La influencia de John Ford en el cine contemporáneo sigue siendo un tema de discusión entre cineastas de renombre, como Steven Spielberg y Martin Scorsese, quienes han destacado su importancia, especialmente a través de su aclamada película Centauros en el desierto. Este western, lanzado en 1965, cuenta la historia de un veterano de guerra, interpretado por John Wayne, que jura venganza tras una pérdida familiar a manos de los comanches.
Los Fabelman rinde homenaje al más grande
En su película Los Fabelman, Spielberg rinde homenaje a Ford mediante un encuentro entre Sammy, un personaje inspirado en su juventud, y el propio Ford. En esta escena, que cuenta con la actuación de David Lynch, Ford ofrece a Sammy un consejo que cambia su vida, demostrando así el impacto que tuvo el director en su carrera. Spielberg ha mencionado que ve ‘Centauros en el desierto’ antes de cada rodaje, pues considera que la técnica de Ford, particularmente su habilidad para mantener la cámara estática mientras se crea la ilusión de movimiento, ha sido un pilar en su propio estilo cinematográfico.
La admiración por el cine de Ford no es universal. Quentin Tarantino ha expresado su desacuerdo con el nivel de aprecio que otros directores, como Spielberg y Scorsese, tienen por Centauros en el desierto, calificando su retrato de los comanches como deshumanizado. A pesar de esta controversia, Scorsese sigue considerando las obras de Ford como fundamentales, apreciando no solo las actuaciones de Wayne sino también la audaz dirección de Ford en temas difíciles.
La reverencia por figuras como Ford revela cómo incluso los grandes maestros del cine son influenciados por sus predecesores, creando un legado que trasciende generaciones y géneros.
Poca gente negará que Martin Scorsese es uno de los mayores directores de la historia del cine. Su influencia en el medio es innegable, tanto detrás de la cámara como en los despachos. Su labor rescatando obras olvidadas y apoyando a otros cineastas es tan relevante como su propia obra. Y es que antes que director, Scorsese es un amante del cine. Aunque no sólo eso. También es un hombre temeroso de dios, un gran conocedor del crimen organizado y de lo que hacen las circunstancias a los hombres débiles.
Todo ello se explora en profundidad en el nuevo documental contando la vida y milagros del director, Mr. Scorsese. Y lo de los milagros es una parte importante, y no sólo una forma de hablar, porque buena parte del mismo se centra en uno de los aspectos más injustamente olvidados de su biografía: su devoto catolicismo.
Dividido en cinco episodios, esta miniserie recorre toda la vida del director a la par que su filmografía, buscando las relaciones que existen entre ambas. Cómo el hecho de que el crimen y la espiritualidad estén en toda su obra están muy relacionadas con su propia vida, en tanto es todo lo que conoció durante años. Porque la vida del joven Scorsese fue, en muchos casos, algo que bien podría haber sido una de sus películas.
Una vida de película
Martin Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942 en la ciudad de Nueva York. Creciendo en la Pequeña Italia, el contexto en el que creció fue uno muy particular. Porque la Nueva York de aquella época no es la que conocemos hoy, multicultural y económicamente rica, sino una ciudad deprimida y con muchos problemas sociales. Criado en un entorno católico, pero rodeado de una evidente cultura mafiosa donde lo normal era la violencia y la extorsión, creciendo allí las únicas dos salidas para un joven italoamericano para él eran hacerse cura o mafioso. ¿Cómo evitó ese destino? Gracias a que sus padres y su hermano mayor le llevaban a menudo al cine.
Así se obsesionó con el cine hasta el punto de que hizo todo lo posible para estudiar cine en la universidad. Aunque estuvo a punto de no hacerlo. Tras graduarse en el instituto atendio a un seminario preparatorio para ordenarse cura, pero tras el primer año, fracasó, lo cual le abrió las puertas para dedicarse a su otra gran pasión: el cine.
Todo esto es apenas sí el principio de la docuserie, que va destripando toda la vida a partir de este punto de Scorsese a partir de sus cortos, hasta llegar a sus últimas películas, y presentándolo en contexto de lo que es. Un director de culto, pero siempre con un pie fuera de Hollywood. Inseguro sobre si pertenece a allí, pero seguro sobre sus capacidades, la docuserie hace un retrato sobre un hombre lleno de aparentes contradicciones, pero que explican quién es y por cómo es. Y sobre todo, que explican por qué es como es su cine.
Eso hace que Mr. Scorsese sea una docuserie absolutamente imprescindible para cualquier fan del director estadounidense y para cualquier cinéfilo que se precie. Una serie que aborda en profundidad la mentalidad de uno de los grandes autores estadounidenses que aún hoy sigue dándonos grandes obras que dan mucho que hablar y que no parece que vaya a dejar de ofrecernos nuevas películas pronto.
La serie documental Mr. Scorsese, dirigida por Rebecca Miller, se estrenó en Apple TV+ durante el Festival de Cine de Nueva York, atrayendo la atención de cineastas y aficionados por igual. Esta serie cuenta con cinco episodios que exploran la compleja vida y carrera de uno de los directores más influyentes del cine contemporáneo, Martin Scorsese.
Scorsese, católico
Uno de los aspectos más intrigantes que se abordan en la docuserie es el trasfondo religioso de Scorsese. La serie revela que en su adolescencia, el reconocido cineasta aspiraba a convertirse en sacerdote. Sin embargo, esta ambición fue frustrada cuando fue expulsado de su intento por conductas que sus superiores consideraban “malas”.Este episodio significativo de su vida no solo proporciona una mirada única a sus orígenes, sino que también otorga contexto a muchos de los temas espirituales y morales que han permeado su filmografía a lo largo de las décadas.
Desde Taxi Driver hasta Silence, Scorsese ha explorado cuestiones de fe y redención, y la docuserie promete desentrañar cómo su fallido intento de ingresar al clero influyó en su visión artística. La relación del director con la moralidad y la culpa es un hilo conductor que los espectadores podrán valorar a través de nuevas perspectivas ofrecidas en este trabajo.
Los críticos ya han comenzado a elogiar Mr. Scorsese por su enfoque introspectivo y revelador. La serie no solo está diseñada para los fanáticos del cine, sino que también constituye un estudio de personaje en sí mismo, invitando al público a reflexionar sobre el impacto que nuestras decisiones juveniles pueden tener en nuestras vidas. Las próximas entregas prometen continuar esta rica exploración de la vida y obra de Scorsese, dejando a la audiencia expectante por más.
Apple TV+ ha lanzado el tráiler de su nueva serie documental titulada Mr. Scorsese, dirigida por Rebecca Miller y centrada en la emblemática figura del cine, Martin Scorsese. Este documental de cinco partes ofrece una mirada profunda a la vida y carrera de un director, guionista y productor que ha sido nominado a 11 premios Oscar a lo largo de su trayectoria.
Marty, siempre el mejor
Mr. Scorsese se presentará en el próximo Festival de Cine de Nueva York, donde se exhibirá en la sección Spotlight, un espacio que resalta obras de alto perfil en el ámbito cinematográfico. Este evento será la premiere mundial de la serie, que se llevará a cabo el sábado, consolidando así aún más el estatus de Scorsese en el panorama cinematográfico de la ciudad que lo vio nacer.
El lanzamiento oficial de la serie está programado para el 17 de octubre en la plataforma de streaming Apple TV+. Con esta producción, Apple TV+ busca no solo rendir homenaje a uno de los cineastas más influyentes de la historia, sino también atraer a una audiencia que valora tanto la calidad del contenido como la exploración de temas significativos en la industria del cine.
La serie promete ofrecer a los espectadores una exploración íntima de la obra de Scorsese, así como su impacto en el cine contemporáneo. Con el respaldo de la dirección de Miller y la riqueza narrativa que ha caracterizado a las obras de Scorsese, Mr. Scorsese se perfila como un esencial para los amantes del cine y de la cultura pop.
Las expectativas son altas, y los aficionados al cine están ansiosos por ver cómo se retratará a este icónico director en un formato tan íntimo y revelador. Esta serie podría convertirse en un referente en la representación de artistas a través del formato documental.
Martin Scorsese,uno de los mitos de la historia del cine, ha anunciado su próximo proyecto: una adaptación cinematográfica de la novela de terror What Happens at Night, escrita por Peter Cameron. Esta película, que promete mantener la atmósfera inquietante del libro, verá la colaboración de dos grandes estrellas de Hollywood, Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence, quienes aportarán su innegable talento a la historia.
Un director que nunca decepciona
La narrativa de What Happens at Night aborda temas de misterio y suspense, características que son sello distintivo en el trabajo de Scorsese. La combinación de su dirección y el guion adaptado de Cameron podría resultar en una obra que atrape tanto a los aficionados del género de terror como a los seguidores del cine de autor. Scorsese tiene una reputación bien establecida por su habilidad para contar historias complejas, y sin duda se espera que este proyecto esté a la altura.
En cuanto a la producción, Apple Original Films está en conversaciones para financiar y llevar a cabo el filme junto con Studiocanal, la empresa que adquirió los derechos de la novela en 2023. Esta alianza sugiere un compromiso significativo por parte de Apple en la creación de contenido de calidad, especialmente en un momento en que la competencia en el ámbito de las plataformas de streaming es feroz.
La participación de DiCaprio y Lawrence, dos de los actores más renombrados y exitosos de la actualidad, añade un atractivo adicional a este proyecto. Ambos actores han demostrado su capacidad para manejar papeles complejos, lo que eleva las expectativas sobre cómo interpretarán los personajes en esta adaptación. Con Scorsese al mando y un elenco de primer nivel, What Happens at Night podría convertirse en una de las películas más esperadas de los próximos años.
Leonardo DiCaprio, reconocido por su meticulosidad al elegir papeles, ha expresado recientemente que, a sus 50 años, solo tiene en mente hacer una película más. Esta selectividad es el resultado de una carrera que ha abarcado más de tres décadas, pero su camino comenzó de manera modesta en el cine. Su primera incursión en la pantalla grande fue en Critters 3, una película que ha recibido duras críticas y que el mismo DiCaprio ha calificado de “una de las peores películas de la historia”.
Tan mala que nadie va a citarnos para defenderla
La participación de DiCaprio en Critters 3 no solo marca su primer papel cinematográfico, sino que también destaca cómo, en sus inicios, no podía permitirse el lujo de rechazar oportunidades. A pesar de que el actor había realizado varias apariciones en televisión, fue esta secuela de la franquicia de terror la que le brindó su primer papel significativo, interpretando a Josh, un personaje que previamente había sido ofrecido a Cary Elwes, conocido por su papel en La princesa prometida. La cinta fue mal recibida y ha quedado relegada en la memoria de la mayoría, salvo para los fanáticos de la saga o los seguidores de DiCaprio.
Sin embargo, su carrera tomó un giro notable poco después, cuando obtuvo su primera gran oportunidad en ¿A quién ama Gilbert Grape?, un papel que le valió una nominación al Óscar y, en el que muchos consideran el inicio de su ascenso en Hollywood. Desde entonces, su éxito ha sido innegable, alcanzando un hito monumental con Titanic, que catapultó su estrellato y le permitió optar únicamente por proyectos que realmente le interesaban, incluyendo su colaboración con Martin Scorsese.
Critters 3 sigue siendo un recordatorio de los humildes comienzos de DiCaprio y de las decisiones que tuvo que tomar al inicio de su carrera. Aunque ha llegado a olvidar sus orígenes en la industria, el actor mantiene presente su paso por esta película como una lección de lo que nunca quiere repetir en su trayectoria profesional.
Apple ha anunciado la fecha de estreno y ha ofrecido un primer vistazo a Mr. Scorsese, un documental de cinco partes dirigido por Rebecca Miller. La serie se lanzará el 17 de octubre y promete ofrecer un acceso sin restricciones a los archivos privados del aclamado director Martin Scorsese, una oportunidad única para los aficionados al cine y a su obra.
Te queremos, Martin
Mr. Scorsese permitirá a los espectadores profundizar en la vida y carrera de uno de los cineastas más influyentes de la historia, gracias a una perspectiva íntima que solo se puede obtener a través de sus archivos personales. El documental incluye conversaciones con el propio Scorsese, así como entrevistas con figuras emblemáticas del cine, como Robert De Niro y Daniel Day-Lewis, quienes han trabajado en varias de sus aclamadas películas, además de la participación de otros iconos como Leonardo DiCaprio, Mick Jagger, Robbie Robertson y Thelma Schoonmaker.
Este enfoque en la historia personal y profesional del director parece estar diseñado no solo para entretener, sino también para educar a nuevas generaciones sobre su impacto en el cine contemporáneo. La presencia de personalidades que han colaborado estrechamente con él sugiere una exploración profunda de sus influencias, procesos creativos y la evolución de su estilo cinematográfico a lo largo de los años.
Con una combinación de material de archivo y testimonios de quienes han trabajado a su lado, Mr. Scorsese ofrecerá a los espectadores una mirada única e inédita sobre la trayectoria de este maestro del cine. Se espera que el documental atraiga tanto a cinéfilos veteranos como a aquellos que están familiarizándose con su obra, destacando su impacto en el mundo cinematográfico a través de los años.
Le conoces por Uno de los nuestros, El lobo de Wall Street o Silencio, pero en los Emmy han decidido que no va a estar nominado por su labor tras la cámara… ¡Sino delante! El cineasta Martin Scorsese ha logrado un nuevo hito en su carrera al recibir su primera nominación al Emmy por un papel como invitado en la serie The Studio. Esta comedia, creada por los reconocidos guionistas y productores Evan Goldberg y Seth Rogen, explora el mundo de un estudio de cine ficticio y su nuevo líder torpe, ofreciendo una sátira del entretenimiento moderno.
Un tema para estudiar
La nominación se debe a una actuación especial de Scorsese en el episodio piloto de la serie, en el que Goldberg y Rogen escribieron específicamente una escena para el director. La inclusión de un talento de su calibre en una comedia de esta naturaleza no solo resalta su versatilidad como actor, sino también la capacidad de la serie para atraer a grandes nombres de la industria del cine.
El episodio de The Studio refleja un estilo de humor característico de Rogen y Goldberg, con diálogos ágiles y situaciones absurdas, lo que lo convierte en un proyecto interesante dentro de la oferta de comedias actuales. La representación de un estudio de cine y sus entresijos, junto a personajes excéntricos, sitúa la serie en una posición privilegiada entre el contenido de streaming reciente. A medida que los Premios Emmy se acercan, el reconocimiento a Scorsese destaca la relevancia de su papel en la cultura popular.
Con esta nominación, el director no solo añade un nuevo reconocimiento a su prolífica carrera, sino que también intensifica el debate sobre la intersección entre el cine y la televisión, resaltando cómo estos dos mundos pueden fusionarse con éxito. Con el avance de la temporada de premios, se espera que ‘The Studio’ y su elenco sigan ganando atención en el panorama mediático.
Una película que ha arrasado en taquilla y marca el camino para Apple
El gran desempeño de F1: La película refleja no solo el interés por el automovilismo, sino también el creciente impacto de Apple en la industria del cine. Con esta película, la compañía ha conseguido un lugar destacado entre los grandes estudios de Hollywood, ampliando su cartera de contenido original. Además, este éxito puede verse como una respuesta positiva a las críticas que a menudo se dirigen hacia las producciones de plataformas de streaming, destacando que también pueden competir en la taquilla tradicional.
La película ha capturado la atención del público con su combinación de adrenalina, drama y estrella cinematográfica, lo que podría haber influido en su rápida acumulación de ingresos. La narrativa centrada en el emocionante mundo de la Fórmula 1 no solo apela a los fanáticos del deporte, sino que también busca atraer a un público más amplio, lo que a su vez podría abrir nuevas oportunidades para futuras producciones relacionadas con deportes y entretenimiento.
En un entorno competitivo donde las grandes películas luchan por un espacio en la mente del público y en las salas de cine, F1: The Movie se posiciona firmemente en la cima, sugiriendo que Apple está lista para asumir un papel más prominente en la oferta de entretenimiento global. Con el paso de los días, la expectativa es que esta producción continúe rompiendo récords y desafiando las cifras de otros grandes estrenos del año.
Incluso si se suele decir que segundas partes nunca fueron buenas, eso no parece aplicarse a las películas. En el cine es inusual que una película sea adorada y su secuela sea aborrecida. Muchas películas son adoradas y lo son todavía más sus secuelas, convirtiéndose en franquicias reconocidas, donde cada nueva entrega es más tanto o más querida que la anterior. A veces sucede que no. Que una secuela fracasa de manera estrepitosa y ruidosa. Esto último, seguramente, por lo inusual que es que una secuela fracase cuando triunfo la original.
Joker: Folie à Deux, de Todd Phillips, es una película que fracasó de forma estrepitosa entre crítica y público. En taquilla ha sido considerado un absoluto fracaso, incluso cuando su director, Todd Phillips, afirma haber tenido libertad creativa para hacer la película. Con un presupuesto de 200 millones de dólares, apenas sí logró conseguir 207 millones de dólares. Unas cifras alarmantes, incluso si sobre el papel pueden sonar bien.
Entonces, ¿qué ha ocurrido para que fracase de esta manera? Hay varios motivos. Pero para ello, hace falta entender lo que hacía Joker y también lo que no hace exactamente secuela.
Una película adorada por cómo reivindicaba una masculinidad contra la pared
Joker, dirigida por Phillips, fue estrenada en 2019. Su principal atractivo era presentar un enfoque completamente diferente al que tenían hasta entonces las películas de superhéroes. Donde estas eran todo peleas y vibrantes historias de los chicos buenos, Joker era una película sobre un hombre de a pie, con evidentes problemas mentales, que es abandonado por la sociedad hasta convertirse en un villano. O para mucha gente, un antihéroe.
Si funcionó fue, en muchos sentidos, porque gran parte del público se identificó con El Joker. Interpretado por Joaquin Phoenix, convirtiéndolo en un misántropo que intenta conectar con la sociedad en sus propios términos, pero siendo rechazado por la misma, acaba convirtiéndose en un fenómeno social cuando decide ir contra esas mismas normas sociales.
Ahí es donde radica la mayor parte de su atractivo. Muchas personas se sintieron identificado con la imagen de un hombre aislado que lidera a los incomprendidos del mundo en una narrativa que no dejaba de ser una historia de orígenes de superhéroes. Incluso si era algo más.
La película bebía descaradamente del cine de Martin Scorsese, hasta el punto de rozar la copia cuestionable. Tanto Taxi Driver como El rey de la comedia son copiadas de un modo que, por momentos, incluso secuencias enteras son rodadas de la misma manera. Algo que muchos llamarán homenaje, pero muchos otros vieron en ello una evidente falta de personalidad.
Un director que no sabía a quién estaba dirigiendo sus películas
De hecho, si bien Joker tuvo muchos fans, también tuvo numerosos detractores. Tanto por su pobre representación de la salud mental, su narrativa simplista como por su copia del estilo de otro director anterior, sus detractores vieron la versión superheroica de una película que se pretende profunda y seria, no una película profunda y seria. Algo que ayudó a Joker, al crear la conversación social si, por un lado, de verdad era una película tan buena y, por otro, si acaso no era una película que hablaba a los más bajos instintos de los hombres.
Aquí no hemos venido a resolver tampoco si es una u otra, en ninguno de ambos casos. Pero ese debate existió y ayudó a la película. Y los fans de Joker lo fueron, mayoritariamente, porque sentían que hablaban de ellos y además, la percibían como profunda. Algo que no podían decir de su secuela.
Joker: Folie à Deux decidieron centrar la película en Harley “Lee” Quinzel, su conversión en Harley Quinn, centrándose no en cómo Arthur Fleck acaba por convertirse en el Joker, sino en cómo es una persona torturada que no es entendida. Un acercamiento que quizás funcionaría para Todd Phillips, pero es difícil de creer que funcionaría para los fans de la película original. Como de hecho sucedió.
Toda la película está plagada de decisiones desconcertantes. Lady Gaga como Harley Quinn es una decisión cuestionable. También lo es hacer que la película sea un musical. O comenzar con una secuencia animada. Todo aspectos que refuerzan la idea dea que Phillips no entendió porqué triunfó la película original: porque apelaba a un público —blanco, masculino, heterosexual, que se siente vulnerable y quiere liderar y recuperar un poder que cree legítimamente suyo, no que le digan que hay algo mal en ellos— al que esta película no se dirige.
Joker: Folie à Deux está completamente desconectada de su público. Hace lo mismo que la original, pero con otros referentes y otras referencias. Unas en las que su público ni se ve reflejado ni entiende ni acepta. Algo que explica su fracaso. Pero no solo.
Más grande, más desconectada, ¿peor?
Si bien es cierto que Joker: Folie à Deux hizo muchísimo menos dinero que Joker, también costó mucho más. Joker costó alrededor de 70 millones de dólares, pero también ingresó 1.080 millones de dólares. Joker: Folie à Deux costó casi el triple y apenas sí logro ingresar lo que costó. Que teniendo en cuenta que cuando hablamos de presupuesto eso no incluye marketing, significa que con la película perdieron decenas o cientos de millones de dólares.
Aumentar la escala del proyecto fue un error, incluso si fue un error menor en comparación con no entender cuál era el público objetivo de la película. Explicando porqué Joker: Folie à Deux fue uno de los mayores fracasos del cine reciente. Además de una de las secuelas peor valorada de los últimos años.
Hoy llega Joker: Folie à Deux a streaming, específicamente a Movistar Plus+. Esta es una oportunidad perfecta para verla, o volver a verla, y descubrir si realmente era una película tan mala o solo una película incomprendida. O incluso, quizás, descubrir que todo lo que estaba mal en la segunda ya era así en la primera.
