Quienes trabajan en la serie nunca temieron por la misma
Anya Chalotra, quien interpreta a Yennefer, expresó su confianza en la continuidad de la serie, afirmando que siempre tuvo la certeza de que “todos seguiríamos”. Para Chalotra, el profundo amor por el material original ha sido un factor clave para la persistencia del proyecto. “Estaba emocionada de ver hacia dónde iría Yennefer,” añadió, resaltando su optimismo a pesar de los desafíos presentados.
Los productores de The Witcher han defendido el cambio de actor al comparar a Geralt de Rivia con figuras icónicas de otras franquicias, como James Bond y Batman, señalando que su papel puede ser interpretado por diferentes actores a lo largo del tiempo. Esta perspectiva ha sido bien recibida por parte de los miembros del elenco, quienes también han comentado favorablemente sobre la integración de Hemsworth en el equipo de trabajo, lo que sugiere un ambiente colaborativo y acogedor.
A pesar de esta apuesta por el futuro, una porción del fandom ha reaccionado con descontento, interpretando la salida de Cavill como un fracaso de Netflix. Esto ha quedado reflejado en las valoraciones negativas de la serie en plataformas como Rotten Tomatoes e IMDb, donde se han reportado episodios de “review-bombing”. Con la cuarta temporada en marcha y una quinta ya anunciada, el futuro de The Witcher parece incierto, a la espera de las reacciones del público una vez que las nuevas entregas se estrenen.
Netflix está en las etapas de desarrollo de una serie animada basada en la icónica franquicia de videojuegos Crash Bandicoot, actualmente bajo la propiedad de Microsoft tras la adquisición de Activision Blizzard. Este nuevo proyecto se añadiría a la creciente lista de adaptaciones de videojuegos que han tenido éxito en la plataforma, como The Witcher, Arcane y Cyberpunk: Edgerunners. Con Crash Bandicoot y su legado marcado por una época dorada en los años 90, el personaje busca revivir su relevancia en el mundo contemporáneo del entretenimiento tras más de una década de inactividad.
Crash Bandicoot llega a la pequeña pantalla
La producción de la serie estará a cargo de WildBrain Studios, conocido por su trabajo en Sonic Prime, una adaptación que ha sido bien recibida, logrando un 7.2 en IMDb y un 81% de reseñas positivas en Rotten Tomatoes. La experiencia del estudio en animación sugiere que la serie de Crash podría beneficiarse de un enfoque similar, capturando la esencia del marsupial que se ganó el corazón de los jugadores.
Phil Spencer, presidente de la división de videojuegos de Microsoft, ha dejado entrever que se están preparando más adaptaciones de franquicias bajo su control, lo que refuerza la estrategia de Netflix de llevar videojuegos a la televisión. A pesar de que aún no hay una confirmación oficial sobre fechas de estreno o detalles del elenco, la anticipación es palpable entre los fanáticos. También se rumorea que Activision podría aprovechar el lanzamiento de la serie para presentar nuevos títulos relacionados con la saga o reediciones de los clásicos.
El marsupial ha tenido un pasado televisivo que incluye una serie cancelada en la que el personaje iba a tener un rol protagónico, así como su aparición en Skylanders Academy, un proyecto que, aunque no tuvo el éxito esperado, fue emitido en Netflix. A medida que se producen más adaptaciones de videojuegos, esta serie de Crash Bandicoot podría ser un eslabón crucial en consolidar la presencia de la franquicia en el medio televisivo moderno.
El thriller psicológico I’m Thinking of Ending Things, escrito y dirigido por Charlie Kaufman, se estrenó en Netflix en septiembre de 2020, ofreciendo una experiencia cinematográfica surrealista y provocadora. Basado en la novela homónima de Iain Reid, el filme sigue a una joven (interpretada por Jessie Buckley) que se embarca en un viaje para conocer a los padres de su nuevo novio, Jake, mientras lucha con la ambivalencia sobre su relación.
Una película que te dejará inquieto y desconcertado
A pesar de haber recibido críticas mayormente positivas, con un 82% de aprobación en Rotten Tomatoes, la recepción de la audiencia fue más fría, con una puntuación de solo el 50%. Muchos espectadores se sintieron desconcertados por el ritmo inusual y la estructura no convencional del filme, característica típica del estilo de Kaufman, conocido por su trabajo en Eternal Sunshine of the Spotless Mind.
En la película, el personaje de Buckley es presentado con múltiples nombres, incluyendo Lucy, Louisa y Lucia, lo que refleja su propia confusión sobre su identidad. A medida que avanza la historia, los momentos incómodos de una cena familiar se entrelazan con la vida de un anciano (Guy Boyd) que lucha con la soledad y la desesperación existencial, creando un clímax sorprendente que invita a la reflexión.
La actuación de Buckley ha sido tan impactante que se perfila como una de las favoritas para el Oscar a la Mejor Actriz por su papel en la próxima película Hamnet. Su actuación en I’m Thinking of Ending Things ha sido elogiada por su capacidad para alternar entre una presencia estabilizadora y la entrega de emociones angustiantes, lo que ha llevado a críticos a señalar su versatilidad como actriz.
Recientemente, IndieWire incluyó I’m Thinking of Ending Things en su lista de las “100 Mejores Películas de los 2020s (Hasta Ahora)”, destacando su estructura audaz y sus profundos temas existenciales. Es un filme que provoca, invita a la introspección y que puede haber pasado desapercibido en su lanzamiento, pero que definitivamente merece ser revisitado en la actualidad.
La película The Curse of La Llorona recibirá una secuela titulada Revenge of La Llorona. A pesar de su bajo puntaje en Rotten Tomatoes, con un 26%, y una taquilla decepcionante de 123 millones de dólares, New Line Cinema ha decidido seguir adelante con este proyecto. En esta nueva entrega, Raymond Cruz regresará como el sacerdote convertido en curandero, Rafael Olvera, mientras que los actores principales de la primera película, Linda Cardellini y Patricia Velásquez, no formarán parte del elenco.
Ser parte del universo cinematográfico de The Conjuring hace mucho
The Curse of La Llorona, basada en el folclore mexicano, se estrenó en 2019 y giraba en torno a Anna (Cardellini), una trabajadora social que se ve envuelta en un oscuro misterio relacionado con el asesinato de niños. A pesar de la confusión inicial que situaba la película como parte del Universo Conjuring debido a la aparición del personaje de Tony Amendola, el productor Peter Safran ha aclarado que ‘no se puede contar como una entrada canónica’ dentro de esa franquicia. Esta afirmación reitera que, aunque se haya promocionado como tal, la cinta no forma parte oficialmente del universo creado por James Wan.
Para Revenge of La Llorona, el nuevo elenco incluirá a Jay Hernandez (Suicide Squad), Monica Raymund (Chicago Fire), Edy Ganem (9-1-1), entre otros. La producción comenzará en Buffalo, Nueva York, en los próximos días, bajo la dirección de Michael Chaves, quien ya ha trabajado en otras entregas del Universo Conjuring, tales como The Conjuring: The Devil Made Me Do It y The Nun II. Estos movimientos generan expectativas interesantes, a pesar de la recepción crítica de su predecesora.
Con estos elementos en juego, los fanáticos del terror están atentos a cómo Revenge of La Llorona buscará redefinir o ampliar la historia de La Llorona y su legado dentro del cine de terror contemporáneo.
De vez en cuando aparece una película que genera un gran discurso tras de sí. No tiene porqué ser necesariamente una película particularmente densa o profunda, sólo es necesaria que toque aunque sea tangencialmente un tema que resulte delicado por cualquier circunstancia. Eso hace que, automáticamente, esa película se convierta en el tema de conversación en círculos fílmicos y no se hable de sus cualidades más allá de eso: si de verdad habla de eso, hasta qué grado y lo bien que lo hace o no. Algo que es una pena. porque las películas son más que sus temas.
Una de esas películas ha sido La sustancia. Estrenada a finales de 2024, es una sátira de terror que no oculta sus temas, pero que en muchos sentidos acabó monopolizando toda su conversación alrededor de los mismos. Y no es de extrañar. Porque los lleva debajo de la manga.
La sustancia es una película dirigida por Coralie Fargeat, una cineasta francesa conocida por haber escrito y dirigido el thriller de acción Revenge. Una película sobre una mujer que es asaltada por tres hombres y es dejada morir en medio del desierto, sólo para sobrevivir y buscar venganza sobre los mismos. Algo que demuestra que la filmografía de Fargeat tiene unos intereses muy marcados que es posible ver en todas sus obras hasta el momento.
En el caso de su segunda película, seguimos a Elisabeth Sparkle, una celebridad que ve como su popularidad está menguando por momentos, que empieza a dudar de sí misma. Cuando es despedida por su productor a causa de su edad, decide utilizar una droga ilegal que crea una versión más joven de sí misma, lo cual tendrá una serie de efectos secundarios que llevarán a un rápido proceso de autodestrucción entre ambas mujeres.
Con Demi Moore haciendo de Sparkle y Margaret Qualley de la versión más joven de ella, de nombre Sue, la película se centra en los conflictos que viven las mujeres, en particular en una era de hipermediatización. La imposibilidad de envejecer sin ver cómo pierden oportunidades laborales y sociales, las presiones que sufren a causas de sus cuerpos desde su más tierna infancia y su constante sexualización son temas que se tratan de forma constante en la película a través de la búsqueda de Sparkle de esa juventud y perfección perdida que la sociedad exige a las mujeres de un modo que es inimaginable para los hombres.
Mucho más que sus temas
Con un tono de terror corporal, la película resulta fascinante en cómo retrata todo esto de una forma visceral y sin evitar mostrarlo todo a través de las consecuencias en los cuerpos de las personas. Algo que la acerca al cine de David Cronenberg y John Carpenter.
Por eso no debería extrañarnos que la película fuera un absoluto éxito de crítica y público. Con un 89% en Rotten Tomatoes y un 80% de aprobación del público en PostTrak, la película fue un éxito rotundo y una de las más comentadas de la temporada. Además de un éxito comercial. Costando unos discretos 18 millones de dólares, consiguió embolsar unos impresionantes 70 millones de dólares y, contra todo pronóstico, cinco nominaciones a los Oscar. Una singularidad ya que, por lo general, las películas de género no suelen funcionar bien con la academia.
Se hablo de ella por todo de lo que habla sobre las mujeres y sus cuerpos y aunque ciertamente son temas interesantes y relevantes, también lo es por el interés que genera como película en sí. Y ahora llega a HBO Max, si es que te la perdiste o quieres volverla a ver, para comprobar si la película era para tanto. O si acaso es que todos estábamos exagerando con todos esos problemas que tienen las mujeres y no tienen los hombres.
La nueva serie de Netflix, La casa Guinness, creada por Steven Knight, conocido por su aclamada obra Peaky Blinders, ha tenido un comienzo difícil en la plataforma de streaming. En su primera semana, la serie alcanzó 5,2 millones de visualizaciones, cifra que apenas aumentó a 6,4 millones en su segunda semana. Estas cifras, consideradas por muchos expertos como decepcionantes, ponen a la serie al borde de la cancelación, especialmente si se comparan con otros estrenos que han sido rápidamente cancelados a pesar de tener cifras superiores.
Unos números decepcionantes
Entre los ejemplos más notables, La residencia comenzó con 6,4 millones, y aunque incrementó su audiencia a 8,8 millones, fue cancelada poco después. De manera similar, Aguas turbias, la serie de habla inglesa más vista en sus primeras semanas, acumuló 8,3 millones, y luego 11,6 millones, pero también fue descontinuada. En este contexto, La casa Guinness presenta números que podrían sellar su destino, especialmente considerando que no se anticipa que su producción sea significativamente más económica que esas otras series.
A pesar de la falta de interés del público, La casa Guinness goza de cierta prestigio crítico, contando con un 90% de valoraciones positivas en Rotten Tomatoes. Sin embargo, es poco frecuente que Netflix tome en cuenta estas evaluaciones al momento de decidir el futuro de sus producciones. Ante esta situación, la única esperanza para la serie podría ser la relación de Netflix con Steven Knight, quien tiene compromisos de futuro con la plataforma, incluyendo la serie secuela de Peaky Blinders, que contará con al menos dos temporadas.
Las decisiones sobre la continuidad de La casa Guinness podrían depender más de la estrategia de Netflix para mantener contento al creador que de las propias métricas de audiencia. Con ello, los aficionados a la serie todavía pueden albergar la esperanza de que se le brinde al menos una temporada más para cerrar las tramas dejadas abiertas.
La nueva película The Lost Bus, dirigida por Paul Greengrass, ha captado la atención del público y la crítica tras su estreno en Apple TV+. Esta producción se centra en un devastador incendio forestal real en California, específicamente en el Camp Fire, y sigue a un conductor de autobús escolar, Kevin McKay, interpretado por Matthew McConaughey, y a una maestra, Mary Ludwig, interpretada por America Ferrera, mientras luchan por salvar a 22 niños en medio del caos del desastre.
Una película construida sobre unas actuaciones memorables
Con una calificación del 84% en Rotten Tomatoes, The Lost Bus ha sido elogiada por su autenticidad y el manejo de la tensión a lo largo de su trama. Las críticas destacan las actuaciones de McConaughey y Ferrera, quienes aportan un realismo palpable al relato, lo que contribuye a la inmersión del espectador en esta historia de heroísmo humanitario. La película se basa en el libro Paradise: One Town’s Struggle to Survive an American Wildfire de Lizzie Johnson, lo que añade un contexto real a la narrativa.
Greengrass utiliza técnicas de cámara que intensifican la sensación de claustrofobia y urgencia, sumergiendo al espectador en la desesperación de los personajes. Aunque algunos críticos han señalado que el guion podría ser más sutil y que los personajes secundarios carecen de profundidad, coinciden en que la película mantiene la atención del público de principio a fin. La trama está repleta de momentos de pánico y adrenalina, haciendo que el espectador sienta la real amenaza del fuego.
En resumen, The Lost Bus ha sido reconocida no solo como un ejercicio de brutalidad y supervivencia en el cine, sino también como una obra capaz de conectar emocionalmente con su audiencia. A medida que avanza el año, la película se posiciona como una de las sorpresas más notables del catálogo de Apple TV+.
La película de terror Good Boy, protagonizada por un perro, se estrenará en cines el 3 de octubre en Estados Unidos y el 10 de octubre en el Reino Unido. Este filme ha captado la atención del público desde su estreno en el festival SXSW, donde ganó el premio Howl of Fame Award y actualmente cuenta con un notable 95% de puntuación en Rotten Tomatoes.
Una película llamada a ser un éxito rotundo
La historia sigue a Indy, un leal perro de la raza Nova Scotia Duck Tolling Retriever, que se muda con su dueño a una casa rural embrujada, sólo para descubrir que fuerzas sobrenaturales desean hacerle daño a su humano. El director Ben Leonberg, junto a su esposa y su perro, llevó a cabo un largo proceso de producción que culminó en esta película única. Leonberg se inspiró en el tropo del perro en películas de terror, desarrollando una narrativa centrada en el comportamiento animal frente a lo desconocido.
La acogida del tráiler ha sido tan positiva que la película ha pasado de un estreno limitado a un lanzamiento más amplio en cines, algo que Leonberg considera un gran logro, aunque siempre confió en el proyecto. “Era una odisea hacer la película… Solo éramos mi esposa, mi perro y yo durante años”, comentó el director. La conexión entre Indy y el público es innegable, pues ya ha sido reconocido en la calle antes del estreno. “Salimos a tomar un café y alguien preguntó: ‘¿Hey, es ese el perro famoso?'”, relató Leonberg.
La idea de centrar la historia en un perro se deriva de la tradición del cine de terror, donde a menudo los caninos son los que “saben mejor”. Leonberg había estado trabajando en el guion durante varios años antes de tener a Indy, pero el pequeño perro no tardó en convertirse en el verdadero protagonista del filme. “Estamos muy felices de que Indy sea la estrella de Good Boy, no podemos imaginar a otro perro en este papel”, manifestó el director.
Cuando pensamos en franquicias de terror siempre pensamos en películas de entre los 90s y los 00s. En los últimos 20 años parece que se ha perdido la capacidad para crear grandes franquicias de terror, con la notable excepción de Blumhouse y todo lo que ha salido alrededor del universo Insidious/The Conjuring. Pero la realidad es que hay al menos otra franquicia que ha logrado despegar en los últimos años y lo hizo casi por sorpresa. Llevando a su director al estrellato casi automático.
Esa franquicia es Un lugar tranquilo, o A Quiet Place en su título original para el público estadounidense. Una franquicia que se extiende actualmente en tres películas y un videojuego, que tiene anunciada una cuarta entrega, y cuyas dos primeras películas llegan ahora a servicios de streaming para que puedas disfrutarlas.
La película original se estreno en 2018 bajo la batuta de John Krasinski. Protagonizada por Emily Blunt y el propio Krasinski, la película nos ponía en una situación terrible: la civilización se ha acabado a causa de una especie que nos ha invadido y nos da caza. Para nuestra fortuna, son ciegos. Para nuestra desgracia, tienen un oído muy agudo. La película nos narra el día a día de de una madre y un padre sufriendo por criar a sus hijos en un mundo postaapocalíptico en el que cualquier sonido, en el momento equivocado, puede conllevar la muerte.
Utilizando de forma muy ingeniosa el lenguaje de signos y poniendo mucho énfasis en lo visual, la película destacó por el ingenio de su premisa. Aquí el terror no nace de la amenaza en sí, tanto como de su presencia: todo se convierte en una potencial amenaza, ya que el más mínimo sonido puede ser una condena a muerte para toda la familia. Y la película lo explota de forma constante al ponerlos en situaciones donde les hace difícil no emitir sonido alguno. Accidentalmente o no.
Con un discreto presupuesto de 17 millones, en Paramount Pictures debieron celebrar con champán cuando vieron los números en que se movía la película. Llegando a recaudar 341 millones a nivel mundial, incluso con la demencial campaña de 86 millones de dólares en publicidad que habían invertido en la misma, consiguieron que fuera un éxito rotundo.
Incluso entre público y crítica parece que funcionó de un modo espectacular. Con un 82 sobre 100 en Metacritic y un 96% de aprobación en Rotten Tomatoes, es una de las películas más celebradas de 2018.
Rebajando las expectativas, pero manteniéndose fuerte
Un lugar tranquilo 2, como toda secuela que se precie, llegó poco después. Aunque no sin problemas. Debido a la pandemia de COVID-19 tuvieron que retrasar casi un año el estreno, el presupuesto de la película aumentó hasta los casi 60 millones y el presupuesto de marketing se disparo. Pero con Krasinski de nuevo al mando y con sus actores principales repitiendo papeles, pero añadiendo ahora a Cillian Murphy y Noah Jupe al reparto, la película desarrolló los temas de la primera incidiendo en las particularidades del particular universo que habían creado.
Algo que no pareció ser suficiente. Aunque fue un éxito, no fue el mismo éxito que la anterior. Recaudó algo menos de 300 millones de dólares y la crítica sería notablemente menos apasionada. Aunque con un 91% en Rotten Tomatoes, apenas conseguiría un 71 en Metacritic, dejando la sensación de que era una digna secuela, pero quizás no tan impactante y redonda como la original.
Su tercera parte, Un lugar tranquilo: Día 1, y su videojuego, A Quiet Place: The Road Ahead, se estrenaron ambos en 2024. Y en ambos casos se puede resumir que siguieron la estela de la anterior secuela: producciones relativamente baratas en comparación con las superproducciones de Hollywood, o los AAA del videojuego, que no tuvieron el éxito ni el recorrido de la película original, pero que hicieron un papel digno con la crítica y cumplieron sobradamente las expectativas de taquilla y ventas. Siendo dos éxitos más para la franquicia.
Ahora las dos primeras películas de la franquicia llegan a HBO Max, para que puedas comprobar si de verdad esta franquicia es para tanto. Y si te quedas con ganas de más, Un lugar tranquilo: Día 1 está disponible en streaming en SkyShowtime. Incluso si para ver su cuarta entrega tendrás aún que esperar un poco: hasta el 9 de julio de 2027.
El confinamiento por Covid-19 fue un periodo crítico para la industria del cine, donde la creatividad se puso a prueba y las producciones tuvieron que adaptarse a las restricciones sanitarias. En este contexto, la película protagonizada por Ice Cube, una versión contemporánea del clásico La Guerra de los Mundos de H.G. Wells, se ha convertido en un fenómeno controvertido, pero no por las razones que sus creadores esperaban.
Una película que salió mal por el COVID
Filmada en solo 15 días durante el confinamiento, la película fue producida sin la presencia del director Rich Lee ni de otros actores, lo que, según Cube, tuvo un impacto negativo en su calidad. En una reciente entrevista, el actor reveló que grabó sus escenas de manera remota, enfrentando la narración de una invasión alienígena desde la pantalla de su computadora, utilizando plataformas digitales como Zoom y WhatsApp. Esta decisión creativa ha sido objeto de críticas por la falta de dinamismo y por parecer más un anuncio de Amazon que una verdadera producción cinematográfica.
A pesar de sus críticas devastadoras, que incluyen una calificación del 0% en Rotten Tomatoes y reseñas que la catalogan como una de las peores películas de la historia, el filme ha encontrado un inesperado nicho en el fenómeno del “hate-watch”. La audiencia ha comenzado a disfrutar de lo malo, comentando y compartiendo escenas absurdas en redes sociales. La peculiaridad de su estilo y su enfoque atípico han atraído a los espectadores que buscan entretenimiento a través del fracaso.
Medios como Variety han calificado el filme como “largamente comercial” y otras publicaciones lo consideran “progresivamente ridículo”. No obstante, el interés que ha generado en internet sugiere que, a pesar de las críticas, esta obra ha logrado hacerse un espacio en la cultura pop moderna, convirtiéndose en un fenómeno de discusión colectiva sobre las producciones cinematográficas durante tiempos de crisis.
