Author: Gale Ann Villagomesa

Michael Biehn quiere estar en la serie de Far Cry de FX, pero todavía no hay confirmación

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Michael Biehn ha dejado claro, en declaraciones del propio actor, que le gustaría volver al universo de Far Cry si FX termina llamándolo para la adaptación televisiva de la saga de Ubisoft. Está dispuesto a sumarse incluso con algo pequeño: un papel breve, un cameo o un simple Easter egg pensado para los fans de toda la vida. De momento, eso sí, no hay ninguna confirmación oficial por parte de FX, Ubisoft ni del equipo de producción sobre una posible incorporación.

La idea no sale de la nada. Michael Biehn está vinculado de forma directa a uno de los spin-off más recordados de la franquicia. Fue la voz de Sergeant Rex “Power” Colt en Far Cry 3: Blood Dragon, la expansión independiente lanzada en 2013 que llevó la fórmula de la saga a una celebración deliberadamente exagerada del cine de acción y de la estética neón de los años 80.

Ese personaje, un supersoldado cibernético con alma de héroe de videoclub, encaja además bastante bien con la imagen pública de Michael Biehn, veterano de títulos como Terminator, Aliens y The Abyss. Basta mirar esa filmografía. No sorprende, por tanto, que la posibilidad ya esté despertando entusiasmo entre una parte del público.

La vuelta podría darse recuperando a Rex Colt, aunque también existe la opción de verlo en un personaje completamente nuevo. El propio Michael Biehn ha dejado esa puerta abierta al sugerir que no necesita un papel protagonista para subirse al proyecto, y que una aparición breve ya le bastaría, tanto para quitarse la espina como para premiar a quienes siguen recordando Blood Dragon como una de las entregas más distintivas de la marca.

La serie de Far Cry para FX está siendo desarrollada por Noah Hawley y Rob McElhenney, al menos por lo que se conoce del proyecto hasta ahora. Hawley llega después de Fargo y Legion. McElhenney, por su parte, sigue muy ligado a It’s Always Sunny in Philadelphia y a la etapa reciente que lo ha consolidado como creador e intérprete en comedias de gran impacto cultural.

Por lo que ha trascendido, la adaptación no va a trasladar de forma directa la historia de un juego concreto. La apuesta pasa por un formato antológico, con temporadas ambientadas en lugares distintos y con personajes diferentes. Y, visto lo visto, le encaja bastante bien a una saga acostumbrada a cambiar de escenario, de villanos y de conflicto casi en cada entrega.

En cuanto al reparto, McElhenney apunta a protagonizar la primera temporada junto a Lizzy Caplan y Steve Buscemi, siempre con la cautela de que esa es la información disponible por ahora. También se ha comentado que la producción podría arrancar en otoño de 2026.

Para una parte de los seguidores, recuperar aunque solo fuera durante unos minutos al actor que dio vida a Rex “Power” Colt sería una forma muy eficaz de conectar la serie con la etapa más excéntrica y querida de Far Cry. Si Michael Biehn acabará entrando o no en el proyecto, por ahora sigue siendo una incógnita.

Meta, la empresa matriz de Facebook e Instagram, ha aceptado hoy una propuesta de acuerdo de hasta 17.000 millones de dólares promovida por una coalición de fiscales generales de varios estados de EE. UU. Con ese pacto, la compañía busca cerrar las demandas que la acusan de haber contribuido a problemas de salud mental entre adolescentes a través del diseño de sus plataformas. La idea es reforzar la seguridad de los menores en Facebook e Instagram, y el alcance de la iniciativa va más allá de una indemnización económica récord.

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El acuerdo pretende poner fin a las acusaciones de que Meta incorporó funciones deliberadamente adictivas y potencialmente perjudiciales para los usuarios jóvenes.

Los demandantes apuntan, en concreto, a los sistemas de recomendación, la reproducción continua de contenido y otras mecánicas pensadas para retener a la gente el mayor tiempo posible. Según sostienen, todo eso habría aumentado los riesgos para la salud mental de los adolescentes. Junto al pago, el pacto incluye medidas concretas para mejorar la protección de los menores, aunque el detalle completo de esas obligaciones todavía podría definirse más adelante, con controles más estrictos y nuevas salvaguardas dentro de la experiencia de los adolescentes en Facebook e Instagram.

Meta ha descrito el acuerdo como un paso relevante y ha insistido en que ya ha destinado recursos a herramientas para jóvenes y familias. Al mismo tiempo, mantiene que otras grandes plataformas, entre ellas TikTok y YouTube, también tendrían que aplicar medidas parecidas.

Aun así, el centro del caso sigue siendo especialmente delicado. Los estados sostienen que Meta sabía que ciertos productos y funciones podían empujar a los menores hacia un uso compulsivo y que, pese a ello, dio prioridad al crecimiento y a la interacción.

La discusión encaja en una preocupación mucho más amplia sobre el efecto del uso intensivo de las redes sociales durante la adolescencia.

Desde hace años, autoridades sanitarias y especialistas vienen avisando de posibles vínculos con ansiedad, depresión, trastornos del sueño y una menor actividad física. Tanto el máximo responsable de Salud Pública de EE. UU. como la Asociación Estadounidense de Psicología han alertado sobre esos riesgos, sobre todo cuando la exposición se alarga y empieza a edades tempranas.

Ese contexto ayuda a entender por qué este litigio ha alcanzado tal dimensión.

Los datos del Pew Research Center indican que la mayoría de los adolescentes usa redes sociales todos los días y que una parte nada menor reconoce estar conectada “casi constantemente”. Por eso inquieta, tanto a los reguladores como a muchas familias, el posible impacto de funciones diseñadas para captar atención durante periodos largos. Algunos expertos en derecho y medicina llegan incluso a comparar estas demandas con los litigios históricos contra la industria del tabaco: argumentan que mecánicas como el scroll infinito o las recomendaciones algorítmicas se diseñaron para disparar la interacción aun con posibles daños para los menores sobre la mesa.

Lo de Meta, además, no ocurre en el vacío. Forma parte de una ola de presión legal y regulatoria sobre las grandes tecnológicas por el efecto de sus servicios en niños y adolescentes en Estados Unidos, la Unión Europea, Reino Unido, Canadá y Australia.

Si el acuerdo termina consolidándose en estos términos, puede marcar un antes y un después para el sector, no solo por la cifra, sino porque subiría el nivel de responsabilidad exigido a cualquier plataforma con una audiencia masiva de menores. Todavía no está claro cuándo quedará ratificado de forma definitiva.

Horsefly Games ha anunciado hoy The Polar Darkness, un indie de terror psicológico ambientado en la Finlandia de los años 80 que, si no hay cambios, llegará a Steam durante el primer trimestre de 2027.

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Tiene pinta de ser uno de esos juegos a los que conviene no perder la pista. Su presentación, desde luego, no se queda corta: el estudio lo describe como una mezcla entre ecos de Stephen King, una investigación de cocción lenta con aroma a True Detective y un caso de desaparición infantil en un pueblo perdido del norte de Finlandia.

Según la descripción oficial, The Polar Darkness es una aventura de horror y misterio en la que el jugador encarna a un periodista. Todo empieza con la desaparición de un niño predicador, pero el caso tarda poco en enturbiarse y señalar hacia un culto local, además de secretos bastante más turbios de lo que deja ver al principio.

Hay un elemento que salta a la vista enseguida: la ambientación. La historia transcurre en Sysiluoma, una aldea ficticia del norte de Finlandia durante los años 80, en plena noche polar, tal y como explica Horsefly Games. Esa oscuridad permanente no marca solo el aspecto visual del juego; también parece ser una pieza central de la tensión con la que quiere trabajar.

Y ahí es donde su tono encaja bastante bien. Calles vacías, nieve por todas partes, aislamiento y esa impresión de que algo está mal desde el minuto uno. A eso se suma el uso de música folk finlandesa, un recurso con el que el estudio busca reforzar la inmersión y darle al juego un carácter más propio frente a otros títulos de terror más convencionales, al menos por lo que se ha visto en el material promocional publicado hasta ahora.

The Polar Darkness se aparta del survival horror más clásico y elimina por completo el combate, siempre según lo que ha contado Horsefly Games. Aquí todo gira alrededor de investigar, hablar con personajes y resolver puzles, dentro de una estructura narrativa repartida en tres días.

No es un detalle menor. El estudio asegura que las decisiones del jugador alterarán qué eventos llegan a ocurrir y cómo se desarrolla la historia. La estructura, además, apunta a una aventura muy centrada en seguir pistas, conversar con los habitantes del pueblo y reconstruir lo sucedido a partir de versiones incompletas, tensiones sociales y símbolos vinculados al culto.

En el plano artístico, Horsefly Games mezcla personajes en 2D con acabado fotográfico y escenarios en 3D. Lo que dejan ver las primeras imágenes tiene un aire raro, un poco irreal, que le sienta bien a ese enfoque psicológico. Juho Kuorikoski, miembro del estudio, también ha mencionado a Gabriel Knight como una influencia importante. Con esa referencia se entiende mejor por dónde va el proyecto: menos sustos inmediatos y más misterio, investigación y una amenaza que se va cerrando poco a poco.

Según la información oficial, el juego tocará temas maduros y contenido psicológico perturbador, incluidos elementos relacionados con la infancia, aunque sin llegar a mostrar violencia gráfica. También habrá referencias al folclore finlandés, otro rasgo que puede ayudar a que destaque dentro del terror independiente.

De momento, la reacción inicial está siendo buena por la atmósfera, la premisa y un escenario que no se ve todos los días, aunque todavía faltan impresiones jugables amplias y casi toda la conversación sigue apoyándose en material promocional. Falta ver cuánto de todo esto se mantiene intacto de aquí a su lanzamiento.

Arrival, la película de ciencia ficción que Denis Villeneuve estrenó en 2016, se ha colado otra vez entre lo más visto de Apple TV en Estados Unidos, de acuerdo con los listados de la propia plataforma. Y lo ha hecho casi diez años después de su estreno original.

Otros datos de audiencia también dejan ver un repunte del interés en Australia, justo cuando la conversación en torno a Dune: Part Three no para de crecer y está llevando a muchos espectadores a volver sobre una de las películas más celebradas de Denis Villeneuve.

Arrival nunca fue un tropiezo ni tampoco una joya perdida que pasó inadvertida, pero esta nueva vida en streaming se entiende bastante bien si se miran los factores que la rodean.

El más evidente es la expectación por Dune: Part Three, la próxima entrega de la saga Dune, que ha devuelto la atención al trabajo anterior de Denis Villeneuve dentro de la ciencia ficción. A eso se le suma el tirón del 10.º aniversario de Arrival y el lanzamiento de una edición limitada 4K Blu-ray SteelBook. Entre una cosa y otra, la película ha vuelto a aparecer en noticias, recomendaciones y conversaciones en redes sociales.

Si se mira con algo de distancia, Arrival ocupa un lugar central en la carrera del director canadiense Denis Villeneuve.

Para muchos críticos y analistas, ahí estuvo el verdadero punto de inflexión. Fue la película que terminó de afianzar la reputación de Denis Villeneuve como un cineasta capaz de unir espectáculo visual con ideas complejas, sensibilidad emocional y una mirada más cerebral sobre el género. Ese peso ya se notaba en 2016: la cinta recaudó más de 203 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto estimado de 47 millones, según los datos de taquilla, una cifra que dejó claro su tirón comercial sin que la película tuviera que rebajar lo poco convencional de su propuesta.

Y también funcionó muy bien con la crítica.

Arrival consiguió ocho nominaciones al Oscar, entre ellas Mejor película y Mejor dirección para Denis Villeneuve, según la Academia de Hollywood, y desde entonces no ha dejado de aparecer en listas de las mejores películas de ciencia ficción del siglo XXI.

Con Amy Adams al frente, Arrival sigue a Louise Banks, una lingüista reclutada para interpretar el lenguaje de unos visitantes extraterrestres cuya llegada desata una incertidumbre global.

La interpretación de Amy Adams sigue contando entre lo más celebrado de la película. Y buena parte de la vigencia cultural de Arrival pasa por la forma en que trata la comunicación, la empatía, el duelo, la elección y la manera en que la humanidad reacciona ante lo desconocido. Ese cruce entre intimidad y escala es lo que hace que Arrival se sienta hoy tan viva como entonces, con Apple TV convertido en el lugar donde muchos espectadores están redescubriendo por qué sigue siendo una de las grandes obras modernas del género.

All of Us Are Dead, la serie surcoreana de zombis de Netflix basada en el webtoon Now at Our School de Joo Dong-geun, llegó a la plataforma el 28 de enero de 2022 y, a día de hoy, sigue contando entre los títulos más potentes de su catálogo dentro del género. Solo necesitó 12 episodios para pasar de estreno con buena pinta a fenómeno internacional de primer nivel, algo nada menor para una ficción que partía de una premisa muy reconocible y la ejecutaba con bastante más pulso del que suele verse.

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La idea funcionaba porque iba directa al grano: un grupo de adolescentes queda atrapado en su escuela mientras un virus se expande a toda velocidad y convierte el campus en un campo de batalla atravesado por el caos, la traición y el sacrificio. Ahí estuvo una de las claves de su identidad. All of Us Are Dead encontró la forma de distinguirse dentro de un género muy exprimido y no necesitó apoyarse solo en las hordas de infectados para mantener la tensión.

Se trata de una producción surcoreana de apocalipsis zombi disponible en Netflix, también basada en Now at Our School, de Joo Dong-geun. Su primera temporada se estrenó el 28 de enero de 2022 y puso el foco en varios estudiantes de secundaria que intentan seguir con vida durante un brote que transforma su instituto en una trampa mortal. Y fueron justo esos espacios, los pasillos, las aulas, las escaleras del colegio, los que reforzaron esa sensación constante de encierro y fragilidad.

Las cifras ayudan a entender por qué la serie sigue tan presente en la conversación. Durante sus primeros 30 días, All of Us Are Dead sumó 474,26 millones de horas vistas en Netflix, según datos de Netflix, y en apenas sus tres primeros días ya rondaba los 124,79 millones. A eso se añade otro dato: llegó al número 1 en 58 países y entró en el top 10 de 91 territorios, también según Netflix.

Con números así, All of Us Are Dead se convirtió en la segunda serie de habla no inglesa, después de Squid Game, en alcanzar el primer puesto de las listas semanales de Netflix. En ese momento fue también uno de los debuts internacionales más fuertes de la plataforma, siempre según los datos de Netflix. Pero el impacto no se quedó solo en la audiencia. La crítica también respondió bien y la serie mantiene un 89 % en Rotten Tomatoes, según Rotten Tomatoes.

Muchas reseñas señalaron justo lo que la hacía distinta: el instituto como escenario principal, unas escenas de acción muy físicas, el uso del espacio cerrado y un trasfondo social que no se queda en el susto fácil. Ese cruce entre espectáculo y drama adolescente hizo que All of Us Are Dead conectara tanto con quienes disfrutan del terror como con gente que no suele moverse mucho por el género, porque la historia también habla de jerarquías escolares, miedo colectivo y decisiones extremas tomadas bajo presión.

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Netflix confirmó la esperadísima temporada 2 el 6 de junio de 2022, aunque la espera se ha hecho larga. Las informaciones más recientes apuntan a que el rodaje terminó en febrero de 2026 y que la serie ya está en posproducción, así que, si el calendario no cambia, los nuevos episodios deberían estrenarse a finales de 2026 o a comienzos de 2027. Aun así, Netflix todavía no ha anunciado una fecha oficial para la llegada de la temporada 2 de All of Us Are Dead.

La primera temporada de True Detective llegó a HBO en 2014. Nic Pizzolatto la pensó como una historia cerrada de ocho episodios y, diez años después de su estreno, sigue ocupando el lugar de las grandes referencias del canal. Lo que hizo fue tomar un caso criminal y convertirlo en algo bastante más raro, más sombrío y más obsesivo de lo que solía verse en televisión.

Su potencia no descansa solo en las interpretaciones de Matthew McConaughey y Woody Harrelson. También tiene que ver con cómo esa primera temporada mezcló la investigación policial con el terror existencial y con una atmósfera de pesadilla que todavía hoy la separa del resto de dramas criminales.

La trama sigue a los detectives de la Policía Estatal de Luisiana Rustin “Rust” Cohle y Martin “Marty” Hart, encargados de investigar una serie de asesinatos rituales a lo largo de 17 años. El caso empieza en 1995, pero el relato también salta a 2012, cuando Rustin “Rust” Cohle y Martin “Marty” Hart son interrogados por separado sobre todo lo que pasó.

Ese cruce entre 1995 y 2012 es una de las piezas centrales de la temporada.

La narración no lineal no se limita a meter suspense. Convierte la memoria en un terreno en disputa, donde la verdad aparece filtrada por versiones incompletas, rencores y silencios. De ahí sale una historia que obliga al espectador a recomponer el rompecabezas al mismo tiempo que Rustin “Rust” Cohle y Martin “Marty” Hart intentan ordenar, como pueden, sus propias vidas.

Porque sí, True Detective es en el fondo una serie policiaca, pero la personalidad de esa primera temporada desborda el género.

Ahí conviven el crimen sureño, la decadencia social, la imaginería religiosa y una sensación persistente de amenaza invisible. Por eso muchos críticos han señalado la huella de H. P. Lovecraft y, sobre todo, la de Robert W. Chambers con su influyente The King in Yellow. La serie no se entrega al terror de forma abierta. Lo que hace es sugerir que bajo la superficie del mundo cotidiano late algo incomprensible y profundamente corrupto.

La comparación con Haruki Murakami encaja mejor como lectura temática que como influencia directa demostrable. Hay ecos de surrealismo, de extrañeza, de desorientación existencial, y eso puede llevar a pensarlo. Aun así, no hay una base firme para sostener que Nic Pizzolatto construyera la temporada a partir de esa referencia.

Donde sí se ve un vínculo más nítido es en la filosofía de Rust Cohle. Su discurso nihilista, su obsesión con la conciencia y su mirada desencantada sobre el ser humano conectan con tradiciones existencialistas y con ideas que suelen asociarse a pensadores como Nietzsche.

La temporada fue un éxito tanto de audiencia como de crítica, y también ayudó a afianzar el modelo de televisión de prestigio de HBO. Lo hizo con su estilo cinematográfico, con una narración densa y con una puesta en escena que llevó el formato episódico un paso más arriba. Su influencia sigue ahí, además reforzada por el décimo aniversario celebrado en 2024 y por las referencias que aparecieron en la cuarta temporada, True Detective: Night Country.

Tanto Matthew McConaughey como Nic Pizzolatto han comentado que estarían dispuestos a volver a Rust y Marty, aunque a día de hoy no hay ningún plan confirmado. No se sabe si ese regreso llegará a hacerse realidad.

En tiempos de Game of Thrones, la serie de HBO basada en el universo de George R. R. Martin y situada siglos después de House of the Dragon, la Casa Velaryon apenas ocupa el centro de la escena. Para entonces ya no era la gran potencia marítima que una vez dominó los mares de Poniente. La familia seguía ahí, sí, pero a una distancia enorme de la edad dorada que la convirtió en uno de los linajes más ricos e influyentes del reino. Su declive fue lento, caro y estuvo profundamente atado al destino de la Casa Targaryen dentro de la historia de Westeros.

La Casa Velaryon es una familia noble antiquísima, de origen valyrio, asentada en Driftmark, una isla cercana a Rocadragón. Durante mucho tiempo fue una aliada clave de la Casa Targaryen. Entre ambas casas había vínculos políticos, militares y matrimoniales, aunque los Velaryon, a diferencia de los Targaryen, no eran jinetes de dragones ni señores de dragones.

Su fuerza estaba en otro sitio: el mar. Durante siglos controlaron una de las flotas más temibles de Poniente, y eso les dio peso en el comercio, en la guerra y también en la corte. Por algo tantos miembros de la Casa Velaryon ocuparon el puesto de Maestro de Barcos. Eran piezas básicas para sostener el poder naval de la Corona.

El gran momento de esplendor llegó con Lord Corlys Velaryon, el célebre Serpiente Marina. Sus nueve grandes viajes a Essos lo volvieron una figura legendaria y empujaron la fortuna de la familia hasta niveles descomunales.

En la cima de su poder, según el canon de George R. R. Martin, se decía incluso que la Casa Velaryon era más rica que los Lannister. Y esa riqueza no se quedó en prestigio o rumores: también se convirtió en influencia política directa sobre el Trono de Hierro, sobre todo durante el reinado de Viserys I y en el conflicto sucesorio que puso en marcha la trama de House of the Dragon.

El principio del derrumbe llegó con la Danza de los Dragones, la guerra civil que destrozó a los Targaryen. La Casa Velaryon tomó partido por Rhaenyra Targaryen, y aquella decisión acabó costándole carísimo. Perdió barcos, hombres, dinero y margen de influencia, con golpes durísimos en enfrentamientos como la Batalla del Gaznate.

La casa sobrevivió como linaje, pero nunca volvió a tocar el nivel de poder que había tenido bajo Corlys Velaryon. La guerra arrasó buena parte de la base material que sostenía su dominio marítimo y dejó mucho más débil su posición dentro de la política de Poniente.

Por eso, cuando llega la época de Game of Thrones, la Casa Velaryon ya es una casa bastante menor, vasalla de Rocadragón y sin el protagonismo que había tenido siglos atrás.

House of the Dragon, la serie de HBO, hace justo lo contrario y la muestra en su etapa más deslumbrante. Además, presenta a la Casa Velaryon como una familia noble negra, una decisión creativa que amplió la diversidad visual de Westeros, dio mucho que hablar y también recibió elogios tanto por la representación como por el peso de las interpretaciones. Y el universo de HBO todavía tiene margen para seguir contando su historia con el proyecto animado Nine Voyages, anunciado por HBO y centrado precisamente en las aventuras marítimas de Corlys Velaryon.

La sexta temporada de Only Murders in the Building, la serie de Hulu con Steve Martin, Martin Short y Selena Gomez, podría mudarse a Londres y hasta pasar a llamarse Only Murders in London, de acuerdo con varias informaciones publicadas en mayo de 2026. Son rumores, así que conviene leer todo esto con bastante cautela.

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Si acaban confirmándose, la comedia criminal de Hulu dejaría Nueva York en su sexta entrega para instalarse en Londres. No sería un cambio menor. Hablamos de apartarse de la identidad que ha acompañado a la serie desde el estreno.

Esos mismos reportes también apuntan a un nuevo título, Only Murders in London, algo que la ficción protagonizada por Steve Martin, Martin Short y Selena Gomez no había hecho hasta ahora. Si termina siendo el nombre oficial, sería la primera vez que la serie cambia de título de una temporada a la siguiente.

Hasta aquí, Only Murders in the Building había hecho del Arconia y de Nueva York una parte central de su ADN. Por eso, si la historia realmente se traslada al Reino Unido, no estaría ante un simple retoque estético, sino ante un cambio de escenario con implicaciones para el tono, el ritmo y las posibilidades narrativas.

Y hay otro detalle importante: también sería la primera temporada ambientada fuera de Estados Unidos, siempre según esas publicaciones.

Los detalles de la trama siguen guardados bajo llave, pero los rumores difundidos en mayo de 2026 van en la misma dirección: Charles, Oliver y Mabel volverían a verse metidos en otro misterio criminal, solo que esta vez con Londres al fondo.

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Eso podría empujar la serie hacia otro tipo de humor, meter en juego códigos culturales distintos y darle una energía nueva al podcast sobre asesinatos que sostiene toda la historia.

De momento no se habla de una ruptura del trío principal. Más bien al contrario: Steve Martin, Martin Short y Selena Gomez regresarían, en principio, como Charles-Haden Savage, Oliver Putnam y Mabel Mora, según esas informaciones. Y tiene sentido. Buena parte del gancho de la serie sigue estando en la química entre los tres, así que moverlos a un entorno completamente distinto podría darle aire fresco a la fórmula sin tocar lo que la hace funcionar.

La etapa británica, además, parece querer jugar fuerte con el reparto invitado, al menos si se toman como referencia esos reportes. Entre los nombres que han salido figuran Peter Capaldi, David Tennant, Jodie Whittaker, Nicola Coughlan, Richard Ayoade, Jennifer Saunders, Simone Ashley, Sharon Horgan y Martin Freeman, una lista con la que Hulu buscaría apuntalar tanto la parte cómica como el misterio.

Hulu ya confirmó la sexta temporada y, siempre según las informaciones publicadas, la entrega ambientada en Londres estaba en preproducción en mayo de 2026. Aun así, todavía hay muy pocas pistas sobre el caso que pondrá en marcha la historia o sobre la forma en que los protagonistas acabarán en la capital británica. Si todo esto sale adelante, la sensación es clara: la serie estaría buscando renovarse al otro lado del Atlántico.

Disney+ confirmó en noviembre de 2023 que no seguiría adelante con el revival de The Sandlot, una serie secuela del clásico de 1993 que se había anunciado por primera vez en 2019. La idea pasaba por regresar al universo de The Sandlot con el reparto original ya en la edad adulta, pero el proyecto acabó guardado en un cajón y su cancelación terminó quedando clara en noviembre de 2023, después de un largo silencio alrededor de la serie.

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Patrick Renna, a quien muchos siguen asociando con Hamilton “Ham” Porter en The Sandlot, habló hace poco sobre el futuro de la franquicia y fue bastante directo: volver a la película original no es tan fácil como podría parecer desde fuera. Para Renna, The Sandlot fue “algo irrepetible”, y por eso ve muy complicado repetir esa mezcla y, todavía más, superarla.

Cuando Disney+ presentó la serie, la propuesta encajaba sin esfuerzo en la apuesta nostálgica de la plataforma: recuperar al reparto original ya adulto, mover la historia a los años 80 y sumar otra vez a David Mickey Evans, creador y director de la película original The Sandlot.

Pero el proyecto fue perdiendo temperatura con el tiempo.

Entre los motivos que se señalaron para su cancelación estuvieron los retrasos derivados de la huelga de SAG-AFTRA y, también, el ajuste más amplio que Disney venía haciendo en su estrategia de streaming.

La intención era recortar catálogo y concentrarse en menos proyectos, incluso si detrás había franquicias muy reconocibles. Visto así, la caída de The Sandlot no suena a excepción. También deja ver algo cada vez más evidente en la industria: las plataformas están revisando cuánto gastan, y la nostalgia por sí sola ya no asegura luz verde.

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Más allá del golpe que supuso la cancelación, Patrick Renna ha adoptado una postura bastante terrenal respecto a una posible continuación directa. Su razonamiento conecta con algo que seguramente comparten muchos fans: la película de 1993 ocupa ese lugar especial por una suma muy concreta de elenco, historia y momento cultural. Por eso, el actor no da la impresión de estar empeñado en reconstruir el pasado pieza por pieza.

La otra vía ya tiene título: Dugout Dads. Renna ha contado que está produciendo esta nueva comedia, presentada como una heredera espiritual de The Sandlot, aunque esta vez el foco está puesto en unos padres que tienen que lidiar con todo el mundo del béisbol infantil.

El proyecto reunirá a varias caras familiares para los seguidores de la película, entre ellas Tom Guiry, Chauncey Leopardi, Marty York y el propio Patrick Renna. Ahí, según el actor, está buena parte de su atractivo: volver a trabajar con compañeros con los que conserva un vínculo desde hace más de 30 años.

Y aunque Dugout Dads no reemplaza la secuela oficial que Disney+ llegó a poner en marcha, sí ofrece ese reencuentro del reparto desde una premisa nueva, menos atada a copiar el clásico original y con más margen para avanzar junto a sus personajes y a su generación. Por ahora no se sabe cuándo llegará Dugout Dads.

Square Enix no ha anunciado ningún nuevo Chrono Trigger llamado Chrono Trigger: One Mark, aunque hayan circulado titulares, posts y mensajes que lo den por hecho. Así que conviene leer todo esto con pinzas: por ahora no hay ningún anuncio oficial de Square Enix en sus canales que sostenga esa información.

La situación, en realidad, es bastante simple. Ni durante el 31.º aniversario de Chrono Trigger ni en fechas recientes Square Enix ha confirmado una nueva entrega de la saga en comunicados, eventos o publicaciones oficiales. Tampoco aparece rastro verificable de un proyecto con ese nombre en notas oficiales, presentaciones de la compañía o fuentes fiables.

La respuesta corta es no.

Ahora mismo, lo que puede verse en los canales oficiales de Square Enix apunta a lo mismo: no se ha anunciado un nuevo Chrono Trigger. Y eso incluye el supuesto título Chrono Trigger: One Mark, que no figura ligado a ninguna presentación oficial de la empresa.

Cuando un anuncio de este nivel es real, además, suele venir acompañado de cosas muy concretas: una nota de prensa, un tráiler, un post en redes oficiales, una web del proyecto o cobertura de medios que remita directamente a la información original. Aquí no hay nada de eso en los canales oficiales de Square Enix ni en cobertura que pueda comprobarse.

Más allá de la ilusión que despierta cualquier referencia a Chrono Trigger, el nombre Chrono Trigger: One Mark no tiene un respaldo verificable.

Chrono Trigger: One Mark no aparece en los canales oficiales de Square Enix ni lo sostienen fuentes de confianza dentro de la industria, así que lo más probable es que el titular original salga de una confusión, una mala interpretación o contenido especulativo presentado como si fuera noticia confirmada. Y como no existe un anuncio real, tampoco hay novedades concretas a las que seguir la pista: no hay detalles sobre plataformas, no hay fecha de lanzamiento, no hay equipo creativo asociado y tampoco hay reacciones oficiales que valga la pena dar por buenas.

La franquicia Chrono lleva años despertando expectación. Chrono Trigger sigue siendo uno de los RPG más queridos de todos los tiempos, y las ganas de ver un remake moderno, una remasterización ambiciosa o incluso una secuela completamente nueva siguen muy presentes entre los fans.

Ese interés constante deja el terreno perfecto para rumores, montajes, supuestas filtraciones o proyectos hechos por fans que terminan moviéndose por internet como si fueran reales. Y no sería la primera vez que una comunidad tan apasionada hace crecer una posibilidad antes de que exista una sola confirmación.

Por ahora, lo más sensato es tomar con cautela cualquier información nueva sobre la saga hasta que Square Enix la publique directamente en sus canales oficiales o la confirmen medios fiables con documentación clara. A estas alturas no hay ningún nuevo Chrono Trigger anunciado, y Chrono Trigger: One Mark no pasa de ser una afirmación sin respaldo.