Bandcamp ha implementado una nueva política que prohíbe la publicación de contenido que sea generado total o parcialmente por inteligencia artificial (IA). Esta decisión se anuncia con el objetivo de evitar el uso de herramientas de IA para imitar a otros artistas o estilos, una práctica que ha suscitado controversia en la industria musical. Bandcamp, conocido como uno de los mayores mercados de música en línea, pretende proteger la autenticidad artística y fomentar la creación musical genuina.
La IA solo la quieren las grandes empresas tecnológicas
A diferencia de Bandcamp, otras plataformas como Spotify y Apple Music mantienen posturas más permisivas hacia la música generada por IA. Spotify, por ejemplo, ha anunciado que está trabajando en la divulgación del uso de IA en su catálogo, aunque no ha implementado una prohibición estricta similar a la de Bandcamp. Apple Music también prohíbe las impersonaciones generadas por IA, aunque su política ha sido menos clara en cuanto a otros tipos de contenido.
La medida de Bandcamp se presenta en un contexto donde ha habido un aumento notable en la creación de música de baja calidad generada por IA, ejemplificado por casos como el de la banda ficticia The Velvet Sundown. Este grupo, que nunca existió en la realidad, llegó a alcanzar un pico de 500,000 oyentes mensuales, una cifra que refleja el interés del público, a pesar de que su música fue criticada por su falta de originalidad y autenticidad.
La decisión de Bandcamp ha sido bien recibida en la comunidad artística, mientras que Spotify ha enfrentado críticas por sus bajas regalías y una creciente saturación de música generada por IA en su plataforma. La discusión sobre el uso de la inteligencia artificial en la música se extiende también al ámbito de los videojuegos, donde figuras como Tim Sweeney han planteado inquietudes sobre el impacto del uso excesivo de IA en la creatividad y calidad de los productos finales.
Nothing is more fulfilling than finding a community that deeply loves and cares about something you are passionate about. And if you are looking for a community that loves music as much as you do, Bandcamp is the right place for you.
Llegados este punto nadie puede dudar de que Taylor Swift es una de las artistas más importantes de nuestra era. Al menos en cuanto a recepción y capacidad de movilizar a un público, no hay nadie que tenga su alcance. Todo lo que dice se recibe como si fuera declarado en misa, todo lo que hace se recibe como maná de los cielos y parece imposible que sufra un traspiés. Incluso si su último disco es recibido de manera tibia, con numerosas críticas sobre el mismo, eso significa que solo va a ser el disco más vendido del año. Porque ella está a otro nivel.
Eso lo ha demostrado también con su última gira de conciertos, The Eras Tour. Una serie de conciertos que incluso más que conciertos han acabado siendo toda una experiencia para sus fans que trascendían lo meramente musical. Y que además, ahora revela en una serie documental de seis capítulos llamado The End of an Era.
Una revolución musical para las salas de cine
La premisa de The Eras Tour era sencillo. No iba a ser un tour donde se limitara a tocar las canciones de su nuevo disco, sino que haría una selección de sus canciones a lo largo de toda su discografía. Tocando canciones de todos sus discos, variando entre concierto y concierto, la idea era experimentar a Taylor Swift en su totalidad en cada uno de los conciertos, pero siempre de un modo diferente y total. Todos los conciertos tendrían una misma personalidad, pero ninguno sería igual que otro.
Con coreografías, pirotecnia y todo el espectáculo asociado, son conciertos absolutamente espectaculares que han congregado a decenas de miles de personas a lo largo de todo el mundo. Pero que además han tenido un gran impacto donde menos cabía esperar: en las salas de cine.
En octubre de 2023, Taylor Swift decidió estrenar en cines uno de sus conciertos de The Eras Tour. Pero lo hizo bajo una premisa sencilla, que no era nueva, pero que iba mucho con su idea. Sería un sing along. La gente no iría solo para ver el concierto, sino también para cantar sus canciones favoritas, bailar e interactuar con otras swifties, como si fuera uno de los conciertos de la gira, pero pagando una décima parte de lo que harían en esas circunstancias.
El éxito fue rotundo y arrollador. Salvando una temporada en la que las salas de cine no estaban pasando un buen momento, logró un éxito sin precedentes que otros han querido imitar, como por ejemplo la película Wicked. Y que Disney+ capitalizó subiendo The Eras Tour a su servicio de streaming.
Ahora, con el final de The Eras Tour, Disney+ han decidido cerrar esta etapa con más Taylor Swift. En los seis episodios del documental la propia Taylor destripa los conciertos, los ensayos, los preparativos y todos los amigos y acompañantes que ha tenido durante estos años. Los dos primeros episodios se emitieron este viernes 12 de diciembre, pero para ver los siguientes aún tendremos que esperar: los dos siguientes serán el 19 y los dos últimos el 26. Haciendo que las swifties tengan algo a lo que hincarle el diente durante un par de semanas.
Aunque este no es el único estreno. Porque junto con el documental también estrenarán The Final Show, el último concierto de The Eras Tour, grabado especialmente para la ocasión. Un auténtico regalo para todos y todas las fans de Taylor Swift, ya disponible en Disney+, que no te puedes perder.
Si tú también llevas un mes escuchando Golden y las noticias de que Netflix va a hacer secuelas sin parar de Las Guerreras K-Pop te ilusionan, estás en mi equipo. Uno no puede saber lo que habría pasado si Sony la hubiera estrenado en cine, tal y como pretendía, pero no cabe duda de que en Netflix se ha convertido en todo un icono mundial: no hay nadie, sin importar la franja de edad o el sexo, que no conozca ya a Rumi, Jinu y Mira y sus canciones. De hecho, hay quien quiere que hagan conciertos en medio mundo, y no es la primera vez que un grupo ficticio hace una película y acaba haciendo bolos durante años. Ven con nosotros, que te contamos 5 películas que tienes que ver para acabar bailando en el sofá.
Blues Brothers (Granujas a todo ritmo)
Los Blues Brothers nacieron en 1978 como invitados musicales especiales en el Saturday Night Live, y poco después empezaron a abrir para otros músicos, lanzaron un álbum en directo y, por supuesto, hicieron su propia película. James Belushi y Dan Aykroyd, en 1980, estrenaron Blues Brothers (Granujas a todo ritmo), que expandió su legado hasta límites insospechados. De hecho, incluso tras la muerte de Belushi en 1982, siguieron tocando y grabando discos con distintos componentes. Es más: veinte años después de su película, estrenaron Blues Brothers 2000. Pero, definitivamente, no era ni lejanamente lo mismo. Everybody needs somebody.
This is Spinal Tap
Puro heavy metal con un falso documental de broma sobre un grupo que lo da todo. Literalmente, todo: es capaz de subir el volumen a 11 con tal de que se les escuche a su manera. Realmente Spinal Tap nació en un programa de televisión olvidado, The TV show, pero evolucionó hasta que en 1984 estrenó su propia película. Todo era una broma tan bien cuidada que empezaron a dar giras y sacar discos. La rueda ha girado tanto que incluso Spinal Tap II: The End Continues se estrenará este 2025, con la banda escenificando un falso regreso. ¡El rock’n’roll y el humor nunca mueren!
The Archies
Ahora es imposible imaginar algo así, pero The Archies nació en las páginas de un cómic. Concretamente, en el número 60 de Life with Archie, de 1967. A partir de ahí, todo fue sobre ruedas: se empezaron a publicar singles y discos (¡algunos incluso venían en las cajas de cereales!) con canciones de pop chicle que llegaron a marcar una época, y que tuvieron videoclips animados. Más adelante, una vez pasados los 60, el grupo apareció en Riverdale y, finalmente, tuvo su propia película. El único problema es que, para ser una producción tan puramente americana, se trataba de una cinta… ¡India! La tenéis en Netflix si os morís de curiosidad. No sería para menos.
Josie and the Pussycats
Otro caso de lo más curioso: nacieron también en 1969, en los cómics de Archie, y tuvo un boom inmediato: el año siguiente sacaron una serie de dibujos animados acompañada de una banda real que llegó a sacar un álbum y seis singles, dando conciertos por todo Estados Unidos. Mucho tiempo después, cuanto todo se había olvidado, llegó la película con actrices reales, Josie and the Pussycats, en 2001: el disco con la banda sonora fue un éxito, pero la película no tanto. Eso sí, se ha convertido en puro culto. ¡Que no os extrañe si lo resucitan en tres o cuatro años más!
Dazzler
El caso más curioso de todos: la película que nunca fue. Resulta que en 1980, Marvel tenía un plan increíble para lanzar a su nueva mutante, Dazzler: lo haría con un cómic especial más largo de lo habitual que vendría acompañado de película de acción real, un concierto televisivo repleto de estrellas (como Donna Summer, Kiss o Cher) y una gira con una actriz que habían escogido para ser su protagonista, Grace Jones. Sin embargo, el director de la película, John Derek, quiso que la protagonista fuera su mujer, Bo Derek, y obligó a cambiar el cuerpo del personaje en el cómic. Al final, ni Bo, ni Grace, ni nadie: el proyecto se fue por el desagüe y el personaje solo sale de refilón un momento en X-Men: Dark Phoenix. Cosas que pasaban en los 80.
Spotify ha anunciado un aumento de precios en varios países, entre ellos España y diversas naciones de Latinoamérica, lo que ha generado un debate sobre la competitividad del servicio frente a Apple Music. A pesar de contar con una base de suscriptores significativamente mayor, un análisis reciente sugiere que Apple Music podría ofrecer una mejor experiencia de audio y funcionalidades más atractivas para los audiófilos.
Un trato que es fácil rechazar
En términos de planes de suscripción, Spotify parece más accesible especialmente con su opción familiar, que puede parecer más económica a primera vista. Sin embargo, Apple Music incluye en sus paquetes servicios adicionales como Apple TV+, lo que puede hacer que su costo sea más competitivo. Además, el costo de Apple Music se puede reducir a poco más de 1 euro al mes si se contrata dentro del servicio Apple One, que incluye varias plataformas de entretenimiento.
Uno de los aspectos que pone a Apple Music en una posición ventajosa es su oferta de audio sin pérdida y soporte para Audio Espacial. Estas características son muy valoradas por quienes buscan una calidad sonora superior. En contraste, Spotify aún no ha implementado estas funciones, manteniendo el formato de compresión en su servicio de streaming.
Si bien Spotify sigue atrayendo usuarios con su amplia gama de podcasts y una interfaz que permite una experiencia social más dinámica, algunos usuarios prefieren una aplicación dedicada exclusivamente a la música. En este sentido, Apple Music se destaca por su integración fluida en el ecosistema de dispositivos Apple, incluyendo HomePod y Apple Watch.
La decisión entre ambas plataformas, por tanto, no es solo financiera, sino que también dependerá de las preferencias personales relacionadas con la calidad del audio y la experiencia del usuario. Con el incremento de precios de Spotify, la elección podría ser más clara para quienes priorizan la calidad musical por encima de todo.
Una nueva serie sobre la vida y música de la icónica cantante Madonna se encuentra en desarrollo. Este ambicioso proyecto contará con la colaboración de la propia artista junto a Netflix y el director Shawn Levy, conocido por su trabajo en una variedad de producciones exitosas. Este enfoque por parte de Madonna refleja su deseo de contar su historia de una manera que resuene con las nuevas generaciones de aficionados a su música y legado cultural.
Una diva valiente, poderosa
La serie, que se presenta como una producción limitada, se enfocará en los momentos clave de la carrera de Madonna, así como en su impacto en la música popular y la cultura contemporánea. A través de esta colaboración con Netflix, se espera que la serie ofrezca una visión única y auténtica de la vida personal y profesional de una de las artistas más influyentes de la historia de la música.
Es importante destacar que este nuevo proyecto es independiente de la película sobre Madonna que anteriormente estaba en desarrollo en Universal Pictures, donde la actriz Julia Garner había sido vinculada para interpretar a la cantante. Con la serie de Netflix, Madonna parece buscar un formato que le permita explorar su narrativa de manera más profunda y significativa, diferenciándose del enfoque cinematográfico que le fue propuesto anteriormente.
La llegada de esta serie sumará a la creciente lista de producciones biográficas que han ganado popularidad en las plataformas de streaming, lo que refleja un creciente interés por las historias de figuras icónicas de la música. No obstante, hasta el momento no se han revelado detalles específicos sobre el elenco ni la fecha de estreno, lo que deja abiertas las puertas a futuras especulaciones sobre este emocionante proyecto. La combinación de Madonna, Netflix y Shawn Levy promete un relato cautivador que, sin duda, atraerá tanto a sus seguidores de larga data como a una nueva audiencia.
Este nuevo dispositivo destaca por incluir dos convertidores digital-analógico (DAC) AKM, que permiten la reproducción de audio Hi-Res hasta 32 bit/768 kHz, ofreciendo una experiencia auditiva de alta calidad que promete satisfacer a los audiófilos más exigentes.
Shanling M8T – Flagship Hi-Fi Portable Android Player with Tubes
JAN6418 Tubes | Upgraded Android 13 System | AKM 2x AK4499EX + 2x AK4191 DAC System
El M8T, que es una actualización del modelo M8 lanzado en 2020, también presenta un diseño mejorado, con dimensiones de 147 x 82 x 22 mm y un peso de 383 gramos. Su pantalla táctil HD de 6 pulgadas (1080 x 2160) proporciona una interfaz intuitiva y atractiva.
Una de las características más innovadoras es la inclusión de dos tubos de vacío JAN6418, que permiten alternar entre una amplificación por tubos y un modo de transistor, ofreciendo a los usuarios la flexibilidad de elegir el tipo de sonido que prefieren.
Además, el M8T cuenta con una memoria interna de 128 GB, que puede ampliarse hasta 2 TB mediante una tarjeta microSD, brindando suficiente almacenamiento para archivos de audio de alta resolución. Su batería de 8.350 mAh ofrece una duración de entre 13 y 15 horas de reproducción de audio Hi-Res, y hasta 96 horas en modo Bluetooth 5.0.
El dispositivo ejecuta Android 13, lo que garantiza actualizaciones de software y compatibilidad con principales servicios de streaming musical que soportan audio Hi-Res, como Apple Music, Qobuz y Tidal. Con la expectativa de que Spotify se una a esta tendencia este año, el M8T se posiciona como una opción ideal para quienes buscan aprovechar la calidad de audio superior.
Casi desde el principio de los tiempos, la música y los cómics han tenido una unión muy particular. Ben Grimm se vestía como Los Beatles en un cómic de Los cuatro fantásticos, Kiss tuvo su tebeo particular (hecho con su propia sangre) y hasta mangas como Beck, Nana o 20th Century Boys tenía como parte vital de su estructura el rock and roll. Pero, ¿qué pasa cuando es al contrario? ¿Cuando la música vuelve su cabeza a las páginas para hacer auténticos himnos? Os presentamos 10 canciones basadas en cómics que os van a tener flotando entre acordes y viñetas.
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Empezamos con un clásico: la versión de la serie de animación de los años 70 pasado por el filtro de Los Ramones y cuya sintonía ha aparecido, de una manera u otra, en todas las películas de Spider-man hasta la fecha. Lo cierto es que formó parte de un disco tributo llamado Saturday Morning: Cartoons Greatest Hits, donde grupos de toda índole versioneaban las canciones de Scooby Doo, Gigantor o Speed Racer. Pero, sin duda, la que más ha pasado a la historia es esta pequeña obra maestra de la cultura pop que ha sobrevivido sin tacha hasta nuestros días.
Side Kick (Rancid)
Rancid decidió dedicarle una canción no a Batman, sino a Tim Drake, el tercer Robin, que en 1994 era un personaje muy menor. Así lo expresan en la letra (“I had I dream I was a vigilante sidekick, my name is Tim I’m a lesser known character”) antes de dar un giro y hablar sobre Lobezno en un momento dado. La canción es puro punk nihilista y, como tal, no le puede dar más igual tener cohesión interna. El resultado es una maravilla que enmarca muy bien la música underground de la época.
Nobody loves the Hulk (The Traits)
En el año 1969, Marvel estaba empezando a probar las mieles de la cultura pop, y decidió que, por supuesto, además de cómics tenía que meter su patita en las novelas, en la televisión, en el cine… y en la música. Es aquí donde nace ‘Nobody loves the Hulk’, cantada por The Traits, un desconocido grupo de instituto que tocaba en un garaje, y que en su día fue muy publicitada por la editorial (solo se vendía si respondías a un anuncio en la parte de atrás de los cómics). A la canción, además de repasar el origen de Hulk, aún le da tiempo a dar un alegato anti-racista (“We don’t allow no green skin people in here!”) y aunque la autora de la letra, Rosalind Rogoff, se sienta avergonzada por lo que hizo, sigue siendo camp y muy divertida. Eso sí, no se hizo millonaria: solo se vendieron unos pocos cientos de copias. 55 años después, es un mito versionada por decenas de personas. Lo que tiene la vida.
Ghost Rider (Suicide)
Los 70 supusieron una época de cambio para Marvel, donde empezaron a juguetear con nuevos personajes como Ghost Rider, un motorista demoniaco al que le salía fuego de la cabeza (y la moto) y que, por supuesto, captó la atención de un grupo punk como Suicide, que incluyeron un homenaje en su primer disco, que a posteriori sería versionado por cientos de otros grupos. La letra, eso sí, no es nada del otro mundo: “Ghost Rider motorcycle hero, hey baby, baby, baby he’s a-lookin’ so cute. Sneak around-round-round in a blue jump suit, Ghost Rider motorcycle hero”. No se puede decir más con menos.
Flash (Queen)
Flash Gordon nació en 1934, y a lo largo de los años ha influenciado miles de cómics, películas y series de televisión. Pero también a Queen, quizá el grupo de música más famoso de todos los tiempos -con permiso de los Beatles- que hicieron una canción para la adaptación en cine de 1980. Flash (inevitablemente en tu cabeza estás cantando “Uoooooh”) nunca llegó al número uno en las listas de ventas, pero inevitablemente todo el mundo puede continuar la letra sin muchos problemas casi 45 años después. No es poco reconocimiento.
The dark saga (Iced Earth)
En este caso no es una canción, sino todo un disco: Iced Earth le dedicó diez canciones a Spawn, el cómic de Todd McFarlane que, en agradecimiento, dibujó la portada. Y eso que originalmente él les rechazó cuando se ofrecieron para escribir canciones para la película basada en el personaje. ¿Quién le iba a decir que The dark saga se iba a convertir en un mito del power metal? Aunque en su día su cambio más melódico fue criticado, hoy en día temas como I Died for You o la propia Dark Saga siguen siendo fundamentales para la banda.
Slept on Tony (Ghostface Killa)
Uno de los miembros de Wu Tang Clan, el mítico rapero Ghostface Killa, no quiso dejar pasar la oportunidad, en 2008, de hacer su propia versión de Iron Man aprovechando con el estreno en cines de Marvel. En esta canción repasa toda la trayectoria del Hombre de Hierro de manera muy fiel a los cómics (“I created an iron suit, to protect my people, escaped, bound to be Ironman the great. The billionaire Tony Starks’ll renew your fate!”) y dio una lección de cómo ser un fan a la vieja usanza. Maravillosa.
Estela Plateada (Los Punsetes)
Nos vamos un segundo hacia España, porque aquí, más allá de las canciones basadas en cómics patrios como Rompetechos o Mortadelo y Filemón, también hemos mirado al cómic estadounidense con temas como Estela Plateada, de Los Punsetes, de su disco Aniquilación y en la que, con cierta sorna, ven el mundo desde las alturas con un “No tengo destino, el espacio es mi camino. No tengo destreza, pero no me vence la pereza”. Como curiosidad, el grupo Veintiuno también hizo referencia al personaje de Stan Lee en un temazo donde Diego canta “Yo sé que vuela. Nadie jamás se lo creyó, pero se eleva, deja una huella como Estela Plateada…”. Que no se diga.
Magneto and Titanium Man (Wings)
Paul McCartney nunca ha escondido que era un fan de los cómics en general, y en Magneto and Titanium Man presenta una historia entre tres de los más grandes villanos de Marvel: Magneto, el Hombre de Titanio y Dínamo Carmesí, que es tan fantástica que años después el propio Stan Lee tuvo que reconocer que le encantaba. Hay quien ha querido ver en la letra alegorías de la separación de los Beatles, pero en realidad parece más una canción creada con sustancias psicotrópicas, no os voy a engañar.
Legendary Iron Hood (Mike Eagle)
Y terminamos con una canción dedicada a uno de los mejores villanos de la historia de los tebeos: Juggernaut. O como Mike Eagle le llama para no infringir derechos de autor, Iron Hood. Además, aprovecha para repasar la salud mental del personaje, que en realidad es el hermanastro de Charles Xavier, y, francamente, acabas teniendo auténtica compasión por él. Hay quien quiere ver en su letra una alegoría de la gente que tiene que crecer en comunidades marginadas, y puede ser. Porque al final, los cómics son eso: alegorías de un presente y de una realidad que muchos confunden con simples puñetazos al aire.
Existen discusiones sobre cuál es la música de anime más popular de la historia, pero esta encuesta que ha hecho Anime News Network busca resolverla.
En todos los fandom ocurren discusiones inconsecuentes. Quién es el personaje más popular, el mejor capítulo o cuál es la canción más celebrada. Esto es algo que se preguntan mucho quienes disfrutan de los animes. Con canciones para abrir y cerrar cada episodio, poniendo un gran esfuerzo en las mismas, hay muchas que tienen un estatus mítico que ha trascendido incluso el anime. ¿Pero cuál será la más popular?
Anime New Network se ha enrollado la toalla a la cabeza y han decidido descubrir cuáles son las canciones favoritas para el público. Diferenciándolas entre un top 10 global, un top 10 global excluyendo a EEUU y un top 10 exclusivo de EEUU, los resultados son más o menos los que cabría esperar. Aunque con algunas sorpresas. Y algunas ausencias sorprendentes que tienen explicación.
A nadie sorprenderá descubrir que la canción que ha copado el número 1 de forma prácticamente unánime es A Cruel Angel’s Thesis, de Neon Genesis Evangelion. Una de las canciones más famosas del anime, que en Japón incluso ha trascendido el medio. Sólo superada por Tank!, canción de entrada de Cowboy Bebop, en la lista exclusiva de EEUU, aun así ha quedado en segundo puesto también en esa lista siguiéndola muy, muy de cerca. Demostrando lo emblemático de esta canción.
Lo más interesante es el resto de la lista. Entre las más recientes, destaca Idol, de Oshi no Ko, que fue una sensación global a su salida, pero destacan especialmente los clásicos de los 90s y los 00s. Duve de Serial Experiments Lain, Butter-Fly de Digimon Adventure, Inner Universe de Ghost in the Shell: SAC 1st Gig y Moonlight Densetsu de Sailor Moon parecen ser las canciones que compartimos en todo el mundo. Siendo una selección no menos que excelente.
Más propias de EEUU parecen ser grandes temas como Ride On Shooting Star de FLCL o Rinbu Revolution de Revolutionary Girl Utena, que se explica porque son dos series que no estuvieron tan fácilmente disponibles de forma global. Entre las grandes ausentes, está Naruto en su totalidad, pero esto tiene una explicación: tiene tantos diferentes, de tanta calidad, que es probable que sus canciones hayan devorado sus votos entre sí. Demostrando que, a veces, demasiada calidad puede hacerte perder un concurso de popularidad.
Tiene conciertos reservados durante todo julio y agosto. Entonces, ¿se puede saber qué hace trabajando de camarera en una tienda de gofres en Alabama?
Lana del Rey tiene 38 años, ha sido elegida como la mejor compositora del siglo XXI por la revista Rolling Stone y hace menos de medio año publicó su noveno disco, ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd’. Tiene conciertos reservados durante todo julio y agosto. Entonces, ¿se puede saber qué hace trabajando de camarera en una tienda de gofres en Alabama?
Para sorpresa de todos, es así: vestida con el uniforme oficial de Waffle House, una cadena con más de 1700 restaurantes en Estados Unidos, la cantante ha atendido las mesas, estado detrás de la barra y hecho fotos con todos sus fans. Los 40.000 habitantes de la ciudad de Florence no se habían visto jamás en una de estas. Tú tan tranquilo teletrabajando y en la acera de enfrente está una de las mayores estrellas pop de todos los tiempos sirviendo capuccinos.
Y no, no es una doble, ni un experimento: nadie sabe exactamente qué estaba haciendo Lana del Rey sirviendo mesas por el día y yendo de gira internacional por la noche, pero tampoco lo ocultó. Mientras tanto, en su Instagram anuncia conciertos en centros comerciales cutres, como un Walmart de Arizona. y nadie entiende muy bien ni en los comentarios lo que está pasando.
Que nadie coja billetes para ir a Alabama: por lo visto fue una cosa de una sola tarde. La cantante, jugando a ser una persona normal, fue a Waffle House de visita y acabó sirviendo mesas con una etiqueta con su nombre impreso. La doble vida de Batman y Bruce Wayne parece que no sirve para una superestrella del pop. Que se lo pregunten a Miley Cyrus, que sabe del tema.
Hay quien dice que es una campaña de márketing, que está grabando el nuevo anuncio de Waffle House, que solo es un descanso de su ajetreada vida o un retorno a las raíces. Sea lo que sea, está claro que habrá que mirar con lupa a quien nos atienda la próxima vez que nos pasemos por Starbucks, no vaya a ser que a Shakira también le entren ganas de llevar una doble vida.
Hoy os vamos a hablar de los dos miembros del grupo más famoso de la historia que el tiempo olvidó: Pete Best y Stuart Sutcliffe.
Los BTS de los años 60. Solo duraron diez años en activo, pero forjaron una leyenda que duró para siempre en el mundo de la música: John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison fueron Los Beatles, que no necesitan presentación. O, bien mirado, quizá un poco sí. Porque antes de que este cuarteto se dedicara a triunfar allá por donde pasara hubo otras dos personas que se quedaron a las puertas del estrellato. Hoy os vamos a hablar de los dos miembros del grupo más famoso de la historia que el tiempo olvidó: Pete Best y Stuart Sutcliffe.
Cuando Los Beatles empezaban a despuntar, incluso antes de tener su nombre oficial (se hacían llamar Beatlas o Silver Beetles, como homenaje al grupo de Buddy Holly, The Crickets), el cuarteto era un quinteto. Y es que originalmente el bajo del grupo no era otro que Stuart Sutcliffe, un amigo personal de John Lennon que les acompañó en los primeros ensayos y en su primera gira por bares de Hamburgo, en Alemania… hasta que se enamoró.
Sutcliffe conoció, entre concierto y concierto, a Astrid Kirchherr, una fotógrafa de 22 años de la que se enamoró perdidamente. De hecho, en apenas tres meses ya estaban propuestos en matrimonio, dejó Los Beatles y se dedicó a estudiar arte en Hamburgo durante el resto de sus días. Que, tristemente, no fueron muchos: el 10 de abril de 1962, el quinto Beatle falleció por una hemorragia cerebral en los brazos de Kirchherr.
La vida de la fotógrafa nunca dejó de estar unida a Los Beatles: hizo las fotos tras las cámaras de ‘¡Qué noche la de aquel día!’ y acabó casada con Gibson Kemp, el batería que sustituyó a Ringo Starr cuando dejó su banda original (Rory Storm and The Hurricanes) para irse con los beats de turno. Pero, ya puestos, ¿a quién sustituía Starr en Los Beatles?
Volvemos a la gira de Hamburgo, cuando aún eran un quinteto musical… en busca de quinto miembro. Y es que ninguno de los baterías que probaban les terminaba de funcionar hasta que, al fin, dieron con alguien que tenía las cualidades necesarias (existir y querer tocar con ellos): un tal Peter Best. Si su apellido lo decía, por algo sería, ¿no? Best entró en Los Beatles la noche antes de su primer concierto en Hamburgo y les acompañaría durante dos años.
De hecho, era el único que hablaba alemán, así que se convirtió en una pieza clave del equipo en aquella gira de 1960, sobre todo porque su madre sirvió como semi-manager: era quien les escogía los alojamientos desde Liverpool y quien recuperó su equipamiento después de que se quedara en un bar de Hamburgo. ¿Cómo se lo pagaron? Pues… echándole sin miramientos. Y es que su estilo era demasiado ruidoso: durante las grabaciones de su primer disco, su manager decidió cambiar su pista por la de alguien con más experiencia.
Cuando el resto del grupo se enteró de lo que había pasado, se pusieron nerviosos y decidieron pedirle a su manager que le despidiera. Y le costó. Vaya que si le costó. Imaginad la situación por un momento: Best era el Beatle más popular por aquella época, ayudaba a ganar fans y era absolutamente encantador. Eso sí, encantador no significa tonto, y el día de su último concierto, el 16 de agosto de 1962, ni siquiera se presentó.
Lo que pasó después ya lo sabéis: Ringo Starr se convirtió en el cuarto Beatle y su éxito fue más allá de las estrellas. Pero, ¿y qué fue de Best? Los tres miembros del grupo se han arrepentido varias veces de la manera en que le echaron y él, ya en 1968 y tras un intento de suicidio, no tenía ningún interés en hablar del grupo. De hecho, se retiró del mundo del espectáculo y vivió su vida hasta que veinte años después, en 1988, fundó la Pete Best Band. ¿Ahora? Está casado con una fan de Los Beatles, tiene dos hijas, cuatro nietos… y es feliz. All you need is love.
