Thomas Vinterberg, el aclamado director danés conocido por su trabajo en el filme ganador del Oscar Otra Ronda, está llevando su talento a la televisión con su primera serie titulada Families like Ours. Este drama, que tuvo su estreno en el Festival de Cine de Venecia en 2024, ha captado la atención de Netflix, que adquirió los derechos para su distribución en Estados Unidos. La serie se lanzará el 10 de junio de este año.
Cada uno es de su padre y de su madre
Families like Ours explora las complejidades de las relaciones familiares y los dilemas emocionales que surgen dentro de estos lazos. Vinterberg, cofundador del movimiento Dogma 95, es conocido por su enfoque visceral y auténtico en la narración, lo que sugiere que esta serie podría ofrecer una profunda reflexión sobre las dinámicas familiares contemporáneas.
El director ha expresado su entusiasmo por este nuevo formato, señalando que la narrativa en series permite una mayor profundidad de desarrollo de personajes y tramas en comparación con el cine tradicional. Este comentario resuena con la tendencia en el entretenimiento actual, donde las plataformas de streaming se han convertido en incubadoras para la creatividad de cineastas establecidos.
Con Families like Ours, Vinterberg se adentra en un nuevo terreno que promete ser tanto un examen del amor y el sacrificio familiar como una historia conmovedora sobre la búsqueda de la felicidad en medio del caos cotidiano. Mientras tanto, las expectativas aumentan sobre cómo esta serie resonará con el público y si podrá replicar el éxito crítico de sus obras anteriores.
Los fanáticos del cine de Vinterberg y aquellos interesados en el drama familiar no querrán perderse esta serie exclusiva de Netflix, que se prevé que se convierta en una de las mayores atracciones en el catálogo de verano de la plataforma.
Danielle Fishel, conocida por su icónico papel de Topanga Lawrence en la serie Yo y el Mundo, reveló en el último episodio de su podcast Pod Meets World una sorprendente anécdota sobre su famoso corte de cabello durante la serie. En un episodio titulado ‘Hair Today, Goon Tomorrow’, que se emitió en septiembre de 1996, Fishel se atrevió a cortar su cabello por primera vez desde que tenía dos años. El acto, que fue completamente real y no un uso de pelucas, generó una gran reacción del público presente, que lanzó un gran suspiro al verla realizar el cambio.
Adiós melena
Fishel comentó sobre su experiencia, explicando que había tenido el cabello largo hasta la cintura durante la mayor parte de su vida y que estaba emocionada por cortarlo. Sin embargo, la decisión no fue sencilla. Según reveló, tuvo que negociar con Michael Jacobs, el productor ejecutivo de la serie, sobre la longitud del corte. Inicialmente, Jacobs se mostró reticente, pero después de un debate, acordaron que sería relevante tener un episodio que formara parte de la narrativa del programa.
Finalmente, en un ambiente de tensión y emoción, fieron el episodio, donde Topanga corta su cabello con la intención de mostrar a Cory que la apariencia no lo es todo. Durante la grabación, además de la reacción del público, Fishel decidió obsequiar partes de su cabello a los asistentes, una práctica inusual que se alineaba con la tradición del elenco de ofrecer recuerdos a los fans.
Este momento se ha convertido en un hito memorable no solo en la serie, sino en la vida de Fishel, quien se despidió simbólicamente de su época infantil con este corte. Ahora, muchos años después, los fans siguen recordando aquel episodio que abordó temas de autoestima y la importancia de la identidad más allá de la apariencia.
Después del 11-S, en la televisión norteamericana se pusieron tan paranoicos que acabaron prohibiendo que el episodio en el que Homer Simpson subía a las Torres Gemelas a hacer pis se volviera a emitir en las continuas reemisiones de Los Simpson… ¡Durante la friolera de 15 años! Por suerte, se puede disfrutar de él ahora tal cual se emitió en su momento. Y no todos los capítulos de televisión han corrido su misma suerte, porque los streamers hacen y deshacen a su gusto tratando de evitar, como sea, una demanda por incorrección política. ¿Venís a ver los episodios más prohibidos de la televisión? Os aviso: hay series que no os las esperabais de ninguna de las maneras.
It’s always sunny in Philadelphia
Esta sí que os la esperabais, claro: la pandilla del Paddy’s son los personajes más asquerosos, despreciables y malvados que jamás han pisado una sitcom, y a lo largo de sus 170 episodios les ha dado tiempo a hacer de todo, desde burlarse de discapacitados hasta matar sin ningún pudor. Entonces, ¿qué episodio ha sido eliminado y por qué?
Pues en realidad han sido cinco: America’s Next Top Paddy’s Billboard Model Contest (temporada 4), Dee Reynolds: Shaping America’s Youth (temporada 6), The Gang Recycles Their Trash (temporada 8), The Gang Makes Lethal Weapon 6 (temporada 9) y Dee Day (temporada 14). ¿El motivo? En todos ellos se pintan la cara de una u otra manera, y se cree que están faltando a otras razas haciendo blackface (o yellowface, o lo que toque). La realidad es otra muy distinta: precisamente al ser un grupo de gente despreciable no pueden no hacer cosas así. En fin, un error que tarde o temprano tendrán que subsanar.
Los Simpson
Sí, la familia amarilla de Springfield también se ha metido en líos. Una vez solucionado el problema con La ciudad de Nueva York contra Homer Simpson, en 2019 se dejó de emitir en las reposiciones (y, por tanto, también en Disney+) uno de los grandes clásicos de la serie: Papá, loco de atar. O, como muchos lo conocen, “el episodio de Michael Jackson”. En él, un hombre que se cree el cantante acaba mudándose con la familia… ¡Y la voz la ponía el mismísimo Jackson bajo pseudónimo!
El problema es que en 2019 se lanzó el documental Leaving Neverland, que daba pruebas sobre los abusos sexuales infantiles del Rey del Pop, y en Disney no se sintieron cómodos teniendo el capítulo con su voz disponible, así que, en lugar de poner un letrero al inicio o dejar que la gente sacara sus propias conclusiones, lo quitaron por completo. Al Jean, showrunner de la serie, llegó a decir que creía que Jackson había utilizado el episodio para acercarse más a niños, así que de momento queda en el limbo (a no ser que tengas los DVDs originales, claro).
Community
“Six seasons and a movie!”. Si le dices esta frase a cualquier seriéfilo, sabrá inmediatamente a lo que te refieres: Community, la sitcom más loca del siglo, que cada semana exploraba la narrativa de una nueva manera. Un western mezclado con paintball, un episodio musical, un episodio completo en claymation… Y, como no podía ser de otra manera, un homenaje a Dungeons & Dragons. Sí, ese que está totalmente eliminado de todas las plataformas.
Y es que a lo largo del episodio, el profesor Chang se pintaba la cara de negro indicando que era un elfo oscuro, una de las razas disponibles en el juego de rol. Sin embargo, ante el miedo que todos tuvieron a la reacción del público, se vetó en todas las plataformas. Es una pena, porque es uno de los mejores episodios de la serie. Se ve que sacaron solo un 1 en carisma.
South Park
Puede que acabáramos antes desgranando los episodios no prohibidos de South Park, pero caben destacar dos que fueron censurados casi desde su propia emisión: Cartoon Wars, una épica saga en la que Cartman lucha por prohibir Padre de Familia (paradójicamente) antes de que emitan un chiste sobre Mahoma, temiendo los problemas que traerá después. Kyle, por su parte, piensa que es libertad de expresión y no se puede dejar de emitir así como así.
Al final lo emiten en la ficción pero, dando un doble volantazo en la realidad, Cartoon Network no se atrevió a emitir el chiste en sí, prohibiendo un capítulo de South Park sobre la libertad de expresión y las prohibiciones. Increíble, ¿eh? Bueno, pues más increíble es que este episodio vaya a ser prohibido en el streaming junto con otros clásicos como Los Simpson ya lo hicieron, Pip o Atrapado en el armario. Prohibir South Park. Lo que hay que ver.
Bluey
Sí, has leído bien: Bluey, la serie para niños sobre dos niñas que juegan con sus padres, también ha sido prohibida en Disney+. Y no solo con pequeñas ediciones -que, dentro de lo que cabe, entran dentro de la normalidad al adaptar una serie australiana a un público mainstream-, sino quitando un episodio completo, Dad Baby, en el que juegan a que Bandit, el padre, acaba de nacer, mostrando el proceso por el que se le da a luz. El milagro de la vida, sí, pero no para esta serie, aparentemente.
La buena noticia es que está íntegro en YouTube, y podéis comprobar si realmente había para tanto (spoiler: no). En su día, Disney+ también prohibió el episodio Family Meeting, que básicamente es un constante chiste de pedos (fabulosamente terminado, todo sea dicho), pero finalmente decidieron restaurarlo tal cual. ¿Es que nadie va a pensar en los niños?
El show de los Teleñecos
Tiene 50 años, ¿a quién puede hacer daño El show de los Teleñecos? Bueno, no lo sabemos exactamente, pero en Disney+ también se han eliminado los episodios presentados por Brooke Shields (sin ninguna explicación al respecto) y el escritor Chris Langham… después de que en 2007 se descubriera que era un pederasta. No quieres que Kermit y compañía se lleven demasiado bien con alguien así, al fin y al cabo.
El célebre director Martin Scorsese se opuso enérgicamente al desarrollo de un videojuego basado en su icónica película Taxi Driver, el cual fue presentado en el E3 de 2005. Este proyecto, considerado una secuela no autorizada del filme, prometía ofrecer una experiencia de juego similar a la serie Grand Theft Auto, permitiendo a los jugadores asumir el papel de Travis Bickle, el perturbado protagonista interpretado por Robert De Niro. La idea era que los jugadores pudieran transitar libremente un recreado Nueva York de los años 70, trabajando como taxistas mientras exploraban la oscura psique del personaje.
Scorsese se negó a que se produjera el juego
A pesar de contar con la aprobación inicial de Sony Pictures y la participación vocal de De Niro, Scorsese logró ejercer una influencia considerable para impedir el avance del juego, aunque oficialmente no tenía derechos sobre el proyecto. Según declaraciones del productor ejecutivo Dan Kitchen, el director utilizó su prestigio para presionar a Sony, recordándoles las complicaciones que podrían surgir si continuaban. Esto resultó en la abrupta cancelación del desarrollo, a pocas semanas de su finalización.
La compañía desarrolladora Papaya Studios respondió presentando una demanda contra Majesco Entertainment por incumplimiento de contrato, después de haber invertido varios millones de dólares en la producción del videojuego. Aunque otros títulos basados en películas, como The Godfather: The Game, encontraron éxito en el mercado, Taxi Driver se convirtió en un proyecto perdido para la historia del gaming, dejando a los aficionados con la curiosidad sobre cómo habría sido esta adaptación.
Hoy, mientras algunos recuerdan esa época de clones de GTA en el gaming, queda la interrogante de lo que pudo haber sido una secuela de un clásico. Además, la posibilidad de una secuela cinematográfica de Taxi Driver ha estado en discusión en ocasiones, aunque sin avances concretos hasta el momento.
La reciente película El Jockey, dirigida por Luis Ortega, ha generado una mezcla de reacciones en el público y la crítica, considerándose caótica y violenta, con una narrativa que desafía las convenciones tradicionales del cine. A pesar de las críticas, el autor destaca la libertad creativa que esta obra representa, lo que resulta fascinante en el contexto contemporáneo del cine.
Un acercamiento visual puramente contemporáneo
Desde un enfoque visual distintivo que recuerda a los videos de TikTok, Ortega mantiene el personaje principal en el centro de la atención, mientras que el resto de la información visual actúa como un complemento secundario. Esta técnica crea una experiencia cinematográfica impactante, aunque quizás desconcertante para quienes prefieren una narrativa más convencional.
El Jockey amalgama géneros como comedia, thriller, romance, acción y drama queer, presentando una estructura narrativa no lineal que invita al espectador a completar los vacíos de la historia. El film se aleja intencionadamente de la mediocridad del cine actual, proponiendo una alternativa fresca que podría abrir nuevas posibilidades narrativas.
Las actuaciones de Nahuel Pérez Biscayart y Úrsula Corberó han sido elogiadas por su calidad, aportando un carácter único al desenfreno de la trama. Ambos actores, acompañados por un elenco peculiar, ofrecen una representación que respeta la rareza e imprevisibilidad del guion, el cual no teme explorar la violencia física y el humor absurdo.
En definitiva, El Jockey es una obra audaz y sin reservas que exige una disposición del espectador para aceptar su singular propuesta. A medida que el cine busca reinventarse, esta película se erige como un ejercicio de libertad cinematográfica, alentando tanto al director como al público a trascender las limitaciones del cine convencional. La experiencia puede no ser para todos, pero su valentía artística lo convierte en un film que vale la pena explorar.
A pocos días del esperado lanzamiento de la Nintendo Switch 2, un informe de Bloomberg ha suscitado un intenso debate sobre la estrategia comercial de Nintendo en Japón. Según la publicación, la compañía japonesa planeaba permitir que los minoristas obtuvieran un margen de ganancia inusualmente alto del 5% por cada consola vendida, superando el estándar no oficial de la industria, que ronda el 2%. Esta estrategia busca incentivar a los distribuidores locales y asegurar una fuerte presencia de la Switch 2 en las tiendas físicas japonesas.
Nintendo parece que no está de acuerdo con lo que se dice de ella
Sin embargo, Nintendo se ha apresurado a desmentir estas afirmaciones a través de un comunicado en su cuenta oficial de Twitter, donde declaró: “Este texto es mentira. Nintendo no divulga ninguna información sobre las condiciones comerciales con sus socios de distribución y venta minorista”. A pesar de esta aclaración, las acciones de la compañía cayeron un 2.2% en la Bolsa de Tokio, lo que pone de relieve la sensibilidad del mercado ante las noticias relacionadas con la Gran N.
La medida de márgenes más altos busca aliviar la creciente presión sobre los minoristas en un entorno de ventas cada vez más digital, donde las descargas superan a las copias físicas y los accesorios se comercializan en línea. Este cambio de paradigma ha llevado a las tiendas físicas a buscar formas de mantenerse relevantes en la transición hacia un modelo de negocio más digital.
El pasado 16 de mayo se estrenó Destino final: Lazos de sangre, la nueva entrega de la icónica saga de terror que mantiene la premisa de que la Muerte es la adversaria de los protagonistas. A diferencia de muchas secuelas tardías, esta película ha logrado conservar la esencia que los fans tanto anhelaban, ofreciendo muertes creativas y de imposible ejecución. Sin embargo, esta entrega cuenta con un elemento emotivo adicional: el regreso de Tony Todd como William Bludworth, forense emblemático de la serie.
Un actor con una dilatada carrera
La participación de Todd en Lazos de sangre es particularmente significativa, ya que se trata de su último papel antes de su fallecimiento. El actor, quien se convirtió en un referente del cine de terror, fue diagnosticado con cáncer terminal, lo que motivó al equipo de producción a rendirle un homenaje especial. Craig Perry, productor de la película, reveló que Tomado en cuenta su estado de salud, sabían que este sería su adiós en la gran pantalla. “Era evidente que este sería su último papel en una película, y el hecho de que fuera una de Destino Final lo hacía aún más conmovedor”, expresó Perry en una entrevista.
Previo a su muerte, Todd dejó un mensaje que resonará entre sus colegas y aficionados: “La vida es preciosa, disfruta cada segundo, nunca se sabe cuándo. ¡Mucha suerte!”. Lamentablemente, el actor falleció el 6 de noviembre de 2024, a la edad de 69 años, en su hogar en Marina del Rey, California. A lo largo de su carrera, Todd participó en más de 100 películas y series, destacando títulos como Platoon, Candyman y El cuervo, así como en series aclamadas como Boston Public, Expediente X y Smallville. Su legado perdurará en la memoria del cine y el entretenimiento.
Un grupo de amigos con un sentido del humor muy definido
En una reciente entrevista con Destructoid, Fox compartió su proceso de escritura de chistes, un aspecto esencial en su trabajo. Según el desarrollador, su primer filtro para evaluar si un chiste funciona es si él mismo se ríe. Pero también toma en cuenta la opinión de sus amigos, quienes tienen el privilegio de probar el juego antes de su lanzamiento. “Si ninguno de mis amigos piensa que algo es gracioso, puedo intentar mejorarlo”, confesó Fox, reflejando su compromiso con la calidad del humor en el juego.
A pesar de sus esfuerzos, Fox reveló que algunas de sus ideas no lograron el efecto deseado. Un momento cómico específico en el que el personaje Pizzapants (Burgerpants) habla sobre mensajes que ha recibido no logró hacer reír a sus amigos, incluso tras múltiples modificaciones. “Nadie se rió”, explicó Fox. A pesar de su trabajo por ajustar el diálogo, el resultado final seguía sin causar risas. “Esta historia es más graciosa que el diálogo”, comentó el creador, exponiendo la dificultad de captar el humor.
Mientras los fans cuentan los días para la llegada de Deltarune, Toby Fox también ha recomendado algunos videojuegos indie como Balatro y UFO 50 para que disfruten mientras esperan. Con el lanzamiento tan cercano, el mundo de los videojuegos está atento a cómo se desarrollará esta nueva entrega y si el humor de Fox resonará mejor con los jugadores que con su círculo cercano.
El tráiler ofrece una introducción dramática que comienza con el desolador escenario del Ártico, donde el Dr. Victor Frankenstein, interpretado por Oscar Isaac, se encuentra con una tripulación de un barco varado. A través de su relato, se narra la historia de su trágica creación: una criatura hecha de restos humanos que, en su búsqueda por dar vida, desencadena la muerte y la destrucción.
El elenco de Frankenstein es igualmente impresionante, incluyendo a actores de renombre como Mia Goth, Ralph Ineson, Christoph Waltz y Jacob Elordi, quien asumió el papel del monstruo tras la salida de Andrew Garfield del proyecto. A pesar de la atmósfera oscura y escalofriante que se percibe en el tráiler, Del Toro ha subrayado que la película no debe ser catalogada estrictamente como de terror.
Con un enfoque que va más allá del horror, Del Toro busca explorar temas más profundos sobre la vida, la creación, y las consecuencias de la ambición humana. Si bien el tráiler mantiene en secreto el aspecto visual del monstruo, la anticipación por esta adaptación es palpable, dado el historial del cineasta en transformar lo fantástico en experiencias cinematográficas memorables.
La llegada de Frankenstein a la plataforma de streaming promete ser un evento significativo, consolidando aún más a Guillermo del Toro como una figura central en la narrativa contemporánea del cine. A medida que se encuentra cada vez más cerca la fecha de estreno, los fanáticos de su trabajo y amantes del género aguardan con expectación cómo se desarrollará esta historia clásica bajo su singular visión.
El debate sobre la distribución de ingresos en las plataformas digitales de videojuegos ha vuelto a cobrar relevancia en la industria, especialmente entre Steam y Epic Games Store. Mientras Valve se queda con un 30% de cada venta, Epic Games ha adoptado una política más favorable al recibir solo un 12%, lo que permite a los estudios independientes incrementar su margen de ganancias.
Un trato de favor excesivo para quienes más tienen
Thomas Mahler, cofundador de Moon Studios, ha señalado que el modelo de Steam beneficia principalmente a los juegos superventas y a las grandes editoras, quienes obtienen un porcentaje de ganancias más favorable debido a su volumen de ventas. Según Mahler, esta situación crea un entorno desfavorable para los estudios más pequeños, dificultando su capacidad para generar ingresos significativos. “Es difícil verle la lógica”, afirma Mahler, quien también tilda el 30% como un “impuesto agresivamente excesivo”. Además, destaca que las grandes compañías disfrutan de descuentos que los desarrolladores independientes no reciben, aumentando aún más la disparidad en el reparto de ingresos.
En este contexto, Tim Sweeney, CEO de Epic Games, ha respaldado la crítica de Mahler, afirmando que el 30% que toma Valve no solo perjudica a los pequeños desarrolladores, sino que también afecta a los estudios medianos y a los consumidores. La preocupación radica en que, mientras las grandes editoras pueden negociar acuerdos más ventajosos y tarifas de plataforma más bajas, los estudios indie enfrentan un panorama complicado, donde su capacidad de competir se ve mermada.
A medida que la comunidad de desarrolladores sigue debatiendo sobre la equidad en la distribución de ingresos, se espera que estas discusiones influyan en futuras decisiones estratégicas dentro del sector. La configuración actual del mercado puede dejar a muchos estudios emergentes en una posición desventajosa, abriendo la puerta a la pregunta de si este modelo es sostenible a largo plazo.
