Leonardo DiCaprio, reconocido por su meticulosidad al elegir papeles, ha expresado recientemente que, a sus 50 años, solo tiene en mente hacer una película más. Esta selectividad es el resultado de una carrera que ha abarcado más de tres décadas, pero su camino comenzó de manera modesta en el cine. Su primera incursión en la pantalla grande fue en Critters 3, una película que ha recibido duras críticas y que el mismo DiCaprio ha calificado de “una de las peores películas de la historia”.
Tan mala que nadie va a citarnos para defenderla
La participación de DiCaprio en Critters 3 no solo marca su primer papel cinematográfico, sino que también destaca cómo, en sus inicios, no podía permitirse el lujo de rechazar oportunidades. A pesar de que el actor había realizado varias apariciones en televisión, fue esta secuela de la franquicia de terror la que le brindó su primer papel significativo, interpretando a Josh, un personaje que previamente había sido ofrecido a Cary Elwes, conocido por su papel en La princesa prometida. La cinta fue mal recibida y ha quedado relegada en la memoria de la mayoría, salvo para los fanáticos de la saga o los seguidores de DiCaprio.
Sin embargo, su carrera tomó un giro notable poco después, cuando obtuvo su primera gran oportunidad en ¿A quién ama Gilbert Grape?, un papel que le valió una nominación al Óscar y, en el que muchos consideran el inicio de su ascenso en Hollywood. Desde entonces, su éxito ha sido innegable, alcanzando un hito monumental con Titanic, que catapultó su estrellato y le permitió optar únicamente por proyectos que realmente le interesaban, incluyendo su colaboración con Martin Scorsese.
Critters 3 sigue siendo un recordatorio de los humildes comienzos de DiCaprio y de las decisiones que tuvo que tomar al inicio de su carrera. Aunque ha llegado a olvidar sus orígenes en la industria, el actor mantiene presente su paso por esta película como una lección de lo que nunca quiere repetir en su trayectoria profesional.
Apple ha anunciado la fecha de estreno y ha ofrecido un primer vistazo a Mr. Scorsese, un documental de cinco partes dirigido por Rebecca Miller. La serie se lanzará el 17 de octubre y promete ofrecer un acceso sin restricciones a los archivos privados del aclamado director Martin Scorsese, una oportunidad única para los aficionados al cine y a su obra.
Te queremos, Martin
Mr. Scorsese permitirá a los espectadores profundizar en la vida y carrera de uno de los cineastas más influyentes de la historia, gracias a una perspectiva íntima que solo se puede obtener a través de sus archivos personales. El documental incluye conversaciones con el propio Scorsese, así como entrevistas con figuras emblemáticas del cine, como Robert De Niro y Daniel Day-Lewis, quienes han trabajado en varias de sus aclamadas películas, además de la participación de otros iconos como Leonardo DiCaprio, Mick Jagger, Robbie Robertson y Thelma Schoonmaker.
Este enfoque en la historia personal y profesional del director parece estar diseñado no solo para entretener, sino también para educar a nuevas generaciones sobre su impacto en el cine contemporáneo. La presencia de personalidades que han colaborado estrechamente con él sugiere una exploración profunda de sus influencias, procesos creativos y la evolución de su estilo cinematográfico a lo largo de los años.
Con una combinación de material de archivo y testimonios de quienes han trabajado a su lado, Mr. Scorsese ofrecerá a los espectadores una mirada única e inédita sobre la trayectoria de este maestro del cine. Se espera que el documental atraiga tanto a cinéfilos veteranos como a aquellos que están familiarizándose con su obra, destacando su impacto en el mundo cinematográfico a través de los años.
Le conoces por Uno de los nuestros, El lobo de Wall Street o Silencio, pero en los Emmy han decidido que no va a estar nominado por su labor tras la cámara… ¡Sino delante! El cineasta Martin Scorsese ha logrado un nuevo hito en su carrera al recibir su primera nominación al Emmy por un papel como invitado en la serie The Studio. Esta comedia, creada por los reconocidos guionistas y productores Evan Goldberg y Seth Rogen, explora el mundo de un estudio de cine ficticio y su nuevo líder torpe, ofreciendo una sátira del entretenimiento moderno.
Un tema para estudiar
La nominación se debe a una actuación especial de Scorsese en el episodio piloto de la serie, en el que Goldberg y Rogen escribieron específicamente una escena para el director. La inclusión de un talento de su calibre en una comedia de esta naturaleza no solo resalta su versatilidad como actor, sino también la capacidad de la serie para atraer a grandes nombres de la industria del cine.
El episodio de The Studio refleja un estilo de humor característico de Rogen y Goldberg, con diálogos ágiles y situaciones absurdas, lo que lo convierte en un proyecto interesante dentro de la oferta de comedias actuales. La representación de un estudio de cine y sus entresijos, junto a personajes excéntricos, sitúa la serie en una posición privilegiada entre el contenido de streaming reciente. A medida que los Premios Emmy se acercan, el reconocimiento a Scorsese destaca la relevancia de su papel en la cultura popular.
Con esta nominación, el director no solo añade un nuevo reconocimiento a su prolífica carrera, sino que también intensifica el debate sobre la intersección entre el cine y la televisión, resaltando cómo estos dos mundos pueden fusionarse con éxito. Con el avance de la temporada de premios, se espera que ‘The Studio’ y su elenco sigan ganando atención en el panorama mediático.
Una película que ha arrasado en taquilla y marca el camino para Apple
El gran desempeño de F1: La película refleja no solo el interés por el automovilismo, sino también el creciente impacto de Apple en la industria del cine. Con esta película, la compañía ha conseguido un lugar destacado entre los grandes estudios de Hollywood, ampliando su cartera de contenido original. Además, este éxito puede verse como una respuesta positiva a las críticas que a menudo se dirigen hacia las producciones de plataformas de streaming, destacando que también pueden competir en la taquilla tradicional.
La película ha capturado la atención del público con su combinación de adrenalina, drama y estrella cinematográfica, lo que podría haber influido en su rápida acumulación de ingresos. La narrativa centrada en el emocionante mundo de la Fórmula 1 no solo apela a los fanáticos del deporte, sino que también busca atraer a un público más amplio, lo que a su vez podría abrir nuevas oportunidades para futuras producciones relacionadas con deportes y entretenimiento.
En un entorno competitivo donde las grandes películas luchan por un espacio en la mente del público y en las salas de cine, F1: The Movie se posiciona firmemente en la cima, sugiriendo que Apple está lista para asumir un papel más prominente en la oferta de entretenimiento global. Con el paso de los días, la expectativa es que esta producción continúe rompiendo récords y desafiando las cifras de otros grandes estrenos del año.
Incluso si se suele decir que segundas partes nunca fueron buenas, eso no parece aplicarse a las películas. En el cine es inusual que una película sea adorada y su secuela sea aborrecida. Muchas películas son adoradas y lo son todavía más sus secuelas, convirtiéndose en franquicias reconocidas, donde cada nueva entrega es más tanto o más querida que la anterior. A veces sucede que no. Que una secuela fracasa de manera estrepitosa y ruidosa. Esto último, seguramente, por lo inusual que es que una secuela fracase cuando triunfo la original.
Joker: Folie à Deux, de Todd Phillips, es una película que fracasó de forma estrepitosa entre crítica y público. En taquilla ha sido considerado un absoluto fracaso, incluso cuando su director, Todd Phillips, afirma haber tenido libertad creativa para hacer la película. Con un presupuesto de 200 millones de dólares, apenas sí logró conseguir 207 millones de dólares. Unas cifras alarmantes, incluso si sobre el papel pueden sonar bien.
Entonces, ¿qué ha ocurrido para que fracase de esta manera? Hay varios motivos. Pero para ello, hace falta entender lo que hacía Joker y también lo que no hace exactamente secuela.
Una película adorada por cómo reivindicaba una masculinidad contra la pared
Joker, dirigida por Phillips, fue estrenada en 2019. Su principal atractivo era presentar un enfoque completamente diferente al que tenían hasta entonces las películas de superhéroes. Donde estas eran todo peleas y vibrantes historias de los chicos buenos, Joker era una película sobre un hombre de a pie, con evidentes problemas mentales, que es abandonado por la sociedad hasta convertirse en un villano. O para mucha gente, un antihéroe.
Si funcionó fue, en muchos sentidos, porque gran parte del público se identificó con El Joker. Interpretado por Joaquin Phoenix, convirtiéndolo en un misántropo que intenta conectar con la sociedad en sus propios términos, pero siendo rechazado por la misma, acaba convirtiéndose en un fenómeno social cuando decide ir contra esas mismas normas sociales.
Ahí es donde radica la mayor parte de su atractivo. Muchas personas se sintieron identificado con la imagen de un hombre aislado que lidera a los incomprendidos del mundo en una narrativa que no dejaba de ser una historia de orígenes de superhéroes. Incluso si era algo más.
La película bebía descaradamente del cine de Martin Scorsese, hasta el punto de rozar la copia cuestionable. Tanto Taxi Driver como El rey de la comedia son copiadas de un modo que, por momentos, incluso secuencias enteras son rodadas de la misma manera. Algo que muchos llamarán homenaje, pero muchos otros vieron en ello una evidente falta de personalidad.
Un director que no sabía a quién estaba dirigiendo sus películas
De hecho, si bien Joker tuvo muchos fans, también tuvo numerosos detractores. Tanto por su pobre representación de la salud mental, su narrativa simplista como por su copia del estilo de otro director anterior, sus detractores vieron la versión superheroica de una película que se pretende profunda y seria, no una película profunda y seria. Algo que ayudó a Joker, al crear la conversación social si, por un lado, de verdad era una película tan buena y, por otro, si acaso no era una película que hablaba a los más bajos instintos de los hombres.
Aquí no hemos venido a resolver tampoco si es una u otra, en ninguno de ambos casos. Pero ese debate existió y ayudó a la película. Y los fans de Joker lo fueron, mayoritariamente, porque sentían que hablaban de ellos y además, la percibían como profunda. Algo que no podían decir de su secuela.
Joker: Folie à Deux decidieron centrar la película en Harley “Lee” Quinzel, su conversión en Harley Quinn, centrándose no en cómo Arthur Fleck acaba por convertirse en el Joker, sino en cómo es una persona torturada que no es entendida. Un acercamiento que quizás funcionaría para Todd Phillips, pero es difícil de creer que funcionaría para los fans de la película original. Como de hecho sucedió.
Toda la película está plagada de decisiones desconcertantes. Lady Gaga como Harley Quinn es una decisión cuestionable. También lo es hacer que la película sea un musical. O comenzar con una secuencia animada. Todo aspectos que refuerzan la idea dea que Phillips no entendió porqué triunfó la película original: porque apelaba a un público —blanco, masculino, heterosexual, que se siente vulnerable y quiere liderar y recuperar un poder que cree legítimamente suyo, no que le digan que hay algo mal en ellos— al que esta película no se dirige.
Joker: Folie à Deux está completamente desconectada de su público. Hace lo mismo que la original, pero con otros referentes y otras referencias. Unas en las que su público ni se ve reflejado ni entiende ni acepta. Algo que explica su fracaso. Pero no solo.
Más grande, más desconectada, ¿peor?
Si bien es cierto que Joker: Folie à Deux hizo muchísimo menos dinero que Joker, también costó mucho más. Joker costó alrededor de 70 millones de dólares, pero también ingresó 1.080 millones de dólares. Joker: Folie à Deux costó casi el triple y apenas sí logro ingresar lo que costó. Que teniendo en cuenta que cuando hablamos de presupuesto eso no incluye marketing, significa que con la película perdieron decenas o cientos de millones de dólares.
Aumentar la escala del proyecto fue un error, incluso si fue un error menor en comparación con no entender cuál era el público objetivo de la película. Explicando porqué Joker: Folie à Deux fue uno de los mayores fracasos del cine reciente. Además de una de las secuelas peor valorada de los últimos años.
Hoy llega Joker: Folie à Deux a streaming, específicamente a Movistar Plus+. Esta es una oportunidad perfecta para verla, o volver a verla, y descubrir si realmente era una película tan mala o solo una película incomprendida. O incluso, quizás, descubrir que todo lo que estaba mal en la segunda ya era así en la primera.
La actriz Sharon Stone ha revivido un capítulo crucial de su carrera, recordando cómo no ganar el Oscar por su actuación en Casino ha dejado una huella indeleble en su trayectoria profesional. En un reciente episodio del podcast de Louis Theroux, Stone confesó que esta experiencia fue el inicio de una amarga racha que afectó su confianza y su carrera en Hollywood.
En su estreno, Casino fue recibido con críticas mixtas, con analistas señalando que la película no capturaba la emoción esperada y que la narrativa era “claustrofóbica”, abandonando el potencial para una conexión emocional más profunda. Sin embargo, con el tiempo, Casino ha hallado defensores, convirtiéndose en un éxito de taquilla al recaudar 116 millones de dólares contra un presupuesto de entre 40 y 50 millones.
Posteriormente, Stone experimentó desafíos significativos, aunque logró revitalizar su carrera con roles en películas como Flores rotas y Lovelace. Si bien es reconocida en Hollywood, su imagen queda anclada a los años 90, y muchos críticos apuntan a que necesita un nuevo papel exitoso para recuperar su estatus y demostrar que aún tiene mucho que ofrecer en la industria.
Desde que la vi, solo hablo de The Studio. Es la mejor serie de este año, por mucho que sea café para los más cafeteros, y probablemente su mejor escena está en ese momento con Martin Scorsese en el bar. Si sabes a lo que me refiero, lo sabes. Oh, yeah. Lo que hemos sabido ahora es que durante la filmación, Scorsese mostró una notable actitud de respeto hacia los creadores, Seth Rogen y Evan Goldberg, evitando intervenir en exceso en el proceso de rodaje. Sin embargo, el director no dudó en compartir su opinión sobre el uso de lenguaje en la serie, sugiriendo que los creadores empleaban demasiadas groserías, a pesar de ser conocido por su propio uso de un lenguaje fuerte en sus películas.
¡Oh, yeah!
Los co-creadores, Rogen y Goldberg, expresaron su sorpresa y emoción por la participación del icónico cineasta en el proyecto. “Nunca había conocido a Martin Scorsese antes”, comentó Rogen. “No podíamos creer que aceptara participar, pero trabajamos arduamente para escribir diálogos que esperábamos fueran graciosos.” La serie, que en su primera temporada incluye a reconocidas estrellas como Charlize Theron, Paul Dano y Steve Buscemi, se basa en las experiencias reales de Rogen y Goldberg en la industria del cine, reflejando los desafíos y absurdos que enfrentan los creadores en su trabajo.
The Studio ha recibido un reconocimiento significativo al ganar el premio a la serie de comedia innovadora en los premios Gotham TV Awards 2025, resaltando su éxito. Rogen reveló que la serie se inspira en una conversación real que él y Goldberg tuvieron con un ejecutivo de estudio, quien expresó que su trabajo era “arruinar” lo que amaba: el cine. Este contexto trágico, pero inherentemente cómico, se ha convertido en el núcleo de la narrativa de The Studio. Los creadores están emocionados por la respuesta del público y por el notable cameo de Scorsese en su innovador proyecto. No es poca cosa.
El célebre director Martin Scorsese se opuso enérgicamente al desarrollo de un videojuego basado en su icónica película Taxi Driver, el cual fue presentado en el E3 de 2005. Este proyecto, considerado una secuela no autorizada del filme, prometía ofrecer una experiencia de juego similar a la serie Grand Theft Auto, permitiendo a los jugadores asumir el papel de Travis Bickle, el perturbado protagonista interpretado por Robert De Niro. La idea era que los jugadores pudieran transitar libremente un recreado Nueva York de los años 70, trabajando como taxistas mientras exploraban la oscura psique del personaje.
Scorsese se negó a que se produjera el juego
A pesar de contar con la aprobación inicial de Sony Pictures y la participación vocal de De Niro, Scorsese logró ejercer una influencia considerable para impedir el avance del juego, aunque oficialmente no tenía derechos sobre el proyecto. Según declaraciones del productor ejecutivo Dan Kitchen, el director utilizó su prestigio para presionar a Sony, recordándoles las complicaciones que podrían surgir si continuaban. Esto resultó en la abrupta cancelación del desarrollo, a pocas semanas de su finalización.
La compañía desarrolladora Papaya Studios respondió presentando una demanda contra Majesco Entertainment por incumplimiento de contrato, después de haber invertido varios millones de dólares en la producción del videojuego. Aunque otros títulos basados en películas, como The Godfather: The Game, encontraron éxito en el mercado, Taxi Driver se convirtió en un proyecto perdido para la historia del gaming, dejando a los aficionados con la curiosidad sobre cómo habría sido esta adaptación.
Hoy, mientras algunos recuerdan esa época de clones de GTA en el gaming, queda la interrogante de lo que pudo haber sido una secuela de un clásico. Además, la posibilidad de una secuela cinematográfica de Taxi Driver ha estado en discusión en ocasiones, aunque sin avances concretos hasta el momento.
Martin Scorsese, uno de los cineastas más aclamados de la historia del cine, será el protagonista de una nueva serie documental de cinco partes que se estrenará en Apple TV+. Esta ambiciosa producción tiene como objetivo explorar la vida y carrera del legendario director, quien ha dejado una huella indeleble en la industria cinematográfica a lo largo de varias décadas.
Más allá de los Tik toks con su hija
La serie será dirigida por Rebecca Miller, conocida por sus películas como Personal Velocity: Three Portraits y She Came To Me. Miller ha demostrado ser una narradora hábil y su colaboración con Scorsese promete ofrecer una mirada profunda y personal al hombre detrás de algunas de las obras más icónicas de la cinematografía, incluyendo clásicos como Goodfellas y The Irishman.
Scorsese, por su parte, es reconocido no solo por su labor como director de ficción, sino también por su extensa labor en el ámbito del documental. A lo largo de su carrera, ha dirigido más de una docena de documentales, destacándose títulos aclamados como The Last Waltz y No Direction Home, que han sido bien recibidos tanto por la crítica como por el público.
Este nuevo proyecto en Apple TV+ parece ser una oportunidad única para que los seguidores de Scorsese conozcan más de cerca su proceso creativo, sus influencias y reflexiones sobre el cine y la cultura contemporánea. La serie estará diseñada para atraer tanto a los apasionados del séptimo arte como a aquellos que buscan comprender las complejidades de la vida de un artista contemporáneo de renombre.
Con el talento de Miller en la dirección y el carisma de Scorsese como figura central, esta producción podría convertirse en uno de los estrenos más esperados de Apple TV+. Aunque aún no se ha anunciado una fecha de lanzamiento específica, la expectativa es alta entre los aficionados al cine y los seguidores del director.
La esperada segunda parte de la docuserie Martin Scorsese Presents: The Saints se estrenará en Fox Nation el 4 de abril, coincidiendo con la Semana Santa. El lanzamiento se realizará a lo largo de esta festividad, lo que promete atraer la atención tanto de los amantes del cine como de la religión.
El Scorsese más espiritual
Con un enfoque en más de 2,000 años de historia, esta serie profundiza en la vida y legado de figuras religiosas reconocidas, entre las que destaca San Francisco. Martin Scorsese, aclamado director y ganador del Óscar, asume múltiples roles en este proyecto como anfitrión, narrador y productor ejecutivo, aportando su experiencia y visión cinematográfica a la narrativa histórica.
La primera parte de la docuserie recibió elogios por su producción y contenido, y con el regreso de este programa, se espera que Scorsese continúe ofreciendo una perspectiva única sobre la espiritualidad y cómo las figuras santas han influido en el curso de la historia. La combinación de su estilo narrativo y la seriedad del tema promete una experiencia enriquecedora para los espectadores.
Además, Variety ha revelado el primer tráiler de esta segunda entrega, avivando la anticipación entre los fans de la serie. Se espera que la docuserie no solo informe, sino que también inspire a los espectadores al abordar aspectos menos explorados de la historia religiosa. La influencia y relevancia de estas figuras son atemporales, lo que permite un diálogo significativo en el contexto actual.
Con el regreso de The Saints en un momento tan relevante como la Semana Santa, la serie podría convertirse en una referencia cultural y espiritual, fomentando un mayor interés en la historia de las creencias y su impacto en la sociedad contemporánea.
