La nueva película The Lost Bus, dirigida por Paul Greengrass, ha captado la atención del público y la crítica tras su estreno en Apple TV+. Esta producción se centra en un devastador incendio forestal real en California, específicamente en el Camp Fire, y sigue a un conductor de autobús escolar, Kevin McKay, interpretado por Matthew McConaughey, y a una maestra, Mary Ludwig, interpretada por America Ferrera, mientras luchan por salvar a 22 niños en medio del caos del desastre.
Una película construida sobre unas actuaciones memorables
Con una calificación del 84% en Rotten Tomatoes, The Lost Bus ha sido elogiada por su autenticidad y el manejo de la tensión a lo largo de su trama. Las críticas destacan las actuaciones de McConaughey y Ferrera, quienes aportan un realismo palpable al relato, lo que contribuye a la inmersión del espectador en esta historia de heroísmo humanitario. La película se basa en el libro Paradise: One Town’s Struggle to Survive an American Wildfire de Lizzie Johnson, lo que añade un contexto real a la narrativa.
Greengrass utiliza técnicas de cámara que intensifican la sensación de claustrofobia y urgencia, sumergiendo al espectador en la desesperación de los personajes. Aunque algunos críticos han señalado que el guion podría ser más sutil y que los personajes secundarios carecen de profundidad, coinciden en que la película mantiene la atención del público de principio a fin. La trama está repleta de momentos de pánico y adrenalina, haciendo que el espectador sienta la real amenaza del fuego.
En resumen, The Lost Bus ha sido reconocida no solo como un ejercicio de brutalidad y supervivencia en el cine, sino también como una obra capaz de conectar emocionalmente con su audiencia. A medida que avanza el año, la película se posiciona como una de las sorpresas más notables del catálogo de Apple TV+.
La película de terror Good Boy, protagonizada por un perro, se estrenará en cines el 3 de octubre en Estados Unidos y el 10 de octubre en el Reino Unido. Este filme ha captado la atención del público desde su estreno en el festival SXSW, donde ganó el premio Howl of Fame Award y actualmente cuenta con un notable 95% de puntuación en Rotten Tomatoes.
Una película llamada a ser un éxito rotundo
La historia sigue a Indy, un leal perro de la raza Nova Scotia Duck Tolling Retriever, que se muda con su dueño a una casa rural embrujada, sólo para descubrir que fuerzas sobrenaturales desean hacerle daño a su humano. El director Ben Leonberg, junto a su esposa y su perro, llevó a cabo un largo proceso de producción que culminó en esta película única. Leonberg se inspiró en el tropo del perro en películas de terror, desarrollando una narrativa centrada en el comportamiento animal frente a lo desconocido.
La acogida del tráiler ha sido tan positiva que la película ha pasado de un estreno limitado a un lanzamiento más amplio en cines, algo que Leonberg considera un gran logro, aunque siempre confió en el proyecto. “Era una odisea hacer la película… Solo éramos mi esposa, mi perro y yo durante años”, comentó el director. La conexión entre Indy y el público es innegable, pues ya ha sido reconocido en la calle antes del estreno. “Salimos a tomar un café y alguien preguntó: ‘¿Hey, es ese el perro famoso?'”, relató Leonberg.
La idea de centrar la historia en un perro se deriva de la tradición del cine de terror, donde a menudo los caninos son los que “saben mejor”. Leonberg había estado trabajando en el guion durante varios años antes de tener a Indy, pero el pequeño perro no tardó en convertirse en el verdadero protagonista del filme. “Estamos muy felices de que Indy sea la estrella de Good Boy, no podemos imaginar a otro perro en este papel”, manifestó el director.
Cuando pensamos en franquicias de terror siempre pensamos en películas de entre los 90s y los 00s. En los últimos 20 años parece que se ha perdido la capacidad para crear grandes franquicias de terror, con la notable excepción de Blumhouse y todo lo que ha salido alrededor del universo Insidious/The Conjuring. Pero la realidad es que hay al menos otra franquicia que ha logrado despegar en los últimos años y lo hizo casi por sorpresa. Llevando a su director al estrellato casi automático.
Esa franquicia es Un lugar tranquilo, o A Quiet Place en su título original para el público estadounidense. Una franquicia que se extiende actualmente en tres películas y un videojuego, que tiene anunciada una cuarta entrega, y cuyas dos primeras películas llegan ahora a servicios de streaming para que puedas disfrutarlas.
La película original se estreno en 2018 bajo la batuta de John Krasinski. Protagonizada por Emily Blunt y el propio Krasinski, la película nos ponía en una situación terrible: la civilización se ha acabado a causa de una especie que nos ha invadido y nos da caza. Para nuestra fortuna, son ciegos. Para nuestra desgracia, tienen un oído muy agudo. La película nos narra el día a día de de una madre y un padre sufriendo por criar a sus hijos en un mundo postaapocalíptico en el que cualquier sonido, en el momento equivocado, puede conllevar la muerte.
Utilizando de forma muy ingeniosa el lenguaje de signos y poniendo mucho énfasis en lo visual, la película destacó por el ingenio de su premisa. Aquí el terror no nace de la amenaza en sí, tanto como de su presencia: todo se convierte en una potencial amenaza, ya que el más mínimo sonido puede ser una condena a muerte para toda la familia. Y la película lo explota de forma constante al ponerlos en situaciones donde les hace difícil no emitir sonido alguno. Accidentalmente o no.
Con un discreto presupuesto de 17 millones, en Paramount Pictures debieron celebrar con champán cuando vieron los números en que se movía la película. Llegando a recaudar 341 millones a nivel mundial, incluso con la demencial campaña de 86 millones de dólares en publicidad que habían invertido en la misma, consiguieron que fuera un éxito rotundo.
Incluso entre público y crítica parece que funcionó de un modo espectacular. Con un 82 sobre 100 en Metacritic y un 96% de aprobación en Rotten Tomatoes, es una de las películas más celebradas de 2018.
Rebajando las expectativas, pero manteniéndose fuerte
Un lugar tranquilo 2, como toda secuela que se precie, llegó poco después. Aunque no sin problemas. Debido a la pandemia de COVID-19 tuvieron que retrasar casi un año el estreno, el presupuesto de la película aumentó hasta los casi 60 millones y el presupuesto de marketing se disparo. Pero con Krasinski de nuevo al mando y con sus actores principales repitiendo papeles, pero añadiendo ahora a Cillian Murphy y Noah Jupe al reparto, la película desarrolló los temas de la primera incidiendo en las particularidades del particular universo que habían creado.
Algo que no pareció ser suficiente. Aunque fue un éxito, no fue el mismo éxito que la anterior. Recaudó algo menos de 300 millones de dólares y la crítica sería notablemente menos apasionada. Aunque con un 91% en Rotten Tomatoes, apenas conseguiría un 71 en Metacritic, dejando la sensación de que era una digna secuela, pero quizás no tan impactante y redonda como la original.
Su tercera parte, Un lugar tranquilo: Día 1, y su videojuego, A Quiet Place: The Road Ahead, se estrenaron ambos en 2024. Y en ambos casos se puede resumir que siguieron la estela de la anterior secuela: producciones relativamente baratas en comparación con las superproducciones de Hollywood, o los AAA del videojuego, que no tuvieron el éxito ni el recorrido de la película original, pero que hicieron un papel digno con la crítica y cumplieron sobradamente las expectativas de taquilla y ventas. Siendo dos éxitos más para la franquicia.
Ahora las dos primeras películas de la franquicia llegan a HBO Max, para que puedas comprobar si de verdad esta franquicia es para tanto. Y si te quedas con ganas de más, Un lugar tranquilo: Día 1 está disponible en streaming en SkyShowtime. Incluso si para ver su cuarta entrega tendrás aún que esperar un poco: hasta el 9 de julio de 2027.
El confinamiento por Covid-19 fue un periodo crítico para la industria del cine, donde la creatividad se puso a prueba y las producciones tuvieron que adaptarse a las restricciones sanitarias. En este contexto, la película protagonizada por Ice Cube, una versión contemporánea del clásico La Guerra de los Mundos de H.G. Wells, se ha convertido en un fenómeno controvertido, pero no por las razones que sus creadores esperaban.
Una película que salió mal por el COVID
Filmada en solo 15 días durante el confinamiento, la película fue producida sin la presencia del director Rich Lee ni de otros actores, lo que, según Cube, tuvo un impacto negativo en su calidad. En una reciente entrevista, el actor reveló que grabó sus escenas de manera remota, enfrentando la narración de una invasión alienígena desde la pantalla de su computadora, utilizando plataformas digitales como Zoom y WhatsApp. Esta decisión creativa ha sido objeto de críticas por la falta de dinamismo y por parecer más un anuncio de Amazon que una verdadera producción cinematográfica.
A pesar de sus críticas devastadoras, que incluyen una calificación del 0% en Rotten Tomatoes y reseñas que la catalogan como una de las peores películas de la historia, el filme ha encontrado un inesperado nicho en el fenómeno del “hate-watch”. La audiencia ha comenzado a disfrutar de lo malo, comentando y compartiendo escenas absurdas en redes sociales. La peculiaridad de su estilo y su enfoque atípico han atraído a los espectadores que buscan entretenimiento a través del fracaso.
Medios como Variety han calificado el filme como “largamente comercial” y otras publicaciones lo consideran “progresivamente ridículo”. No obstante, el interés que ha generado en internet sugiere que, a pesar de las críticas, esta obra ha logrado hacerse un espacio en la cultura pop moderna, convirtiéndose en un fenómeno de discusión colectiva sobre las producciones cinematográficas durante tiempos de crisis.
Guillermo del Toro recibió una ovación de dos minutos tras la proyección de su anticipada película Frankenstein durante su estreno en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) este lunes. La película, que ha sido un proyecto de toda la vida para el célebre director, ya había obtenido una ovación de 15 minutos en su premier mundial en el Festival de Cine de Venecia.
Una película que arrasa allá donde va
El evento contó con la presencia de las estrellas de la película, incluyendo a Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth y Christoph Waltz, así como de los productores Scott Stuber y J. Miles Dale. La audiencia se mantuvo aplaudiendo de pie tras los créditos iniciales, lo que llevó a un segundo aplauso cuando del Toro y el elenco ascendieron al escenario para una sesión de preguntas y respuestas.
En la charla, del Toro enfatizó que la historia debía ser contada a gran escala, describiéndola como un relato moderno de Prometeo. “La realidad es que durante años traté de narrar una historia sobre mi padre y yo como hijo,” explicó del Toro, quien añadió que, tras convertirse en padre de dos hijos, Frankenstein se transformó en una historia sobre relaciones paternales. El director también mencionó que la película aborda el tema del perdón, algo que se vuelve más relevante con la edad.
Isaac, quien interpreta a Victor Frankenstein, confesó que se emocionó hasta llorar al leer el guion, mientras que Elordi compartió su complejo enfoque físico y emocional para interpretar a la criatura, afirmando que buscó emplear su subconsciente en la actuación.
Quentin Tarantino es conocido por su maestría en el diálogo, y su habilidad quedó claramente reflejada hace 16 años en la película Malditos bastardos, que muchos consideran su obra maestra. El film, ambientado en la Segunda Guerra Mundial, destaca no solo por su narrativa audaz, sino también por la memorable escena inicial que captura la atención del espectador desde el primer momento.
Un absoluto éxito financiero
La película, que sigue a un grupo de personajes con la misión de asesinar a Adolf Hitler, tuvo un rendimiento comercial impresionante, recaudando 321.4 millones de dólares a nivel mundial con un presupuesto de 70 millones. Además, recibió elogios de la crítica, acumulando un 89% de calificación en Rotten Tomatoes. Tarantino ha expresado que Malditos bastardos es su “obra maestra”; esta afirmación se sustenta en su impactante apertura.
La escena inicial, que dura 20 minutos, nos sumerge en una atmósfera de tensión en la campiña francesa, comenzando con una imagen idílica que pronto se convierte en un escenario de amenaza. Aquí, Hans Landa, interpretado por Christoph Waltz, se encuentra con Perrier LaPadite, un agricultor que oculta a judíos en su sótano. A través de un diálogo cuidadosamente elaborado, Tarantino establece el conflicto inminente, punteando el encuentro con una cordialidad tensa que mantiene al espectador al borde de su asiento.
Waltz, cuya actuación como Landa le valió el Oscar a Mejor Actor de Reparto, ha transformado a este personaje en uno de los más icónicos del cine moderno. Malditos bastardos fue nominada a ocho premios Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, consolidando su lugar en la historia del cine contemporáneo. La combinación de la escritura y la dirección de Tarantino ha dejado una huella indeleble en la memoria del público, asegurando que su inicio brillante sea recordado por años.
La película Good Boy se presenta como una innovadora aportación al género de terror, destacándose por narrar la historia desde la perspectiva de un perro. Esta singularidad no solo la distingue de otras producciones, sino que también la ha llevado a recibir críticas entusiastas. Actualmente, cuenta con un impresionante 95% en Rotten Tomatoes, basado en 20 reseñas.
Le toca pasar miedo al mejor amigo del hombre pasa miedo
Good Boy es el debut en la dirección de Ben Leonberg, quien también es el dueño del perro protagonista, Indy. Esta conexión personal aporta una capa adicional de autenticidad a la narrativa. Según Leonberg, la película explora el amor incondicional y la lealtad de Indy hacia su dueño, presentado como un “buen chico” que está decidido a protegerlo ante una fuerza maligna que amenaza su hogar.
La inspiración para esta originalidad provino de la película clásica Poltergeist, donde un perro percibe lo sobrenatural antes que los humanos. Leonberg menciona que la idea de contar una historia de terror desde el punto de vista de un perro surgió después de ver la mencionada película, donde un Golden Retriever es consciente de los eventos paranormales en su casa. Esta visión renovada del típico trope de casas encantadas promete hacer reflexionar sobre los lazos entre humanos y animales.
Good Boy ha sido bien recibida por la crítica en su presentación en festivales, incluyendo el South By Southwest, donde se alabó su capacidad para transitar por el terror y la emoción. Publicaciones como IndieWire y The Hollywood Reporter han elogiado la obra, destacando la profundidad emocional que se logra a través de la lealtad del perro hacia su dueño.
El filme se estrenará en Estados Unidos el 3 de octubre, aunque todavía no tiene fecha de llegada a España, lo que deja a los aficionados a la espera de su llegada a las salas cinematográficas.
Sydney Sweeney ha dado un impresionante salto en su carrera, pasando de papeles menores a convertirse en una de las actrices más destacadas de la industria. Con reconocimientos por su trabajo en series como Euphoria y The White Lotus, así como en películas como Once Upon a Time in Hollywood, su perfil ha crecido exponencialmente en los últimos años.
Una película que no va a dejar indiferente a nadie
En su última película, Reality, Sweeney interpreta a Reality Winner, una oficial de inteligencia estadounidense que se enfrenta a un intenso interrogatorio por parte del FBI tras filtrar documentos clasificados sobre la interferencia rusa en las elecciones de 2016. Dirigida por Tina Satter, la película se basa en los diálogos reales de los agentes del FBI, lo que agrega un nivel de autenticidad a la ya tensa narrativa.
Reality se aleja de los papeles típicos de Sweeney y le permite demostrar su capacidad actoral con una actuación madura y controlada. En lugar de ser la típica “rubia deslumbrante”, como a menudo se le etiqueta, aquí logra presentar la complejidad emocional de una mujer cuya vida se desmorona en un instante. Críticos han elogiado su actuación, destacando que captura la esencia de Winner de manera notable, logrando un equilibrio entre la vulnerabilidad y la fortaleza.
Actualmente, Reality está disponible para streaming en HBO Max, lo que presenta a los espectadores una historia relevante y de alta tensión que invita a la reflexión sobre temas de actualidad. La película ha sido bien recibida, con un 93% de aprobación en Rotten Tomatoes, un testimonio de su narrativa cautivadora y el talento de Sweeney en un papel que, sin duda, añade una nueva dimensión a su carrera.
La crítica al cine es un ámbito complejo que requiere años de experiencia y argumentos bien fundamentados. Sin embargo, en la era de las redes sociales, las opiniones sobre películas pueden verse influenciadas por modas pasajeras que dificultan encontrar críticas independientes. Uno de los últimos ejemplos de este fenómeno es el estreno de Blue Beetle, una película de DC que ha experimentado una disonancia notable entre las valoraciones de la crítica y las del público.
Una película muy singular entre crítica y pública
A pesar de recibir comentarios negativos en su lanzamiento, la película ha conseguido un impresionante 90% de aprobación por parte del público en Rotten Tomatoes, contrastando con el 78% de la crítica. Este fenómeno puede atribuirse a la creciente desconfianza hacia el género de superhéroes, especialmente después de estrenos recientes como The Flash, que fue ampliamente criticada. Blue Beetle, que introduce al primer superhéroe latino del cine, ha sido igualmente polémica, incluso llegando a ser calificada por algunos críticos como “tediosamente familiar”.
El estreno de Blue Beetle no podría haber llegado en un momento más complicado para el universo DC. La franquicia ha enfrentado múltiples desafíos, incluidos proyectos fallidos y conflictos entre actores. Sin embargo, la película busca aportar algo nuevo al género, combinando acción y un enfoque fresco con su elenco predominantemente latino. Su narrativa ha sido descrita como entretenida y llena de corazón, lo que podría ser la razón de su creciente popularidad entre los espectadores.
En un tiempo en que el cine de superhéroes atraviesa una crisis de confianza, Blue Beetle logra destacar positivamente en medio de la tormenta. A medida que los espectadores se inclinan más hacia la película, se presenta una oportunidad para redefinir las expectativas en un género que ha enfrentado críticas abrumadoramente negativas en los últimos tiempos. Actualmente, Blue Beetle está disponible en el catálogo de HBO, lo que ofrece a más personas la oportunidad de descubrir este nuevo enfoque en el universo de los superhéroes.
Rich Lee, conocido por su trabajo en videos musicales como Venom de Eminem, es el director del recientemente estrenado remake de War of the Worlds. Sin embargo, su más reciente esfuerzo cinematográfico ha sido objeto de críticas extremadamente negativas, logrando un sorprendente 0% en Rotten Tomatoes. Los comentaristas han criticado tanto su formato de metraje encontrado como la dirección y la narrativa del filme, en el que participan actores como Ice Cube, Eva Longoria, Clark Gregg, Iman Benson y Devon Bostick.
Eminem no debe estar dando palmas con las orejas
El videoclip de Venom, dirigido por Lee, es un ejemplo del estilo campy y humorístico que lo caracteriza. En este, Eminem se transforma en un simbionte y, a lo largo del video, el simbionte se transfiere de persona en persona, incluso a un perro, que sorprendentemente empieza a rapear. Este videoclip ha acumulado cerca de 900 millones de visitas en YouTube, lo que refleja la popularidad y el impacto de la canción en la cultura pop. Venom fue escrita para la primera película de la trilogía sobre este personaje de Marvel y Sony, y una remezcla fue lanzada en 2021 para Venom: Let There Be Carnage.
A pesar de los éxitos pasados de Lee en el ámbito musical y la atención generada por el videoclip de Venom, su reciente incursión en el cine ha suscitado reacciones desfavorables. Muchos críticos sugieren que su enfoque y ejecución en War of the Worlds no lograron captar el interés del público, lo que plantea dudas sobre su futuro en la dirección cinematográfica. En este sentido, el contraste entre su éxito en la música y la escasa recepción de su trabajo en el cine es evidente y ofrece un interesante análisis sobre las diferentes facetas de su carrera.
