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Author: Juan Carlos Saloz

{ "de-DE": "", "en-US": "Cultural journalist specialized in film, series, comics, video games, and everything your parents tried to keep you away from during your childhood. Also an aspiring film director, screenwriter, and professional troublemaker.", "es-ES": "Periodista cultural especializado en cine, series, cómics, videojuegos y todo lo que tus padres intentaban que evitaras en tu infancia. También director de cine en ciernes, guionista y liante profesional.", "fr-FR": "Journaliste culturel spécialisé en cinéma, séries, bandes dessinées, jeux vidéo et tout ce que tes parents essayaient de te faire éviter dans ton enfance. Également réalisateur de cinéma en devenir, scénariste et fauteur de troubles professionnel.", "it-IT": "", "ja-JP": "", "nl-NL": "", "pl-PL": "", "pt-BR": "", "social": { "email": "", "facebook": "", "twitter": "", "linkedin": "" } }

Por qué deberías leer este increíble cómic de ciencia ficción antes de que Netflix estrene su serie

Por qué deberías leer este increíble cómic de ciencia ficción antes de que Netflix estrene su serie

Las plataformas de streaming siguen luchando con sus mejores armas por tener el mejor contenido de ciencia ficción actual. Mientras Apple TV+ apuesta por el sci-fi cerebral y pausado con propuestas como Severance o Fundación, y Max hace apuestas más seguras con grandes IPs como The Last of Us, Netflix lleva su propia guerra con adaptaciones arriesgadas pero muy interesantes. El pasado año vimos esto muy claro con El problema de los tres cuerpos, y este año hemos recibido la (completamente olvidable) Estado Eléctrico.

El Eternauta es la mayor apuesta de Netflix por la ciencia ficción de este año

Pero el 30 de abril, Netflix estrena una serie que, esta vez sí, puede llevar a todo su público a interesarse: El Eternauta. Después del impacto de la adaptación de Cien años de soledad, la plataforma vuelve a mirar a Latinoamérica con ambición, esta vez con una obra que, si bien es menos conocida internacionalmente, es un pilar fundamental de la cultura argentina y del cómic de ciencia ficción a nivel mundial. Protagonizada por Ricardo Darín y dirigida por Bruno Stagnaro, la serie promete una producción espectacular, pero también una narrativa densa, política y existencial.

Sin embargo, antes de ver qué es lo que ha hecho Netflix con este cómic —que puede ser tan bueno como desastroso—, parémonos y echemos un ojo a su cómic original. Porque, pase lo que pase con la plataforma, esta obra es una maravilla que merece ser leída. Y más si conoces la historia de su autor.

Publicado originalmente entre 1957 y 1959 en la revista Hora Cero Semanal, el cómic de El Eternauta cuenta la historia de Juan Salvo, un hombre común que narra, desde un futuro lejano, una experiencia traumática ocurrida en Buenos Aires: una nevada letal comienza a caer sobre la ciudad, matando instantáneamente a todo el que toca.

El protagonista, junto a su esposa, su hija y un pequeño grupo de vecinos, se atrinchera en su casa e improvisa trajes protectores para sobrevivir. Pero lo que empieza como una historia de catástrofe pronto evoluciona en una epopeya de resistencia contra una invasión alienígena de múltiples capas, con enemigos cada vez más desconcertantes. El mensaje es claro: el heroísmo nunca es individual, sino colectivo. Es decir, solo organizándote como comunidad puedes resistir a lo inhumano. ¿Alguien dijo comunismo?

La trágica historia tras El Eternauta

Por supuesto, este concepto de resistencia no era casual. Su guionista, Héctor Germán Oesterheld, era un apasionado de la ciencia ficción, pero también un intelectual profundamente comprometido con los valores humanistas. Nacido en Buenos Aires en 1919, Oesterheld se formó como geólogo, pero desde joven se volcó en la escritura, primero como escritor de aventuras y después como guionista de cómic. Su estilo se caracterizaba por una sensibilidad muy poco habitual en el género: sus personajes eran vulnerables, éticos, más preocupados por los demás que por sí mismos. En lugar de ser héroes musculosos al estilo americano, Oesterheld proponía figuras profundamente humanas, muchas veces vencidas por el sistema… pero nunca entregadas a él.

El Eternauta fue un fenómeno brutal en Argentina, especialmente en los años posteriores a su publicación. No obstante, la vida del autor tomaría un giro oscuro durante los años 70. A medida que el país se sumía en una creciente inestabilidad política y luego en una dictadura feroz, Oesterheld radicalizó su militancia. Se acercó a la organización guerrillera Montoneros, para la que comenzó a escribir panfletos, discursos y documentos políticos. En paralelo, escribió una segunda parte de El Eternauta, más cruda, más explícitamente política, en la que Juan Salvo ya no huía de la invasión: lideraba una revolución contra un régimen opresor.

Fue su forma de dejar constancia de su pensamiento en medio del terror. Pero esa valentía tuvo consecuencias fatales. En 1977, Oesterheld fue secuestrado por la dictadura militar. Tenía 57 años. Fue visto por última vez en un centro clandestino de detención, según testimonios, aún escribiendo, aún resistiendo. Nunca se encontró su cuerpo. Antes de él, ya habían desaparecido sus cuatro hijas —Estela, Diana, Marina y Beatriz— todas militantes, todas asesinadas por el régimen junto a tres de sus yernos. Solo su esposa, Elsa, sobrevivió para contarlo.

El hecho de que un cómic de ciencia ficción haya sido escrito por un hombre que murió desaparecido por su pensamiento es, de por sí, impactante. Pero El Eternauta no solo sobrevive como un objeto cultural cargado de historia. Lo hace, sobre todo, porque es una obra increíblemente escrita, estructurada y pensada. Porque su relato de una invasión desde lo alto —esa nevada blanca, silenciosa y letal— puede leerse como una alegoría de cualquier tipo de opresión: colonial, dictatorial e incluso climática. Y porque los personajes no son superhéroes, sino gente corriente que lucha por mantenerse viva.

No sabemos aún qué tal será la serie —con Netflix nunca se sabe—, pero si su popularidad sirve para que se conozca más el cómic y la historia de Oesterheld, ya habrá valido la pena.

Author Juan Carlos SalozPosted on April 28, 2025April 28, 2025Categories Noticias

¿Vale la pena rejugar Until Dawn? La película vuelve a poner de moda el videojuego slasher por excelencia

¿Vale la pena rejugar Until Dawn? La película vuelve a poner de moda el videojuego slasher por excelencia

Acaba de llegar a cines Until Dawn, la esperada adaptación cinematográfica del videojuego de terror de 2015. En su momento, Until Dawn marcó un antes y un después gracias a su jugabilidad original y a su historia inmersiva. Sin embargo, de eso ya han pasado nueve años, por lo que está por ver hasta qué punto la película llegará a los fans que en su momento disfrutaron del juego.

Todavía es pronto para medir la recepción de la crítica, aunque ya os podemos hacer un pequeño spoiler: no parece que vaya a ser la película de terror del año. Su director, David F. Sandberg (Shazam!, Annabelle: Creation), parecía una elección más que interesante para llevar a la gran pantalla el universo slasher y sobrenatural del juego. Pero los primeros comentarios apuntan a que, más que una obra revolucionaria, se trata de un homenaje entretenido, aunque algo genérico y sin la sustancia que necesitaría. Sea como sea, su estreno está sirviendo para volver a poner Until Dawn en la conversación cultural. Así que la pregunta es evidente: ¿vale la pena rejugar al título original en pleno 2025?

El slasher que convirtió al jugador en verdugo (o víctima)

Cuando Until Dawn llegó a PlayStation 4 en 2015, lo hizo como un soplo de aire fresco en el mundo del terror interactivo. A pesar de que salió sin demasiado bombo y platillo, su propuesta engatusó a muchos y provocó que el boca a boca convirtiera al juego en todo un éxito. ¿El motivo? era una experiencia cinematográfica en toda regla. Además de divertidísimo y rejugable hasta la saciedad.

La premisa del juego era tan básica como la de La Matanza de Texas: un grupo de jóvenes se quedan atrapados en una cabaña remota en las montañas, acechados por una amenaza desconocida. Vamos, que era un slasher más de los que podemos ver en cines… pero con un giro clave que lo hacía único: aquí eras tú quien controla el destino de los personajes. Y sin demasiada conciencia sobre ellos.

En un momento en el que los juegos de David Cage como Beyond: Two Souls o Heavy Rain estaban en boca de todos, además del efecto brutal que tuvo Life is Strange unos meses antes, Until Dawn era el compendio perfecto entre este sistema de decisiones y el puro terror. Todo se basaba en el famoso “efecto mariposa”, una mecánica que convertía cada decisión del jugador —por mínima que fuera— en un potencial desencadenante de consecuencias dramáticas.

Esto provocaba destinos de lo más sorprendentes. Por tomar un camino u otro, ponías a salvo una vida o acababas con ella. Además, las decisiones cada vez tomaban más importancia: ¿Ayudas a tu amiga o salvas tu pellejo? ¿Confías en quien parece inocente o lo dejas atrás? Cada elección podía significar la vida o la muerte de uno de los personajes, y lo más brillante del juego era que absolutamente todos podían morir… o sobrevivir.

Su carácter cinematográfico aumentaba gracias a su reparto sorprendente. Rami Malek aparecía como protagonista (sí, el de Mr. Robot y Bohemian Rhapsody), pero es que también estaban figuras como Hayden Panettiere y Brett Dalton. Un reparto, honestamente, mucho mejor que el de la película de David F. Sandberg.

Pero ¿merece la pena jugarlo hoy día? Por desgracia, y como todo producto puntero en un momento muy concreto, rejugar Until Dawn hoy tiene un sabor agridulce. Lo bueno es que su atmósfera terrorífica sigue intacta. Pero cuando hablamos de sus mecánicas… ahí la cosa se complica.

Uno de los elementos más criticados al revisitar el juego en 2025 son sus controles. En su momento se presentaban como parte de la inmersión: mover el mando para no hacer ruido, responder con rapidez a los QTEs (Quick Time Events), tomar decisiones en segundos… Pero hoy, tras años de refinamiento en las experiencias narrativas, se sienten más aleatorios que orgánicos. En ocasiones, da la sensación de que el juego te castiga por no haber adivinado qué quería de ti en un momento concreto. Algunas muertes parecen inevitables o injustas, y la frustración no puede ser mayor.

Siempre queda la posibilidad de jugar al remake… pero desde aquí aconsejamos mucho más jugar al original. Ballistic Moon, el estudio detrás del remake de Until Dawn lanzado en 2024, anunció su cierre tras no lograr encontrar un editor para su próximo proyecto. Vamos, que el fracaso fue sonado… y ya sabéis lo que dicen, a veces es mejor quedarse con el original, tenga sus fallos o no, antes que con posibles remakes o adaptaciones al cine.

Author Juan Carlos SalozPosted on April 25, 2025April 25, 2025Categories Noticias

Lo mejor que ha hecho Star Wars en años ha vuelto: por qué Andor es el camino a seguir por la franquicia

Lo mejor que ha hecho Star Wars en años ha vuelto: por qué Andor es el camino a seguir por la franquicia

Si estáis en este mundo, sabréis perfectamente que Disney Plus acaba de estrenar la segunda temporada de Andor. Y, aunque todavía no hay datos de cómo ha funcionado este esperadísimo estreno, por la conversación en redes está claro que los fans de Star Wars pueden volver a estar de enhorabuena. Al fin, después de mucha espera, el mejor artefacto cultural que ha hecho Disney de la saga de Lucasfilm está de vuelta.

Una nueva esperanza para Star Wars

A pesar de que, en los últimos años, parece que Star Wars ha perdido por completo su brújula, cuando se estrenó Andor en 2022, nos tuvimos que dar con un canto en los dientes. La primera temporada fue una anomalía celebrada por crítica y público: una serie que rompía con los códigos más anticuados y aburridos de la saga, atreviéndose a poner temas sobre la mesa mucho más profundos e interesantes. Con un enfoque sobrio, político, existencialista y complejo, Andor no solo amplió el universo de esta galaxia muy, muy lejana, sino que demostró que todavía había mucho margen para contar grandes y relevantes relevantes dentro de ella.

A pesar de que en Andor no podemos ver (por lo general) la mejor iconografía de Star Wars, es decir, espadas láser, jedis y el poder de la Fuerza, la serie consiguió adentrarse en las brechas del universo de George Lucas como nunca antes se había hecho. Tony Gilroy, su showrunner, puso el foco en los márgenes. Habló de los trabajadores oprimidos del Imperio, de los espías sin gloria de la Revuelta y de las vidas arrasadas por un sistema totalitario que se muestra no desde el espectáculo visual, sino desde los engranajes cotidianos de la represión. La recepción no dejó lugar a dudas. Con un 96% en Rotten Tomatoes y múltiples premios, estaba claro que era lo mejor que se había hecho de Star Wars en años. Y para ello solo tuvo que seguir el camino trazado por Rogue One.

El regreso de Andor, por tanto, no es solo el de su protagonista interpretado por Diego Luna, es también la confirmación de que Star Wars puede ser relevante más allá del fanservice. Lo único malo es que será su última temporada, puesto que debemos recordar que todos los hechos de la serie concluyen en Rogue One. Pero ahora es momento de disfrutar de esta ambición narrativa que, sinceramente, nadie esperaba de Disney.

A pesar de que The Mandalorian demostró que se podía llegar a hacer maravillas visuales en formato serie, Andor llega adonde no lo ha hecho ni la serie de Pedro Pascal ni otras muchas como Obi-Wan Kenobi, Ahsoka o The Acolyte. Y es que Andor no parece una serie rodada frente a una pantalla verde. Gracias a su dirección fotográfica y artística, sus calles llenas de polvo y sus edificios con historia pueden sentirse. Además, esta apuesta por el realismo táctil no se basa solo en los escenarios. Se traslada también al tratamiento de los personajes: Cassian no es un héroe tradicional, sino un hombre roto, empujado a la lucha no por un código moral elevado, sino por la rabia, el dolor y la pérdida. La rebelión, en Andor, no nace del destino, sino de la desesperación.

No obstante, esta joya narrativa aterriza en el peor contexto de la saga en su historia. La sobresaturación de series y películas mal tratadas, con poca profundidad y personajes sobresaturados ha provocado que hay muy pocas ficciones que se salven de Star Wars. Quizás, la excepción más cercana sea Skeleton Crew, pero el resto de la ficción televisiva de La guerra de las Galaxias parece abocada al fracaso.

En este desierto creativo, Andor destaca como un oasis. Pero también como una excepción peligrosa: una serie que parece existir a pesar del sistema, no gracias a él. La gran pregunta es si Star Wars tendrá el valor de seguir este camino. De momento, no lo parece. Pero quizás sea el momento de que llegue otra nueva esperanza.

Author Juan Carlos SalozPosted on April 24, 2025April 24, 2025Categories Noticias

Nunca pensé que un western de vampiros sería la mejor película del año: Ryan Coogler lo peta con Sinners

Nunca pensé que un western de vampiros sería la mejor película del año: Ryan Coogler lo peta con Sinners

Seamos sinceros: 2025 está siendo un año desastroso para el cine. De momento, el único taquillazo real que hemos tenido ha sido Minecraft… y a pesar de sus números, está clarísimo que no es una película que recomendaría a absolutamente nadie en la faz de la Tierra. Otros intentos de blockbuster también se han quedado en el camino, como Captain America: Brave New World y Mickey 17. Y, si hablamos de Blancanieves, ya es para ponerse a llorar.

Pero, en mitad de esta vorágine de cine apestoso, ha surgido una película que no solo está reventando la taquilla estadounidense, sino que además tiene unas críticas impecables: Sinners, de Ryan Coogler. Solo basta citar algunos números para que os deis cuenta del asunto: en Rotten Tomatoes tiene un 98% de aceptación crítica y un 96% de la audiencia. En Letterboxd tiene una puntuación de 4.2. Y en IMDb va por un 8.1 sobre 10. Vamos, que todo el mundo está dejando claro que es un peliculón. Pero ¿por qué exactamente?

Michael B. Jordan por partida doble… ¡y aún queremos más!

Sinners es un western de vampiros (sí, tal cual) ambientado en el Mississippi de 1932. En el filme, Michael B. Jordan interpreta un doble papel: hace de dos hermanos gemelos que regresan a su pueblo natal para abrir un juke joint, pero de camino se encuentran con una amenaza sobrenatural sacada del folclore más oscuro del sur estadounidense. Entiendo que la premisa suene a locura, porque probablemente lo sea. Pero Sinners no solo funciona: te emociona, te sacude, te divierte y te deja claro que el buen cine original todavía es posible (o eso espero).

Lo que ha conseguido Coogler con Sinners no es baladí. El nombre del cineasta ya era sinónimo de éxito gracias a Fruitvale Station y Creed… pero sobre todo Black Panther. Ahora, con Sinners se consagra como un cineasta con una visión propia, capaz de utilizar los códigos del blockbuster para contar historias increíbles. A pesar de estar a la vanguardia del cine comercial, parece un autor noventero: un director de esos que solo necesitan libertad para sacudir la crítica y la taquilla.

Sinners lo tiene todo. Es, al mismo tiempo, una fantasía gótica, un drama racial, una carta de amor al sur afroamericano y una tragedia familiar con tintes shakesperianos. Los personajes no solo luchan contra monstruos literales, sino también contra los demonios del pasado, la violencia estructural, la herencia del racismo, la represión sexual y la culpa religiosa. Vamos, que Coogler ha unido todo lo que ya le marcaba como director para decir “aquí estoy yo”. Y allí adonde ha ido, el público lo ha seguido.

Michael B. Jordan es su aliado más fiel. Si bien hace poco vimos una interpretación doble algo extraña con Robert Pattison en Mickey 17, ahora Jordan llega para dejar claro que esto de hacer dos papeles no solo es una gran oportunidad, sino que puede hacerse de maravilla. Hay matices tan claros entre Smoke y Stack que te olvidas de que estás viendo a una misma persona. Donde uno es intensidad y sacrificio, el otro es contención y frialdad: parece que estés viendo a Al Pacino y Robert DeNiro interactuar en la piel de Jordan.

Visualmente, no se queda atrás. Autumn Durald Arkapaw, El director de foto, estaba algo denostado después de trabajar en The Marvels, pero en Sinners ha demostrado que, si le dejan hacer lo que quiere, se viene arriba con facilidad. Es quien da a la película su tono más terrorífico, y quien consigue que eso de un western de vampiros funcione.

Pero, por supuesto, el gran factor añadido al filme es la música. Si os digo que la hace Ludwig Göransson, probablemente ya resuene en vuestra cabeza la música de The Mandalorian, Oppenheimer o Tenet. Pero no me tiembla el pulso a la hora de decir que, con Sinners, el compositor sueco ha llevado a cabo el mejor trabajo de su carrera.

No es casualidad que la gente compare a Sinners con Get Out o incluso con Pozos de ambición. No porque sean parecidas en su tono, sino porque todas ellas supieron capturar algo del zeitgeist, de la energía cultural de su tiempo. Sinners no está interesada en agradar a todos. Es visceral, a ratos incómoda, incluso extraña. Pero esa extrañeza es su gran fuerza. En un año donde ninguna película parecía tener alma, esta película deja claro que, como siempre, el cine (comercial) aún tiene salvación.

Author Juan Carlos SalozPosted on April 23, 2025April 23, 2025Categories Noticias

Common People recupera la esencia de Black Mirror: en un mundo de máquinas, el mejor capítulo se centra en las personas

Common People recupera la esencia de Black Mirror: en un mundo de máquinas, el mejor capítulo se centra en las personas

Vivimos en un entorno sobreinformatizado, con la esencia del capitalismo en la palma de nuestra mano y la Inteligencia Artificial escribiendo la mayoría de artículos que lees —no, este no es el caso—. Es por ello que a Charlie Brooker le costó tanto conectar con el público en las últimas temporadas de Black Mirror: hiciera lo que hiciera, la sociedad digital respondía con algo peor.

Pero la séptima temporada de Black Mirror ha sorprendido a todos porque, sorpresa, es buenísima. Y para ello el público no ha tenido que llegar al último capítulo. Desde su primer minuto, Common People, el episodio que inaugura la temporada, se posiciona como el mejor capítulo que la serie ha ofrecido en años. Y no es lo que diga yo: basta con sumergirse un poco en las redes y foros especializados para encontrar una oleada de entusiasmo pocas veces vista desde clásicos como San Junípero o White Bear.

Por fin, Black Mirror vuelve a hablar de tú a tú a su público

La reacción del público ha sido inmediata y apasionada. En Reddit, una comunidad particularmente exigente con las últimas temporadas de la serie, muchos usuarios han coincidido en que Common People es un regreso a la mejor versión de Black Mirror. “Holy shit,” escribía un usuario, “Common People podría ser uno de los mejores episodios de toda la serie.” En las redes sociales abruman los análisis y emocionados de los fans, pero ¿qué es lo que ha hecho que este capítulo conecte tanto con la gente?

Lo primero, y más evidente, es que el capítulo se centra en lo que promete su propio título: la gente común. La historia gira en torno a Mike (Chris O’Dowd) y Amanda (Rashida Jones), una pareja de clase trabajadora que enfrenta una tragedia inesperada cuando a Amanda le diagnostican un tumor cerebral. Desesperado ante la perspectiva de perderla, Mike recurre a Rivermind —o más bien Rivermid recurre a Mike—, una empresa tecnológica que ofrece una solución insólita pero inquietantemente plausible: conservar la conciencia de Amanda en una especie de nube cerebral que se va renovando mediante una suscripción mensual.

A diferencia de otras entregas de Black Mirror, que juegan con tecnologías loquísimas o mundos distópicos alejados de nuestra realidad inmediata, Common People trabaja con un concepto que resulta peligrosamente cercano. La tecnología que plantea podría no estar tan lejos: una IA que simula funciones cognitivas, sostenida por pagos mensuales e integrada en un sistema de niveles según lo que puedas a pagar. No hay hologramas, no hay realidades alternativas extremas. Solo un marido, una suscripción, y la promesa de mantener “viva” la conciencia de su esposa… mientras el saldo bancario lo permita.

Sin embargo, lo más inquietante del capítulo no es la tecnología en sí, sino el sistema que la rodea. Common People funciona como una crítica maravillosa al modelo de consumo de masas, al capitalismo de las suscripciones, y a la manera en la que la vida —y la muerte— pueden ser monetizadas con pasmosa facilidad en nuestro día a día.

De hecho, se basa en lo mismo que hacen Netflix, Prime Video o Spotify. Al principio, el plan de Rivermind parece asequible. Pero, como cualquier servicio moderno, los upgrades comienzan a aparecer. Por un poco más, Amanda puede tener acceso a mejores recuerdos. Por una tarifa superior, su capacidad de comunicación mejora. Y sino, claro, te mete anuncios inoportunos. Literalmente, Amanda empieza a interrumpir sus conversaciones con cuñas publicitarias. Es gracioso… pero tan real que asusta al miedo.

No es difícil leer en este capítulo una autocrítica de Netflix hacia sí misma, o al menos una parodia amarga del modelo que domina el entretenimiento digital hoy en día. Y por eso gusta tanto. Porque Black Mirror, por fin, ha vuelto a mirarse al espejo negro.

Charlie Brooker ha vuelto por la puerta grande. Y lo ha hecho por una sencilla razón: porque ha vuelto a entender nuestro mundo para hablar de nosotros. No de los que no inventan las tecnologías, sino de quienes las sufrimos. De quienes aman, cuidan y pierden por no tener poder adquisitivo o por tener un trabajo sustituible por una IA. Se me ocurre a más de uno al que no le iría mal echar un ojo a este capítulo.

Author Juan Carlos SalozPosted on April 22, 2025April 22, 2025Categories Noticias

Por qué es imposible que la segunda temporada de The Last of Us esté a la altura de la primera

Por qué es imposible que la segunda temporada de The Last of Us esté a la altura de la primera

Sé lo que estáis pensando tras leer el titular: “este tío no ha jugado a The Last of Us 2“. Pero lo cierto es que sí. Escribo esto como fan acérrimo de la saga… y de la primera temporada de la serie. Dicho esto, y después de ver los dos primeros episodios de la temporada 2, os voy a contar por qué creo que es imposible que sea mejor que la primera. E incluso que esté a la altura.

¿Se está perdiendo la conexión emocional con los protagonistas?

Si estáis al día de la segunda temporada de The Last of Us, probablemente ya estéis notando que empieza a sentirse diferente. Más allá de los zombies y los paisajes postapocalípticos, hay una sensación que recorre a muchos fans de la serie: ¿dónde está esa emoción arrolladora que nos arrastró en la primera temporada?

Es una sensación difícil de definir, pero está ahí: una leve distancia emocional, una narrativa que avanza con paso firme pero sin esa urgencia devastadora que tenía la historia de Joel y Ellie en su viaje inicial. No estoy hablando de una caída estrepitosa —The Last of Us sigue siendo una maravilla—, sino más bien de una desconexión que se siente cuando te sumerges en una historia más compleja y con tantos puntos de vista distintos.

Todos los fans de la franquicia ya saben lo que viene. Y está muy lejos de ser una simple repetición de la fórmula. The Last of Us Parte II, para muchos, una obra maestra incluso más ambiciosa que la primera. Técnicamente impecable, emocionalmente compleja y con una estructura narrativa que se atreve a romper convenciones. Pero también es un juego profundamente polarizador, y esto se debe a su forma de contar la historia.

El primer juego, y por tanto la primera temporada de la serie, tenía una narrativa muy sencilla. Si bien los personajes eran complejos, al final se trataba de la historia de un padre obligado y una hija obligada que pasan del odio al amor por pura supervivencia. Y entonces llega el final: un capítulo descorazonador que nos deja con la boca abierta y nos plantea qué habríamos hecho en su lugar.

Lo mejor de The Last of Us es, sin duda, la conversación que genera a posteriori. Y es por eso que funcionó tan bien la serie. Pero ¿qué pasa con la segunda temporada? Pues que se basa en dar respuesta a todas las preguntas morales surgidas en la primera parte.

Demasiada responsabilidad para Ellie

La segunda parte, tanto del juego como, por lo visto, de la serie, es más difusa. Más fragmentada. Más incómoda. Ya no seguimos solo a Joel y Ellie, sino que saltamos entre diferentes personajes, tiempos y perspectivas. Y lo que en el videojuego funciona gracias a la inmersión del jugador, en televisión corre el riesgo de perder fuerza.

En un mando, la historia se vive. En pantalla, solo se observa. Y la conexión emocional con ciertos personajes (especialmente con Abby) se construye, en el videojuego, a base de horas de juego, de decisiones, de esfuerzo. Traducir esa empatía a una serie es una misión titánica. De momento, estos primeros capítulos ya han perdido fuelle respecto a los anteriores. Y puede que la cosa vaya a más.

Ahora sí, spoiler alert: Joel muere. Y no de forma heroica ni con una gran construcción dramática. Muere pronto. Muere mal. Muere de forma repentina y brutal, porque el juego no quiere que idealices a nadie. Quiere, precisamente, que odies a quienes lo matan… para luego obligarte a entenderlos.

Pero… ¿cómo no vas a idealizar a Pedro Pascal? En términos narrativos, esta elección es magistral. Es muy similar a lo que ocurría con Sean Bean en Juego de Tronos. Pero, emocionalmente, es un suicidio comercial. Porque, en la serie, Joel no es solo el protagonista: es el alma de la historia. Y es que, claro, tiene el rostro y la voz de Pedro Pascal, una de las figuras más queridas y carismáticas de Hollywood. Todos lo amamos tanto fuera como dentro de la pantalla. Matarlo tan pronto y pedirle al espectador que se desprenda emocionalmente de él para empatizar con su asesina es un riesgo gigantesco. Uno que el videojuego pudo permitirse, pero que la televisión, con sus dinámicas de audiencia y fidelización, quizás no pueda sostener.

Quizás por ello, Craig Mazin y Neil Druckmann han decidido fragmentar el segundo juego en más temporadas de la serie. Pero no es tan buena idea como parece. Si lo dejan para el final de la temporada, muchos se bajarán del barco. Y si lo dejan en medio, será un gatillazo similar al de la temporada 4 de Succession.

Todo es una cuestión de distancia. Mientras en el videojuego jugabas como Joel y como Ellie, en la serie eres un espectador. Y el dolor de perder a un personaje tan magnético no se compensa igual de fácil. Si hay alguien que pueda hacerlo, sin duda, es la maravillosa Ellie de Bella Ramsey. Pero uf… si ya tenía haters, ahora se le van a echar encima los pocos que le quedaban vivos. Dios la pille confesada.

Author Juan Carlos SalozPosted on April 21, 2025April 21, 2025Categories Noticias

AI-Powered Distraction Removal: La nueva herramienta de Photoshop que te hará la vida mucho más fácil

Desde que Adobe ha integrado la Inteligencia Artificial en sus programas, los procesos de diseñadores y editores se han vuelto mucho más sencillos y prácticos. Esto es algo que destaca sobre todo en Photoshop, donde los fotógrafos cada vez lo tienen más y más fácil para tener sus imágenes perfectas en pocos segundos.

Adobe Photoshop
Adobe Photoshop DESCARGAR

Más allá de herramientas como Generative Fill, que te permite añadir cualquier elemento que puedas imaginar a las imágenes que estés editando, hace poco Adobe ha añadido también a su software una función increíble. Llamada AI-Powered Distraction Removal, promete revolucionar el flujo de trabajo de los fotógrafos y los editores como nunca antes se ha hecho. Pero ¿de qué va la herramienta exactamente?

Acaba con las distracciones y crea tu imagen perfecta

Algo muy pero que muy habitual en la fotografía, sobre todo cuando se retratan grandes ciudades o se trabaja en fotoperiodismo, es la inclusión de elementos que no queremos que estén ahí en nuestras imágenes. Los editores, hasta el día de hoy, se habían tenido que pasar horas y horas eliminando personas que no pintan nada en la imagen, cables que ensucian la foto o fondos que hacen que sea mucho menos llamativa.

Sin embargo, gracias a AI-Powered Distraction Removal, en tan solo unos clicks puedes acabar con cualquier distracción que haga que el foco de tu imagen no esté donde debe estar. La nueva herramienta utiliza la inteligencia artificial de Adobe Sensei para detectar y eliminar distracciones, siempre sin comprometer la calidad de la imagen, y sus resultados son increíbles.

Adobe Photoshop
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Utilizar esta herramienta no puede ser más sencillo. Tan solo debes deben acceder al menú de edición de Photoshop y seleccionar la herramienta del mismo título dentro de las opciones impulsadas por IA. A partir de ahí, basta con hacer clic sobre los elementos a eliminar y dejar que la IA haga su trabajo. Después, por supuesto, puedes hacer los ajustes que te dé la gana, aunque lo cierto es que los resultados suelen ser inmejorables.

Author Juan Carlos SalozPosted on March 25, 2025March 25, 2025Categories Noticias

Traduce subtítulos a cualquier idioma en unos pocos segundos gracias a Adobe Premiere Pro

La edición de vídeo no se centra tan solo en cortar planos, retocar el color y dar un sentido narrativo a lo que estás contando. Cada vez más, se pide a los editores que añadan subtítulos y que incluso los traduzcan a otros idiomas. Pero ¿cómo se puede llevar a cabo este proceso tan arduo sin necesidad de recurrir a traductores y subtituladores profesionales?

Adobe Premiere Pro
Adobe Premiere Pro DESCARGAR

La respuesta está en Adobe Premiere Pro. Entre las múltiples funciones de Inteligencia Artificial que ha añadido Adobe a su entorno, se encuentra una función única que salvará la vida de todos los que deben llevar a cabo estos procesos: la traducción instantánea (o Caption Translation). Pero ¿en qué consiste exactamente?

La IA acaba con las barreras idiomáticas

Como su propio nombre indica, la traducción instantánea es una nueva función de Premiere Pro que te permite traducir automáticamente los subtítulos de tu vídeo al idioma que prefieras. Además de reconocer el audio y transcribirlo de forma automática, algo que ya lleva haciendo el programa desde sus últimas versiones, ahora también te permite, con tan solo un click más, traducirlo al idioma que quieras: desde el inglés hasta el chino mandarín pasando por cualquiera que imagines.

Sin duda, esta función ayudará muchísimo a editores que necesitan traducciones rápidas y eficaces de sus vídeos, y permitirá llegar a todos los usuarios a una audiencia mucho más global. Además, una vez añadidos los subtítulos en el idioma correspondiente, te permite hacer todos los ajustes que veas necesarios, aunque avisamos que no harán falta demasiados, puesto que esta nueva herramienta de IA de Adobe funciona como un tiro.

Adobe Premiere Pro
Adobe Premiere Pro DESCARGAR

¿Cómo puedo usar la traducción instantánea?

Para usar la traducción automática, sigue estos cuatro sencillos pasos:

  1. Abre el panel de subtítulos dentro del software.
  2. Carga la transcripción automática o agrega los subtítulos manualmente si ya los tienes hechos de antes.
  3. Selecciona la opción de traducción automática y elige el idioma de destino.
  4. Ajusta los subtítulos según sea necesario y exporta el vídeo.

En un momento, podrás llegar a una audiencia que vaya mucho más allá de tu país de origen.

Author Juan Carlos SalozPosted on March 25, 2025March 25, 2025Categories Noticias

¿Cómo puedes identificar una estafa financiera en las redes sociales?

Las redes sociales han transformado la forma en que nos comunicamos, nos relacionamos, aprendemos y nos entretenemos. Hoy en día, casi todos tenemos nuestros datos personales en plataformas como Facebook, Instagram, TikTok, Twitter o BlueSky, lo que significa que hay muchos puntos de entrada potenciales para estafadores y hackers. Con el acceso global a internet ahora omnipresente, los cibercriminales han encontrado el entorno perfecto para llevar a cabo estafas cada vez más elaboradas. Cualquiera puede ser contactado a través de sus perfiles en redes sociales, por lo que debemos ser especialmente cautelosos con las tácticas que pueden sorprendernos. Desde las trampas clásicas de “¡Has ganado un premio de un millón de dólares!” hasta […]

¿Cómo puedes identificar una estafa financiera en las redes sociales?

Las redes sociales han transformado la forma en que nos comunicamos, nos relacionamos, aprendemos y nos entretenemos. Hoy en día, casi todos tenemos nuestros datos personales en plataformas como Facebook, Instagram, TikTok, Twitter o BlueSky, lo que significa que hay muchos puntos de entrada potenciales para estafadores y hackers.

Con el acceso global a Internet ahora omnipresente, los ciberdelincuentes han encontrado el entorno perfecto para llevar a cabo estafas cada vez más elaboradas. Cualquiera puede ser contactado a través de sus perfiles en redes sociales, por lo que debemos ser especialmente cautelosos con las tácticas que pueden sorprendernos.

Desde las clásicas estafas de “¡Has ganado un premio de un millón de dólares!” hasta mensajes privados que amenazan con publicar material sensible sobre ti, hay todo tipo de estafas que pueden resultar en enormes pérdidas, tanto financieras como en términos de información personal. Pero, ¿cuáles son las tácticas más comunes? Echemos un vistazo.

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Promesas de Dinero Rápido o Fácil

Es un clásico, y todavía funciona incluso hoy en día. Verás un mensaje o publicación de alguien que no conoces (o a veces incluso de alguien que conoces—recuerda, su cuenta podría haber sido hackeada) prometiendo hacer mucho dinero en poco tiempo. Típicamente, estas estafas presentan frases genéricas como “¡Gana 10,000 € en una semana!” o “¡Enriquece invirtiendo solo 100 €!” Este tipo de fraude también ha aumentado con la popularidad de las criptomonedas.

Debemos tener especial cuidado con estas estafas. Si haces clic en los enlaces proporcionados o divulgas cualquier información personal a los ciberdelincuentes detrás de ellas, podrías encontrarte en serios problemas con consecuencias potencialmente graves.

A “Life or Death” Plea for Money From Someone You Know

Another common technique involves taking over someone’s account and then asking their contacts for money through direct messages with a fabricated emergency story. Money is often requested via PayPal, Bizum, or other third-party payment methods. If you fall for this, you may never recover your money, so make sure you are always talking to the real person behind the account.

Una Celebridad Comienza a Seguirte

Fake profiles pretending to be famous people are also frequent on social media. Scammers impersonate actors, musicians, or sports figures, and—once you’re excited about interacting with someone like that—they ask you for money or to click on a suspicious link. This scam plays on your hopes, but recognizing it early is crucial.

An offer that does not match the market value

En los sitios de clasificados para alquileres y ventas de bienes raíces, así como en las publicaciones de empleo, los ciberdelincuentes también operan con frecuencia. Te atraen a postularte a ofertas de trabajo falsas a través de enlaces fraudulentos o te engañan para que envíes información privada como documentos de identificación, correos electrónicos o contraseñas. Luego, pueden hacer lo que quieran con esa información.

Some Tips to Avoid Falling for These Traps

Aquí hay algunos trucos rápidos para ayudarte a identificar una estafa digital:

  1. Profiles Tend to Be Suspicious: Scammers usually use fake profiles. Look out for signs like stolen or generic profile photos, minimal activity on the social network (few posts, followers, or genuine interactions), and frequent username changes to hide past activities.
  2. Pressure to Act Quickly: Scammers use urgency tactics, such as “limited-time offers” or threats about “losing the opportunity.” These strategies rush you into decisions without weighing the risks, so keep a clear head before responding.
  3. Communication Outside the Platform: If they ask you to move the conversation off the social network—especially to Telegram (a hotbed for cybercriminals) or WhatsApp—be cautious. Scammers prefer less regulated platforms to avoid being traced.
  4. Lack of Verifiable Information: A legitimate business will have a professional website, precise contact details, and registration with relevant authorities. If you can’t verify the authenticity of a company or individual behind an offer, do not proceed.

Let a good antivirus help you

Today’s antivirus software does more than protect you from malware; it also helps protect against these types of scams. That’s why we always recommend having solid antivirus protection. Specifically, AVG AntiVirus Free offers a comprehensive system to help combat spyware, ransomware, trojans, and other harmful programs.

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¿Qué Puedo Hacer si Sospecho que Alguien Quiere Estafarme?

Además de seguir el consejo anterior, recuerda nunca compartir información personal—detalles bancarios, contraseñas o documentos sensibles—digitalmente a menos que puedas verificar la autenticidad de la oferta o perfil.

It’s also vital to consult financial advisors or cybersecurity experts. And, of course, report any suspicious profile with these characteristics. If it’s already too late and you’ve fallen into the trap, contact the police immediately. Scams like these are so common that law enforcement has established procedures for handling them. In any case, prevention is always better than cure, so to avoid these problems as much as possible, it’s best to have quality antivirus protection like AVG AntiVirus Free so you can browse with peace of mind.

Author Juan Carlos SalozPosted on January 13, 2025April 14, 2025Categories Noticias

Esta es la mejor película que he visto en 2024, y tú también deberías verla

Esta es la mejor película que he visto en 2024, y tú también deberías verla

Es 31 de diciembre y, al echar la vista atrás, no se me ocurre un año en el que el cine nos haya dado más sorpresas, alegrías y decepciones. Sin duda, ha sido un año muy interesante en lo que al audiovisual se refiere, y por más que la cultura de los remakes, los spin-offs y las secuelas siga vigente, cada vez hay más hueco para un cine original que se salta todos esos límites y ofrece experiencias únicas para el espectador.

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Pero, de entre todas las películas que he visto en 2024, sin duda me quedo con una que se estrenó internacionalmente el pasado enero: Perfect Days. Dirigida por Wim Wenders y Proveniente de Japón, la película pasó algo desapercibida en la temporada de premios —no logró ni la Palma de Oro ni el Oscar a mejor filme internacional, ambas categorías en las que competía—. Sin embargo, quienes la hemos visto coincidimos en que es una película ya no solo exquisita de ver, sino necesaria en nuestros días.

Una invitación a parar y disfrutar de todo a tu alrededor

Perfect Days nos pone en la piel de Hirayama (Kōji Yakusho), un hombre que parece totalmente satisfecho con su sencilla vida de limpiador de váteres en la megalópolis de Tokio. Más allá de su trabajo, apenas disfruta de pasiones mundanas como la música, los libros y hacer fotos a árboles en los parques. Pero ¿qué hay detrás de una figura que nos encontramos en nuestro día a día y que tan por alto pasamos?

Hirayama no es solo un pequeño drama existencialista que nos hace ver la vida desde otro punto de vista, sino también una invitación a parar, reflexionar y respirar aire limpio en plena vorágine tecnológica de redes sociales, contaminación, globalización y desesperanza. Es una incitación a dejar atrás todo lo mundano y centrarnos en lo que de verdad importa de la vida. Y eso, hoy día, es algo que muy pocos son capaces de apreciar.

Author Juan Carlos SalozPosted on December 31, 2024January 27, 2025Categories Noticias

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