada en Disney+.

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Conviene dejarlo claro, porque en las últimas horas circularon titulares que daban por hecha una supuesta secuela para televisión. Lucasfilm, sin embargo, no ha confirmado ni una nueva serie ni una segunda temporada del proyecto centrado en el cazarrecompensas de Star Wars.

El anuncio llegó durante el panel de Lucasfilm Publishing en la San Diego Comic-Con 2026, donde la compañía repasó parte de la próxima línea editorial de Star Wars. Ahí se confirmó el regreso de The Book of Boba Fett, sí, pero en formato live-action.

Más en concreto, lo presentado en el panel apunta a una serie limitada de siete números que adaptará de forma directa la temporada original. También allí se indicó que Star Wars: The Book of Boba Fett arrancará en septiembre de 2026.

Lucasfilm también señaló en ese panel que el guion estará en manos de Rodney Barnes y el apartado artístico correrá por cuenta de Will Sliney, dos nombres muy conocidos para los lectores habituales de cómic y para quienes siguen franquicias de gran escala.

De momento, no hay ningún anuncio oficial de Lucasfilm que apunte a una continuación en live-action, a una segunda temporada o a un spin-off televisivo derivado de esta historia.

Todavía está por ver cuánto material nuevo sumará esta adaptación. Aun así, todo apunta a una buena ocasión para volver a la historia de Boba Fett desde otro lenguaje, con más espacio para ampliar escenas, trabajar atmósferas o afinar matices de los personajes.

Y la precisión llega justo después de la recepción desigual que tuvo la serie original.

Hubo espectadores que celebraron su mirada al submundo criminal de Tatooine y el regreso de personajes conocidos. Otros, en cambio, pusieron el foco en el ritmo, en la dirección narrativa e incluso en que varios de sus episodios más comentados acabaran girando alrededor de Din Djarin y Grogu.

El nuevo cómic, además, encaja con una línea que Lucasfilm viene marcando cada vez con más claridad: llevar sus series de streaming también al terreno editorial.

En una franquicia tan transmedia como Star Wars, estas adaptaciones sirven tanto para atraer a coleccionistas como para mantener en circulación historias que quizá no vayan a seguir de inmediato en pantalla. Por ahora, el próximo capítulo de Boba Fett no estará en Disney+, sino en las páginas de Marvel.

Lost, la serie de ABC, ha vuelto hoy al centro de la conversación por una mezcla de 20 años de su estreno y, además, su llegada a Netflix en 2024 la ha puesto otra vez delante de mucha gente. Con ese regreso ha reaparecido también una idea bastante vieja entre fans y críticos: para muchos, lo mejor que dirigió J.J. Abrams no fue ni Star Trek ni Star Wars, sino el piloto de Lost.

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Lo curioso es que no hablamos de una película estrenada en salas, sino de un episodio doble, con una duración casi de largometraje, que todavía se recuerda como uno de los comienzos más ambiciosos que ha dado la televisión.

Y aunque, en sentido estricto, pertenece a la pequeña pantalla, ese arranque de Lost sigue viéndose como el trabajo más completo de J.J. Abrams como director. Por escala, por ritmo y por la forma en que presenta personajes, misterio y espectáculo en tan poco tiempo, se sentía más cerca de un blockbuster que de una serie de televisión en abierto.

El episodio llegó a ABC el 22 de septiembre de 2004 y, desde el minuto uno, dejó claro que Lost iba por otro camino. La imagen del accidente aéreo en la playa, el desconcierto de los supervivientes y esa sensación inmediata de que la isla escondía algo mucho más grande ayudaron a convertirlo en uno de los pilotos más influyentes de la historia de la televisión.

El golpe se notó enseguida también en audiencia: la primera parte reunió a 18,6 millones de espectadores, según los datos de la época.

También estaba la cuestión del dinero, nada menor en este caso. Se calcula que el piloto costó entre 10 y 14 millones, de acuerdo con las estimaciones publicadas entonces, y eso explica en buena medida ese aspecto de gran producción cinematográfica que incluso hoy sigue impresionando.

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A principios de los 2000 no era nada normal ver en la televisión en abierto un despliegue visual así, y aquel estreno acabó siendo la base de algo bastante más grande: Lost se alargó durante seis temporadas y 121 episodios, hasta convertirse en uno de los grandes fenómenos culturales de su tiempo.

La serie no enganchó solo por sus misterios. Lost también sirvió para demostrar que la audiencia de las cadenas en abierto sí estaba dispuesta a seguir relatos serializados, complejos y cargados de preguntas sin respuesta inmediata. Y, mientras tanto, su enorme reparto coral y sus giros constantes alimentaron durante años foros, teorías y discusiones online, justo en una etapa decisiva para la cultura fan en internet.

Dos décadas después, ese legado vuelve a sentirse. De momento no hay ningún reboot en marcha, pero Drew Goddard, uno de los nombres ligados al universo de Lost, ha dejado caer que un regreso podría tener sentido si apareciera una razón creativa de verdad potente. Josh Holloway, por su parte, también ha dicho que estaría abierto a volver a ese mundo si se dieran las circunstancias adecuadas.

Todo eso vuelve a poner en valor el piloto original. Fue el arranque de una franquicia que todavía genera conversación, incluso después de que J.J. Abrams dirigiera títulos gigantescos como Star Wars: El despertar de la Fuerza, que superó los 2.000 millones de dólares en la taquilla mundial según los datos de recaudación, y varias entregas clave del Star Trek moderno. Si ese regreso acabará tomando forma, de momento, nadie lo sabe.