Author: Louise Ann "LA" Maca

Zynga ha anunciado hoy “A Blood Debt”, un evento de tiempo limitado dentro de Game of Thrones: Legends que llegará al RPG de puzles para móviles el 12 de septiembre en forma de Legend Trial y se quedará activo hasta el 22 de septiembre, según la compañía. El gancho del evento es bastante directo: durante esos días se podrán conseguir Champion Shards del campeón legendario Oberyn Martell en Game of Thrones: Legends, el juego free-to-play de Zynga para iOS y Android.

Esos Champion Shards sirven para dos cosas: desbloquear al personaje y, si ya está en la plantilla del jugador, subir su nivel de estrellas. Y sí, mejor dejar esto claro desde ya: “A Blood Debt” no es una nueva serie de Game of Thrones ni un libro perdido del universo de George R. R. Martin. Es contenido del propio Game of Thrones: Legends.

Dentro del juego, todo girará alrededor de Oberyn Martell, uno de los personajes que más recuerdo dejó entre los seguidores de la serie de HBO. Ahí está buena parte del atractivo del evento. Oberyn Martell regresa como personaje jugable destacado, y los jugadores podrán hacerse con sus Champion Shards mientras esté disponible, dentro de un sistema que Game of Thrones: Legends ya usa con frecuencia para desbloquear héroes o aumentar su nivel de estrellas.

No es casualidad que Zynga lo ponga ahora en primer plano. Oberyn Martell sigue siendo un nombre fuerte para la comunidad por una razón muy simple: es uno de los favoritos de los fans. Pedro Pascal lo interpretó en la cuarta temporada de Game of Thrones, y el príncipe de Dorne se quedó grabado por su carisma, su ironía y, claro, por una de las muertes más brutales y recordadas de toda la serie, durante el juicio por combate contra La Montaña.

En Game of Thrones: Legends, los Champion Shards pueden conseguirse por varias vías, según la información del juego: eventos de tiempo limitado, Legend Trials, recompensas de PvP, eventos de progresión en Kingsroad y algunas recompensas prémium de Goldroad. Y hay más movimiento este mes. Zynga también ha indicado que habrá fragmentos de Aemond Targaryen como parte de las recompensas por rangos en PvP, así que septiembre apunta a venir especialmente cargado para quienes siguen de cerca el metajuego del título.

Game of Thrones: Legends, por cierto, ha tenido un arranque comercial sólido. Según datos del mercado, el juego superó el millón de ingresos en apenas 11 días desde su estreno global, con Estados Unidos concentrando el 47 % de la facturación, por delante de Francia y Australia.

Ese empuje inicial, de todos modos, no ha frenado las críticas a su monetización. Al juego se le ha acusado de acercarse al modelo pay-to-win, y también han aparecido quejas por el equilibrio de recompensas en eventos anteriores. Aun así, “A Blood Debt” vuelve a poner a Oberyn Martell en el centro de Game of Thrones: Legends durante unos días, y eso ya es un reclamo claro para la base de usuarios del juego.

The Ghost and the Darkness, la película de aventuras, supervivencia y terror que se estrenó en 1996 y reunió a Val Kilmer con Michael Douglas, acaba de llegar a Paramount+ en Estados Unidos, casi treinta años después de su paso por los cines.

Fuera de ese mercado, The Ghost and the Darkness también está disponible para alquiler o compra en plataformas como Apple TV y Prime Video, según el país.

Su desembarco en el catálogo digital está despertando otra vez el interés por una película que no suele aparecer en la primera línea de los recuerdos cinéfilos de los 90, pero que sigue teniendo un sitio muy propio dentro del cine de aventuras, supervivencia y horror producido por los grandes estudios.

Para quienes no la vieron en su día, o simplemente quieren volver a ella ahora, la novedad pasa por ahí: por su llegada oficial al streaming, justo cuando también atraviesa una pequeña reevaluación crítica y popular que, para muchos, la está colocando como una joya infravalorada del cine comercial de aquella década.

Estrenada en 1996, The Ghost and the Darkness cuenta con Val Kilmer y Michael Douglas al frente del reparto. La dirigió Stephen Hopkins y el guion lleva la firma de William Goldman, ganador del Oscar y autor de títulos como Butch Cassidy and the Sundance Kid y All the President’s Men.

La película mezcla aventura clásica, tensión de supervivencia y terror animal para contar la historia de dos leones asesinos que desatan el pánico durante la construcción de un puente ferroviario en África. Michael Douglas, además, participó como productor del proyecto.

Si la película ha seguido dando vueltas durante años, una de las razones más claras está en su origen real.

El argumento de The Ghost and the Darkness toma como punto de partida los ataques de Tsavo de 1898, en la actual Kenia, cuando dos leones devoradores de hombres aterrorizaron a los trabajadores de una línea ferroviaria. Con el tiempo, aquella historia dio pie a libros, documentales y nuevas investigaciones científicas. Los restos de los llamados leones de Tsavo, conservados en el Field Museum de Chicago, se han estudiado mediante análisis de ADN y del desgaste dental y, de acuerdo con esos trabajos del propio Field Museum de Chicago, se confirmó que los animales se alimentaron de humanos, además de jirafas, cebras y ñus, y que probablemente eran hermanos.

Cuando se estrenó, The Ghost and the Darkness recibió críticas mixtas, aunque por escala jugaba claramente en la liga de las grandes producciones de Hollywood: tuvo un presupuesto estimado de 55 millones de dólares y recaudó cerca de 75 millones en todo el mundo, de los cuales 38,6 millones correspondieron a la taquilla de Estados Unidos.

Aun así, The Ghost and the Darkness dejó marca. Ganó el Oscar a mejor edición de sonido y, con los años, fue reuniendo una base de seguidores que la defiende como un thriller de supervivencia muy eficaz. Parte de ese redescubrimiento también ha venido de la mano de retrospectivas sobre un rodaje complicado, con tensiones creativas entre bambalinas y declaraciones posteriores de Stephen Hopkins en las que dejaba ver su decepción con el montaje final. Hoy, con tanta revisión de catálogo impulsada por el streaming, esa mezcla de ambición, rareza y pulso clásico parece estar jugando a favor de The Ghost and the Darkness, que se mantiene como una de las piezas más peculiares de la filmografía de Val Kilmer.

Christopher Nolan nunca ha escondido lo que siente por 2001: Una odisea del espacio, la película de Stanley Kubrick. Más de una vez ha reconocido que ni siquiera él puede decir que la comprenda por completo. Y aun así, o quizá por eso mismo, para el director de Interstellar y Oppenheimer sigue siendo una de esas obras que desbordan cualquier explicación cerrada y permanecen en el centro de su manera de entender el cine.

Nolan ha contado que vio 2001: Una odisea del espacio por primera vez cuando tenía siete años. Entonces no la entendió. Hoy tampoco intenta sostener que la entienda del todo. Pero esa falta de certeza nunca le ha restado valor a la película. Más bien al contrario: para él, es una de las cimas de lo que el cine puede llegar a hacer.

Estrenada en 1968, 2001: Una odisea del espacio suele figurar entre las grandes películas fundacionales de la ciencia ficción moderna. La mirada de Kubrick cambió la forma de mostrar el espacio en pantalla, pero también alteró algo más profundo: la idea de cómo una película podía contar a través de imágenes, del ritmo, del sonido y de la ambigüedad, sin apoyarse en una estructura convencional.

Nolan la ha llamado “cine puro”. La expresión apunta a eso, a una obra hecha para vivirse de manera visceral e inmersiva, más que para resolverse como si fuera un rompecabezas con una única respuesta. Quizá por eso su influencia sigue tan presente entre espectadores y cineastas, incluso más de medio siglo después.

Steven Spielberg, de hecho, llegó a describir 2001: Una odisea del espacio como el “big bang” de su generación de directores. Con esa imagen dejaba claro hasta qué punto la película cambió las reglas del juego, tanto en Hollywood como en el cine del resto del mundo.

Si hay una película de Nolan donde esa herencia se ve con mayor nitidez, es Interstellar. Las conexiones saltan a la vista: viajes espaciales a gran escala, una reflexión filosófica sobre el lugar de la humanidad en el universo y una ambición visual pensada para deslumbrar en pantalla grande.

Pero también hay una diferencia de peso. Kubrick tendía a una frialdad medida, a una distancia casi abstracta. Nolan, en cambio, suele empujar más el componente emocional. En Interstellar, lo íntimo y lo familiar conviven con la inmensidad del cosmos.

La relación de Nolan con 2001: Una odisea del espacio no se ha limitado a lo que ha dicho en entrevistas. En 2018, por el 50 aniversario de la película, impulsó una versión en 70 mm “sin restaurar”, preparada a partir del negativo original de cámara para reproducir con la mayor fidelidad posible la experiencia de su estreno.

Aquel gesto reforzó la imagen de Nolan como uno de los grandes defensores actuales del formato analógico. También sirvió para recordar que 2001: Una odisea del espacio no es una pieza de museo. Sigue ahí, viva, tanto en las discusiones sobre la huella que ha dejado en el cine de Nolan como en fenómenos populares como los misteriosos monolitos que aparecieron en 2020.

No está claro que 2001: Una odisea del espacio admita una lectura definitiva. Para Nolan, da la impresión de que justo ahí está su fuerza.

Babylon 5 se estrenó en 1994, pero en 2023 volvió a ganar impulso con el estreno de la película animada Babylon 5: The Road Home y con los intentos de su creador, J. Michael Straczynski, junto a Warner Bros. Television, por sacar adelante un reboot en una nueva plataforma.

Tantas décadas después de aquel debut, Babylon 5 sigue apareciendo una y otra vez cuando se habla de ciencia ficción televisiva. Triunfó en su momento, sí, pero además acabó marcando el rumbo de buena parte del género.

Creada por J. Michael Straczynski, Babylon 5 convirtió una estación espacial en el centro de una historia enorme sobre guerra diplomacia, religión y destino. La idea de Straczynski reunía dos pulsiones que rara vez conviven tan bien: por un lado, un asombro científico muy cercano al espíritu de Carl Sagan, con curiosidad, cierta sensación de realismo y fascinación por lo desconocido; por otro, una construcción mítica que muchos han comparado con J.R.R. Tolkien, con civilizaciones antiguas, profecías, conflictos entre eras y un relato de escala casi legendaria.

De ahí salió una serie con una personalidad muy distinta a la de otras ficciones espaciales de los 90. Más que plantearse como una aventura semanal, Babylon 5 quería contar la historia de un universo que estaba cambiando, y lo hacía como una “novela para televisión”, con un arco argumental pensado para cinco temporadas completas. En aquella época, dominada por episodios cerrados, eso no era precisamente lo normal.

Y se notó.

La serie construyó una narrativa de largo recorrido en la que decisiones que parecían menores acababan teniendo consecuencias años más tarde. Personajes, alianzas y traiciones no se quedaban quietos, sino que evolucionaban con el tiempo. Hoy eso puede parecer de lo más habitual; entonces, en cambio, ayudó a abrir camino a otra manera de hacer televisión.

Parte del legado de Babylon 5 también está en los temas que se atrevió a tocar, y con una ambición poco frecuente: la guerra y la paz, el auge del autoritarismo, el choque entre religión y poder, el libre albedrío y, al final, la propia condición humana. Todo eso tomaba forma dentro de un universo interestelar levantado con mucho cuidado, lleno de historias antiguas, tensiones diplomáticas y arcos emocionales que hacían que sus conflictos pesaran de verdad.

Había naves, claro, pero Babylon 5 iba bastante más allá de eso. Era también una reflexión sobre cómo las sociedades se destruyen, se reinventan y recuerdan. A eso se suma que fue pionera en el uso de CGI para efectos visuales en televisión a comienzos de los 90, una apuesta que ayudó a modernizar la imagen de la ciencia ficción en la pantalla pequeña y que terminó acompañada por dos premios Hugo y un premio Saturn.

Su influencia se deja ver después en producciones como Lost, Battlestar Galactica y The Expanse, herederas en distinta medida de su forma de entender la serialización y de su complejidad política.

Ese nuevo impulso también ha vuelto a poner sobre la mesa el debate sobre el legado de Babylon 5, todavía muy concentrado en Estados Unidos y Reino Unido, mientras que su recepción global, sus lecturas filosóficas y económicas o su papel pionero en la relación en línea entre creador y fans siguen bastante menos explorados. Lo que todavía no se sabe es cuándo llegará ese reboot de Babylon 5 a una nueva plataforma.

‘Obsession’, la película de terror escrita y dirigida por Curry Barker, se ha convertido en 2026 en el gran fenómeno del género. Según los datos de taquilla disponibles, transformó un presupuesto de 750.000 dólares en más de 500 millones de recaudación mundial, una cifra que la coloca entre los mayores bombazos del año. Pero 2026 no se entiende solo a partir de ese título: junto a ‘Obsession’, películas como ‘Backrooms’, ‘Send Help’, ‘Hokum’ y ‘28 Years Later: The Bone Temple’ están dejando claro, cada una a su manera, por qué el terror atraviesa uno de sus años más fértiles.

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Y no es solo una cuestión de ruido en taquilla alrededor de ‘Obsession’. Hay varias películas que están sosteniendo la conversación por lo que hacen en pantalla, desde el horror nacido en internet hasta propuestas respaldadas por franquicias pesadas o por mezclas más ligeras entre comedia, supervivencia y sustos sobrenaturales.

Si hay cuatro nombres que ayudan a entender la variedad del género este año, son estos: ‘Backrooms’, ‘Send Help’, ‘Hokum’ y ‘28 Years Later: The Bone Temple’.

Cada una marca un camino distinto hacia el éxito, ya sea por viralidad online, por una firma autoral reconocible, por una apuesta tonal menos habitual o por seguir una saga con prestigio.

‘Backrooms’ quizá sea el caso más llamativo después de ‘Obsession’. Basada en el fenómeno viral nacido entre creepypastas y vídeos de YouTube, la película pasó, según los datos de taquilla disponibles, de los 394 millones de dólares en todo el mundo. Eso refuerza una idea cada vez más difícil de discutir: el terror que sale de comunidades digitales ya no funciona como un nicho, sino como una cantera real de nuevas franquicias con capacidad para llenar salas.

En otra frecuencia está ‘Send Help’, dirigida por Sam Raimi, que ha ganado presencia en la conversación del género por esa mezcla de horror, comedia y supervivencia.

‘Send Help’ también ha llamado la atención porque no se queda únicamente en el guiño al fan del género. A eso se suma que sus interpretaciones protagonistas han sido bien recibidas en la acogida inicial, algo que le ha dado una identidad más amplia dentro del calendario de estrenos.

‘Hokum’, en cambio, ha terminado siendo una de las sorpresas críticas del año.

Este relato de horror sobrenatural, con Adam Scott al frente, ha conectado con quienes iban buscando una propuesta menos apoyada en el gran espectáculo y más en la atmósfera, en la incomodidad, en esa inquietud que no suelta.

Lo que comparten ‘Obsession’ y ‘Backrooms’ no se reduce a la taquilla.

Las dos muestran hasta qué punto internet está cambiando el desarrollo y el marketing del terror: creadores surgidos de YouTube, conceptos que se vuelven virales y comunidades online muy activas están sirviendo de trampolín para grandes éxitos en salas.

Para la industria, ahí hay una pista bastante evidente. El terror sigue siendo uno de los terrenos más flexibles para detectar ideas con tirón real antes de que den el salto a gran escala.

Tampoco todo ha pasado por ideas originales o por historias nacidas en la red.

‘28 Years Later: The Bone Temple’, dirigida por Nia DaCosta, llegó con el peso de una franquicia histórica y recibió elogios en su recepción crítica por continuar la saga zombi poniendo el foco no solo en la violencia, sino también en la esperanza, el cuidado y la compasión frente a la crueldad humana. Aun así, la película se quedó por debajo de las expectativas comerciales si se mira su desempeño en taquilla.

Ese contraste retrata bastante bien el momento del género en 2026: conviven películas empujadas por una voz propia con grandes marcas que cualquiera reconoce.

Ahí están también ‘Scream 7’ o ‘Insidious: Out of the Further’, prueba de que las franquicias siguen siendo viables, aunque ya no acaparan por sí solas toda la conversación.

‘Obsession’ se lleva el gran titular, sí, pero no es la única razón por la que 2026 está siendo un año especialmente fuerte para el terror.

Toei ha anunciado hoy que Super Sentai, la franquicia japonesa de tokusatsu que desde 1993 sirve como base de Power Rangers, entrará en pausa después de No.1 Sentai Gozyuger, la serie con la que celebra su 50.º aniversario. Con eso, el modelo clásico de adaptación que sostuvo durante años a las dos marcas se queda, por ahora, sin una continuidad clara.

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La decisión no supone la desaparición inmediata de ninguna de las franquicias. Pero sí corta la relación industrial que convirtió metraje producido en Japón en un fenómeno global.

Desde que debutó Mighty Morphin Power Rangers, la versión estadounidense fue construyendo su identidad a partir de adaptaciones de Super Sentai: tomaba tramas, trajes, monstruos y, sobre todo, las escenas de acción.

Mighty Morphin Power Rangers recicló material de Kyoryu Sentai Zyuranger y dejó fijada una fórmula baratísima y muy eficaz: grabar escenas nuevas con actores estadounidenses y apoyarse en las secuencias japonesas para los combates. Ese sistema funcionó durante décadas. El problema es que dependía de una condición muy simple: que Super Sentai siguiera sacando nuevas temporadas dentro de su formato tradicional.

El parón llegará después de Gozyuger y representa un giro fuerte para una de las propiedades más reconocibles del tokusatsu japonés. No significa, tal cual, que Toei vaya a borrar el género de su mapa. Sí señala el final de la línea de continuidad que conectaba de forma directa con Power Rangers.

Según varias informaciones publicadas en Japón, entre las razones detrás de la decisión estarían la caída de las audiencias y el retroceso en las ventas de juguetes. Dos síntomas bastante claros de la presión que soporta hoy este mercado.

Toei, de todos modos, no piensa salir por completo de ese terreno. La compañía ya prepara Project R.E.D. (Records of Extraordinary Dimensions), una nueva iniciativa dentro del tokusatsu que arrancaría con Super Space Sheriff Gavan Infinity.

Dicho de otra manera, Toei quiere seguir probando con héroes de imagen real. Lo que cambia es que ya no tiene por qué hacerlo bajo la estructura ni bajo la marca de Super Sentai.

Power Rangers, mientras tanto, tampoco tiene un rumbo claro en live-action. Hasbro ha ido tanteando varios reinicios en los últimos años, entre ellos un proyecto para Netflix y una propuesta de universo de acción real para Disney+ vinculada a Jonathan Entwistle, aunque distintos reportes apuntan a que ambas opciones terminaron descartadas.

Power Rangers Cosmic Fury fue la última temporada que todavía se apoyó en el modelo clásico, y ya se sentía como una despedida, aunque solo fuera parcial, de la fórmula de siempre. Entre los fans y dentro de la industria, la reacción ha oscilado entre la nostalgia y el desconcierto. Nadie sabe todavía cuándo, o incluso cómo, podría producirse el regreso de Power Rangers en imagen real.

Bepuzzled ha presentado hoy President Hudson Sign, un nuevo rompecabezas físico de metal con licencia oficial de The Legend of Zelda. La pieza toma inspiración directa de The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom y apunta bastante claro a dos tipos de público: coleccionistas y gente a la que de verdad le gustan los desafíos de lógica.

No estamos hablando de un nuevo videojuego ni de algún lanzamiento digital relacionado con la saga, sino de un puzle metálico con licencia oficial pensado para exhibir, sí, pero también para poner a prueba a quien se anime a resolverlo. Y eso seguramente llamará más la atención de quienes disfrutaron de The Legend of Zelda: Breath of the Wild y, sobre todo, de The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom.

President Hudson Sign nace de una colaboración entre Bepuzzled y Hanayama, dos marcas que suenan enseguida entre los seguidores del mercado de los rompecabezas de metal.

La idea elegida para este modelo sale de uno de los detalles más recordados de The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom: los carteles del presidente Hudson que Addison intenta mantener en pie a lo largo y ancho de Hyrule.

Dentro del juego de Nintendo, aquella misión secundaria acabó convirtiéndose en una de las actividades más fáciles de reconocer de toda la aventura. Ahora, ese mismo concepto da el salto a un formato físico, tangible, de los que se resuelven sobre la mesa.

Y la elección del motivo dice bastante.

La serie Zelda tiene símbolos mucho más clásicos, como la Trifuerza o el Escudo Hyliano. Aun así, la etapa marcada por The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom también ha ido dejando sus propias imágenes reconocibles, y el cartel de Hudson ya está claramente entre ellas.

Por eso, President Hudson Sign funciona como un guiño directo a la fase más reciente de la franquicia y a todos los que se pasaron horas echándole una mano a Addison para sujetar los letreros de Hudson Construction.

Hanayama ha colocado a President Hudson Sign en un nivel de dificultad 6, así que entra en esa categoría de rompecabezas pensados para quien quiere un reto serio, no solo una pieza bonita para decorar una estantería.

Sobre el papel, desde luego, no da la impresión de ser uno de esos puzles que se despachan en cinco minutos.

Además, este ya es el quinto puzle temático de Zelda dentro del catálogo de Bepuzzled, donde ya se podían encontrar otros diseños basados en elementos muy reconocibles de la saga, entre ellos el Escudo Hyliano y la Trifuerza.

En precio, President Hudson Sign ya se deja ver en tiendas como Amazon por cifras que rondan los 37,79 dólares.

De momento, la disponibilidad que se ha conocido apunta sobre todo a Norteamérica.

Aún faltan análisis más a fondo sobre la calidad de construcción y sobre cómo responde la experiencia de resolución cuando se tiene en las manos, no solo en la ficha del producto. Pero ahora mismo su mayor tirón está en la idea, en la licencia oficial y en recuperar uno de los guiños más simpáticos que dejó el último gran Zelda.

Un póster internacional de Avengers: Doomsday que ya circula en Japón ha puesto a los X-Men en el centro de la conversación. Y no por una filtración ni por una declaración de Marvel Studios, sino por algo mucho más simple: la forma en que aparecen destacados dentro del material promocional. La película llegará a Japón y Estados Unidos el 18 de diciembre de 2026, según el calendario oficial del estudio, pero mientras tanto buena parte del debate ya se está jugando en torno a ese cartel. Este texto reúne las especulaciones que han salido de ahí. Como pasa siempre con este tipo de lecturas, mejor no tomarlas como confirmaciones.

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Marvel Studios ya ha empezado a mover la campaña de la película, y uno de esos nuevos materiales ha disparado los comentarios entre fans. El cartel resalta el logo de los X-Men de una forma difícil de pasar por alto, una señal bastante clara para quienes llevan tiempo pensando que los mutantes volverán a ocupar un lugar importante dentro de la historia.

Eso no significa, al menos por ahora, que Marvel haya confirmado nada. La película apunta a reunir franquicias, personajes y generaciones distintas de héroes, pero el estudio todavía no ha dicho de forma oficial que esa presencia tan visible en la promoción vaya a convertirse también en un papel central dentro de la propia trama.

El póster japonés, además, no va por libre. Forma parte de una campaña promocional más amplia centrada en equipos.

Ahí entran también los Avengers, los Fantastic Four y los wakandianos. Por cómo se está presentando el proyecto, Avengers: Doomsday se vende como una película coral, con varias facciones compartiendo espacio y peso dentro del relato.

Aun así, lo que más ha hecho levantar la ceja, tanto entre fans como entre quienes siguen la estrategia del estudio más de cerca, es el lugar que ocupa el emblema mutante. No es un detalle menor, sobre todo ahora que Marvel Studios sigue incorporando poco a poco a los personajes que venían de la etapa de 20th Century Fox. En marketing, ese tipo de ubicación casi nunca aparece por accidente.

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Si esa lectura del material promocional va bien encaminada, Avengers: Doomsday podría terminar siendo uno de los crossovers más grandes que haya montado Marvel Studios hasta la fecha.

La idea que se desprende de esa campaña es bastante ambiciosa: una película construida como punto de encuentro entre héroes de varios universos. Por un lado estaría el MCU principal, la Tierra-616. Por otro, el universo de los Fantastic Four, identificado como Tierra-828. Y además, el mundo de los X-Men de Fox, que normalmente se asocia con la Tierra-10005. Ese mapa encaja bien con la escala que Marvel lleva años levantando dentro de la Saga del Multiverso. Por eso, ver a los X-Men ya colocados en la promoción como bloque propio empuja una idea bastante concreta: quizá no estén ahí para un cameo nostálgico y poco más, sino como una facción con peso directo en el conflicto principal.

Dentro de esa misma interpretación aparece también el que sería el motor de la colisión entre universos: Doctor Doom, presentado como el responsable de una guerra multiversal.

Y hay otro factor que ha disparado todavía más la expectación. Marvel Studios ya anunció que Robert Downey Jr. interpretará al villano, un giro que por sí solo ha colocado a Avengers: Doomsday entre los títulos más comentados del calendario del estudio. Si el antagonista va a ser de ese tamaño, resulta lógico pensar en un frente común con Avengers, Fantastic Four, wakandianos y X-Men ante una amenaza que no cabe dentro de una sola realidad.

En el reparto anunciado por Marvel Studios ya aparecen varios regresos ligados al legado de X-Men: Patrick Stewart, Ian McKellen, James Marsden, Halle Berry y Famke Janssen.

Solo con esos nombres sobre la mesa ya cuesta imaginar que el estudio esté preparando una participación menor.

Por ahora, eso sí, Marvel Studios no ha explicado cuánto tiempo en pantalla tendrán los mutantes ni de qué manera se mezclarán con los héroes de las otras franquicias. Lo único fijado de manera oficial sigue siendo la fecha: Avengers: Doomsday tiene previsto estrenarse en Japón y Estados Unidos el 18 de diciembre de 2026, según el calendario del estudio.

Polyphony Digital mantiene hasta el 31 de agosto de 2026 a las 8:59 UTC una promoción en Gran Turismo 7 para jugadores de PlayStation 4 y PlayStation 5: dos coches gratis. La desarrolladora ha explicado que se trata de una campaña por tiempo limitado con dos vehículos exclusivos en versión Stealth Model, y seguirá activa hasta esa misma fecha y hora.

Y no es uno de esos regalos que luego reaparecen en la tienda del juego. Polyphony Digital ya ha dejado claro que estos coches no podrán comprarse más adelante dentro de Gran Turismo 7, así que esta campaña será la única vía para conseguirlos.

Para llevárselos, hay que participar en la Viewers Gift Campaign asociada a las retransmisiones de la Gran Turismo World Series Round 2. Todo se hace desde el propio juego: toca entrar en la pantalla World Map de Gran Turismo 7 y abrir desde ahí los directos correspondientes.

Tampoco hace falta tragarse las emisiones enteras. Según la propia compañía, basta con reproducir cada retransmisión durante unos segundos para que el sistema deje constancia del registro. Si quieres reclamar los premios, eso sí, tienes que hacerlo desde el acceso integrado en Gran Turismo 7, porque ver esas emisiones fuera del juego no cuenta.

La promoción incluye el Toyota FT-1 Vision Gran Turismo (Gr.3) Stealth Model y el Mazda 787B ’91 Stealth Model. Ambos llegan con un acabado mate negro que, según explica Polyphony Digital, había sido muy pedido por la comunidad. En el caso del Mazda 787B ’91, además, pesa mucho su historia y también el cariño que le tienen los seguidores de la saga.

El Mazda 787B ’91 fue el primer coche japonés en ganar las 24 Horas de Le Mans, en 1991, y desde hace años se mantiene como uno de los modelos más queridos por los jugadores de Gran Turismo.

Eso sí, completar el registro antes del 31 de agosto de 2026 a las 8:59 UTC no significa recibir los coches al momento. Polyphony Digital ha indicado que ambos se entregarán el 1 de septiembre de 2026 a través de la pestaña Gifts dentro del juego, y también ha confirmado que estos Stealth Model no estarán disponibles después para su compra en la economía de Gran Turismo 7.

La campaña, eso sí, no ha arrancado sin tropiezos. En sus primeros compases hubo problemas de sobrecarga en los servidores por la alta demanda, y eso impidió durante un tiempo que algunos usuarios pudieran completar el registro.

De hecho, no es la primera vez que pasa algo así. Una incidencia parecida ya había afectado a la promoción de la World Series Round 1, aunque el sistema acabó estabilizándose después. Este regalo forma parte del intento de Sony y Polyphony Digital por empujar la audiencia de los eventos esports de Gran Turismo, y además llega al mismo tiempo que la gran actualización de agosto de 2026, que añadió cuatro coches nuevos y metió cambios importantes en la física, los neumáticos y el force feedback.

Yoozoo Games ha presentado Game of Thrones: Ancient Ruins como un evento temporal dentro de Game of Thrones: Winter Is Coming, según una actualización publicada el 27 de agosto de 2026. Hablamos de una actividad de tiempo limitado integrada en Game of Thrones: Winter Is Coming, no de un juego nuevo con entidad propia. A día de hoy, además, Yoozoo Games apenas ha dado información oficial.

Conviene dejarlo claro para que no haya equívocos: Ancient Ruins será una actividad especial dentro de Game of Thrones: Winter Is Coming, un RTS free-to-play para navegador y móviles desarrollado por Yoozoo Games bajo licencia oficial de Warner Bros. Interactive Entertainment y HBO.

Game of Thrones: Winter Is Coming salió en 2019 y, desde entonces, ha conservado una comunidad bastante estable en las dos plataformas. Con este anuncio, Yoozoo Games vuelve a mover el interés de los jugadores con un gancho temático muy reconocible: llevar la acción hasta la antigua Valyria.

Por la descripción inicial de Yoozoo Games, Ancient Ruins será un evento entre servidores, así que todo apunta a que buscará reunir o enfrentar a jugadores de distintos servidores. Esa misma descripción también menciona recompensas exclusivas y un “gran premio misterioso” del que, por ahora, no se sabe nada concreto.

El gran atractivo del evento está en la ambientación. Old Valyria ocupa un lugar casi legendario dentro del universo de Game of Thrones: fue la cuna de una civilización de jinetes de dragón, desapareció tras el célebre Doom of Valyria y está profundamente ligada al pasado de la Casa Targaryen.

Y eso convierte a Ancient Ruins en una buena ocasión para tirar de una parte del lore que casi nunca ocupa un papel jugable central, algo capaz de llamar la atención incluso de quienes no siguen Game of Thrones: Winter Is Coming día a día.

Lo que falta, en cambio, sigue siendo casi todo lo importante. Yoozoo Games no ha explicado cómo se jugará exactamente Ancient Ruins, qué tipo de actividades traerá, cuánto tiempo estará disponible, de qué forma se representará Old Valyria ni cómo encajará el evento dentro de la economía y la progresión habituales de Game of Thrones: Winter Is Coming.

Tampoco hay más detalles sobre ese premio final, así que buena parte de las primeras coberturas están saliendo de la misma información promocional difundida por Yoozoo Games.

El anuncio aparece, además, en una etapa especialmente movida para los videojuegos de la franquicia. Mientras Game of Thrones: War for Westeros sigue previsto para PC a comienzos de 2027, y Game of Thrones: Dragonfire lleva disponible en móviles desde junio de 2026, Ancient Ruins pasa a formar parte de esta nueva oleada.

Todavía no se sabe cuándo arrancará el evento, y Yoozoo Games tampoco ha aclarado si Ancient Ruins tendrá algún peso más allá de su condición de contenido temporal.