Hace ya más de 20 años, un primigenio Internet celebró la llegada de The Ultimate Showdown of Ultimate Destiny, un crossover imposible donde los personajes más variopintos de la historia de la cultura pop, de Darth Vader a los Power Rangers pasando por Chuck Norris, se peleaban entre sí en una cruenta batalla donde solo podía quedar uno. En el momento era tan ridículo como divertido. Ahora, tristemente, la realidad solo es ridícula.
Good guys, bad guys and explosions
Disney, en su afán por hacer tantos crossovers como sea posible para explotar al cien por cien todas sus marcas, ha decidido que es el momento perfecto para coger Star Wars e introducirla en el Universo Marvel. La colección de cinco números, llamada Hope Assembles, cuenta qué habría pasado si Una Nueva Esperanza ocurriera en la Tierra de nuestros héroes. ¿La excusa? Un hechizo interdimensional y entre realidades. Pues claro que sí, lo de siempre.
A los mandos estará, por supuesto, Kevin Smith, el director de cine y fan de los cómics que juntará al Capitan América, Hulk y Spider-man con Luke Skywalker, y a Darth Vader con Thanos, Ultron y el Doctor Muerte. “A inicios de los 80 tenía una suscripción a los cómics Marvel de Star Wars. Y aunque era divertido seguir las aventuras de Luke, Leia y Han, siempre deseé que Spider-man o el Doctor Muerte hicieran un crossover. Así que cuando llegó la oportunidad de contar esa historia, ¡nadie tuvo que usar la Fuerza en mi mano!”.
Por muy crítico que sea con el proyecto, tampoco quiero llamar a engaño: va a vender una auténtica barbaridad, pero no deja de ser decepcionante que esto sea lo que el nuevo jefe de Marvel, Stephen Wacker, quiera dejar como su legado. Cabe la posibilidad, eso sí, de que sea increíble. Nunca se sabe, cosas más raras se han oído… Y, al fin y al cabo, la Fuerza les acompaña, ¿no?
Durante años, Marvel ha sido sinónimo de diversión cinematográfica, superhéroes, películas, series y actores de clase A poniéndose mallas, pero… ¿Alguien se ha acordado de los cómics en algún momento? Porque han seguido publicándose sin freno, teniendo éxitos de tanto en cuando pero, por lo general, viviendo en una calma chicha poco habitual en una empresa dada a los giros de guion constantes. ¿El culpable? Pues, como muchos apuntan, su director, C. B. Cebulski.
¡Make Mine Marvel!
Tras 9 años de reinado, Cebulski ha dado por fin un paso atrás y le ha dejado el puesto a uno de los estrategas de cómic más prometedores del mundo: Stephen Wacker se ha convertido en el nuevo editor jefe. En su día ya estuvo metido en ese guirigay de DC que fue 52, pero además coordinó las eras de Brand New Day y Superior Spider-man y ha tenido un papel determinante en las mejores etapas modernas de Daredevil, Capitana Marvel u Ojo de Halcón, además de ayudar a crear a Ms. Marvel.
Así que sí: los fans hacen bien en esperar un terremoto en cuanto se asiente en el puesto. Tras una década de naderías, ya era hora de reclamar su puesto en la industria, que poco a poco le estaba quitando DC. “Creo de verdad que los mejores cómics de Marvel aún no se han escrito y dibujado, y no puedo esperar a añadir nuevos pisos a la Casa de las Ideas”, ha afirmado. Stan Lee estaría muy orgulloso.
Por su parte, Cebulski se va a Asia, a coordinar los cómics Marvel que se lanzan allí, un papel que hasta ahora no existía y le han creado ex profeso para, básicamente, no dejarle en la calle. Aunque durante el próximo año veremos el resto del legado de Cebulski, con el lanzamiento del universo Midnight, todos esperamos, por fin, volver a ser Verdaderos Creyentes.
En mayo de 1959, en plena expansión de la Super-familia para dar más variedad a los lectores de Action Comics (o sea, de Superman, por entendernos), una portada llamó la atención de todo el mundo: una super-mujer salía de un cohete afirmando “¡Mira bien, Superman! ¡Soy yo, Supergirl! ¡Y tengo todos tus poderes!”. Al final de la historia de 7 páginas y tras enterarse de que era su prima de Krypton, Superman daba el asunto por acabado poniéndole un disfraz y encerrándola en un orfanato bajo el falso nombre de Linda Lee. Si nadie hubiera respondido a esta aparición es posible que hubiera quedado olvidada para siempre, pero la reacción del público fue muy favorable y pronto se convirtió en uno de los personajes de DC más populares. Más o menos.
¡Una Super-muerte en la familia!
Supergirl consiguió tener su propia cabecera en 1972, después de ser adoptada y de que su hermano la presentara al mundo. Como buen personaje secundario, compartió sus páginas con Lois Lane y Jimmy Olsen, y parecía que nadie nunca iba a moverla de ahí… hasta que a mediados de los 80 los jerifaltes de DC pensaron que había demasiados personajes, demasiadas líneas argumentales, demasiados universos y demasiado lío, y decidieron acabar con todo en el mayor evento de la historia de los cómics: Crisis en Tierras Infinitas.
No les faltaba razón, conste, porque parecía que todo el mundo había sobrevivido a la explosión de Krypton: Superman, Supergirl, Krypto, la ciudad de Kandor, varios enemigos y toneladas de kryptonita. Y así no había manera de que Superman se sintiera realmente único, rodeado de personajes con sus mismos poderes. Así que tras las Crisis solo quedó él, y para ello tuvieron que matar a Supergirl en una épica portada que ponía punto y final a su existencia. Pero si has leído cómics alguna vez sabes que esto nunca dura para siempre.
John Byrne recibió uno de los encargos más complicados del mundo: resetear a Superman, empezar de cero, volver a contar su historia cambiando puntos clave y modificándola a su manera. Se lo tomó muy en serio, y lo consiguió: sus cambios tenían sentido, Clark Kent se sentía único y sus historias ganaron en complejidad. Desde 1986, Byrne empezó a recontextualizar al superhéroe más poderoso de todos, que por fin se volvió a sentir único y distinto… hasta que dos años después volvió a liar la marrana presentando a Supergirl. La de antes, que de alguna manera había conseguido sobrevivir. Por supuesto, los lectores estaban confusos y los editores de DC aún más: ¿Cuál era la solución que Byrne iba a dar a esta resurrección inesperada?
Puede que Byrne tuviera otra idea, pero sus desavenencias con la cúpula de DC le obligaron a convertir a este personaje en un ser creado de protomateria llamado Matrix, que había sido fabricado por Lex Luthor. No solo eso: además, era una especie de clon de Lana Lang con los mismos poderes de Superman, a quien llegó a suplantar en un momento dado. El resto es una voladura de cabeza como pocas se han visto en la historia de los cómics: se lió con el clon de Lex Luthor, que tuvo una relación con ella para crear su propio ejército de Supergirls, y acabó dando su vida para salvar a Linda Danvers, que entonces se convirtió en la nueva Supergirl. Hala, asunto solucionado.
Al final Kara resucitó, volvió, lo dejó y, en un nuevo reboot, volvió otra vez. Con la película en ciernes, nadie duda de que es un personaje vital del Universo DC, ¿no? Ahora solo falta que el público general no se entere de todo este batiburrillo, siga pensando que es un personaje sencillo de entender y simplemente se centre en disfrutar. Porque que recupere el dinero es, a estas alturas, pura ciencia-ficción.
Aunque ahora si te digo El Pacificador probablemente pienses en el Do you wanna taste it? de Wig Wam (o, en la temporada 2, Oh Lord de Foxy Shazam), lo cierto es que durante décadas fue uno de los personajes más secundarios y olvidados de la historia de DC. Tanto, que ni siquiera pertenecía a la editorial: para descubrir sus orígenes hay que indagar entre los cómics más olvidados de una editorial que se dedicaba, básicamente, a hacer cómics de terror y ciencia-ficción y, por supuesto, a copiar a las dos grandes: Charlton Comics. De personaje olvidado en el número 40 de un cómic apenas republicado a héroe de James Gunn van 60 años de camino. ¡Y tú que creías que lo acababas de descubrir!
Do you wanna taste him?
El Pacificador fue creado por Joe Gill y Pat Boyette el número 40 de Fightin’ 5, un tebeo que se canceló en el siguiente número. Vaya éxito, ¿eh? En él, protagonizó una pequeña historia donde se le mostraba como un millonario enviado a las conferencias de paz en Génova y que acababa recurriendo a la violencia, a pesar de que se había jurado no utilizarla nunca. Vaya por dios. El traje de El Pacificador era básicamente el actual, con casco y jetpack, y de hecho quien estaba detrás era el mismo Christopher Smith que ahora seguimos conociendo.
Sus aventuras terminaron, pues, en el número siguiente de Fightin’ 5, donde un letrero nos encomendaba a seguirlas allí. Hubo, en honor a la verdad, 8 números más, pero fueron simples reimpresiones sin ningún valor, y El Pacificador se fue directo a su primera serie propia, que duró un suspiro, 5 números con el eslogan “¡Un hombre que ama tanto la paz que está dispuesto a luchar por ella!”. En ese mismo número, aparecía como uno de los héroes principales de Charlton Comics junto a otros como Thunderbolt (no confundir con los Thunderbolts), Blue Beetle (que acabaría teniendo película propia), Judo Master y Captain Atom.
Si te suenan de algo es normal, porque estos héroes acabaron en DC… después de un tiempo. Y es que claramente esta línea no estaba funcionando, así que decidieron cerrarla y cambiar a los superhéroes por adaptaciones de series de animación de Hannah-Barbera como Los Picapiedra o Don Gato y por cómics románticos de baja estofa como Romantic Secrets o Teen Confessions. Pero al final pasó lo inevitable: en 1983 estaban tan en quiebra que vendieron varios personajes a DC, a razón de 5000 dólares por cada uno. Y, aunque originalmente iban a salir en Watchmen (El Pacificador iba a morir, y fue sustituido por El Comediante), lo cierto es que al final decidieron meterles en el universo principal en el mega-conocido Crisis en Tierras Infinitas, de 1988.
¿Y qué pasó? Pues que le seguiría una serie limitada ese mismo año, creada por Paul Kupperberg y Todd Smith que le dio un nuevo tono más cómico y pulp que pasó a definirle a lo largo de los años. Al final, Smith moriría y el manto lo cogería un tal Mitchell Webb, seguido de Jaime Reyes, o, como quizá le conozcáis más, Blue Beetle. Al final, Smith resucitaría (cómo no) y acabaría metido en el Escuadrón Suicida… donde le descubrió James Gunn, y acabó tan fascinado por él (sobre todo cuando tras la máscara está John Cena) que le dio serie propia. Y el resto es historia: un personaje totalmente secundario y olvidado que DC compró como carne de cañón ha acabado convertido en una de sus mejores estrellas. Definitivamente, we wanna taste it.
USS Callister, un episodio especialmente destacado de la serie, se convertirá en la primera adaptación de Black Mirror bajo el sello de Twisted Comics y será lanzado en InkyPen. Esta plataforma, que comenzó sus operaciones a nivel mundial hace poco, se posiciona como un espacio conveniente para los lectores que buscan acceso a una amplia variedad de cómics y manga en formato digital.
La ambiciosa iniciativa de adaptar Black Mirror a novelas gráficas permitirá explorar de manera más profunda las temáticas distópicas que la serie ha tratado, con su característico tono provocador. El contrato entre los creadores de la serie y InkyPen sugiere que esta no será una colaboración efímera; al contrario, se prevé el lanzamiento de múltiples títulos en el futuro, lo que podría expandir el universo narrativo de Black Mirror y su impacto en la cultura popular.
A medida que se acercan las fechas de lanzamiento, los fanáticos de la serie y los entusiastas de los cómics deberán estar atentos a las novedades que puedan surgir. La combinación de una narrativa compleja con ilustraciones cautivadoras se perfila como una propuesta que podría atraer a un nuevo público. Con el éxito que ha tenido Black Mirror en la televisión, el camino parece idóneo para que estas novelas gráficas capten la atención de lectores ávidos de historias provocativas y reflexivas.
Seguro que conoces la viñeta. Es, probablemente, el dibujo de DC que más gente ha visto en todo el mundo, aunque muy pocos conocen el autor y, desde luego, menos aún han leído el cómic del que procede: Batman abofetea a Robin con todo tipo de frases distintas (que, a lo largo de los años, han ido perdiendo gracia de manera progresiva). La primera versión del meme, que muchos creyeron real, mostraba a Robin diciendo “Hey, Batman, ¿qué te han comprado tus padres por Navid–?” solo para recibir un golpe del héroe que grita: “¡Mis padres están muertoooos!”. Bueno, pues nada de esto es cierto. Pero, viendo la realidad, ojalá lo fuera.
¡Una viñeta imaginaria!
Para encontrar el origen de esta viñeta no hay que buscar en los cuadros pop de artistas contemporáneos ni en historietas modernas del personaje: hay que irse muy atrás en el tiempo, cuando DC Comics apenas tenía competencia, allá por noviembre de 1965. Por aquel entonces, la serie ‘World’s Finest’ lanzaba su número 153, en cuya portada Batman lanzaba un batarang hecho de kriptonita a Superman, gritando “¡Has caído en mi trampa, Superman! ¡La venganza, qué dulce es!”. Por supuesto, y como era habitual en este tipo de historias, ya desde esa presentación se dejaba claro que era una historia imaginaria y nada de esto afectaría al canon de los super-amigos.
“¡Descubre qué habría pasado si Superman y Batman se hubieran convertido en amargos enemigos, en lados contrarios de la ley!”. La historia principal del cómic -hay otra más, sacada de los archivos de DC, además de multitud de tiras cómicas y anuncios- era exactamente eso. De hecho, incluso se ambienta en “un día imaginario”. En sus páginas, Batman cree que Superman mató a su padre, que acababa de crear un suero anti-kriptonita, y busca venganza contra él, mientras su enemigo se dedica a luchar contra hormigas en la jungla (eso sí, sin hacerlas daño). En fin, cosas de los 60.
Al final, Batman se alía con Lex Luthor, descubre que fue él el que robó el suero y se sacrifica para salvar a Superman, dando final a esta, llamémosla, epopeya. La cosa habría pasado sin pena ni gloria (hay cientos de cómics con historias alternativas donde uno de los héroes se vuelve villano y lucha contra su amigo) y habría sido olvidado de la historia de no ser porque la página 5 nos regala la famosa viñeta. Solo que, en este caso, tiene otro contexto: el Cruzado Enmascarado le cuenta su ansia de venganza a Robin, y este le contesta que debe estar equivocado. ¿Cuál es la reacción? Pues bofetón al canto, claro.
My parents are deaaad!
En la viñeta real, Batman dice “No me digas que estoy equivocado, niñato… ¡Probar que Superman es culpable es toda mi misión en la vida!” y Robin responde “¡Ow! Batman, tu pena te ha obsesionado con esta idea de venganza. ¡Te lo ruego, déjalo!”. La imagen original, de hecho, está invertida a la que ahora conocemos como meme, con Robin a la derecha. Su autor, por cierto, fue Curt Swan (guionizado por Edmond Hamilton), aunque por aquel entonces no se acostumbraba a dar crédito a los artistas. En todo caso, la viñeta no tuvo mayor repercusión.
Hasta el 10 de junio de 2008, cuando alguien subió la imagen ya modificada al foro SFWChan. Solo tardó una semana en dar la vuelta a Tumblr y Ebaumsworld. Pronto, no hubo nadie que no conociera el meme… O que, gracias a un generador que se lanzó el año siguiente, pudiera crear el suyo propio, modificando para siempre la cultura pop y añadiendo una nueva pieza al lore de Batman tan importante en la actualidad como los Spider-man señalándose entre sí. De hecho, si no fuera tan evidentemente compleja de justificar, ya la habríamos visto en alguna película de DC.
Con el tiempo, el meme se modificó para meter otros personajes, modificar el aspecto de los mismos e incluso hablar sobre la propia muerte del meme hasta llegar al momento actual, donde está claramente en desuso… pero cualquiera puede utilizarlo y hacerlo reconocible a la primera. Y es que la magia del Internet antiguo era que nadie supiera de dónde podía salir la siguiente cosa viral. ¿Un cómic de 1965 que no conoce absolutamente nadie? Por supuesto que sí.
Hoy por hoy, incluso los memes, como las redes sociales y cualquier página web, están mucho más saneados. Es difícil encontrar algo realmente original más allá de la imaginación de los usuarios sin caer en el shitposting o el brainrot, y es una pena porque, en el fondo, era lo que le daba sentido a Internet. Quién sabe. En el fondo, es duro sentir nostalgia de un meme que llegamos a aborrecer. De una época tan repleta de creatividad como de aburrimiento. De un Internet imprevisible. De Batman pegando bofetones.
A mediados de los años 90, con la película de Super Mario Bros ya estrenada, el fracaso de Virtual Boy sobre sus hombros y las dudas sobre su futuro al pasarse a las 3D con Nintendo 64 (consola que nació tras un sonado desencuentro con Sony), Nintendo estaba en la cuerda floja. Tanto, que bajo el atento radar de la empresa y de su “sello de calidad” se colaron productos que de ninguna otra manera ahora tendrían cabida. Uno de ellos, absolutamente desconocido para el público fuera (y dentro, para qué negarlo) de Japón era una auténtica salvajada que a día de hoy resulta increíble y que váis a tener que leer dos veces para poder creéroslo. Bienvenidos a Shitamachi Ninjo Gekijo.
Literalmente, Shitamachi Ninjo Gekijo puede traducirse como “Teatro de la empatía de la ciudad baja”, y normalmente se conoce más como Lily Franky Theater. No se trata de un videojuego, de hecho: se trataba de una revista virtual oficial de Nintendo para la Satellaview, aquel periférico de Super Nintendo que solo apareció en Japón y que consiguió más de 100.000 suscriptores en un proto-Internet que nos dio secuelas de The Legend of Zelda o Super Mario que incluso llegaron a tener orquesta y voces en directo. A día de hoy, eso sí, se consideran prácticamente perdidas en su estado natural.
Pero lo que hoy nos interesa es esta revista creada por el cómico japonés Lily Franky, que en 1995 apenas pasaba de los 30 años y se atrevió con lo imposible: lanzar un cómic repleto de salvajadas, vulgaridades, tacos y muchas barbaridades más con Super Mario como protagonista. Sabemos que al menos se llegaron a publicar siete números a lo largo de 1995 y 1996, aunque la mayoría de ellos se encuentran lógicamente perdidos a día de hoy ya que más que poder bajárselos, se “retransmitían” a las consolas. El Internet antes de Internet era todo un tema.
Pero entonces, ¿de qué trataba exactamente Shitamachi Ninjo Gekijo? Bueno, se trataba de diferentes cómics e historietas, a cada cual más terrible y fuera de lugar. La primera, para abrir boca, presentaba a Mario y Toad recibiendo una foto de una fan. Toad, por supuesto, se fascina por sus pechos, y Mario entra en pánico al saber que no ha tenido novios antes. Toad, después, insiste en que le gustaría “tener más tetas” en su vida. Al final, la carta menciona que a la mujer le gusta “xxx” (sí, es lo que imagináis) y tanto Mario como Toad no saben qué responder. Ah, sí: para colmo de colmos, se invita a las fans a enviar fotos para que Mario y Toad las critiquen. ¿Japón en los 90? Una cosa que hubo.
El piti de después de matar goombas
Pero este era solo el preludio. En la segunda historia, Mario ordena a Toad que mate a alguien con un cuchillo de mantequilla, y, al fallar, le castiga. La víctima era ni más ni menos que Bowser, que se va a la policía para intentar saber quién fue el asesino. En el siguiente cómic, sin relación con el anterior, Mario y Toad intentan salir de la cárcel en la que les acaban de condenar a 20 años. Para librarse, Mario saca un taladro de su escroto (ojalá me lo estuviera inventando) y, cavando, consiguen salir… en Brasil. Toad no sabe qué hacer porque no sabe nada del país, pero Mario se dedica a, simplemente, relajarse.
Todo es muy sórdido, pero nada hace presagiar lo que está por venir: en la siguiente historia, Mario y Toad se pelean para ver quién debe conducir el Windows 95 (porque, o sea, se creen que es un coche) y entonces entra Bill Gates. Sí, ese Bill Gates. Ambos le piden dinero, pero en su lugar el hombre más rico del mundo les dice que el Windows 95 no es un coche, sino algo que se pone en la cabeza, y ambos le llaman “idiota”. El humor japonés: si no lo pillas, es normal.
Hasta aquí es posible que pienses que no es para tanto, pero lo peor está por llegar en las dos últimas revistas que se lanzaron. En la primera, Peach y Toad se ponen a criticar a Mario, que no está presente, y acaban teniendo sexo oral (sí, de verdad), pero el fontanero les acaba pillando y, del enfado, les asesina de distintas maneras (estrujando a Toad y saltando encima de Peach). Después de matarlos, se enciende un cigarrillo y afirma que tiene una nueva novia… ¡Que acaba siendo Bowser! Os recuerdo que todo esto apareció de manera oficial, alguien en Nintendo dijo “Mario fumando, matando a Peach y liándose con Bowser, todo correcto”.
En el último episodio, Mario le revela a Toad que es un alienígena de la “Estrella Celestial Shinjuku Entrepierna Desnuda” y debe volver a su planeta. Sus amigos, entonces, le echan en cara todo tipo de cosas, y decide quedarse para arreglarlo. Al final del todo, un hombre coge el mando de una consola, empieza controlando a Mario… Y de inmediato acaba en el Infierno, donde tiene sexo con una langosta. No esperes que Switch 2, por muchas novedades que incluya, tenga algo así, desde luego.
Satellaview murió del todo el 30 de junio del 2000, con Internet ofreciendo todo tipo de contenidos similares a los suyos. Eso sí, Nintendo empezó a cuidar mucho mejor lo que ofrecía a sus fans y, de hecho, no volvimos a tener una adaptación a cine hasta Super Mario Bros: La Película hace dos años. Y ya nadie en la empresa se pregunta si Mario debería matar a Peach y Toad después de pillarlos en pleno cunnilingus. Aunque, ¿quién sabe? Siempre hay hueco en el próximo Smash para Mario Fumón…
¿Os acordáis del Episodio I, cuando parecía que los nuevos importantes realmente importaban en la saga? Pues no ha sido así para todos, desde luego. En un giro inesperado del universo de Star Wars, el querido (bueno, es un decir) personaje Watto ha sido asesinado por Darth Vader en un nuevo cómic, Star Wars: Legacy of Vader #2. Nadie le echará demasiado de menos.
Hace un par de páginas, en una galaxia muy, muy cercana…
Este tebeo revela que Vader regresó a Tatooine, donde Watto había sido propietario de Anakin Skywalker y su madre, Shmi, como esclavos. Watto, un Toydarian, era inmune a los trucos mentales de los Jedi y propietario de una tienda de bienes de segunda mano, hizo su última aparición en El ataque de los clones. Esta muerte ha provocado una fuerte reacción en las redes, donde los fans han compartido condolencias y homenajes a través de redes sociales.
En el cómic, se muestra que Darth Vader busca venganza contra Watto, algo lógico teniendo en cuentasu complicada relación. En La Amenaza Fantasma, Anakin ganó su libertad en una carrera de pods tras un acuerdo entre Qui-Gon Jinn y Watto. Desde entonces, el personaje ha permanecido en la memoria de los aficionados, a pesar de su limitado tiempo en pantalla. La devastación por su fallecimiento ha sido palpable, como lo demuestran varios tuits que recuerdan a Watto como un pequeño empresario en Tatooine, dejando un vacío significativo en la cultura popular.
Mientras las redes sociales lloran la pérdida de este personaje, la franquicia de Star Wars sigue adelante con nuevos proyectos. Se ha confirmado que The Mandalorian & Grogu se estrenará el 22 de mayo de 2026, con la participación de Jeremy Allen White y posiblemente Sigourney Weaver. Además, se espera que esta nueva entrega, entre otros contenidos de Star Wars en camino, continúe expandiendo el rico universo creado por George Lucas.
No queda nadie en el mundo que no conozca a Luigi Mangione, el hombre romantizado por Internet que asesinó a sangre fría al CEO de UnitedHealthCare. Unos le llaman héroe, otros le consideran un villano de nuestros tiempos, algunos creen que ha sido el golpe encima de la mesa que Estados Unidos necesita para cambiar su escala de valores respecto a la sanidad. Y unos pocos han investigado en la cultura pop para encontrar similitudes. Porque, como decían en Battlestar Galactica, todo esto ha pasado… y volverá a pasar.
Corría el año 2000 cuando Garth Ennis, Steve Dillon y Jimmy Palmiotti trataron de revitalizar la historia de Punisher, que llevaba un tiempo en el limbo con colecciones muy cortas. El justiciero de Marvel, siempre con su pistola a cuestas dispuesto a impartir su justicia allá donde los juzgados no pueden (o no quieren) volvía de manos de un equipo que no se cortaba lo más mínimo en la violencia y en la sangre, y en los inicios de siglo ya era mucho decir.
En aquella historia, Frank Castle volvía a la carga, descubriendo que sus acciones habían creado antihéroes como Mister Payback. ¿Y qué hacía este hombre? Pues vengarse contra los CEOs de las empresas asesinándolos a lo largo y ancho de Nueva York. ¿Os suena? Es más, tenía un manifiesto: después de pegarle un tiro a uno de estos jefes en directo habló por las cámaras de televisión diciendo “Me llaman criminal, aunque todo lo que hago es ejecutar a basura que bebe de la sangre de millones de personas (…) y que llevan los negocios americanos como una gigantesca máquina mortal”.
Por supuesto, Punisher tenía un problema con él: en sus asesinatos también mataron hasta cuatro inocentes sin querer, y no estaba dispuesto a permitirlo… así que acabó con ellos a base de tiro limpio. Y es que, al margen de lo que cada cual piense, podemos ver a Luigi Mangione en todas estas viñetas… Y ese final, por suerte, no parece probable.
Para sorpresa de todos los que no sabían que Wicked llevaba años siendo un éxito en Broadway (tanto que incluso en series como Glee adaptaron su Defying Gravity), la película se ha colado en el número uno de la taquilla de cine mundial desbancando a la mismísima Gladiator II. Y es cierto que la cosa tiene sorna, por bueno que sea el musical: no deja de ser la adaptación cinematográfica de la versión musical de la precuela literaria de El Mago de Oz. Pero aún se puede rizar más el rizo.
Aprovechando el éxito de Wicked, ahora tendremos una versión en cómic de la novela (o sea, mucho más oscura, pero sin canciones). Eso sí, solo la parte 1, así que si queréis haceros spoilers os toca pasar por taquilla o compraros la novela original. En este caso, a Gregory Maguire le adaptará Scott Hampton y la verdad es que pinta muy distinto que la película y, al mismo tiempo, algo que ningún fan de la misma debería perderse bajo ningún concepto.
Y si estás pensando que esto parece el inicio de una Wicked-manía, estás en lo cierto. Desde ahora hasta que se estrene la segunda y última parte nos esperan muchas sorpresas. ¿Ha nacido una nueva franquicia o sabrán parar a tiempo en Hollywood… Como nunca han hecho?
